Año I

· Núm

ero 1

· Mar

zo 20

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Marzo

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Partitura Espiral

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Dirección: Kike Lugo

Edición: Pavo Aizcorbe

Redacción: Rubén Barrera R.

Diseño Editorial y Gráfico: Yune Ireri

Colaboradores:-Gerardo Zúñiga -Norberto Hernández-Rogelio Martínez Joya-Edgar Jared Flores

Año INúmero 1

Marzo 2012

ContactoWeb:

http://www.conservatoriocelaya.edu.mx/

Facebook:

http://www.facebook.com/partituraespiral

Mail:

partitura.espiral@gmail.com

Nota Editorial

Partitura Espiral es un proyecto de Revista/Boletín realizado por estudiantes y maestros del Conservatorio de Música y Artes de Celaya, con la finalidad de acercar la cultura y el arte, no solo musical, a todas las personas que tengan la oportunidad

de leernos.

Abordaremos temas como tecnología, cine, literatura y letras, artes plásticas, cul-tura y sociedad, técnicas de estudio, etcétera, siempre en una perspectiva relativa

a la música. Éste es nuestro primer numero, nuestra presentación, esperamos sea de su agrado.

Agradecemos todas las facilidades prestadas por el Sistema Municipal de Arte y Cultura de Celaya. También agradecemos infinitamente al maestro Agustín Sala-zar quien, además de brindarnos una entrevista, colaboró en la revisión de algunos

artículos presentados en este primer número.

3 Í N D I C E

Nota Editorial

Música del Corazón

Carta a Carlita

La Coma

¿Qué es Carmina Burana?

Orfeo y Eurídice: del amor al Hades

No puedes separar el tango de la vida

Entrevista al Maestro Manuel Agustín Salazar Pérez

Eventos

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Marzo

[ ]¿Cuántas veces hemos escuchado la frase "me nació del corazón", o "la inspiración viene directo del corazón"?Ahora, ¿Cómo sería si literalmente esto pasara?

Pues el proyecto de Heart Chamber Orchestra está basado en eso, consta de 12 músicos conectados a un electrocardiograma y a su vez a una computadora que monitorea y analiza el estado de estos 12 corazones en tiempo real.Lo que se obtiene en el electro se utiliza para compo-ner una partitura musical al instante, así que la música depende 100% del estado de los corazones. La música literalmente nace del corazón y como los músicos están conectados en circuito cerrado, la música creada evo-luciona por completo durante la ejecución.

Los conciertos de dicha orquesta están acompañados de efectos visuales que también están conectados di-rectamente a la computadora que procesa los latidos decodificándolos y siempre será algo distinto, por eso en esta orquesta los ensayos no sirven para nada, sin director, sin compositor, sólo esa combinación de latidos transformados en sonidos.

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Concierto Audiovisual de la HCO

Por Gerardo ZúñigaMúsica del Corazón

Partitura Espiral

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La idea del proyecto "Heart Chamber Orchestra" se ini-ció en 2003 por Espen Gangvik. La idea inicialmente propuso que el dúo de electrónica PURE y BERGER, ahora TERMINALBEACH, tendría el uso de la orques-ta como parte de una pieza digital basada en la música y el rendimiento. Este fue el nacimiento mismo del pro-yecto HCO.

Heart Chamber Orchestra también imparte talleres, como Heartbeat to anything; que ofrece la oportunidad de explorar y experimentar con las múltiples posibili-dades de los latidos del corazón humano como un me-dio y fuente de expresión artística. Son bienvenidos a unirse a este taller artistas, diseña-dores, músicos y otras personas interesadas en el latido del corazón basado en el biofeedback, la música, el arte sonoro, sonorización y visualización, artes visuales en directo, arte de la luz, la danza o la interacción.

Heartbeat to anything es adecuado para los profesiona-les con diferentes niveles de experiencia en las tecnolo-gías digitales. El taller comienza con una introducción general a la historia de los latidos del corazón y la obra artística, bases médicas y tecnología disponible. Cada participante contará con un sensor de latidos del co-razón que se ha utilizado con éxito en situaciones de rendimiento durante muchos años.Para los participantes que trabajan software, será pro-porcionado un programa listo para usar que convierte los datos de los sensores en MIDI, OSC y los mensajes de DMX. Sirve como interfaz para prácticamente cual-quier tipo de música y software de video en directo sin conocimientos de programación adicional (por ejem-plo, Live, Logic, Cubase, Renoise, Reaktor, VDMX, Mo-dul8, Resolume), para controlar el hardware MIDI ex-terno, como sintetizadores y samplers, y para controlar la luz del escenario. Los instrumentistas con conocimientos de programa-ción o en colaboración con gente especializada, pueden desarrollar las puntuaciones en tiempo real interacti-vos. Estos talleres son impartidos en Noruega por Erich Berger: eb@randomseed.org

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A demás, Heart Chamber Orchestra ha ganado diversos premios; entre ellos:-Premio LUX 20102 º Premio Ganador en la categoría ELECTRONIC SO-NORITY.-VIDA 13.0 Award 2010Mención de Honor.-Prix Ars Electronica 2010Mención de Honor en la categoría de DIGITAL MU-SICS AND SOUND ART.

Es así como la Heart Chamber Orchestra lleva a

tus oídos lo que dicta el corazón.

Marzo

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Carta a Carlita Muchas personas me han preguntado por que razón siempre pongo a los músicos venezolanos como ejemplo y no a los europeos u otros músicos de países de primer mundo… Precisamente porque Venezuela es un país que se asemeja más a nosotros los mexicanos, e incluso en muchos aspectos cualquiera podría decir que en México estamos bastante mejor que ellos. Sin embargo, el hecho de ser latinos nos une mucho en cuanto a idiosincrasia se refiere; y las cosas, tanto malas como buenas que tenemos, las tenemos en su mayoría en común. De ahí que invito a quienes quieran conocer más acerca de esto a que se den una vuelta por YouTube y busquen videos de la Orquesta Sinfónica Juvenil Simón Bolívar o la Orquesta Sinfó-nica Juvenil Teresa Carreño, siendo de ésta última el video del que se hace mención en la carta que a continuación expongo:

Carlita, me gustó mucho el video. Lo primero que quiero que sepas es acerca de lo que realmente hace la

diferencia con los venezolanos, y es muy sencillo y no a la vez.

El maestro Valdemar me comentó que la clave era que todos los músicos pusieran en orden 2 cosas:

"Lo físico y lo mental…” Este punto me parece muy interesante porque reduce a la música a algo bastante

sencillo de entender. Hablando de lo físico, el estudio de un instrumento sinceramente se reduce a eso, no-

sotros lo hacemos más complicado a menudo, pero la realidad es que sólo es eso, desarrollar un conjunto

de habilidades físicas como lo es por ejemplo correr, manejar, etc. Si entendemos eso podemos encontrar

después las técnicas que le permitan a nuestro cerebro y cuerpo desarrollarnos de la manera más cómoda

posible, es decir "bueno, bonito y barato". De esto podríamos debatir un buen rato. Por ejemplo, fíjate lo

que sucede con muchos solos; los músicos voltean a ver al director. Esto nos está indicando que lo tienen

de memoria. Encontramos ahí una primera herramienta que después de probarla te puedo decir que ¡¡¡es

otra onda!!! La memoria muscular es realmente la clave, para lograrlo hay que convertirse en experto de dicho pro-

ceso. Es algo que los venezolanos hacen mucho. De los alientos otra cosa que aprendí es que los dedos pa-

recen apenas moverse, es decir, hay una relajación muy grande cuando tocan, apenas levantan las llaves

y las vuelven a tapar... Cuando puedes tocar relajado completamente un pasaje, entonces sabes que has

alcanzado un grado específico de dominio sobre el mismo.

Entonces, si conjuntamos memoria muscular con relajación, tenemos los resultados de los venezolanos y

es algo que de verdad cualquiera puede hacer, no es algo para los talentosos únicamente ni nada de eso.

Ahí tienes ya 2 ejemplos de técnicas que podemos utilizar con respecto a lo físico, y ahora vamos con lo

mental, que es muy interesante... Todos ellos tienen una misma filosofía, hay una ideología detrás de lo

que hacen. Su frase más usada es "debes tocar pa’ adelante", con esto se refieren a que uno siempre debe

tocar con una actitud de confianza, como si fuera a devorarse el instrumento y el sonido, creo que eso es

más que claro cuando los ves tocar. En los ensayos por supuesto que hay equivocaciones y correcciones

como cualquier otro, pero su actitud es la misma... Si se equivocan no hay problema, pero ese afán de

“tocar pa’ adelante" nunca lo pierden.

Esta idea es motivada por una historia que nos contó Valdemar. El siempre decía: "Nos cansamos de tra-

tar de tocar como alemanes, rusos o franceses; nosotros somos latinos y nos gusta tocar como latinos, pero

eso si, tiene que estar bien hecho para que no te puedan decir nada; afinación, matices, arcadas, ligadu-

ras, acentos, en fin, todo lo que está en la partitura tiene que estar en su lugar. Pero seguiremos tocando

como latinos, los latinos tocamos fuerte, nos gusta que nos escuchen, tocamos con energía, tocamos pa’

adelante..." Carta realizada por Norberto Hernández para Carla Cachú, maestro y estudiante respectivamente, del Conservatorio de Música y Artes de Celaya.

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Por Norberto Hernández

Tercera en sistema de HolderLa

440 HzDo#

556.7872463 HzTercera acústicamente perfecta

La440 Hz

Do#550 Hz

Tercera sistema temperado actualLa

440 HzDo#

554.365262 Hz

Partitura Espiral

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La Coma

En mi opinión, esta información nos sirve para poder ejecutar nuestra música de una manera más adecuada. Nos permite acercarnos más a la afinación más apta para conti-nuar con el desarrollo musical, ya que, al igual que nosotros, nuestros antepasados se han esforzado por llevar la música más allá. Bibliografía:http://es.wikipedia.org/wiki/Coma_de_Holderhttp://es.wikipedia.org/wiki/William_Holderhttp://www.elsaposabio.com/musica/?p=1145http://www.sectormatematica.cl/musica/esferas.pdf

Por Rogelio Martínez Joya

Muchos de nosotros hemos es-cuchado alguna vez el término "Coma"... Nos han dicho que ésta

divide un tono en 9 partes iguales, que por eso un Fa# está ligeramente mas arriba que un Solb, pero, ¿es esto cierto?. Comencemos por definir la Coma.El verdadero nombre de la coma que cono-cemos es "Coma de Holder". William Holder (Southwell, 1616 - Hert-ford, 24 de enero de 1698) fue un teórico musical, clérigo y filósofo natural inglés del siglo XVII.

Holder diseñó un sistema temperado que dividía la octava en 53 partes iguales, a cada una de estas partes se les llama coma, un semitono cromático consta de 5 comas y un diatónico de 4.

Según el sistema de Holder el Fa# sí es mas alto que el Solb, sin embargo, según la ter-cera mayor acústicamente perfecta, ¡la ter-cera de Holder está muy alta!

En la siguiente tabla se muestran las dife-rencias entre los diferentes sistemas que conocemos.

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Marzo

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¿Qué es Carmina Burana?

Muchas veces escuchamos hablar del Carmina Bu-rana. Sabemos que se representa en todo el mun-

do, e incluso hasta hemos tarareado o cantado algún fragmento de esta obra. Sin embargo muchos descono-cemos qué es el Carmina Burana. La respuesta es muy sencilla. Etimológicamente "Carmi-na" proviene del latín cármen o cárminis, que significa "canto, poema", y "Burana" es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia "de Bura". Es decir que Carmina Burana significa "Canciones de Beuren". Esta colección de cantos se escribieron en los siglos XII y XIII, y están reunidos en un manuscrito encontrado en Benediktbeu-ren, Alemania en el s. XIX. Este códice con 300 rimas está escrito la mayor parte en latín (sin metro clásico), y el resto en alemán y francés antiguos. Estos cantos son la muestra más importante de la poe-sía profana en latín medieval, y la más representativa de la poesía goliárdica. Los goliardos eran un grupo social formado por los clerici vagantes (clérigos errantes de vida libre) y por estudiantes de las diversas universida-des nacientes, quienes escribieron estos poemas para expresar el gozo por vivir y por la naturaleza, el interés por los placeres terrenales y por el amor carnal, así como para criticar y satirizar a los estamentos sociales y ecle-siásticos. Pero ¿quién ha hecho tan famosos estos cantos?El compositor alemán Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 – Múnich, 29 de marzo de 1982) hizo una selec-ción de 25 poemas del códice de Beuren, a los cuales musicalizó. Es así como surge la cantata profana "Car-mina Burana", la cual el autor subtituló como Cantiones profánae cantóribus et choris cantándae comitántibus instrumentis atque imáginibus mágicis, que significa " Canciones profanas para cantantes y coristas, para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas". Orff escribió su Carmina Burana entre 1935 y 1936, y desde su estreno, acaecido el 8 de junio de 1937, ha cau-sado sensación en todo el público que la escucha. Esta fascinación por la música de Carl Orff se debe a que el ritmo desempeña un papel fundamental en la creación de este compositor, y de su obra se desprende una espe-

cie de fuerza primitiva irresistible. Orff sabía que con esta obra comenzaba una nueva etapa de su quehacer musical, y de alguna manera era consciente del éxito que obtendría con su cantata profana. Inclusive en una carta a su editor musical escribió: "¡Puede destruir todo lo que he escrito hasta ahora y que usted desagraciadamente ha publicado! Con Carmina empiezan mis obras com-pletas". El Carmina Burana forma parte de la trilogía "Trionfi", que comprende la citada obra junto con "Catulli Carmi-na" y "El Triunfo de Afrodita". La Carmina Burana está dividida en 7 partes: Fortuna, emperatriz del mundo; En Primavera; En el Prado; En la Taberna; Corte de Amor; Blancaflor y Helena; y Fortu-na, emperatriz del mundo. Éstas a su vez están subdivi-didas, siendo el "O Fortuna" el fragmento más famoso, que es con el que se abre y se cierra esta magnífica obra.

Página del códice orignal

Por Rubén Barrera R.

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Partitura Espiral

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Orfeo y Eurídice: del amor al Hades¿Alguna vez creíste que la Lira te llevaría hasta lugares desconocidos para recuperar al amor de tu vida? Esta historia se centra en dos personajes: Orfeo, músi-co por excelencia, y Eurídice, su esposa. Pertenecen a la <mitología griega>. Un <mito> se refiere a una fábula, es ficción que tra-ta principalmente materia religiosa. Su característica es que se transmite oralmente, aunque después sea por es-crito.La <mitología> es la ciencia que estudia el origen, significado y desarrollo de los mitos. También se le llama así al conjunto de mitos que conforman la base de muchas culturas y civilizaciones. Conocido como el “Padre de los cantos” en el siglo VI a. C., Orfeo es uno de los principales poetas y músi-cos de la antigüedad, hijo de la musa Calíope. Reci-be la lira de Apolo y le agrega dos cuerdas más para que fueran nueve, en honor a las nueve musas. Se le atribuye la invención de la cítara.Se unió a la expedición de los Argonautas, a quienes ayudó a superar, con su música, di-versos obstáculos en el camino, ya que con ella era capaz de calmar a las bestias sal-vajes, mover árboles y rocas, detener los ríos y opacar el canto de las sire-nas. Simboliza el valor de la músi-ca como arte divino y humano. Posteriormente, se casó con la ninfa Eurídice, quien mue-re a causa de una mordida de serpiente. Orfeo decide descender al Hades, el in-framundo, hundido en una búsqueda desesperada por su esposa.

En la versión de Monteverdi, Or-feo duerme con su canto al barque-ro de las almas, Caronte, así es como

logró cruzar el río. Cabe mencionar que durante la es-tadía de Orfeo el Hades tuvo paz por primera y única vez gracias a su música, con la que libró todo obstáculo que se le presentara y conmovió a Perséfone, quien a su vez persuadió a Plutón, dios del Hades, para que le permitiera regresar con Eurídice al mundo de los vivos. Entonces fue condicionado a no voltear hasta que su amada fuera completamente bañada por los rayos del sol. Hecho el pacto, partió guiando a la ninfa entre la oscuridad con su lira. La inquietud de Orfeo aumentaba durante el recorrido, pero no volteaba aunque pasaran junto a algún peligro

o demonio. Al llegar a la superficie, comenzó a dudar si lo habían engañado o no, pues era la única opor-tunidad que tenía para regresar, así Orfeo giró la cabeza, para ver si en realidad lo seguía su amada y ella se desvaneció por completo, pues aún no había sido totalmente bañada por el sol, termi-nando trágicamente su historia de amor.

Este mito dio origen a la segunda ópera “Eurídice”

(1600) de Jacopo Peri, que se con-sidera la primera, no como

“Dafne” (1598) del mismo autor, que

sólo se con-servan frag-

m e n -tos. Dos

años más tarde, apa-

rece la ver-sión de Giulio

Caccini "Eurídi-ce" (1602) con el

libreto de Ottavio Rinuccini, que se ha-

bía establecido en la de Peri.

Por Pavo Aizcorbe

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Marzo

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En Florencia en el año 1600 se representó “Eurídice” de Peri por la celebración del matrimonio entre María de Médicis y Enrique IV de Francia. A esta boda asistieron Vincenzo Gonzaga y su corte, entre ellos se encontraba Claudio Monteverdi. Debido al éxito de la obra, Gonza-ga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.

“Eurídice” de Peri: http://www.youtube.com/watch?v=6QK47uaF0HY

Posteriormente, Monteverdi escribió “L’Orfeo” (1607) donde utilizó abundantes instrumentos, algo poco usual en esa época. Ésta obra es uno de los primeros ejemplos de la asignación de ciertos instrumentos a ciertas partes, pues a pesar de que se venía ejecutando esta práctica por casi dos décadas en la Escuela de Venecia, la instru-mentación de Monteverdi es característicamente explí-cita. Esta obra es entonces, mucho más destacable por su variedad, su continuidad y su interés musical. Para

Peri y Caccini, la ópera era sobre todo literatura, por lo que la instrumentación no la considera-ban tan importante.

“L’Orfeo” de Monteverdi: http://www.youtube.com/watch?v=0mD16EVxNOM&feature=fvst

Christoph Gluck, Franz Liszt y Jacques

Offenback han sido algunos compositores que t am- bién han escrito obras sobre este

mito. La música de Gluck se

adaptó al drama, con recita-tivos, arias

y coros

e n -t r e -

m e z -clados en

grandes es-cenas agru-

padas; el “Coro de las Furias”, en el II acto de “Orfeo ed Euridice”, está más integrado en la acción. En esta escena, Orfeo ha descendido a los infiernos, donde las Furias lo desafían con tonos estridentes potenciados por los trémolos de las cuerdas, las trompas y los trombo-nes. Él responde con súplicas de piedad, acompañado por el arpa y las cuerdas pulsadas que simulan el tañido de la lira. La oposición de instrumentos y voces en la interpretación, así como de timbres, tonalidades, niveles dinámicos y estilos, contribuye a que la música ahonde en el conflicto dramático. Fragmento del acto II de “Orfeo ed Euridice” de Gluck:

http://www.youtube.com/watch?v=7vg5fH6YhZA En cuanto a literatura, “El marido más fuerte” de Félix Lope de Vega, “El divino” de Pedro Calderón de la Barca y “Orphée” de Jean Cocteau son obras inspiradas en esta historia. Numerosas pinturas son producto de la inspiración que causa esta fábula. ¿Por qué Orfeo?La historia es envolvente e inspiradora, por supuesto, relata un amor que después se vuelve imposible y es un tanto dramático por que la historia depende directa-mente de las decisiones del personaje.Es una historia que ha dejado huella en diferentes cultu-ras al haber inspirado obras tanto musicales y literarias como al teatro y la pintura.

Y a ti, ¿Qué te deja ésta historia?

Bibliografía: -Enciclopedia Integral para el Estudiante, Tomo 3, Grupo Sur Editorial.-Diccionario de biografías, Editorial Nauta.-Mitos griegos, Marcia Williams, Ediciones B.- es.wikipedia.org/wiki/Orfeo.- en.wikipedia.org/wiki/Euridice_ (Caccini)- es.wikipedia.org/wiki/Orfeo_ (ópera)-Historia de la música occidental, Claude V. Palisca, 7º edición

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Partitura Espiral

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Ficha Técnica:Dirección -Miguel KohanProducción - Lita Stantic, Walter Salles y Gustavo SantaolallaGuión - Miguel Kohan y Gustavo SantaolallaMontaje - Alejandra Almirón y Gonzalo Santiso

Para este mes de marzo, el Conservatorio trae para to-dos nosotros un gran concierto que lleva por nombre "Pasión del sur, con alma de guitarra y sangre de ban-doneón", en el que se interpretará repertorio de Pujol, Piazzola y A. Martin.Así que para estar más a tono, ¿por qué no dar una vuel-ta por Buenos Aires en los años 50? Cuna y época de oro del tango. “Café de los Maestros” es una película del género docu-mental que nos presenta algunas de las más grandes per-sonalidades del tango. Maestros como Emilio Balcarce, José Libertella, Virginia Luque, Alberto Podestá, Lágrima Ríos y Horacio Sal-gán nos hablan, nos abren la puer-ta de sus recuerdos y nos trans-portan a esa época dorada en la que el tango superó la simple etiqueta de estilo musical para convertirse en una pasión y un estilo de vida. En junio del 2005 se publicó un álbum de dos volúmenes en el que Gustavo Santaolalla reunía a una veintena de leyendas vivientes del tango. La pelí-cula se realizó básicamente con tomas obtenidas duran-te la grabación de este proyecto. Es impresionante ver cómo gran parte de estos maestros sobrepasan los 70 años, tristemente, algunos fallecieron antes de publicar el film; sin embargo es admirable la energía que desbor-dan a la hora de interpretar sus tangos. "Es el retrato de una generación" diría Miguel Kohan, director.

De artista en artista recorreremos los viejos rincones donde se escuchaba y bailaba el tango, veremos cómo renuevan su música, realizan arreglos y reviven toda esa pasión; para finalmente cerrar con una emotiva presen-

tación en el Teatro Colón de Buenos Ai-res.

Debemos recordar que el arte siempre responde al contex-to cultural y social con el que coexiste. Ésta película nos acerca un poco a ese contexto

para comprender más a fondo la esencia del tango, así que para to-

dos aquéllos que quieran acercarse y conocer un poco más de ese folklore argentino desbordante

de melancolía y pasión, les recomendamos verla. Es una excelente carta de presentación para el tango. Los dejo con unas palabras emblemáticas de dos gran-des maestros:“No puedes separar el tango de la vida.” - José Libertella“Si cuando ustedes escuchen un tango (¡Bien tocado! -aclara el maestro-) no sienten un estremecimiento en el pecho, dedíquense a otra cosa.” - Carlos García.

No puedes separar el tango de la vida.Por Kike Lugo

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Marzo

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Entrevista al Maestro Manuel Agustín Salazar Pérez

Entrevista realizada el 01 de marzo de 2012, a Agus-tín Salazar, maestro del Conservatorio de Música y Artes de Celaya, quien imparte distintas cátedras como Piano, Armonía, Contrapunto, Canto Grego-riano, Orquestación y Reducción, entre otras. Maestro, para comenzar, háblenos de su formación… ¿Cuáles son sus estudios?Mis estudios fueron una maestría, dos licenciaturas y dos bachilleratos; básicamente son 5 carreras, y estamos ha-blando de Composición, Piano, Dirección Coral, Canto Gregoriano y Órgano. Principalmente fue la carrera de composición, la que llevé hasta la maestría, pero todo fue en base al estudio del piano. Yo comencé estudiando piano en el Conservatorio Nacional de Música de México y la idea era obtener la licenciatura. A mitad de la carrera me fui a estudiar a Italia. ¿Cuánto tiempo estudió en el extranjero?14 años, joven. ¿Podría decirnos en qué lugares estuvo? ¿En qué es-cuelas?Empecé estudiando privadamente con un maestro de com-posición, Edgar Alandia, que era en aquel tiempo quien tenía la cátedra de composición en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma, después de eso fue que entré al Pontificio Instituto de Música Sacra de Roma. ¿Cómo fue para usted esta experiencia?Pues hubo de todo, definitivamente fue algo com-plicadísimo, estando allá desde luego que se obtie-nen cosas buenas, se ven cosas increíbles y se vive muy muy bien, pero para eso hay que picar piedra y yo realmente los primeros 3 años estuve apunto de renunciar continuamente, la parte económica es la que a todos nos afecta, ya que yo estuve becado has-ta que entré a la escuela y por fortuna fue una beca del 100% y hasta terminar los estudios. Maestro, desde su punto de vista ¿cómo cree que de-

Por Edgar Jared Cobo y Kike Lugo

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Partitura Espiral

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bería ser un medio óptimo para la formación y desa-rrollo de músicos profesionales?Son tantas cosas... El lugar de estudio debe ser cómodo y no debe haber interferencias de ningún tipo como rui-dos e interrupciones, lo ideal es tener un espacio en casa donde puedas trabajar 8 ó 10 horas en el instrumento. No todos tenemos esa posibilidad así que hay que adap-tarse, pero esto de la música es algo tan delicado, tan complicado, que estas in-terferencias nos pueden hacer daño en nuestro desarrollo.Es importante encontrar gente con la que puedas crear una relación, es ne-cesaria la comunicación ya que en esto de los músicos es algo complejo porque todos tienen una gran sensibilidad y eso ya nos pone en situaciones que a don-de vayamos puede que no estemos có-modos, ya que no todo el mundo puede mantener un diálogo de música con no-sotros, entonces es difícil comunicarnos con toda la gente, pero si estamos aquí, en un medio como lo es un conserva-torio, entonces la mayoría tendremos tendencias comunes y debemos aprove-charlo para crecer. En lo que respecta el ámbito musical, ¿cuáles diría que son las principales virtudes con las que cuenta un país como lo es México o incluso una región como Amé-rica latina?Lo primero son los jóvenes, hay mucha juventud; aun-que inician muy tarde. Ese es un gran problema cultural de México, la música se tiene que estudiar desde los 4 o 5 años de edad y aquí de eso simplemente no hay.En cambio, he conocido jóvenes de 18 años que se es-tán recibiendo en licenciatura, cuando aquí a esa edad apenas empiezan, entonces eso es una gran desventaja pero por otra parte hay tanto entusiasmo y sensibilidad que eso es lo bueno de este país, son tantos jóvenes con ganas de hacerlo y que lo pueden hacer. No obstante que estamos en desventaja, pero el potencial que tienen los

jóvenes es lo que ayuda a que puedan hacer las cosas. Maestro, para nuestro conservatorio usted es una autoridad respecto a la cátedra de Armonía, sin em-bargo, para muchos estudiantes, sobre todo para los que recién empiezan, no queda muy claro qué hacen exactamente, resolver ejercicios y desarrollar habi-

lidades. Pero en síntesis Maestro… ¿Cuál diría qué es la finalidad con-creta del estudio de la armonía?La Armonía es una materia obligato-ria en todo conservatorio, como Solfeo o Historia de la música, es parte de la formación y es importantísima, es una materia muy complicada por que es una materia que tiene que ver con las ma-temáticas. Y aprender cómo formar un acorde, con nuestro material que son los sonidos, el aprender a enlazarlos y que tengan un buen resultado, no es sencillo. Uno de nuestros objetivos es que los jó-venes aprendan a leer una partitura. Es como entender la química de las cosas, en la música es entender la unión de sonidos, para poder interpretar correc-tamente una partitura, ya que si com-prendemos las funciones y los enlaces de los acordes podemos dar mucho mas énfasis en la interpretación. Si no cono-cemos eso, lo vamos a tocar todo igual.

El estudio de la armonía además lleva a un desarrollo cerebral impresionante, parece mentira pero el desarrollo del cerebro entra en una dinámica en la cual entiende la música mucho mejor; solamente de ver la partitura voy a entender como está formado todo y así saber qué es lo que tengo que hacer. Nosotros, como estudiantes recién iniciados, ¿al to-mar una partitura ya podemos comenzar a pensar en un análisis, ver las funciones, aplicar los conocimien-tos que vayamos adquiriendo? ¿o más bien debemos esperar a tener un elevado conocimiento de tema?No, lo pueden hacer desde ya. En cuanto uno va cono-

"Es como

entender la química

de las cosas,

en la música es

entender la unión de

sonidos, para poder

interpretar

correctamente una

partitura"

13

Marzo

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ciendo los diferentes acordes y sus funciones, ya debe uno hacer el esfuerzo de aplicar esos nuevos conocimientos, quizás no voy a reconocer muchas cosas y me quedaré limitado, pero si de pronto ya ubicamos un acorde de séptima de dominante y vemos cómo lo maneja tal com-positor, si además vemos que ése compositor no respetó alguna regla, como por ejemplo, si subió la séptima, más adelante habrá una respuesta del por qué lo hizo y por el momento ya me estoy adentrando. Y sí, es necesario que desde que inician comiencen a aplicar los conocimien-tos, ya que el objetivo es ese, que al tener una partitura entendamos toda la obra, la armonía, las funciones, las frases, semifrases, el periodo. Es algo también muy im-portante para poder darle la intención que el compositor quiere, al ver esa partitura podemos dar la interpreta-ción más acertada, con la intención más cercana a la del compositor. Maestro, la mayoría de nosotros los estudiantes sólo conocemos su faceta de profesor, por ende lo que co-nocemos es una persona más bien estricta y seria, así que ahora que estamos fuera del salón de clases rom-pamos un poco el hielo, cuéntenos... ¿Cómo era su relación con la música antes de empezar a estudiarla formalmente?Mi situación fue muy curiosa, ya que yo he amado la música prácticamente desde siempre; mi padre estudia-ba violín y él siempre tenía música clásica sonando, en el auto, en la casa. Me ponía en la sala a que me sentara y escuchara un concierto, luego me explicaba qué concier-to era, yo escuchaba todo el concierto. Para mí fue una cosa con la que crecí y era normal, no se me impuso nun-ca nada. Mi mamá también estudiaba piano y lo curioso es, que teniendo mis dos padres que estudiaban música a mí nunca me pusieron a estudiarla. Y yo el piano lo amé desde siempre, nací tal vez amando el instrumento, pero no pude estudiar hasta que cumplí 15 años, que además fue cuando murió mi abuela, y siendo ella la que tenía el piano de mi madre, cuando muere me lo dan a mí y así comencé mis primeras clases de piano. Era algo que yo siempre quise, pero nunca se preocuparon de darme, y yo al ser un niño no hacía más al respecto. Pero a mí siempre me gustó, cuando era niño y visitaba a mi abue-la me ponía a jugar con las teclas negras y blancas sin saber todo lo que hay detrás, yo no sabía además que mi

mamá tocaba el piano, que eso es lo peor; si yo hubiera sabido pues le habría dicho: “¡Oye mamá enséñame, en-séñame, enséñame!” Pero yo no sabía. - Risas - Para finalizar la entrevista Maestro, mencione algu-nas personas a las cuáles admire o que hayan sido determinantes en su vida.Bueno, pues hubo un maestro que estuvo diciendo y diciendo continuamente: “Jóvenes, tienen que salir del país, ir a estudiar a Europa o Estados Unidos para elevar su nivel.” Era el Maestro Guillermo Noriega, que es com-positor; fue mi maestro de Armonía en el Conservatorio Nacional de Música. Él en cada clase nos decía lo mis-mo: “Jóvenes tienen que salir del país…” así que en cuan-to tuve la oportunidad, esas palabras me llegaron. Yo lo decidí en una plática, en una fiesta, simplemente dije: “Me voy, sin detenerme a pensarlo, por que si lo pienso más, no me voy a ir…" Aquí también es importante algo que me decían mis compañeros: "Yo no me voy a Europa ahora, porque quiero aquí subir más mi nivel para llegar allá más pre-parado" cosa que sí puede ser, pero aquí en México te-niendo tantas carencias, probablemente uno va a llegar allá a prácticamente empezar de nuevo. Así que pueden ir desde ahora y empezar a subir al nivel que ellos tienen. Lo ideal es tener aquí una licenciatura o un bachillerato para ir a buscar una beca.Agregando unas personas más, pondría a Ma. Teresa Rodríguez, que me dio una base muy muy fuerte en el piano, y en Italia los dos maestros que para mí… ¡Bueno es qué fueron tantos! Mi maestro con el qué me recibí en composición, Valentino Miserachs.Y mis dos maestros de piano, Enzo Stanzani, con quien estudié unos 8 años, él fue el que me resucitó y me hizo hacer un trabajo con el que ningún maestro he tenido. Luego llegó otro maestro también impresionante, fue Antonio Sardi de Letto, con quien también realicé un gran trabajo al piano. Federico Del Sordo con quien es-tudie Órgano. Domenico Bartolucci, también maestro de composición. Y desde luego, Edgar Alandia.

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Partitura Espiral

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Eventos de Marzo

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Martes 20 de Marzo 8:30 p.m.

Recital de Piano con Michael Tsalka (Israel)

Teatro José Nieto Piña de la Universidad de Celaya

Jueves 22 de

Marzo 8:30 p.m.

Cuarteto Sequenza

Teatro José Nieto Piña

de la Universidad de Celaya

Eventos por parte del Conservatorio de Música de Celaya

Marzo

[ ]

Partitura Espiral

[ ]

MÚSICA DANZA A. PLASTICAS CINE TEATRO

16 marzo

8:30 p.m.Tres tenores mexicanos con

la Trova CelayenseAlberto Ángel el Cuervo

Humberto CraviotoValente Pastor

Auditorio Municipal Francisco Eduardo

Tresguerras Entrada general $150 °°

14 marzo

5:00 p.m.Presentación del grupo de

Danza Clásica y Contemporánea del

SISMACJardín de San Agustín

Entrada Libre

16 marzo - 22 de abril

8:00 p.m.Encuentros

Collage e intervenciones de Carlos Villegas Ivich

Paisajes construidos como utopíasFiguras creadas como relatos

Inesperadas continuidadesFragmen-tos de vida revalorados

Galerías Jorge Alberto Manrique de

Casa de la CulturaEntrada Libre

13 marzo

6:00 p.m.Cine Club Oxígeno

Ciclo: Darren Aronofsky“El luchador” (The wrestler)

Año: 2008Género: Drama

Foro Puerta de Oro del Bajío de Casa de la Cultura

Entrada libre.

3 Funciones

17 marzo24 marzo 31 marzo

8:00 p.m.TESPIS TEATROPresenta la obra:

AUTOPSIA A UN COPO DE NIEVE

Original de: Luis SantillánDirección: Rolando Liéva-

nos.Sala Hermilo Novelo de Casa

de la CulturaEntrada general $ 50 °°

18 marzo

11:00 a.m. Grupo Tribu

2:30 p.m. Trova de la Casa de la Cultura de Celaya

4:00 p.m. Banda infantil y juvenil Banda Municipal.

Parque BicentenarioEntrada libre.

18 marzo

12:30 p.m. Grupo de Danzas Polinesias

Parque BicentenarioEntrada Libre

20 marzo- 13 de abril

5:00 p.m.SOLES

Colectiva de pintura e instalación

Galería El Claustro deCasa de la Cultura

Entrada libre.

20 marzo

6:00 p.m.Cine Club Oxígeno

Ciclo: Darren Aronofsky “Pi” (fe en el caos)

Año: 1998Género: Intriga. Fantástico.

Drama Cine independiente USA

Foro Puerta de Oro del Bajío de Casa de la Cultura

Entrada libre.

2 Funciones

15 marzo y 28 marzo6:30 p.m.

Vaisnava Teatro Presenta:

La belleza liquida(Cuentos hindús)

Dirección: Ivan TerresPatio de Casa de la Cultura.

Entrada libre.

22 marzo

7:00 p.m.Coral Soriano concierto de bienvenida a su santidad.

Patio de Casa de la Cultura.Entrada libre.

21 marzo

5:00 p.m.Cultura en movimiento: El grupo de danza tradicional

mexicana del SISMACC presenta “Equinoccio de

primavera”

Jardín de San AgustínEntrada libre

30 marzo - 29 de abril

8:00 p.m.Retrospectiva del color

Pintura de David Correa Muñoz

Galería Hermenegildo Bus-tos de Casa del Diezmo

Entrada Libre

27 marzo

8:00pmTESPIS TEATRO

Presenta:Un torso, mierda y el secreto

del carnicero.Original de: Alejandro Ri-

caño,Dirección: Rolando Liéva-

nos.

Patio de Casa de la Cultura.Entrada libre.

30 marzo

7:00 p.m.Coro Madrigal del SIS-

MACC

Patio de Casa de la CulturaEntrada libre.

28 marzo

5:00 p.m.Cultura en movimiento: 4° Aniversario del grupo de

danza tradicional mexicana Nana Cuerápari

Jardín de San AgustínEntrada Libre

31 marzo

4:00 p.m.Teatro guiñol: “El museo

cuenta...”

Patio del Museo de Celaya, Historia Regional

Acceso con su boleto de entrada al museo

29 marzo

8:00 p.m.TESPIS TEATRO

Presenta:ORFICO BLUES

Original de: Martin López Brie.

Dirección: Rolando Liévanos.

Patio de Casa de la Cultura.Entrada libre.Marzo

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Eventos del Sistema Municipal de Arte y Cultura SISMACC

Partitura Espiral

[ ]

Alejandro Montes ÁvalosRector Honorífico

Aurora Cárdenas ÁvilaDirectora

Carmen Fernanda Simón CorreaAdministradora

Maritza Rebolledo ConejoCoordinadora CIMAN

Benjamín Domínguez TovarCoordinador del Diplomado

María Margarita Pérez AnayaEncargada de Control Escolar

Jazmín Martínez CastañónEncargada de Caja

Viridiana Estrada CruzRecepción

Directorio Conservatorio