NUEVAS CORRIENTES PICTÓRICAS DEL SIGLO XIX6º MD - Los principales referentes de la época

Prof. Marcela Pérez

GUSTAVE COURBET EL PADRE DEL REALISMO. Él mismo aceptó este calificativo al expresar sin

rodeos: “yo no soy solo socialista sino también demócrata y republicano, partidario de la revolución; en una palabra, y sobre todo, un realita, es decir, un amigo sincero de la auténtica verdad.”

En la exposición Universal de 1855 fueron rechazadas varias obras suyas, por lo que el autor decidió montar un pabellón propio, que llamó Pabellón del Realismo.

Entierro en Ornans

JEAN FRANCOIS MILLET: LA VIDA CAMPESINA ES DIGNA DE SER PINTADAMillet fue el primer pintor que dio protagonismo a los campesinos, quienes, desde su anonimato, viven de la tierra y están

totalmente ligados a la naturaleza sin perder su dignidad a pesar de la dureza de su trabajo. Millet fue miembro de la esucela de Barbizon, que supuso el principio del paisajismo

realista francés. El hecho de que pintaran al aire libre, pese a acabar sus obras en el taller, y la frescura de su gama cromática los convirtió en precursores del Impresionismo. La gran aportación del Realismo consistió en la voluntad de plasmar las realidades sociales y la vida cotidiana en el contexto de la revolución industrial. Los realistas no se desmarcaron del Romanticismo en la teoría pictórica, sino en la elección de los temas.

A Millet debemos el acierto de saber conciliar la naturaleza con el ser humano, encontrando un nuevo camino en la plasmación

de la vida campesina, como en su obra el Angelus. Su origen rural marcó sus temáticas y su posición ante la crítica: “creen que me

hará retroceder, que me convertiré al arte de los salones. Pero no: campesino nací y campesino moriré”.

“Las espigadoras” 1857

ÉDOUARD MANET: EL GUÍA INVOLUNTARIO DE LOS IMPRESIONISTAS

A pesar de que Manet no accedió a formar parte del grupo de los impresionistas ni a exponer con ellos (consideraba que el mejor lugar para hacerlo y ser reconocido era el Salón),éstos lo consideraron siempre un modelo.

Su ruptura con el arte de la época y su estilo pictórico lleno de fuerza hicieron que los impresionistas –con los que le unía una gran amistad- le consideraran el guía de la vanguardia artística de París. Pero los impresionistas también le influyeron: la pasión por pintar al aire libre y los estudios sobre la luz dejaron huella en la obra Manet.

Almuerzo campestre (1863) provocó un gran revuelo en la sociedad francesa. El crítico de arte Desnoyers describió el 11 de junio de 1863, en le Petit Journal, el impacto que había suscitado en él, y en la mayoría de los entendidos, el lienzo: “Percibe con claridad la naturaleza y la traduce simple y luminosamente. Su

gran cuadro (…) produce la impresión, en el espectador, de un boquete abierto en la campiña. Todo su entorno –los paisajes más atrevidos- parecen rostros a lo que esta viril y vigorosa colocación hace palidecer; pero una vez más, señor, tanto usted como yo, sólo veremos allí un sorprendente, un admirable boceto (…) en una palabra, dicha obra inacabada sería solemne. En el estado en que el señor Manet nos la entrega, sólo es interesante: es condicional, no es efectiva”.

OSCAR –CLAUDE MONET: LA PINTURA AL AIRE LIBREMonet encabeza la lista de pintores impresionistas, junto a autores tan

significativos como Pissarro, Renoir, Sisley o Degas. Esta generación supuso una bocanada de aire fresco en un panorama artístico marcado por el academicismo.

Las intenciones artísticas de Monet quedan patentes en su afirmación: “los otros pintores pintan (…) el puente, la casa, la barca y

ya han acabado (…); yo quiero pintar ka atmósfera en la que están situados el puente, la casa y la barca, y la belleza del ambiente en que se encuentran, y esto no esotra cosa que lo imposible”.

La pintura de los impresionistas tenía como preocupación la plasmación del paisaje al aire libre, la luz y la atmósfera. Monet así lo confirmó: “Siempre he sentido horror por las teorías. Yo no he tenido otro mérito que pintar directamente frente a la naturaleza, procurando plasmar mis impresiones ante los efectos más fugaces”.

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La aparición de la fotografía trastocó la concepción tradicional de la pintura; había surgido una nueva técnica capaz de captar la realidad con fidelidad. Lo único que le faltaba era el color.

La ciencia de la época, interesada en el estudio del color, concluyó que la gama cromática dependía de unos cuantos tonos puros que se mezclan ópticamente en la retina.

Los impresionistas decidieron demostrar que esta teoría era cierta pintando con pinceladas pequeñas y de colores puros que, unidas, conseguían la tonalidad requerida si el observador se colocaba a suficiente distancia del cuadro. Para alcanzar este objetivo era necesario observar de cerca y bajo el efecto de la luz natural aquello que se quería plasmar. Por este motivo, los impresionistas (…) pintaron al aire libre.

Delacroix ya había descubierto que se puede potenciar el impacto de los colores sustituyendo el claroscuro por fuertes efectos cromáticos, es decir, mediante la yuxtaposición de colores complementarios. Esta revelación fue crucial para el desarrollo del tratamiento del color de los impresionistas. También les influyó el arte japonés que se difundía en Paris.

Obsesionado por captar la luz, Monet, al final de su carrera, pintó reiteradamente un mismo tema, como es el caso de la serie dedicada a la fachada de la catedral de Rouen, en que intentó registrar las variaciones que los cambios de luz provocaban en la percepción de esta fachada.

GEORGES SEURAT: Según Seurat toda la práctica debía estar regida por la observación. Es necesaria la utilización de colores puros y complementarios. Al observar una obra puntillista, la retina procede a fundir los puntos de color. El fundamento del color viene dado por la división del tono en sus componentes e integrantes.

     El Puntillismo fue el punto de partida para el siglo XX. Es una pintura entendida como elaboración mental, por encima de la mera ejecución. De ahí que la crítica parisina hablara por un lado de "Impresionismo romántico e intuitivo" referido al primer Impresionismo, y por otro de "Impresionismo científico" referido al Puntillismo.

Un domingo de verano en la Grande Jatte PAUL CEZANNE: LA REALIDAD REDUCIDA A LAS FORMAS GEOMÉTRICAS

Cézanne es uno de los primeros postimpresionistas que más ha influido en los artistas posteriores. Sus aportaciones hicieron que cubistas, fauvistas y expresionistas le consideraran una fuente de inspiración, tal como Picasso reconoció afirmar: “Cézanne es la madre de todos nosotros”.

Pissarro introdujo a Cézanne en la técnica y la estética impresionistas, y en la pintura a plen air. El pintor francés participaría activamente en el desarrollo del movimiento, pero a partir de la exposición de 1887 decidió aventurarse por derroteros más personales. Empezó a experimentar con las figuras geométricas – que para él eran la esencia de los objetos- y con el tratamiento del color como

elemento definidor de las formas. En contraste con Van Gogh y Gauguin, redujo los componentes

cromático de la pintura y enriqueció el tratamiento volumétrico de las formas, pues, según él, los cuadros son “construcciones que se enfrentan con la naturaleza” y en ésta “todo se modela según la esfera, el cono y el cilindro”. Los clásicos fueron su fuente de inspiración. Estudió las obras de Tintoretto y Caravaggio, El Greco, Zubarán y Ribera, y del francés Poussin.

Al igual que los románticos y que su admirado Courbet, postuló que el conocimiento de la realidad no es producto de la mera contemplación, sino que nade de la volunta de captarla y hacerla propia.

Cézanne es el antecesor directo del Cubismo por su capacidad de descomponer las formas y volverlas a acoplar como si fueran piezas de un

rompecabezas. Asimismo, al superar la obligación de copiar con precisión las formas y colores de la naturaleza,

abrió un mundo de posibilidades para expresar las emociones, que los expresionistas y fauvistas exploraron en profundidad.

PAUL GAUGUIN: LIBERAD LA PINTURA DE LA NATURALEZAGauguin avanzó algunas de las características del arte que se impondría en el

siglo XX: la perspectiva dejaría paso a la pintura plana, el simbolismo pictórico sustituiría al realista y la espontaneidad impresionista sería barrida por la construcción conceptual de la realidad.

El propio artista comentaba: “No copiés demasiado la naturaleza, el arte es una abstracción: sacadlo de la naturaleza, soñando delante de ella, y pensad más en la creación que en el resultado”. Los inicios de Gauguin tuvieron lugar bajo la marcada influencia de los impresionistas.

El estilo que adoptó luego de abandonar a los impresionistas, se denominó “sintetismo” y menos naturalista e inspirado en las vidrieras medievales y en los grabados japoneses, que conoció gracias a Van Gogh, durante los meses que vivieron juntos en Arles en 1888. Gauguin pretendía soñar ante la naturaleza y no sólo captarla. Quería expresar sus sentimientos e ideas partiendo del mundo exterior. Para él, el arte debía ser un símbolo de los sentimientos profundos del hombre, lo

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que le convirtió en un precedente del simbolismo. La influencia de las culturas indígenas de la Polinesia contribuyó a aumentar su fuerza expresiva y a simplificar sus composiciones.

Sus experimentos cromáticos son un precedente del movimiento fauvista. La fuerza expresiva de sus cuadros influyó en Munch y en el Expresionismo.

VINCENT VAN GOGH: COLOR Y SENTIMIENTOA pesar de las umas astrológicas que en la actualidad

alcanzan las obras de Van Gogh, en vida vendió sólo un cuadro “La viña roja”. Ello hizo que dependiese económicamente de su hermano Theo. Sus reiteradas depresiones le llevaron a ser conocido por sus conciudadanos de Arles como el “loco pelirrojo” y a suicidarse en 1890.

La obra de Van Gogh ahondó en el uso del color como recurso expresivo, siguiendo el camino abierto por Delacroix, a quien siempre admiró. Su descubrimiento del Impresionismo en 1886, en

París, significó una fuerte ruptura en su trayectoria artística: combinó una paleta más bien clara con la descomposición de los objetos pictóricos en minúsculas pinceladas de colores puros que el ojo del espectador debía reconstruir para formar un todo. Sin embargo, continuó realizando los contornos de las figuras con líneas oscuras. Progresivamente se fue apartando de la técnica impresionista, adecuada para captar las sensaciones visuales instantáneas, pero que no le permitía expresar sus propios sentimientos a través del color. En 1888 dejó París y se trasladó a Arles, fascinado por la luz y el sol mediterráneos. Allí empezó a utilizar pinceladas ondulantes y los azules, verdes, amarillos intensos tan característicos. Durante su encierro en el manicomio de Saint- Rémy, su pincelada ondulante adquirió una mayor vehemencia. Van Gogh ha influido en grandes artistas (Matisse y los fauvistas), que continuaron apostando por una pintura en la que el color es independiente del objeto, por el uso de unos registros cromáticos violentos y por el dibujo de trazos muy marcados.

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC. Sus inseguridades y frustraciones llevarán a Henri a desarrollar en la pintura una vía de escape, una forma de evasión de la misma manera que harán Gauguin o su buen amigo Van Gogh.

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa nació el 24 de noviembre de 1864. Sus padres eran primos hermanos y ostentaban el título de condes de Toulouse; eran bastante ricos e influyentes en la ciudad pero carecían de poder a escala nacional. En 1874 se empiezan a manifestar las primeras dificultades motrices, lo que obligó su retirada del colegio para ser sometido a tratamiento médico, trasladándose a Albi. La enfermedad que padecía Henri era totalmente desconocida en el siglo XIX, era un desorden genético provocado por la consanguinidad de los padres que afecta al desarrollo de los huesos. Ésta es la razón por la que Toulouse-Lautrec apenas creció en la adolescencia. A esta dolencia debemos añadir dos fracturas en los fémures de ambas piernas entre mayo de 1878 y agosto de 1879. Durante aproximadamente dos años Henri estuvo casi inválido, desarrollándose en el joven un acentuado interés por el arte y la pintura, continuando con su faceta de dibujante. El mundo de la prostitución será uno de los favoritos para el artista, siempre visto con cariño

y respeto, mostrando tanto su aspecto más íntimo como el conocido. El lesbianismo también será tratado por Henri de la misma manera, resultando obras colosales como Las dos amigas o L´Abandon. En 1897 tiene lugar el primer ataque de "delirium tremens" que le llevará a disparar con un revólver a imaginarias arañas. En 1898 sufrirá un ataque de manía persecutoria al creerse perseguido por la policía. Cada vez bebe más y pinta menos. La crisis más grave se produce en 1899 al sucederse las manías, depresiones y neurosis. Henri decide suicidarse con metileno en el prostíbulo de la rue des Molins siendo ingresado en un sanatorio durante una temporada. Su estado de salud será noticia y motiva la subida en el precio de sus obras. El 15 de agosto, en Arcachon, sufre un derrame cerebral que le deja medio cuerpo paralizado. Muere el 9 de septiembre de 1901 a las dos y cuarto de la madrugada.

EDVARD MUNCH: PRECURSOR DEL EXPRESIONISMOLa vida de Munch estuvo marcada por el sufrimiento y la muerte desde su infancia: su madre murió de tuberculosis cuando él sólo tenía 5 años. A los trece padeció la misma enfermedad, de la que murió su hermana. En 1889 falleció su padre… así pues, Munch pintó como nadie la angustia que caracterizará la civilización occidental del siglo XX. Una estancia en París permitió a Munch entrar en contacto con las obras de Van Gogh, Gauguin y Toulouse- Lautrec, que influyeron en su pintura. Munch en su intento de representar, en sus creaciones las profundidades del alma humana, ejerció gran influencia en el arte germánico de principios del siglo XX, y especialmente en el grupo Die Brüke (El Puente), representante del Expresionismo Alemán. Las pinturas de Munch son fáciles de reconocer por sus colores violentos, sus pinceladas visibles y las líneas, exageradamente marcadas, rasgos con los cuales pretendía transmitir sus estados de ánimo y su angustia vital.

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