Musiclife 105

Nacho MañóPop fi no en español

01

24. Paul McCandless,

vientos desde Pennsylvania.Por Eliseo Vega

8.Selección Showcase 2014,

bandas al escenariode sound:check Xpo

20.Sofi Rei,

canto en síncopa-folk

12.Avances sound:check

Xpo 2014Lista la agenda completa de actividades

26.Distor

Elis Paprika + Líber TeránPor Alejandro González

50.Backline Support,

excelencia en rentade instrumentos

Estandarte de la música pop de España, la de Nacho es una carrera multidis-

ciplinaria que abarca su faceta como ejecutante al bajo (músico de sesión

y de acompañamiento), arreglista, compositor y productor. Es co

fundador de Presuntos Implicados y ha colaborado con Mecano,

Alejandro Sanz, Santiago Cruz y Armando Manzanero. Por pri-

mera vez impartirá en México master class, en la doceava

edición de sound:check Xpo. Por Vyero

Pop fi noen español

36.

Nacho Mañó

[ Año 9, Num. 105 | Marzo 2014 ]

16. Reseñas: Zofi Zaro, León Benavente, Ruth Ramírez, Pequeña Orquesta Reincidentes 21. Leo Paryna: Saxofón, boleros y chill out 28. Producción: Plug & Play 34. Home Studio: Alucinarte Producciones 44. En Armonía: Tocar con dolor y la cultura del silencio Por: Sandra Romo 46. Academia: Berklee Latino 52. Del Bit a la Orquesta: Soundtracks para videojuegos 54. El Ojal: Velo con mi manager Por José Luis Cornejo

Foto

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@MarySolPacheco

Puede que sea coincidencia pero este marzo de 2014 será recordado por ofrecer una abundante y ecléctica cartelera de conciertos y eventos especiales, enmarcados por citas ya obligadas para mú-

sicos, producciones y público en México, y que tienen su puntal en el Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México (tres décadas de vida), el Vive Latino y la Cumbre Tajín (ambos cumplen 15 años), y ocasiones singulares como la que implica la década de existencia de un foro como el Lunario del Auditorio Nacional.

Con talento nacional y extranjero de primerísima línea (Tool, Nine Inch Nails, Hiromi, Danilo Pérez, Brian Blade y John Patitucci), esto es también un signo contundente de que las condicio-nes que ofrece a nivel técnico, de gestión y producción de espectáculos nuestro país, no sólo cumplen los parámetros internacionales, sino incluso los pueden superar. Y nada de eso es fortuito.

Por eso, tampoco es casualidad que en este contexto aparezcan también refl exiones que invitan a pensar en lo que falta por hacer o mejorar para f ortalecer estas condiciones de excelencia, brindándolas en primerísima instancia al talento de casa. Y un conciso temario de eso se puede tomar del texto escrito por Julian Woodside quien en su espacio en la revista Warp cuestiona si la escena indie en México representa una industria o es un espejismo si se toman en consideración la poca autocrítica, la falta de objetivos e incluso los prejuicios de quienes la forman.

Y tenemos varias coincidencias y un claro –muy enfatizado- señalamiento respecto al apartado que implica profesionalizar. Apreciados, todos, ésta se impulsa con cimientos sólidos desde hace 12 años en un encuentro de entrenamiento y presentación de nuevas tecnologías y, más recientemente, sesiones para compartir experiencias llamado sound:check Xpo. Y, cuántos de esos músicos en ciernes, los amateurs, los profesionales; o los aspirantes a treparse a un escenario como parte de un staff para hacer el audio en vivo o la grabación se hacen presentes en ésta para sacarle provecho.

La autocrítica es reconocer con aplomo pros y contras. Si ha sido por desconocimiento, por falta de recursos o incluso por pereza que nos perdamos de estas oportunidades, no podemos continuar así, ¡algo hay que modifi car! Está en juego un prestigio que es real, sí a pesar de los asuntos pendientes. Me parece que el principio es exigirnos. A eso los conminamos este marzo, a renovarse, sacudirse el moho, a sorprenderse. Déjenos demostrarles que se puede, cara a cara, este 30 y 31 de marzo y 1 de abril en el WTC.

Las buenas prácticasempiezan por uno

DIRECCIÓNJorge Urbano

DIRECTOR EDITORIALEliseo Vega

COORDINADORA EDITORIALMarisol Pacheco

DISEÑO Jhonatan González

STAFF EDITORIALNizarindani Sopeña MERCADOTECNIAIvonne Moreno

COMERCIALIZACIÓNClaudia Pérez

CIRCULACIÓNLaura Rojas

OPERACIONESHoracio UrbanoJavier González Vázquez

ADMINISTRACIÓNMaría PinedaSilvina BustosBeatriz CamachoAngélica Martínez

(55) 5240 1202 y [email protected] www.musiclife.com.mx

@musiclifemx

MusiclifeMx

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¡descárguenla ahora! Nos encuentran como Musitech (y ahí también hallarán las de nuestras revistas hermanas sound:check y HOME:tech) y en ésta verán la revista completa además de contenidos multimedia exclusivos con los que podrán

interactuar y así retroalimentarnos a través de nuestras redes sociales.

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Directorio

music:life. Revista mensual. Año 9, No. 105Editor responsable: Jorge Raúl Urbano CalvaNúmero de Reserva al Título de Derechode Autor: 04-2004-112916553100-102ISSN: 2007-0020Certifi cado de Licitud de Título: 13167Certifi cado de Licitud de Contenido: 10740Distribuido por COMERCIALIZADORA GBN, S.A. DE C.V. Calzada de Tlalpan 572 Despacho C-302, Col. Moderna, Delegación Benito Juárez, C.P. 03510 México D.F.; SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por propios medios.Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules,C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de MéxicoImpreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F.

[email protected]

www.gonher.comgonher distribuidora

@gonhermexico

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Informes y ventas:T. (55) 5240 1202

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galería

showcase

clínicas

conferencias

conciertos didácticos

Cuota de recuperaciónEn sitio $250.00 M.N.

Con pre registro $150.00 M.N.Preferencial con pago en línea $100.00 M.N.

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Producciones Exitosas

Mesas redondas

13:0

0 H

OR

AS

17:0

0 H

OR

AS

marzo marzo abril

LUNAS DEL AUDITORIO

PRODUCTORESTÉCNICOS Y RUDOS

RIVIERA MAYA JAZZ FEST

EL ARTEDE ILUMINAR

SASHA, BENNY, ERIK

DETRÁSDEL RIDER

Lunas del Auditorio es un reconocimiento

otorgado por el Auditorio Nacional a los

mejores espectáculos en vivo en México.

El premio fue creado en 2002, con

la celebración del 50 aniversario del

Auditorio Nacional. Está destinado a

premiar a grupos, compañías o solistas

que actúan en México. Autoridades

del comité organizador presentan las

características, fórmulas de éxito y retos

propios de este reconocimiento nacional.

Conoce los aspectos que definen el

éxito de un espectáculo desde la lluvia

de ideas que precede su concepto

creativo, la elección de proveedores

y/o adquisición propia de equipo e

incluso los amenities que un production

manager ha de prever en un camerino.

Con 10 años de trayectoria, el Riviera

Maya Jazz Festival se ha posicionado

como uno de los principales festivales

internacionales del género. Su línea

ha dado pie a diferentes expresiones

a t ravés de las más des tacadas

personalidades del jazz, siempre

guardando equ i l i b r i o ab r i endo

espacio a las nuevas propuestas

nacionales y extranjeras.

Los d iseñadores de i luminac ión

nacional compartirán el proceso de

selección de luminarias, software,

técnicas y tips con los que dan vida

cromática y extensión escenográfica

al concepto creativo del show.

SASHA, BENNY, ERIK es uno de los

conceptos musicales más importante

en el último lustro en la escena musical

mexicana. Conformado por tres de

los ex integrantes de la emblemática

banda Timbiriche, Sasha, Benny y Erik.

Trío pop de gran calidad artística y

técnica, planificado y producido con los

más altos estándares que la industria

exige para posicionarse como un

espectáculo obligado.

Sobre cómo se atienden y negocian los

requerimientos de escenario, audio,

v ideo, i luminación, instrumentos

musicales que la producción del artista

solicita para realizar su actuación. Aquí

se develarán los detalles.

Sala MontealbanMezanine WTCCiudad de México

Patrocinado por

www.showco.com.mx

Sala Olmeca IV

Domingo

de marzo

AguamalaInvitada especial Cecilia Toussaint

Aguamala nace en 2004 en Playa del Carmen, México. Desde entonces se convierte en la banda anfitriona del Riviera Maya Jazz Festival con sede en esa misma ciudad. Conformada por Fernando Toussaint, Enrique Pat, Bernando Ron e invitados, Aguamala pronto se ha convertido en el grupo de jazz progresivo de este país. Su propuesta musical es una fina mezcla de influencias, una base de jazz con toques de funk y rock que encanta a los amantes del jazz y a los melómanos más vanguardistas.

A Love Electric

A Love Electric trae consigo el mañana de la música creativa, respaldado por el gran linaje del jazz, las grandes figuras del rock de los setenta, y un espíritu lírico de avanzada. Liderados por el guitarrista y vocalista Todd Clouser, una voz ampliamente reconocida como la vanguardia de una nueva generación de artistas. Todd, Hernán Hecht y Aarón Cruz llevan el legado de rock psicodélico, escena del centro de Nueva York, y la canción introspectiva hacia nuevos territorios.

Klezmerson

En 2003, Benjamín Schwartz (compositor, violinista y pianista) fundó Klezmerson, con la idea de explorar y crear un nuevo tipo de música Klezmer desde un punto de vista judío-mexicano. La banda lo hace con un sentido estético y muy fluido que combina las melodías y ritmos de la música tradicional judía de Europa Oriental y la interpreta con influencias de ritmos gitanos, de Medio Oriente y latinoamericanos. El sonido resultante es una fusión de rock, funk e improvisaciones de jazz sobre una temática Klezmer.

Nacho Mañó

Por primera vez en México, el multi instrumentista y productor español Nacho Mañó (Presuntos Implicados, Alejandro Sanz, Tania Libertad, entre otros), impartirá master class en sound:check Xpo 2014. En esta sesión el bajista-guitarrista compartirá su experiencia y conocimientos en torno a la composición, el arreglo, la re-interpretación de letras en otro idioma, la producción y el rol del músico como side man y en el estudio.

Pepe Mogt y Ramón Amezcua deBostich + Fussible / NortecIntegrantes del movimiento musical que definió el sonido de la frontera a través del Nortec Collective, Pepe Mogt y Ramón Amezcua formaron Bostich + Fussible, dúo con el que mantienen en evolución su búsqueda por ampliar el concepto de fusión de música electrónica, banda y norteño que ha sido reconocido en todo el planeta. De sus procesos creativos, herramientas digitales, producción y show en vivo darán parte en este clínica.

Alex Skolnick

Guitarrista referente del metal, Alex Skonick es reconocido por los riffs que trazó junto al combo de trash metal, Testament y el proyecto de rock progresivo Trans-Siberian Orchestra. Seguidor de Miles Davis, difunde ahora su propuesta de power trio jazzístico Alex Skolnick Trio, espacio musical que ejecuta con Matt Zebroski en batería y Nathan Peck en el bajo, donde reúne el lenguaje sincopado tradicional con el vocabulario del metal, aspectos de composición que develará en clínica dentro del marco de la décimosegunda edición de sound:check Xpo.

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Lunes

de marzo

Martes

de abril

AUDIO ARREGLOS LINEALES MICROFONÍA CABLES ESCENARIO ILUMINACIÓN INSTRUMENTOS MUSICALES

PATROCINADO POR:

Avances sound:check Xpo

8

Tras recibir más de 300 propuestas, helos aquí:

estas son las 18 bandas que darán vida al showcase Incubadora de Talento de sound:check xpo 2014. Podremos atestiguar su talento en el escenario de la Sala Olmeca III del WTC, con el apoyo de Atlas Total Stage, Musicson, Backline Support, Prodisc, Estudio 19 y RAI Ensamble.¡Felicidades!

Nombre:ALU

Año de fundación:

2010Procedencia:

D.F.Género:

Rock-pop, funk

Sitio web:Facebook.com/ALU pagina ofi cial

Nombre: Estereox

Año de fundación:

2006Procedencia: Edo. Méx.

Género:Rock Pop Sitio web:

www.face-book.com/

estereoxmx

Nombre:

Los Fascinantes

Año de fundación:

2008Procedencia:

D.F.Género:

Rock Pop

Sitio web:

www.losfascinan-

tes.com

Nombre:

Bernart

Año de fundación:

2012Procedencia:

Estado de

México

Género:

Chilling Pop

Sitio web:

soundcloud.

com/ber-

nart_ofi cial

GRADAS

MASTERIZACIÓN

MAQUILA DE DISCOS

INSTRUMENTOS MUSICALES

AUDIO, ILUMINACIÓN, ESCENARIO

BOOKING


9

Nombre:Imperium

Año de fundación:

2008Procedencia:

D.F. Género:

Melodic Death Metal Sitio web:

Facebook/com/imperiumme-

talband

Nombre:La Orquesta Vulgar Año de

fundación: 2010

Procedencia: D.F.

Género: Jazz Funk

Sitio web: Facebook.com/laor-questaofi cial

Nombre:Los Vintage Año de fundación: 2008

Procedencia: Monterrey, NLGénero: Pop,

surf, rockSitio web:Facebook.com/Losvintageofi cial

Nombre:

Govea

Año de fundación:

2009Procedencia:

D.F.Género:

Progressive

JazzSitio web:

www.goveamusic.

com

Nombre: Los

Raabeats

Año de fundación:

2009Procedencia:

D.F.Género:

Collage

Music, Indie

fusión

Sitio web:

soundcloud.

com/raabeats

Nombre:

Orkvs

Año de fundación:

2012Procedencia:

D.F. Género: Rock

de Cámara

Sitio web:

Facebook.

com/orkvs

Nombre:

Montevideo

Año de fundación:

2010Procedencia:

D.F.Género: Indie

PopSitio Web:Facebook.com/

Montevideomx


10

Nombre:Foeme Año de

fundación: 2005

Procedencia: D.F. Género: Rock

Sitio web:www.somo-sunabanda-derock.com

Nombre: The Guadaloops Año de

fundación: 2012

Procedencia: D.F.

Género: Electrónica, hip hop, funkSitio web:Facebook.com/TheGuadaloops

Nombre: Mon Laferte Año de

fundación: 2007

Procedencia: D.F.

Género:Rock

alternativoSitio web:www.monlaferte.

com

Nombre: The Melovskys

Año de fundación:

2001Procedencia:

D.F.Género: Electro Glitch Punk Rock

Sitio web: www.

themelovs-kys.com

Nombre:

Nuclear

Chaos

Año de fundación:

2009Procedencia:

D.F.Género: Death

Metal Sitio web:

Facebook.

com/nuclear-

chaosmusic

Nombre:

Pamalanga

Año de fundación:

2004Procedencia:

San Luis

PotosíGénero: World

BeatSitio web:

Facebook.

com/pamalangao-

fi cial

Nombre: TX

MSS Año de fundación:

2012Procedencia:

Estado de

México

Género: Rock,

hip hop,

latinoSitio web:

www.tx-mss.

bandcamp.

com


11

Con una propuesta de rock con tintes folk y una dosis con-tundente de perseverancia, Xochihua fue de las bandas

seleccionadas el 2013 en el showcase. Eratóstenes Flores, voz y líder del grupo da testimonial de lo abonado a favor desde aquel día, vivencia que les ha benefi ciado como gru-po en lo creativo, la producción y la gestión de su proyecto.

El talento no es sufi ciente“Nosotros participamos desde la convocatoria del 2012. En aquella ocasión sólo teníamos un demo casero y videos hechos por amigos con su celular; supimos tarde de la con-vocatoria y mandamos el materia ya tarde, el último día. No nos quedamos pero lo volvimos a intentar en el 2013. Para esa oportunidad ya habíamos hecho un video más en forma de nuestro sencillo y fue lo que mandamos, preparamos mejor lo que se nos solicitó. Fuimos la última banda que se mencionó el día que dieron a conocer los resultados, no sabemos cuáles son los cri-terios de selección y porque sabemos que allá afuera hay bandas con mucho talento, nos quedó claro que algo hicimos mejor que por eso logramos ser tomados en cuenta; estábamos felices”.

Exígete y vuélvete profesional “Nunca habíamos tenido una experiencia como esa. Somos una banda under que nació en el 2010, para cuando fue la tocada del showcase en el 2013 tenía-mos dos añitos y algo. Fue una lección inmensa. Desde que la gente de producción del evento nos mandó los requerimientos (rider, stage plot, backline y tal), nos sirvió como referente de cosas a tener en cuenta que no conocíamos pues en lo under estás acostumbrado, en el mejor de los casos, a llevar tu propio equipo para sonar como quieres o, en el peor de los casos, a sonar con lo que te pongan.

“Para el showcase pudimos elegir ampli, micros; en mi caso tocar con un Marshall fue un sueño lo mismo que para mi hermano el bajista con un Ampeg y ni hablar de los platillos que pudo sonar nuestro baterista. Todo fue muy profesional, bien organizado y sabemos bien que eso es difícil que suceda en el rock, sobre todo en el under: te cancelan a la mera hora o te clausuran el lugar a minutos de tocar. Fuimos el grupo que cerró el showcase y todo fue impresionante: un escenario con iluminación, gente de audio en monitores y sala de primera calidad, la atención del staff de producción. Jamás habíamos tenido una vivencia así”.

“A partir de ahí se nos abrieron las puertas para otros foros, nos llamaron para tocar en Querétaro, Tlaxcala, Toluca; las bandas que conocemos de sonar en circuitos de foros de

la Ciudad de México como el Atlántico y el Foro Hilvana nos preguntaban cómo hicimos para estar en la expo y eso dice mucho. Toda la experiencia de vivir incluso la expo como tal, darnos el rol y enamorarnos de los instrumentos y equipos que ahí se exhiben. Yo quedé fascinando con una Fender Telecaster que pude ver y sonar; además vimos equipo que requeríamos para grabar. No habíamos ido nunca y fue adquirir otra dimensión de lo que queremos como grupo y por dónde ir”.

Ser escuchado y ampliar las redes“En esos tres días conocimos a mucha gente sumamente profesional como todo el personal que nos atendió en la Sala Olmeca; coincidir ahí con alguien como Mikel Hernández (fundador del home studio publicado en diciembre 2013, New Energy Studio) de quien sabíamos sobre su trabajo en estudio hecho a Carlos Alvarado de Chac Mool a quien le grabó su disco. Ahí hablamos con él y le di-jimos que Carlos nos había recomendado su trabajo. Veníamos de pasar por una pésima experiencia de haber soltado presupuesto para que alguien nos grabara pero nos vieron la cara. Rafael Catana, Carlos Alvarado y Pedro Martínez nos dijeron que de plano, en el mejor de los casos, había que remezclar todo y fue Mike quien, primero, levantó los audios pero luego nos dijo que le latió

nuestro proyecto y quería grabarnos. Ya estamos con él en el proceso de mezcla del que será nuestro primer disco y estamos muy contentos porque ahí está la diferencia entre alguien que sabe de producción y quien no”.

“Todo eso se produjo de esa experiencia de estar en el showcase. Hemos podido tocar ante 4 mil personas, salir de la ciudad y compartir escenario incluso con otras de las bandas del showcase como Kali Yuga y que nuestro medio de difusión central, el Facebook, haya crecido en seguidores. Te empiezas a mover en otro circuito y te suman a proyectos valiosos como ha sido compartir gira con Rafael Catana. No podemos estar más agradecidos y, claro comprometidos con lo que queremos hacer de nuestra música”.

Xochihua:antes y despuésdel showcase

Incubadora de Talento


12

¡Es la hora! La cita ha llegado. Ya están expositores, ponentes y líderes de la industria de la música y el espectáculo listos para recibirlos en el World Trade Center de la Ciudad de México y darles a cono-cer de primera mano las innovaciones tecnológicas, metodologías y experien-cia que les tiene en el ca-mino del éxito, todo en el marco de sound:check Xpo los días 29 y 30 de marzo, y el 1 de abril.

Master Classes y Conciertos Didácticos, aprendi-zaje vivencial único Así serán las sesiones de enseñanza sobre procesos, creación e instrumentación al plantear una propuesta musical, son nuestras Master Classes (con horario fi jo a las 6pm), a este concepto de ense-ñanza sumen ustedes los Conciertos Didácticos (los tres días, en punto de las 3pm) en el que se podrá apreciar la puesta a punto de un grupo sobre el esce-nario, desde que llegan, se conectan y hacen prueba de sonido para arrancar el concierto. La sede de estas actividades será la Sala Olmeca IV y el orden de aparición es este:

Domingo 30 de marzo: Aguamala conformado por Fernando Toussaint, Enrique Pat, Bernando Ron e invitados, es el grupo de jazz progresivo de este país. Su propuesta musical es una fi na mezcla de in-fl uencias, una base de jazz con toques de funk y rock.

Nacho Mañó el multi instrumentista y productor español (fundador de Presuntos Implicados) compartirá conocimientos

en torno a la composición, el arreglo, la re-interpre-tación de letras en otro idioma, la producción y el rol del músico como side man y en el estudio.

Lunes 31 de marzo: A Love Electric, liderados por el guitarrista y vocalista Todd Clouser, una voz ampliamente reconocida como la vanguardia de una nueva generación de artistas, Todd, Hernán Hecht y Aarón Cruz llevan el legado de rock psicodé-lico y de ello darán parte en puntual sesión para develar cómo ajustan su sonido en vivo.

Pepe Mogt y Ramón Amezcua de Bostich + Fussible / Nortec (Bostich + Fussible), expon-drán las entrañas del soni-do Nortec y los caminos para ampliar ese concepto de fusión de música electró-nica, banda y norteño que ha sido reconocido en todo el planeta.

Martes 1 de abril: Klezmerson, fundado por Benjamín Schwartz (compositor, violinista y pianista), la banda explora la música klezmer con un sentido estético muy fl uido que combina las melodías y ritmos de la música tradicional judía de Europa Oriental con infl uencias de ritmos gitanos, de Medio Oriente y latinoamericanos.

Cierra la jornada, la clínica de Alex Skolnick, gui-tarrista referente del metal reconocido por su paso en Testament, Trans-Siberian Orchestra y ahora con su trío jazzístico, donde reúne el lenguaje sincopado tradicional con el vocabu-lario del metal, aspectos de composición que develará en esta sesión.

Nacho Mañó

Bostich + Fussible

A Love Electric

Klezmerson

Aguamala

Alex Skolnick


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Showcase Incubadora de Talento, tercera exitosa ediciónRecibimos 393 propuestas de proyectos musicales autogestivos y ya están en ensayos álgidos los 18 se-leccionados para dar prueba de sus arrestos en materia de producción escénica, al tomar la Sala Olmeca III del WTC donde Atlas Total Stage, Musicson, Backline Support y RAI Ensamble han acon-dicionado un escenario de primer nivel para hacerlos lucir. (Sigan la lectura de esta edición y ahí el detalle de sus estilos y links para irles escuchando).

Convocada por la Audio Engineering Society (AES), Sección México, la Jornada Educativa de la sociedad tendrá a Young Guru como ponente joven y prolífi co productor e ingeniero de grabación y mezcla (Jay Z, Kanye West y Beyonce). Complementan la parrilla ver-daderas leyendas de la gra-bación y diseño sonoro como Martha de Francisco, Thomas Lund y Jim Anderson (conozcan la parrilla completa consultando www.aesmex.org y, claro, la edición de marzo

de nuestra hermana revista sound:check).

Y, dado el éxito de la prime-ra edición el año pasado, también se presentarán los paneles del Encuentro entre Profesionales, donde se dan cita las cuadrillas de técnicos que han hecho exitosas las giras de músicos y la operación de foros insignia de todo el país; relatos que resultan indispensables para aden-trarse en los pormenores que implica la logística de una producción, desde la gestión del management, la renta de equipamiento y la realización del concepto escénico. Ello ocurrirá en la Sala Monte Albán ubicada en el mezanine del WTC.

Diana Olvera, nicho plástico del espectácu-lo al óleoElla es pintora y con sus trazos entreteje las expresio-nes artísticas que avivan el escenario, un ensamble mu-sical, una puesta en escena, dejando congelados éstos en el marco de colores lumino-sos. Su trabajo dio vida a la imagen de esta edición 2014 de sound:check Xpo y podrá apreciarse en la galería que con sus lienzos armaremos.

Diana Olvera

YoungGuru

En exhibición:Inovaudio: Behringer X32 Mixers; Turbosound Serie Milán; Bugera gabinetes para bajo con bocina Turbosound, BN115TS y BN410TS. Pláticas sobre el uso del Firmware Versión 2.1 X32 e introducción para operar controladores Behringer CMD con Ableton Live, impartido por Omar Terrones. Lugar: Zona DJ Behringer.

Pink Noise presentará la gama de paneles para acondicio-namiento acústico en estudios de grabación, High Performance 61, Bass Trap, Convenience 20 y loseta anti impacto, GUMA.

Alfred Music editora especializada en tutoriales y material de apoyo para la enseñanza musical, estrena la colección DiY, textos con referencia en video y extras descargables desde internet, fomentan la interacción al brindar la opción de compartir lo aprendido vía streaming. La serie incluye los instrumentos ukulele, guitarra, teclado y batería.

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Reseñas [ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

Disco: HuellasGrabación: Ing. Juan Antonio Páez, productor ejecutivo César Sandoval. CUBO Estudio, Guadalajara, Jalisco.Sonido: “Canciones con historias compartidas por el fl ujo musical que reúne pop, rock, folk, balada y música tradicional mexicana”.Instrumentos: Guitarra electroacú stica Taylor Serie 314ce y teclado Korg PA con los que compongo; más batería, bajo eléctrico, guitarras electroacústicas de 12 cuerdas, teclado, piano, ukulele, armónica y percusiones (congas, bongos, djembe, shakers, pandero y triángulo).Básicos para maqueteo: Sibelius (notación), Reason (para base rí tmica virtual) y Pro-Tools (grabació n de guitarras y voz).

Infl uenciasMúsicos: Luis Zepeda Anzaldua, fue mi maestro en varias materias en la escuela, admiro su carrera, un talentoso pianista, arreglista y director musical, quien me enseñ ó la importancia de la disciplina y la entrega; un gran ser humano.Productor: Will I Am por

su versatilidad y la forma en que reinventa las colaboraciones en cada producció n, sin perder su sello caracterí stico”.Sonido en grabación: Alan Parsons por haber participado en grandes producciones histó ricas con The Beatles, Pink Floyd; y despué s seguir evolucionando hasta realizar su propio proyecto, el cual tambié n me gusta mucho.Manejo de management: Taylor Swift porque armó un equipo de trabajo pequeñ o y éste, en pocos añ os, ha crecido para llevarla a donde está hoy.Concepto en vivo: U2, hacen de cada show un concepto, siempre están a la vanguardia tecnológica en sonido, escenogra-fía, experiencia audio-visual.

Lecciones del primer discoComposición: “Generalmente escribo letra y melodía para dar estructura a la canció n y, dependiendo del rumbo que vaya tomando el sentido de la historia, ahondo en el género con el que pienso desarrollarla. Al terminar la letra -o al menos un 80 por ciento de ella- tomo mi guitarra o me siento al piano para armonizar la pieza”.

Ó pera Prima

Escucha y síguela en:www.zofi zaro.comTwitter: @Zofi ZaroFacebook: Zofi Zarooffi cialYouTube: Zofi ZaroInstagram: zofi zaro#SoundCloud: zofi -zaro

Si hablamos de música novohispana, es induda-ble que las catedrales y parroquias de Oaxaca, Puebla, Michoacán o la ciudad de México han sido centros insustituibles, primero para su creación y luego para su conservación. Muchas partituras se han rescatado allí, develándonos parte impor-tante de la música sacra de ese periodo, pero no de la música profana.

Oíd, Oíd Mis Suspiros nos ayuda a llenar este vacío, pues nos ofrece una selección de 13 de las 124 canciones de temática amorosa contenidas en el llamado Manuscrito Sutro no. 1, el cual fue descubierto en San Francisco (Estados Unidos) por John Koegel y analizado por el musicólogo

peruano-mexicano Aurelio Tello.Gracias a la bella interpretación de la mezzo-soprano Ruth Ramírez, integrante del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, y al acompaña-miento de Jennifer Sayre (arpa), Richard Savino (guitarra barroca), José Antonio Guzmán (clave) y Abel Maní (viola de gamba), las obras de este disco, escritas por autores vinculados a la Corte española y al teatro madrileño, como Juan de Serqueyra, Juan de Vado, Mateo Peñalva, José Marín, Alonso Flores y Manuel de Villafl or, ofrecen al escucha una colección de paisajes auditivos poco habituales, pero enriquecedores y que forman parte de nuestra herencia musical. Rafael Mejía

Ruth RamírezOíd, Oíd Mis Suspiros. Canciones de un manuscrito de la Nueva España del siglo XVIILuzam / Fundación Contacto Cultural México-Estados Unidos, 2004

18

Reseñas [ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

Hace unos meses la escena musical independiente de la Madre Patria fue sorprendida por este impecable cuarteto formado por Abraham Boba (teclados y voz), Luis Rodríguez (guitarra), César Verdú (batería) y Eduardo Baos (bajo), quienes habitualmente acompañan al asturiano Nacho Vegas (ex Manta Ray).

La razón es sencilla: con un estilo pulcro, fascinante y sobre todo con letras que (¡por fi n!) superan la zona de confort en que la mayoría de las agrupaciones hispanas se han instalado, esta banda que en idea surgió en el tramo carretero entre León y Benavente ejecuta temas memorables que nos recuerdan que el glamour no es más que un antifaz para la violencia y la soledad.

“En las ruinas del imperio ya no hay paz ni en el cementerio”, “aquí se oyen sirenas, ¿o quizás sean más bien hienas de-vorando a sus presas?” y “que se pudra este ramo de rosas, pero no antes que usted, señor presidente” son frases que se desprenden de su consistente álbum debut, integrado por una decena de canciones que saben a nuevo. Agradecemos que los de León Benavente hayan dado el paso decisivo en un momento en el que, parafraseándolos, estaba claro que algo tenía que cambiar. Rafael Mejía

La desaparecida agrupación argentina Pequeña Orquesta Reincidentes tuvo la virtud de crear un sonido netamente rioplaten-se, basado en una exquisita fusión de rock, jazz, tango y milonga, pero a la vez universal, gracias a la incorporación de valses y música del este de Europa. Con él arroparon su destacado trabajo lírico, centrado en las relaciones humanas, las vivencias cotidianas y el romanticismo.

A 15 años de su formación y a tres de anunciar su separación, en 2008, los creadores de la banda sonora de la memorable cinta uruguaya Whisky (Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, 2004) editaron su octava producción, Traje, formada por 13 bellas canciones en las que sobresalen un pulcro trabajo de composición, ejecuciones precisas y un canturreo profundamente visceral.

En esta obra, ejecutada por Guillermo Pesoa (piano, acordeón, violín, voz), Santiago Pedroncini (guitarra, banjo, mandolina, trom-peta), Alejo Vintrob (batería, percusiones, tuba), Rodrigo Guerra (contrabajo, tuba, trombón) y Juan Pablo Fernández (guitarra, voz), es eminentemente disfrutable la escucha de las hipnóticas Mudanza y Escafado, la emotividad de El camión, Anoche y Membranas, la delicada ejecución de De rama en rama, así como el rítmico fi nal, vía Corazón, Abrazame e Invisible. Realmente, vale la pena hacerle un espacio en la fonoteca personal. Rafael Mejía

León BenaventeLeón Benavente | Marxophone, 2013

Pequeña Orquesta ReincidentesTraje | Oui Oui Records, 2005

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Entrevistas

Sofía Rei,canto en síncopa-folk Sus aptitudes como cantante se fi ncaron al cobijo del bel canto y fue la exploración

rítmica y las posibilidades de la improvisación los que acabaron de forjar la identidad como vocal de Sofía Rei. Radicada en Nueva York, la también multi instrumentista y compositora argentina es parte de esa nutrida y exigente comunidad de latinos que avivan la escena musical en la Gran Manzana, tras su paso por Boston como estudiante –y ahora también docente- del Berklee College of Music.

La singularidad con la que mezcla la tradición del folclor musical sudamericano poniendo los dotes de su registro vocal al servicio de estilos como la chacarera, zamba, vidala, lando y festejo, candombe, bullerengue con sonidos electrónicos y armonizaciones jazzísticas, le han valido colaborar en proyectos junto a Bobby McFerrin, John Zorn, Maria Schneider, entre otros. Este mes estará de visita en México (Tijuana, Mexicali, Cuernavaca y el Distrito Federal) para presentar su tercer disco De Tierra y Oro, placa co producida con el bajista peruano Jorge Roeder y músicos invitados como Celso Duarte.

La personalidad de tu propuesta tiene contun-dente raíz folclórica, ¿se dio de forma natural?“No, el camino fue largo. Yo canto desde que tengo cuatro años y mi formación estuvo al cobijo de la música clásica, quería ser cantante lírica, soy mezzosoprano y mi anhelo era interpretar los grandes roles de la ópera así que hice la carrera como tal en el Conservatorio Nacional de Argentina”.

“En el inter conecté con otras músicas, incluido un periodo en que toqué batería e hice metal, para luego dar con la voz de Bobby McFerrin y varios músicos de jazz, eso me revolucionó la mente. No entendía nada pero me pareció fascinante y lo quise estudiar. En Buenos Aires no había dónde o con quién así que la opción estaba en el extranjero y pude irme a Boston, a Berklee

donde mi vida cambió por convivir con músicos-maestros como Danilo Pérez y con quienes ahora son parte de mi proyecto, varios músicos pe-ruanos como Jorge Roeder quien es crucial para dar forma en cuanto a producción de mis discos”.

“Curiosamente fue allá donde llegó ese gran enamoramiento por la música tradicional sudamericana y las posibilidades que ésta ofrecía al hacer fusión con el jazz y el latin jazz. Tocábamos en varios ensambles de músicos sudamericanos y la cosa era saberse repertorio, improvisar y con eso ganarnos el pan de cada día. Eso abrió la puerta para animarme a componer, hacer mis propias mezclas e interpretar jazz avant garde, contempo y colaborar con gente como Maria Schneider, John Zorn y el propio Bobby McFerrin”.

¿Es el ritmo el elemento que más te atrae al componer? “Pienso que sí, es lo que más me atrapó de la música. El ritmo es muy importante en cada estilo sudamericano, la riqueza rítmica es sensacional todo el remanente venido

de África y España y como compositora me da la opción de remezclar, dar con esos puntos en común y luego convertirlos en otra cosa, hacer juegos y llevar algo que estaba en 4 a 3, en 7 a 5 y así armar diversas capas rítmicas”.

¿Cómo es tu trabajo de pre producción? “En general uso los elementos de mi teléfono para hacer notas de ideas, la inspiración te toma en cualquier sitio y hay que ser prácticos. Uso los voice memos o de plano papel para anotar una melodía o lo que fuera. En casa voy directo al piano ya para ampliar la idea al componer y desarrollar más la parte armónica. Lo paso a Garage Band y Pro Tools para alistar mis maquetas”.

¿Fue un paso luminoso o traumático ir de lo clásico a lo popular?“Muy difícil y es algo que le comparto a mis alumnos porque tuve que aplicar doble vida, lidiar con la vergüenza y el señalamiento de los colegas de clásico que eran bastante ortodoxos en aquellos días. Yo hice lo que el instinto y la búsqueda me indicó, sigo amando la formación y repertorio clásico al igual que

el legado musical sudame-ricano. Aprendí, además, a sumar a mi técnica los recursos del cante colombiano y otras sonoridades, combinarlo con lo lírico. Hoy mi paleta de sonidos es propia y clara”.

Finalmente, ¿qué micrófonos usas en directo y en estudio?“En directo un Neumann KMS 105 porque es un micro que me permite manejar el registro de mi voz, es muy fi el en cuanto a la captura de dinámicas, no cambia hacia ningún lado la ecualización de la voz y su espectro de alcance es amplio. En estudio también uso Neumann, el U60 y el M149; justo en la grabación para De Tierra y Oro con el productor Fabrice Dupont probamos otras opciones de la marca alemana con miras a dar más texturas al usar delays y procesadores”.

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Entrevistas

Por: Víctor Baldovinos Facebook/Victor Baldovinos

Leo Paryna nació en Buenos Aires. A los nueve años vio

por televisión al saxofonista Oscar Kreimer acompañan-do a Alejandro Lerner y su destino quedó marcado. Ingresó a Bellas Artes para conocer los misterios del sax alto, con ayuda del método francés H. Klosé, mientras en casa tocaba boleros, acompañado por el piano de papá quien tenía una academia musical.

Luego de 11 años de esfuerzo, Leo se recibió, hizo maletas y buscando otros aires, viajó a México. Compró equipo para grabar y montó su home studio. Empezó a producirse con el software Logic de Apple y una computadora Mac. Con eso armó nuevas maquetas y obtuvo un contrato con Sony BMG. Actualmente conduce su propio espectáculo, Todo Paryna, donde combina boleros inmortales con texturas del nuevo siglo, que presentará en el Lunario del Auditorio Nacional, este 15 de marzo.

Lo que gusta. “Cuando hice el CD México Sax & Chill Out (Sony BMG, 2010) fue un homenaje”, recuerda, “me senté con los maestros Felipe Gil y Armando Manzanero y fueron ellos quienes me sugirieron hacer los boleros con mi estilo. La primera canción que grabamos fue “Bésame Mucho”, y valora, “es una versión totalmente latina; “prendida”. No es predecible. En particular, ese tema (el más grabado del mundo) me genera algo eufórico”.

Mezcla de electrónica, sonidos primitivos y percusiones que cautivan: “estos son los concep-tos que me diferencian en mi propuesta de fusión, respecto a la riqueza musical que hay en América Latina”, asume, “está bien que el saxofón tuvo un papel principal en el jazz, que el tango sea parte de mi raíz, pero la realidad es que yo no nací con éstos. Nací con la parte clásica y latina, con el rock argentino, Fito Páez, Charly García, Serú Girán y Soda Stereo”.

Hablando “al chill out”Un nuevo ritmo. “El chill out viene a reemplazar el new age, y lo tocan de manera muy marcada los saxofonistas. Lo que me encanta hacer como latino es usar loops, pero sin quitar alma a los instrumentos tradicionales”, dice satisfecho, “me asombra que en MixUp el disco Todo Paryna haya conseguido el primer sitio en el género New Age y permanezca por más de 12 semanas en el Top 10”.

Orgánico. “En mis versiones, siempre hay una buena guitarra clásica, una guitarra eléctrica clean, el sax (que no se puede reemplazar con nada electrónico) y las percusiones”, anuncia, “por eso tengo un percusionista, no un baterista. El hecho de estar con loops electrónicos y tener una percusión en vivo genera una sensación totalmente diferente. La siento, con la fusión que hago”.

Menos en más. “Busco una sonoridad en particular y trato de dejar marcado a la gente ese sonido, para que diga: ‘es Leo Paryna’. Eso lo logras con la práctica”, y recorta el rider: “nada de preamps o meter cosas electrónicas. El sax tal como va, tal vez con un poco de ecualización; pero eso es a gusto y, quizás, un poquito de delay o reverb para generar un poco de acústica”.

“Cuando empecé a tocar, me acostaba. Me ponía enciclo-pedias en el abdomen y el ejercicio era: respiro profundo, exhalo por la boca; pero no en la misma intensidad, sino al doble de tiempo. Trataba de sacar todo el aire despacio y administrarlo; cuando tocas tienes breves espacios y es ahí donde respiras por el costado lateral de la boca. Me ha funcionado”.

Sin rendirse. “Vengo picando piedra, desde hace 13 años estoy en México y me pone muy contento estar en un Top 10 de ventas porque quiere decir que la música ‘está llegando a la casa ajena’. Eso es súper importante. Como lo es también estudiar. No hay otra clave”.

Relájese y escuche.

LeoParyna:Saxofón,bolerosy chill out

EL ORIGENDEL ALIENTO Saxofones:Selmer Mark VIYamaha Custom Z Boquillas:Beechler Diamond S7s Lengüetas:Vandoren Java (verdes) Microfonía:Sennheiser ew300

Todo Paryna, y varios más, en el Lunario

“Tendré algunos invitados, como Mario Gutiérrez (creador de los Ángeles

Negros) en la guitarra. Juan Solo y Tren a Marte (nominados al premio Grammy). Me acompañarán también el venezolano, Luis Carrillo Catire (en percusiones), Charly Devil (guitarra) y Job Trejo (bajo). Es un cuarteto y tendremos algunas secuencias pero todo lo demás es el complemento en vivo. Estamos armando un espectáculo que, para mí, es algo grande”.

homenaje”, recuerda, “me senté Gil y

y fueron ellos quienes me sugirieron hacer los boleros con mi estilo. La primera canción que grabamos fue “Bésame Mucho”, y valora, “es una versión totalmente latina; “prendida”. No es predecible. En particular, ese tema (el más grabado del mundo) me genera

Mezcla de electrónica, sonidos primitivos y percusiones que cautivan: “estos son los concep-tos que me diferencian en mi propuesta de fusión, respecto

principal en el jazz, que el tango sea parte de mi raíz, pero la realidad es que yo no nací con éstos. Nací con la parte clásica y latina, con el rock

CharlySoda

Todo Paryna, y varios más, en el Lunario

“Tendré algunos invitados, como Mario Gutiérrez (creador de los

Negros) en la guitarra. Juan Solo a Marte (nominados al premio Me acompañarán también el venezolano, Luis Carrillo Catire (en percusiones), Catire (en percusiones), CatireCharly Devil (guitarra) y (bajo). Es un cuarteto y tendremos algunas secuencias pero todo lo demás es el complemento en vivo. Estamos armando un espectáculo que, para mí, es algo grande”.

Y la siguiente escala fue Barcelona...“Como nadie me conocía allá y en un deter-minado circuito en Buenos Aires me ubicaban como actriz, decidí presentarme como cantante solamente. Por un anuncio que encontré en un diario, me acerqué a una banda que necesitaba a una cantante con inglés nativo. Les dije que era argentina pero de madre canadiense. Había sido autodidac-

ta para aprender inglés. Mentí porque en España la fonética del inglés es muy mala. Seis años después les dije la verdad”.

¿De qué manera haces canciones?“No tengo un método para escribir, soy poco ortodoxa. Puedo estar en la calle, en una

camioneta del hotel a un concierto, en casa cocinando, cuando empiezo a escuchar algo en mi cabeza que tengo que grabar en el momento. Hay algunas tan insistentes que incluso me han hecho salir de la cama”.

Tus dos álbumes son muy distintos...“Néctar representa el punto de toda una vida trabajando con mis inseguridades. Comienza a notarse un estilo ecléctico pero con cierta timidez. Eric Hilton (Thievery Corporation) fue el produc-tor, es admirador de Astrud Gilberto y en ese sentido me dirigió, invitándome a hacer una voz susurrante y con cierta languidez. Mientras que Lumen lo produjo Adrián Quesada después de cinco años. Además, el resultado fi nal es el tercer intento en el que nos esforzamos bastante. Me dio libertad absoluta para animarme a explorar. De ahí la naturaleza variopinta del álbum”.

¿Recuerdas tus primeros referentesen el canto?“De niña siempre estuve en los coros y a fi nales de los años ochenta fui elegida para ser solista en un conjunto folklórico que formaba parte de una com-pañía teatral; fue la etapa en la que interpreté buena parte del repertorio de Atahualpa Yupanqui, música increíble que me toca el alma. Más tarde escuché el disco Music Box de Mariah Carey y lo oía para hacer vocalizaciones, era como mi base para cantar porque es alguien a quien respeto pues tiene una voz increíble, aunque la música que le producen me parece horrible”.

Lo curioso es que en un momento el canto fue eclipsado por la actuación. “Sí, por una cosa de inseguridad muy grande a los 15 años empecé a estudiar teatro. La necesidad por hacer algo artístico se mantuvo. Y por unos ocho años trabajé como secretaria para mantener el costo de mis estudios. Cantaba solo para mí, sin que nadie se enterara”.

¿El arte dramático te ayudó a mejorar como intérprete en vivo?Es especial lo que sucede, porque a la hora de cantar, no supe aplicar lo que estudié en el nivel escénico. Es así por alguna extraña razón. Además, el pánico escénico se mantuvo ahí por un buen rato. Era una tortura lo que sentía antes de cada show. Empecé a entender cada canción como una escena con su personaje y su interlocutor después de años de escribir mi música”.

Como sea, estabas predestinada a ser cantante...“No creo en las casualidades y no se si puede llamarse orden universal o señales del destino. Cuando me fui de casa de mi madre, unos chicos que tenían una banda me escucharon cantar del otro lado del lugar donde vivía en Palermo, fue así que me enrolé en un grupo que tocaba jazz, devocio-nales hindúes y canciones mapuches pasadas por el fi ltro de la música electrónica”.

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Entrevistas

Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

“Creo que nací cantando. Cuando era adoles-cente imaginaba al público y hasta dirigía

videoclips”. recuerda Natalia Clavier, artista bonoaerense radicada en Brooklyn que debuto con el álbum Néctar (2008). Su estilo ha coqueteado con el trip hop, el folclor argentino, el reggae y el dub, entre otras fusiones; ha sido cantante del dueto Thievery Corporation y con Lumen, su segundo álbum, continua con su búsqueda.

Natalia Clavier VOZGLOBAL

Ecos imperdiblesSaudade, el nuevo disco de Thievery Corporation, incluye “Claridad” , una canción en español escrita por Natalia.

Para el registro de su vozMicrófonos:Shure Beta 58(en vivo)

Neumann KMS-104

Audífonos: StantonDJ Pro2000-S

Software: Garage Band con una interfaz Steinberg CI-1Preamplifi cador: Universal Audio de válvulas Twin Infi nity 710

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/inovaudio behringer www.inovaudio.mxwww.behringer.com

[email protected] www.gonher.comgonher distribuidora @gonhermexico

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Por Eliseo Vega twitter: @eliseovega

Entrevistas

Oregon no sólo es un estado. “Usamos el nombre casi como un

chiste”, cuenta de buen humor Paul McCandless, después de su actua-ción en el Festival Internacional de Jazz & Blues de San Miguel de Allende el año pasado. “Tocábamos en Woodstock una vez al mes y en cada ocasión teníamos que anunciarnos con un nombre diferente. Entramos por la puerta y nos pregunta-ron: ‘¿ahora, cómo se llaman?’ –‘Vamos a decir que Oregón’. A la siguiente semana, fi rmamos un contrato por diez discos (con Vanguard) y ya no pudimos cambiar el nombre del grupo”.

Amor y familia. “Es un milagro porque la banda se mantiene fresca, nueva y parte de ello es que tenemos a uno de los grandes compositores: Ralph Towner (guitarra, trompeta y piano)”, sonríe, “es cómo tener a Duke Ellington en la banda: un genio que hace música nueva y nunca es lo mismo: evoluciona. Pienso que todos aportamos cosas distintas al grupo, que lo transforma de un modo u otro. Al principio, nuestro camino era un poco angosto, tocando subdivisiones impares entre tabla y oboe; bajo y guitarra clásica. Eso era el centro de nuestro estilo. Fuera de eso, nada sonaba a Oregon”.

A cuatro décadas. “Ahora, tocamos jazz, música libre con sintetizadores;

puedo tocar sax tenor, oboe

y Mark Walker

(pe rcu -

siones) está aprendiendo más cosas. De modo que, sigue siendo nuevo y es poco usual que los grupos se mantengan tanto tiempo”; y mira a lo lejos: “normalmente, la gente acaba odiándose unos a otros o deciden dejar de trabajar para buscar algo más. Nosotros tenemos mucha fe y paciencia porque aunque las cosas no vayan bien, tenemos el ánimo de seguir y de no buscar una solución rápida”. Y aclara, “nos mantenemos juntos y evolucionamos. Es un grupo singular: una mezcla de amistad, música y fa-milia. Así se llama nuestro nuevo disco: Family Tree (CamJazz, 2012)”.

Diferencia entre corno inglés y oboe“El oboe es más grande, un poco más dulce, de sonido melancólico y tiene muchos colores tonales: puede ser obscuro, brillante o ligero”, compara, “el corno inglés se escucha algo más triste, una cualidad que siempre está ahí; no importa lo que hagas”; advier-te, “es hermoso pero no es tan fl exible como un oboe. Está abajo un intervalo de quinta, de modo que también es más largo. Es un tanto más grave, como un oboe tenor, en caso de que el oboe fuera el soprano”.

Está evolucionando. “Me refi ero a que se está volviendo más efi ciente y la maquinaria está diseñada para acomodar bien los dedos. El oboe empezó avanzar alrededor de 1800, cuando los comenzaron a

construir con un sistema semejante al del clarinete y la fl auta. Le pusieron esas maquinarias al oboe”, y resuelve la historia: “el cambio fue tan drástico, que ya no sonaba más como un oboe sino a saxofón y fue muy impopular. De hecho, dieron marcha atrás, hacia un sistema más primitivo”, ilustra Paul.

Su digitación es complicada. “Se ne-cesita de varios dedos para tocar una nota. Es un poco extraño: un dedo va hacia arriba, mientras el otro baja. O dos para arriba y dos para bajo”, des-cribe, “las jóvenes generaciones están encontrando formas de ejecutar más

rápido y es genial porque siempre se ha tenido la idea de que el oboe era un instrumento cantante y de no mucho virtuosismo. El instrumento realmente es bueno, se puede tocar rápidamente y hoy los jóvenes intérpretes son fantásti-cos”, reconoce.

Mejor, con YamahaDe gran calidad. “Una de las difi culta-des del oboe es que le debes colocar una muy buena lengüeta. Esto no es tan importante en todos los instrumen-tos que usan este aditamenteo pero es súper importante en el oboe”, expone Paul, “porque no puedes sonar bien si no tienes una lengüeta decente. Casi todos hacemos nuestras propias lengüetas. El oboe Yamaha es más permisivo con ellas. En esencia tiene un sonido cálido y el registro grave es muy dulce”.

Paul McCandless,vientos desdePennsylvania

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Entrevistas

“Con otras marcas las notas graves suenan mal, demasiado oscuras. Y el oboe Yamaha es más solvente y sonoro. También es muy fl exible, cosa que realmente necesito. Como un improvisador, tengo que estar listo para cualquier cosa. Podría tener que subir a notas altas”, y ejemplifi ca: “tal vez tuviera que ir a los graves; más rápido, más lento y necesitas ser fl exible, con-tar con un instrumento que pueda hacer todo eso porque si no sabes qué vas a tocar, tendrás que improvisar”.

Requiere fortaleza. “Es cómo nadar bajo el agua: se necesita de mucha

resistencia pulmonar para hacer algo así. Al oboe le hace falta mucha presión y para lograr un buen sonido, debes soplar bien”, recomienda, “tienes que hacer que el aire vaya muy rápido a través de la lengüeta; es lo que lo hace cantar y tener esta textura de terciopelo. Es muy físico, debes practicar mucho, desarrollar resistencia (para no perder el control del sonido), la forma en la que colocas la lengüeta en tu boca y también ser capaz de tocar grave o agudo; fuerte o suave”, puntualiza, “tener fl exibilidad y fuerza. Es realmente físico y hay que tener cuidado. A veces inhalas y, cuando

tienes un descanso, exhalas; de forma que vas a necesitar del aire antes que el oboe. Tienes que sacar el aire y respirar para no desmayarte”.

“La música en vivo está regresando, en este momento existe mucha gente que goza de las actuaciones. Lo veo en los grupos de rock, como los pupilos del Greateful Dead: no tienen disco con una compañía grande y aún así la gente los conoce por sus actuaciones en vivo. Yo encuentro mucho placer en tocar”, concluyó sonriente el multi ins-trumentista.

tocar”, concluyó sonriente

Amigos por siempre“Adoraba trabajar con Eugenio Toussaint y a él le gustaba el rango de cosas que podía hacer con mis instrumentos. Cuando nos reuníamos, se sentía que éramos parte de la misma familia musical. Él desarrollaba melodías similares a las mías y a las de Oregon. Lo admiraba tanto, por su alcance y amistad. Era una de esas pocas personas que conoces en tu vida y con las que consigues una conexión fuerte”.

@soypopesponja

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¿Qué tiene de especial el puñado de músicos que te acompaña?“Consigue que se me haga agua la boca. No sé cómo explicarlo. Por ejemplo, cuando escucho a Led Zeppelin siento sabores dulces, como si lamiera una paleta Tutsi Pop.Entonces los músicos con quienes estoy me provocan sabores. Cuando tocan conmigo me hacen salivar”.

Y para salivar sobre el escenario, ¿qué le solicitan a quien los contrate?“Lo básico. Pedimos un PA decente y monitores, pero bueno, justo el fi n de semana pasado fuimos a un lugar pequeño y le dimos sin monitores; escuchábamos únicamente el sonido de sala. Es importante relajarse, no ponerse tan mamón. Porque luego hemos llegado a pueblecitos donde no nos dan los amplifi cadores que solicita-mos, a cambio nos ponen unas “loncheritas”, pero la verdad es que la gente que va a los conciertos siempre responde de una forma espectacular y eso nos ayuda a suplir carencias

con buena actitud. Como músico, uno debe solicitar sus herramientas para hacer correctamente su trabajo, pero de repente se vale decir, ‘ok, saquemos adelante este cotorreo, hagámoslo sonar con lo que hay’; dar un buen show, disfrutar, porque ha-cer música es lo que a mí más me gusta y si consigo transmitirlo estoy contenta; no importa tanto si el equipo no está de mi lado. Volviendo a la pregunta, es importante agregar que haya sufi ciente agua y unas chelas -por qué no- igual algo de comer. Y yo, especialmente, a veces sufro de bajones de azúcar, entonces alguna soda no me viene mal”.

¿Es duro para ti cantar sin monitores?“Claro, me canso más. Tengo que gritar para alcanzar a escuchar mi voz desde los altavoces de la sala. Pero esos son gajes del ofi cio; terminar ronco y tender a desafi nar más. Es tan común como ponerse nervioso antes de salir a tocar. Por eso yo caliento previamente mi cuerpo como si fuera a hacer ejercicio, para desestresar-me corporalmente porque

siempre, irremediablemente, me pongo nerviosa antes de tocar. Es un lugar común, pero de verdad, cuando ya no me sienta así antes de subirme a un escenario, dejaré de hacerlo”.

¿Es cierto que solías sufrir de pánico escé-nico, ya lo superaste?“Sí. Mis primeros shows fueron duros por eso, enton-ces me subía alcoholizada a tocar, por mi miedo. Así fue hasta que un día me sentí muy decepcionada mí misma y también triste por la gente que me vio actuar así tras pagar su boleto. Creo que está bien echarse un whisky, una chela, para relajarse; pero salir borracho al escenario es para novatos, ni que uno tuviera quince años de edad. Ésta es una profesión, no se trata de ser famoso ni pasársela de fi esta; sino de actuar con seriedad, de lo contrario no se llega muy lejos. Finalmente, hay que respetar el trabajo de todos los colegas, porque somos muchos los que estamos tomándonos muy en serio esto, luchando por derribar ciertos clichés, como aquel que cuenta que todos los rockeros somos drogadictos y alcohólicos”.

Originaria de Guadalajara,

Elis Paprika planeaba convertirse en bailarina hasta que el rock & roll torció su camino para así iniciar un andar discográfi co que arrancaría en 2006 y que hoy día hace un recuento histórico con Adiós, un álbum retrospec-tivo grabado al lado de su banda, The Black Pilgrims. “Este disco es una compilación de mi historia musical. Entre viejos éxitos, sólo hay un par de temas nuevos -»Canción de amor para los 3» y «Adiós»- ejecutados por Cachi Zazueta en la batería, Dylan Deville en el bajo, Adán Ruiz y Cristian Hernández en las guitarras y yo, en la voz y la guitarra”.

Elis Paprika.Del pánico a la sinestesia

Los saboresde Elis ysus Pilgrims:Batería: DWGuitarras:Les Paul Standardy Fender Hell CatBajo:Fender Jazz BassAmplifi cadores:Fender De Ville

@soypopesponja

Por Alejandro González Castillo

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Palabras más, palabras menos

Líber TeránA lguna vez fue líder

vocal de Los de Abajo; hoy es un gitano western de alma vagabun-da que compone palabras más, palabras menos.

¿Escuela de música o escuela de la vida? “La segunda. La música es producto de la realidad, y ésta no se encuentra en un aula, sino en la calle. Pero una no está peleada con la otra; se complementan. Todo el tiempo he estado vinculado con la parte académica de la música. De hecho, aún hoy me mantengo enseñando. Por eso sé que la música también puede construirse desde una escuela y que un grupo de rock que jamás ha estudiado música también opera como una escuela”. ¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste? “Se llamaba “La destrucción natural”. Eso pasó cuando contaba con trece años y se trataba de un tema de corte ecológico que no me gustaría volver a tocar; es decir, apoyo las causas, pero no en mis canciones. Para escribirla, saqué los acordes de “Don t let me down” de un Guitarra Fácil y sobre ellos escribí lo mío, sólo copié el círculo armónico. Entonces yo no era más que un puberto con ganas de hacer rock de contenido social”. ¿Existe alguna compo-sición que te gustaría robar? “Hay canciones que hubiera querido escribir, como “Norwegian wood”, de los Beatles. Porque fue de las primeras canciones donde un instrumento proveniente de una cultura milenaria como la hindú se entrometió con el lenguaje del pop. Está basada en un compás ternario y su idioma es folk, pero también muy pop. Se trata de una letra misteriosa, y eso me atrae”.

¿Alguna vez has extraviado un instrumento? “Mi experiencia más traumática al respeto la sufrí en un trolebús. Al salir de la secundaria, diario, tomaba ese transporte después de pasar mucho tiempo en las jardineras de la escuela con un amigo, tocando la guitarra. Pero una vez se subió un chavo muy drogado y me quitó mi instrumento, me dio dos golpes en la cara y me lo arrebató. Yo me puse a llorar. Esa guitarra estaba rota, me la regaló un primo porque nunca la usaba, pero yo la mandé arreglar, le puse tornillos para colgármela y una mica para no rayarla. Era una guitarra muy chafa, pero fue mi primera gran pérdida”. ¿Existe algún instru-mento que te gustaría aprender a tocar? “Canto, toco piano, armóni-ca y fl auta transversa. Como dice Paco Huidobro: “toco cualquier instrumento de cuerda pulsada”.

Pero siempre tuve ganas de tocar bien el violín. Fue lo primero que me compraron desde niño pero jamás lo he tocado como quisiera. Es una deuda que tengo conmigo mismo. Sería bueno retomarlo, pero ahora que entré a la paternidad he perdido algo de mi tiempo libre. No sé cuándo podría encontrarme de nuevo con él”.

¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial? “Sí. Sería falso decir que no. El único músico que me desagrada es el “copión” que hace lo que está de moda. Y lo entiendo, incluso me parece digno, sobrevivir y salir delante de esta forma, pero lo encuentro falso. Esa gente deja de valorar a la música con tal de vivir bien. Un día es salsera, luego rockera. No me gustaría tocar con alguien así”. ¿Cuál es tu instrumen-to favorito? “La guitarra es mi base, pero mi favorito es la voz.

Pueden amputarme las manos, robarme algún instrumento, pero la voz la tengo a toda hora y la per-deré hasta que muera. Me considero un cantante que conoce sus limitantes; pero me gusta mi voz, aunque sea caprichosa y tenga que darle mantenimiento a diario para sostenerla lo mejor posible”. Para terminar, ensambla la agrupa-ción de tus sueños.“En la batería a Ringo Starr (me gusta porque es básico, acompaña bien), en el bajo John Entwistle, en las guitarras a Stevie Ray Vaughan y Keith Richards y en los teclados a Kenny Kirkland. De repente metería a Ravi Shankar en la cítara, pero sólo ocasionalmente. Obviamente me gustaría cantar en ese grupo, pero preferiría componerle su temario y dárselo a cantar a Caetano Veloso. ¿Y sabes cómo llamaría a la banda? Norwegian Wood”.

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Producción

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[ Instrumentos ]

Con el atributo de ofrecer una señal RF muy estable en recintos cerrados, el GLXD6 es el primer receptor para guitarra o bajo diseñado para ser manipulado con el pie de manera análoga a los pedales de efectos que usualmente tienen los músicos en el escenario.

Este receptor diversifi cado, integrante estelar de la nueva serie de sistemas inalámbricos de la serie GLXD, innova en su diseño al ser fabricado en metal para aumentar su vida útil y robustez sobre el escenario. Ofrece un afi nador cromático integrado que puede ser usado en dos opciones, de aguja y estroboscópico. El acceso a éste se realiza por medio del interruptor para pie o foot switch, que posee el GLXD6 y así conmuta éste entre el menú de frecuencia inalámbrica (o de receptor) y el afi nador, dando opción incluso a silenciar el audio o dejarlo en reposo; maneja audio digital de alta calidad y reproduce una señal totalmente idéntica al timbre de la guitarra o bajo que se utilice con él, por lo que es una excelente opción para músicos de todos niveles.

En su tratamiento de frecuencias permite transmitir en la de 2.4GHz y tener la capacidad de evadir interferencias de manera automática, pues el sistema posee la tecnología LINKFREQ con la que el equipo rastrea y cambia la frecuencia de transmisión en automático y en forma remota ya que tiene comunicación bidireccional con el transmisor. Ese ajuste de frecuencia se realiza de manera instantánea y transparente, sin interrumpir el funcionamiento del sistema. Cada transmisor posee seis frecuencias de respaldo.

Se pueden usar cuatro sistemas a la vez y llegar a un máximo de ocho (tomen en cuenta que en esa confi guración, no se tienen frecuencias de respaldo); al usar de uno a cinco receptores GLXD6 se cuenta con las frecuencias de respaldo por lo que es una opción efectiva para guitarristas y bajistas en escenario.Otra de sus funciones a destacar es la opción de monitorear el estado de la batería del transmisor GLXD1, que puede alcanzar hasta 16 horas de uso continuo. Su alcance en cobertura es de 30 a 60 metros, dependiendo de las condiciones físicas del lugar.

El receptor GLXD6 representa la solución más sencilla, avanzada y robusta en el mercado para guitarristas y bajistas por su alta duración (ocupa baterías recargables), su estabilidad de RF (la tecnología de evasión automática de interferencias), su versatilidad (por integrar un afi nador) y durabilidad física ya que está montado en chasis metálico.

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Se pueden usar cuatro sistemas a la vez y llegar a un máximo de ocho (tomen en cuenta que en esa confi guración, no se tienen frecuencias de respaldo); al

se cuenta con las frecuencias de respaldo

Otra de sus funciones a destacar es la opción de monitorear el estado de la batería del , que puede alcanzar hasta 16 horas de uso continuo. Su alcance

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Avid | Software de notación | Sibelius 7.5 Con mejoras en acceso y usabilidad, esta versión acelera el proceso de apuntes

creativos directo a la partitura dejando revisar y editar la estructura completa del acorde y pasar de una sección a otra con un clic. Se ha incluido una función para

compartir la pieza en las redes sociales (Facebook, YouTube y Soundcloud) y se puede exportar el archivo directo a la app Avid Scorch para practicar en la tableta.

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Producción [ Gadgets ]

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Bass Station II Los que gustan de explorar nuevas posibilidades sonoras

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Ofrece conexiones MIDI y USB, enaltece lo vintage al ofrecer distorsión analógica y tiene 64 presets y 64 patrones de

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[ Apps ]

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Producción [ Home Studio ]

AlucinarteProducciones

Filosofía: “Un laboratorio para dejar fluir la creatividad, es mi oficina, mi sala de juegos; mi amante de tiempo com-pleto”, así describe Mauricio Rosas la razón de ser de este espacio de producción musical donde atiende como prioridad los proyectos personales como son su banda de jazz Capone Project y D´Garces. La experiencia de haber trabajado en su juventud en el estudio MCD le permitió observar de cerca lo hecho por gente como Jorge Avendaño, Arturo Núñez y Amparo Rubín, deve-lando ante sus ojos y oídos el mundo de la grabación, lo que le llevó a formalizar estudios en composición, arreglo y músico instrumentista. “Mi primera experiencia en un estudio fue con el cantante Sergio Fachelli, me tocó vivir aquella época donde grabar era un lujo y sólo se podía hacer en lugares muy pro y muy caros. Cuando en el 2001 apareció la primera tarjeta de bajo costo de Pro Tools, la Digidesign 001, corrí a adquirirla, me hice de una Mac y desde ahí comenzo esta gran aventura de grabar por mi mismo”, evoca el creativo.

Uso: Con la visión de que el acto de grabar es dejar regis-tro de algo mágico que puede trascender el tiempo, el reto

en Alucinarte Producciones es buscar la solución más creativa para cada ecuación del proceso de producción, alternativas que sólo pueden enriquecerse con base en la capacitación constante y la exposición a conocimientos nuevos. Luego de 13 años de crear espacios en sociedad con amigos y maestros como han sido Héctor Ortiz (productor y cantante), Edgar Covarrubias (productor y locutor de la extinta estación radial WFM), hoy la esencia sonora de este home studio estriba en la amalgama que hacen un robusto equipamiento vintage con aditamentos modernos: “Creo que no hay una formula que te indique usa tal micrófono o tal preamp para esto o aquello; es un asunto de feeling: el arte de grabar es saber qué es lo que tienes, con qué cuentas y en ese momento hacerlo funcionar. Es cuestión de imaginar y dar con lo que se busca”.

Proyectos: Musicalización para comerciales, campañas póliticas; el primer disco de Capone Project. Actualmente la producción del proyecto D´Garces que tiene un sonido entre lo vintage y lo moderno orientado en el glam de los años setenta y ochenta, los bajos Moog muy electrónicos y el concepto denominado “sonido cinema”.

Contacto: www.alucinarteproducciones.com

• Hardware:Apple MacBook Pro 17 i7 8 RAM, MacBook Pro 17 Core 2 Duo 4 RAM; iPad con A7-CORE, Alesis IO Dock

• Plug-ins:T-Racks, SSL, WAVES 9, Izotope, IK Multimedia, Philharmonic Miroslav

• Software:Avid Pro Tools (versiones 8 y 10) con interfaz Digidesign 003; Live Ableton 8; Reason 5; Sibelius 6

• Mezcladoras:Yamaha 03D, Mackie DL1608 y Akai APC-40

• Preamplificadores:Presonus DIGIMAX 96 K 8CH, Bluetube 2CH; HHB Radius Fatman 2; Alesis Microverb 4

• Monitores:Alesis M1 Active MKII y M-Audio BX5A Deluxe

• Microfonia:Audio Technica AT- 4040; Rode NT1A; Kit Shure PGDMK6 para bateria

• Controladores y sintetizadores:Roland XP-80; M-Audio 88 Pro Keys y Key Rig 46

• Backline:Amplificadores: Orange CR35LDX; Hartke KM60; Fender Frontman 212 // Guitarras: Gibson Les Paul Custom 81; Fender Telecaster 1974 // Bateria: Mapex Saturn Pro

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Producción[ Home Studio ]

Beyerdynamic MicrófonoM69 TG Un robusto transductor omnidireccional que atenderá sin contratiempo la grabación de instrumentos de metal y los gabinetes de guitarra, gracias a su alto nivel de presión sonora con respuesta de frecuencia de 50 a 16,000 Hz e impedancia nominal de 200 Ohms.

Hi Tech Audio (55) 5709 0233 www.hta-audi.com www.beyerdynamic.com

Sonnox | Combo de Plug ins | Restore Diseñados para restaurar con mayor precisión grabaciones de audio deterioradas,

el paquete incluye Oxford DeClicker, Oxford DeBuzzer y Oxford DeNoiser; son compatibles con tracks de audio procesados en Pro Tools (RTAS), Audio Units y VST.

Vari Internacional (55) 9183 2700www.varinter.com.mx

www.sonnox.com

Samson | Mezcladora | MXP124FX Equipada con 12 canales, entrada USB y cinco fader que dan acceso a su

panel de efectos digitales (99 cargados), la MXP124 permite trabajar cuatro canales en estereo con control de balance y dos en mono con perillas dedicadas

para ajustes de ganancia, pan y compresión además de botón para fi ltro.

Hermes Music (55) 5547 2111www.hermes-music.com.mx

www.samson.com

YamahaMonitor biamplifi cadoHS5Opción accesible por costo-benefi cio, el HS5 es un gabinete con cono de cinco pulgadas y tweeter de una pulgada que entrega respuesta de frecuencia de 54 Hz a 30 kHz y potencia de 70 watts. Cuenta con entradas XLR y TRS.

Yamaha de México (55) 5804 0600www.yamaha.com.mx

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Por Vyero*@V yero

“Los músicos somos imprescindibles y hemos

de hacerlo notar”.

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Por Vyero*@V yero

“Los músicos somos imprescindibles y hemos

de hacerlo notar”.

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era obligatorio el servicio militar así que tras los primeros cursos de la carrera le dije a mi padre: “Yo no estoy seguro de que vaya a ser un economista, ni siquiera mediocre... Así que me voy a tomar este año, voy a hacer el servicio militar y a la vuelta decidimos”. Y lo que pasó fue que me decidí por la música”. Formé varios grupos de latin jazz y además trabajaba como free-lance en un estudio. Un amigo tenía en su casa un multipista (de cuatro tracks), una caja de ritmos Roland 808 y un sinte Juno. Yo me iba a pasar las tardes componiendo canciones con él y me dejaba los mandos del estudio. Ahí empecé a jugar con el multipistas y a aprender a hacer cosas”. “La primera responsabilidad como productor fue para un disco de música tradicional valenciana. En un estudio chiquitito con una producción muy modesta, pero yo ya tenía algo de experiencia.

Sé que comenzaste en la música desde pequeño, tuviste tu primer banda a los 12 años y fue con el grupo Habeas Corpus con quien tuviste tus primeras experiencias en vivo. Lo que no sé es si fuiste autodidacta o te hiciste en la formalidad del aula.“Soy autodidacta. La primera gira profesional por la cual me pagaron algo de dinero fue a mis quince años, un tour de verano que hice con un artista local que me conocía, no recuerdo bien dónde pero me había visto cómo tocaba el bajo y con eso, quiso que estuviera en su banda. Habló con mi padre y le convenció. El tipo era de fi ar, al parecer (risas)”.

A partir de ahí, ¿cómo fue tu evolución como músico?“Primero tenía que estudiar, empecé la carrera de Económicas, pero siempre la música me tiraba mucho. En España

Nacho Mañó ha sido un estandarte importante en la música pop de España. Con colaboraciones que van desde sus proyectos personales, como han sido Presuntos Implicados y Canto Rodado, hasta sus participaciones como

músico de sesión y/o de acompañamiento con artistas de la talla de Mecano, además de su amplia trayectoria como productor musical donde destacan sus créditos junto a Alejandro Sanz, Santiago Cruz y Armando Manzanero.

En el 2009 tuve la fortuna y el placer de compartir escenario con Presuntos Implicados y así conocer a Nacho, un tipo que normalmente aparenta mucha seriedad, pero que en realidad tiene un fantástico sentido del humor. La vivencia se debió a que gané un concurso para reversionar las canciones de Presuntos y por ello pude conocer su estudio y compartir con su familia, siendo testigo cercano de su sencillez y el amor que profesa por la música.

Esa experiencia me dejó una huella profesional y personal muy importante, por lo que la circunstancia de que vendrá a la próxima edición de sound:check Xpo a impartir por primera vez en México una master class –actividad que no le es ajena-, resultó el momento idóneo para un rencuentro que permita hablar de sus motivaciones, conceptos y fi losofía en torno a la creación musical y entrever lo que armará en esa clínica este 30 de marzo en el Salón Olmeca IV del World Trade Center de la Ciudad de México.

Fotografías cortesía Nacho Mañó

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era obligatorio el servicio militar así que tras los primeros cursos de la carrera le dije a mi padre: “Yo no estoy seguro de que vaya a ser un economista, ni siquiera mediocre... Así que me voy a tomar este año, voy a hacer el servicio militar y a la vuelta decidimos”. Y lo que pasó fue que me decidí por la música”. Formé varios grupos de latin jazz y además trabajaba como free-lance en un estudio. Un amigo tenía en su casa un multipista (de cuatro tracks), una caja de ritmos Roland808 y un sinte Juno. Yo me iba a pasar las tardes componiendo canciones con él y me dejaba los mandos del estudio. Ahí empecé a jugar con el multipistas y a aprender a hacer cosas”.

“La primera responsabilidad como productor fue para un disco de música tradicional valenciana. En un estudio chiquitito con una producción muy modesta, pero yo ya tenía algo de experiencia.

Sé que comenzaste en la música desde pequeño, tuviste tu primer banda a los 12 años y fue con el grupo Habeas Corpus con quien tuviste tus primeras experiencias en vivo. Lo que no sé es si fuiste autodidacta o te hiciste en la formalidad del aula.“Soy autodidacta. La primera gira profesional por la cual me pagaron algo de dinero fue a mis quince años, un tour de verano que hice con un artista local que me conocía, no recuerdo bien dónde pero me había visto cómo tocaba el bajo y con eso, quiso que estuviera en su banda. Habló con mi padre y le convenció. El tipo era de fi ar, al parecer (risas)”.

A partir de ahí, ¿cómo fue tu evolución como músico?“Primero tenía que estudiar, empecé la carrera de Económicas, pero siempre la música me tiraba mucho. En España

Nacho Mañó ha sido un estandarte importante en la música pop de España. Con colaboraciones que van desde sus proyectos personales, como han sido Presuntos Implicados y Canto Rodado, hasta sus participaciones como

músico de sesión y/o de acompañamiento con artistas de la talla de Mecano, además de su amplia trayectoria como productor musical donde destacan sus créditos junto a Alejandro Sanz, Santiago Cruz y Armando Manzanero.

En el 2009 tuve la fortuna y el placer de compartir escenario con Presuntos Implicados y así conocer a Nacho, un tipo que normalmente aparenta mucha seriedad, pero que en realidad tiene un fantástico sentido del humor. La vivencia se debió a que gané un concurso para reversionar las canciones de Presuntos y por ello pude conocer su estudio y compartir con su familia, siendo testigo cercano de su sencillez y el amor que profesa por la música.

Esa experiencia me dejó una huella profesional y personal muy importante, por lo que la circunstancia de que vendrá a la próxima edición de sound:check Xpo a impartir por primera vez en México una master class –actividad que no le es ajena-, resultó el momento idóneo para un rencuentro que permita hablar de sus motivaciones, conceptos y fi losofía en torno a la creación musical y entrever lo que armará en esa clínica este 30 de marzo en el Salón Olmeca IV del World Trade Center de la Ciudad de México.

Fotografías cortesía Nacho Mañó

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Luego produje el disco de los ganadores de un concurso de rock y algunas producciones locales que empezaron a partir de ahí. Por el camino se me cruzó la oportunidad de producir un disco para Presuntos Implicados, que se había quedado sin compañía de discos. Mi hermano, que era su manager, había creado un compañía para sacarles un mini Lp y el productor más barato que conocía era yo (risas). Ese disco que produje fue De sol a sol, el segundo álbum de Presuntos”.

O sea que llegaste a Presuntos por el lado de productor, no como intérprete.“Exactamente. Presuntos era un grupo funky. A mi me gustaba mucho Earth Wind & Fire, en especial sus baladas. Entonces les propuse primero hacer una balada y entonces escribí, “En la oscuridad”; luego le di un toque latino a una canción que se llamaba “Sed de amor”. Estaban incluidas en ese álbum y gustaron mucho. “En la oscuridad” fue el single más votado en Radio Tres en 1987, me parece. Eso nos llevó a oídos de Juan Carlos Calderón, quien escuchó al grupo y se lo recomendó a Warner Music. Cuando Vicente, mi hermano, fue a tratar de que yo fuera el productor de ese álbum, la compañía le sugirió que yo entrara a formar parte de la banda. Yo en ese momento estaba como músico de acompañamiento en gira con Mecano”.

¿Cómo fueron las siguientes producciones del grupo?“Los primeros discos de Presuntos se maquetaban con cuatro pistas, haciendo “ping-pong” (bouncing). Alma de Blues se maquetó así. Siempre estaba la cuestión de que, a la hora de grabar tu disco, te ibas a un estudio grande y pasabas un par de meses encerrado. A veces era en Valencia, luego viajábamos a estudios fuera de

la ciudad buscando más excelencia en el sonido y así estuvimos muchos años. Cuando me iba a producir un disco para Presuntos, o para otro proyecto, era cena familiar con despedida y regalos a la vuelta. Entonces surgió en mi la ilusión de tener un espacio en el que pudiera hacer parte de ese trabajo, pero en casa”.

¿Y con qué lo iniciaste?“Iniciamos una obra en mi sótano, para acondicionarlo y tener unas ventanas, luego compré un primer equipo con Adax y con una mesa Mackie y así grabé varios discos (Versión Original, por ejemplo). Normalmente hacíamos las maquetas y lo más básico aquí, para luego grabar baterías por fuera, pianos acústicos, orquesta, en fin. Las cosas que necesitaban más canales. Y aquí trabajamos con un par de previos (preamps) Midas que aún tengo por aquí. Con eso se grababa prácti-camente todo. En el año 2000 ya cambié a Pro Tools, hice un cambio de estudio con la primera versión. Compré un controlador, una TC Electronics 6000 y a partir de ahí, ya pudimos hacer más discos aquí en casa”.

¿Ahora con qué estás trabajando?“Con eso mismo, he ido ampliando los preamps y la microfonía. Ahora tengo un Pro Tools HD3, más una cantidad bárbara de pres Neve, Telefunken, API, GML para poder conseguir diferentes texturas en los sonidos. Los micrófonos que utilizo son estándar. No tengo ninguna joya de la corona (risas). En batería uso los Sennheiser MD421, Shure SM57 y AKG D112; los ambientales los grabo con Neumann de la serie KM ó AKG C414, también uso el AKG C451 para el “Charles” (Hi Hat). Para la voz tengo Neumann U87 y AKG C12”.

Ahora cuéntame un poco de lo que has producido fuera de tus proyectos personales. Sabemos de Santiago Cruz, también lo hecho con Alejandro Sanz… “Bueno, digamos que no he salido del estudio desde 1986, por eso tengo cara de recluso (risas). Sigo en el estudio desde entonces. Me encanta y me gusta mucho también la edición

…en mi forma de hacer música, el bajo ha de ser así: limpio, sencillo y grande”.

DISCOGRAFÍA, COLABORACIONES

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Central

de video. Si no estoy produciendo algo para Presuntos, siempre estoy interesado haciendo otras cosas; buscando que sean lo más distintas posibles porque eso te redescubre como artista”. “Las primeras producciones que hice con más trascendencia fueron las de Presuntos, y de un grupo local que se llama Inhumanos, a los que les hice un par de discos al principio de su carrera, era un combo muy divertido y con algunos éxitos. Alejandro (Sanz) se cruzó en mi camino en 1993. Hice con él sus discos Si tú me miras y el Básico. Me encanta también lo que hice con Seguridad Social, un grupo valenciano que ha tenido mucha trascendencia en España.Con el grupo Revólver, también participé en su primer trabajo para Warner y después de eso he trabajado con muchos otros artistas”.

“Los mejores recuerdos que guardo son de los duetos que hicimos para Armando Manzanero, por lo que obtuvimos un Grammy. Tuve la enorme suerte de haberme encontrado con el maestro en el camino, de haber aprendido tanto de él y de haber producido casi la totalidad de esos veintitantos duetos que había en esa colección”.

A Niña Pastori le produje Joyas Prestadas y, en estos últimos tiempos he estado trabajando con Santiago Cruz, que ha tenido un gran éxito en Colombia y en varios países de América Latina.También hice algo en Venezuela con el grupo Pasajeros En Tránsito, con ellos estamos acabando la producción y en México estoy trabajando un par de producciones que no puedo decir sus nombres pero que están a punto de salir y que están muy ricas las dos. La verdad es que disfruto mucho el estudio y compartirlo con gente con talento”.

En el proceso creativo cuál es tu parte favorita: ¿La composición, los arreglos, la mezcla…?“Todo es bonito. Lo más delicado, para mí, es el planteamiento de la producción, la pre-producción. La selección de repertorio es muy importante, cómo abordas las canciones, eso es muy importante en cuanto a armonías, estructuras, la elección de los músicos que vayan a participar; luego ya la grabación y qué técnicas distintas usar para grabar los instrumentos. Digamos que una producción es una toma de decisiones cada 20 segundos y eso siempre te mantiene vivo y alerta”.

“Una parte muy importante es la dirección vocal, que el artista se sienta cómodo y creativo.Las mezclas también las disfruto mucho. Trabajo hace muchos años con Óscar Milader, que es un maestro y del que aprendo en cada disco. También Manuel Tomás, un ingeniero valenciano muy bueno, muy involucrado en los proyectos y alguien que participa con sus ideas”.

A la hora de arreglar una maqueta que te lleva un artista para un nuevo proyec-to ¿Cómo lo enfrentas y como lo desarrollas?“Hay una parte intuitiva en todo eso. Yo creo que lo que desarrollas es la abstracción en el oído y poder estar escuchando lo que no suena ahí aún. Entonces eso es una parte muy importante de este trabajo: poder escuchar más allá de lo que está grabado objetivamente en una maqueta y saber ver la potencialidad de un artista, hasta dónde puede llegar y qué aspectos de su personali-dad puedes subrayar mejor. Yo insisto en tener mucho repertorio”.

La pre-producción es clave.“Esa es la palabra, clave. Es el 80 por ciento del trabajo”.

En cuestión de arreglos ¿Cuáles han sido tus trabajos favoritos?“Yo, la verdad, soy muy crítico con todas mis grabaciones siempre. El artista tiene que ser así, mirando siempre hacia el futuro y poco hacia el pasado”.

“A mi me gustan los arreglos míos, cuanto más sencillos han sido y ha funcionado un arreglo con pocos elementos, ha sido un trabajo más valioso. Cuando una línea de bajo y un groove de batería funcionan, y luego hay un par de colores bonitos en la grabación con la voz en buena interpretación, tienes algo emocionan-te. Yo, por ejemplo, estoy muy contento con un single de Santiago Cruz que se llama “Desde Lejos”, que salió de manera muy espontánea el arreglo y, creo, que ahí aportamos algo”.

, un ingeniero valenciano muy bueno, muy involucrado en los proyectos y alguien que participa con sus ideas”.

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¿Cómo ves en esta época la labor del productor y las producciones?“Hay distintos aspectos en esta pregunta. Por una parte, en el mundo de la producción ya contamos con unas herramientas maravillosas y cada vez más accesibles. Yo soy de la opinión de que no siempre es la fl echa, es el indio: No es la herramien-ta, sino lo que hagas con ella. Pero es una maravilla”.

“Tenemos que formar a la gente que trabaja en la producción musical respecto a la naturaleza del sonido. Por ejemplo, hay muchos que manejan perfecto un plug-in de guitarra pero nunca ha trabajado con un ampli-fi cador Vox, Fender Twin Reverb, etcétera. Conocer la naturaleza de los sonidos, saber de acústica, saber que la música que se graba es el instrumento, el instrumentista y el espacio en el que se está tocando, además de la forma en la que quieres registrar ese sonido. Creo que en ese sentido, esas herramientas se utilizan a veces de manera muy interesante, con una gran riqueza de opciones”.

“La difi cultad mayor está en la promoción de tu música. Aunque internet es una gran herramienta, es un espacio demasiado grande, con una competencia vasta y sin prescriptor. El músico es el que prescribe y dice “escucha lo mío”, y no hay una tercera persona en la que confíes y que diga “escucha lo de éste”. Eso se está reorganizando y encontrará pronto su espacio. Yo creo de verdad que estamos asistiendo a una nueva era y somos los “conejillos de indias” que estamos escribiendo el futuro del músico y la industria en base a nuestro criterio del uso de estas herramientas”.

¿Cómo has aprovechado las nuevas tecnologías en vivo y en el estudio?“Por ponerte un ejemplo, yo comencé a grabar con un multipistas de dos pulgadas, con un límite de 16 pistas, pronto logré llegar a las 24 pistas; al poco tiempo ya estábamos grabando

en digital y podíamos “esclavizar” máquinas. Rebobinar una canción te tomaba cinco minutos y tenías que darle unos segundos para que se sincronizaran las máquinas. De ahí a una plataforma en la que grabas sobre una base de disco duro, donde puedes cortar y pegar... ¡que antes era literalmente cortar y pegar cinta!”.

“Por ejemplo, el playlist (tomas múltiples) es el invento de la vida. Saber que lo que grabas no se destruye en una nueva toma, eso es grandioso. Ha sido un avance muy grande en la graba-ción. Luego todo el tema de empleo de plug-ins. Para directo también me valgo de secuencias rítmicas y en efectos que puedes llevar en vivo sincronizados con la banda, incluso imagen sincronizada, iluminación, todo. Tratamos de aplicar todas las tecnologías”.

Tú eres bajista, pero ¿tocas algún otro instrumento?“Yo empecé tocando la batería, era pésimo pero me encantaba. De hecho puedo tocar algunas cosas medio con la batería, pero con poca gracia; así que mejor tomé el bajo (risas) y siempre toqué la guitarra. La primera que tuve me la trajeron los Reyes Magos con siete u ocho años. En las giras de Mecano, donde siempre teníamos muchas horas de espera, me decidí a aprender a tontear un poco con los teclados; así que me manejó un poquito para acompañar algunas cosas y también me sirve para programar”.

¿Cuál fue tu primer bajo?“El primero lo compré a los 12 años. Mi papá conocía al dueño de una tienda de instrumentos a través de una tía mía, y me permitió pagarlo por recibos (cuotas) que eran de tres o cuatro Euros cada uno. Era un bajo muy malo de la marca Gerson, tenía un conector que no era ni jack ni nada (risas); pero ese fue mi primer bajo”.

¿Hoy cuál bajo identifi ca más tu sonido?“En vivo me gusta usar los Yamaha TRB. Es un instrumento muy cómodo, que tiene un sonido sólido. Me gusta.

Tenemos que formar a la gente que trabaja en la producción musical respecto a la naturaleza del sonido… saber de acústica, saber que la música que se graba es el instrumento, el instrumentista y el espacio en el que se está tocando, además de la forma en la que quieres registrar ese sonido”.

POPFINO,

SUS HERRAMIENTAS

COMO MÚSICOBajos:

Yamaha TRBFender Jazz Bass

Ken Smith

Amplifi cador: Ampeg

En las giras de Mecano, donde siempre teníamos muchas horas de espera, me

con los teclados; así que me manejó un poquito para acompañar algunas cosas

“El primero lo compré a los 12 años.

por recibos (cuotas) que eran de tres o cuatro Euros cada uno. Era un bajo muy malo de la marca Gerson, tenía un conector que no era ni jack ni nada

Amplifi cador: Ampeg

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En estudio ya varío entre los Yamaha, un Ken Smith y un Fender Jazz Bass que tengo desde aquellos años en los que tocaba en bandas de latin jazz”.

¿Cómo describirías tu sonido?“Hay un momento obsesivo que tenemos todos los músicos con nuestro instrumento. Algunos lo padecen toda la vida, pero lo mío fue en la adolescencia tardía, entre los 18 y los “20 y pocos”, que ahí sí “me sentía un bajista”. Me avoqué a estudiarlo sacando piezas de bajistas que me gustaban mucho, en especial de Jaco Pastorius. Luego hasta pensaba que el bajo era un instrumento solista. Un día, después de una grabación para un cantautor, alguien me dijo: “Este disco parece el bajista y sus mucha-chos” (risas). Ahí entendí que el papel del bajo podía ser otro. Entonces cambié bastante el sonido, a partir de aquel comentario, y la función del instrumento en la imagen de una canción. Me fui hacia un sonido más sólido, más redondo, estudiando más el tema de los patrones, por sobre el virtuosismo”.

¿Para tu bajo se ha reducido y simplifi cado con la nueva tecnología?“Yo el bajo lo grabo de una manera muy sencilla. Sólo con un buen preamp por línea y en ocasiones me valgo de un amplifi cador Ampeg para grabar un color de amplifi cación y mezclar esos dos sonidos; pero, en mi forma de hacer música, el bajo ha de ser así: Limpio, sencillo y grande. No utilizo nada de emuladores de gabinetes en vivo ni plug-ins. La línea y ya”.

¿Qué música identifi cas como la que más te afectó?“Ha sido distinto a lo largo de mi vida. Soy un enamorado de la can-ción como estructura y como medio de comunicación. Entonces, empecé escuchando tanto a George Benson, a Led Zeppelin, a Serrat... De todo, especialmente en esos años en los que estás buscando tu lugar. Me interesaba por sobre todo la composición. Me gustan mucho los brasileños pues creo que tienen una escuela de composición muy poderosa, es otro lenguaje y hay una gran cantidad de maestros en la construcción de una canción. De hecho, en mi teléfono el 70 u 80 por ciento de la música que tengo es brasileña”.

COMO PRODUCTORAVID Pro Tools HD3; preamps Neve, Telefunken, API, GML

Microfonía:AKG D112, C451, C12, C414

y Neumann KM

ShureSM57

SennheiserMD412

NeumanU87

Con Gisela Renes, Santiago Cruz y Mariana Zuloaga

Con Armando Manzanero y Buika

Con Jacques Morelembau en Lalal

Con Sin Bandera

Con Vyero

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Músico, compositor y productor. Dirige su propio proyecto de pop independiente y desde su home studio Taxi Cab Records, ayuda a materializar el sonido y propuestas de sus colegas. www.vyero.net

Cuéntame un poco de Canto Rodado“Canto Rodado es una aventura que llevo con mi mujer, Gisela. Es un proyecto en el que no estamos solos, porque el formato en los conciertos es un concepto audiovisual. Entonces tenemos un equipo de imagen a nuestro alrededor: Lo dirige Lorena Alegre, está Juanjo Compain como director de fotografía y Javier Salinas como editor. Lo que hacemos es una mezcla muy curiosa de música sobre el escenario y músicos en pantalla. Estamos afrontando distintos autores brasileños y el primero

de todos ha sido Chico Buarque. Adapté sus canciones al español y a partir de un concierto en vivo de guitarra y voz, complementamos en estudio con muchos otros músicos que fuimos fi lmando y que ahora nomás acompañan en vivo desde la pantalla”.

¿Cómo te han enriquecido musicalmente Presuntos Implicados y Canto Rodado? “Presuntos Implicados ha sido una experiencia muy poderosa a muchos niveles en mi vida. En lo musical, en lo profesional y en lo personal. En lo musical he tenido un espacio donde puedo transmitir mis ideas y expresarlas como músico. Lo he

podido aplicar en el terreno de la música pop. En lo profesional me ha dado la oportunidad, en estos más de 25 años, de haber recorrido muchos escenarios, muchos estudios de grabación, trabajar con grandes profesionales y aprender de ellos. Eso es un privilegio que ahora se ve un poquito mermado por la situación de la industria, me refi ero para los nuevos artistas. Y, en lo personal, pues ha sido una convivencia de muchos años, que también ha creado una serie de energías entre nosotros también muy poderosas. Es un matrimonio.

¿Canto Rodado fue un proyec-to para generar otras cosas, otras energías?“Sobre todo era la posibilidad de compartir música con mi esposa. Ella se dedica al psicoanálisis como profesión, pero es una gran cantante. Entonces, quien es cantante ha de cantar. En casa tenemos un estudio, muchas guitarras, siempre que nos juntábamos con amigos era, “¿Qué cantamos?”. Y yo me decidí darle forma a un proyecto en el que pudié-ramos compartir de vez en cuando un conciertito. Solemos tocar en clubs por aquí, por Valencia. De vez en cuando hacemos una presentación más grande, pero básicamente la intención

es compartir música con ella y también tratar de tener otras experiencias musicales”.

¿Qué impresión tienes de la escena del pop en español actual?“El mercado en España está muy deprimido por varios motivos. No es la situación económica, realmente, la clave para explicarlo. Países con una situación económica menos estable que la nuestra tienen mayor riqueza en los escenarios. Entonces ha sido sobre todo una situación de los medios de comunica-ción, porque han dado la espalda a la industria y a la escena actual.No digamos que no hay música en las radios y en la TV. Sí hay música, pero no la nueva música, ni los nuevos artistas, ni las nuevas propuestas. Hay un fi ltro tremendo con muy pocas novedades, a diferencia de lo que yo he podido detectar en mis viajes, en mi última estancia en México, que cuando escuchas la radio vas escuchando novedades, y viendo como eso crea riqueza al que escucha en cuanto a variedad y al que trabaja para seguir proponiendo cosas y desarrollando ideas”.

Te vamos a ver en la sound:check Xpo dando master class. ¿De qué nos hablarás?“Básicamente de la producción, cen-trándome un poco en el papel del bajo en la producción. Pero me gustaría dar una idea general de lo que signifi ca ser un productor, porque nuestro trabajo trata de hacer un maridaje entre las cuestiones artísticas y las técnicas, entonces voy a dar algunas claves en ese sentido, en cuanto a la selección de equipo, de gente, etcétera”.

Para terminar, ¿qué refl exión tienes sobre el papel del músico hoy en día?“Los músicos somos imprescindibles. Hay música en todas partes, en las noticias de TV, cuando estás comprando en el supermercado, en las presentaciones empresariales, cuando te llaman por teléfono, en los videojuegos, músicas corporativas, hay salas de jazz, hay música de ambiente, música para bailar, música para enamorarse, música para todo. Somos imprescindibles y hemos de hacerlo notar”.

Central

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Industria En Armonía

Por Sandra Romo*[email protected]

Fisioterapeuta Cadenista especialista en Músicos, co fundadora de FiG health // www.figmx.com

E l dolor es una experiencia sensorial desagradable y por lo

mismo no solemos relacionarlo con la interpretación musical, probable-mente porque tocar un instrumento resulta ser liberador, satisfactorio y hasta terapéutico, pero los estudios estadísticos advierten sobre la alta frecuencia de dolor en músicos, al ocupar éste el segundo lugar, después de los operadores de computadora, en padecer afeccio-nes músculo –esqueléticas, donde el dolor es el principal síntoma.

Los músicos disfrutan haciendo música y, por lo tanto, cualquier problema que surja relacionado con ello lo perciben “simplemente” como desafíos propios de su ocupación. Pero, ¿hasta qué punto el dolor es admisible? Muchos músicos manifiestan temor e incluso rechazo a las cuestiones relacio-nadas con las lesiones, tal vez como resultado de una asociación (inconsciente), de que la causa del dolor es por tener una mala técnica.

La prioridad siempre será crear el mejor sonido posible y muchas veces los músicos pasan por alto que, más allá de la técnica, su principal instrumento es su cuerpo y para desenvolverse con plenitud es menester modificar hábitos que, aunque si bien parecieran nimios, pueden resultar potencialmente dañinos, como la falta de ejercicio o descuidar la hidratación durante ensayos o presentaciones.

A lo largo de la historia se han ido creando y modificando técnicas musicales, y la mayoría surgieron sin bases biomecánicas sólidas. Además, éstas difieren entre sí, según el país, el instrumento, el género musical, ¡vaya, de maestro a maestro!, de ahí que resulta in-justo encasillar la lesión únicamente a técnicas deficientes. Y tal vez sea por ello que existe la cultura del silencio, donde se cree que ‘tocar con dolor es parte del Ser Músico’, o donde ‘si hablo de mi padecimiento me juzgarán de ser un mal músico o de que tengo una mala técnica’.

Por otro lado, nos encontramos con profesionistas de la salud que poco o nada saben del modus vivendis de los músicos. Por mencionar

Tocar con dolory la culturadel silencio

algunos ejemplos, asocian que tocar un instrumento es un hobbie y es típico que indiquen como tratamiento “dedícate a otra cosa” o, ante una tendinitis dictaminan, “no toques por seis meses” cuando el tiempo de reposo adecuado es de dos a tres semanas. O incluso sobre-diagnostican el síndrome del túnel del carpo o los operan de supuestos atrapamientos nerviosos cuando el padecimiento (oculto para ellos) es de distonía focal, y muchas otras historias de terror. Pese a que la Medicina de las Artes Interpretativas ya es una rama de la Medicina, en México y en el mundo aún falta mucho camino por conocer y recorrer.

Conoce tu cuerpoEn música se le dice “interpreta-ción”, en kinesiología “gestualidad musical”. El hecho es que la interpretación es corporal, don-de el orquestador es el Sistema Nervioso Central. Sin querer sonar ofensiva al usar este término, encuentro a la gran mayoría de los músicos como “descorpora-lizados”. Y, cómo no, si cuando uno estudia o interpreta, se funde haciéndose “uno” en completa concentración con la música. Por lo mismo, es necesario hacer una mayor inversión en tiempo para conocer al cuerpo y así prevenir el dolor o mejorar la capacidad de manejar el tono muscular o la tensión. Normalmente lo hacen hasta que su capacidad se ve amenazada debido a lesiones ya instaladas y raramente se asocia a un mejoramiento en su utilización corporal y, por lo tanto, en la interpretación.

Rompamos esta cultura del silencio y fomentemos el cuidado al cuer-po. Recomiendo tomar talleres o clases ideales para músicos que mejoran la consciencia corporal, como lo son el Método de Cadenas Musculares y Articulares GDS, la técnica Alexander y el método Feldenkrais, así como Yoga, Tai Chi y Chi Kung. Invertir en el cuerpo dará como resultado mayor bienestar físico y mental. En conclusión: tocar un instrumento JAMÁS debe ser doloroso.

“…es necesario hacer una mayor inversión en tiempo para conocer al

cuerpo y así prevenir el dolor o mejorar la capacidad de manejar el tono

muscular o la tensión”.

Informes en días y horas hábiles: 5622 7113 • www.musica.unam.mx

Sala NezahualcóyotlSábados 20:00 horas • Domingos 12:00 horas

Marzo 01/02

Jesús Medina, director huéspedErika Dobosiewicz, violín

Campa LamentoTchaikovsky Concierto para violínCopland Sinfonía no. 3

Marzo 08/09

Jan Latham-Koenig, director artísticoGiampiero Sobrino, clarinete

Cherubini Obertura de Alí BabáDonizetti Concertino para clarineteVerdi-Bassi Concierto fantasía con temas de RigolettoShostakovich Sinfonía no. 5

Marzo 22/23

Jan Latham-Koenig, director artísticoThomas Indermühle, oboe

Mozart Música funeral masónicaR. Strauss Concierto para oboeTchaikovsky Sinfonía no. 5

Marzo 29/30

Krzysztof Penderecki, director huéspedMassimo Mercelli, flauta

Penderecki Chacona del Réquiem polaco Sinfonietta no. 2, para flauta*F. X. Pokorny Concierto para flautaDvořák Sinfonía no. 7

* Estreno en MéxicoFin de temporada

P r i m e r a T e m P o r a d a 2 0 1 4U N A M

Orquesta Juvenil UniversitariaEduardo Mata de la UNAM

Conciertos de Invierno 2014

Jan Latham-Koenig, director artístico

Domingo 09 de marzo

Jan Latham - Koenig, director artísticoJanet Paulus, arpa

DEBUSSY

• Danzas sacras y profanas para arpa TAILLEFERRE

• Concertino para arpa POULENC

• Sinfonietta

Domingo 23 de marzo

Rodrigo Macías, director huéspedVille Kivivuori, violonchelo

ELGAR

• Concierto para violoncheloBEETHOVEN

• Sinfonía no. 2

Sala Nezahualcóyotl • 18:00 horas

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Industria [ Academia ]

Por Carolina Urbano@caro_urbano

Berklee Latino,primer programa en españolComo músico, no tuve mejor forma de comenzar

el 2014 que siendo partícipe de la experiencia que brindó el primer programa en español que dio la prestigiosa institución educativa Berklee College of Music en México, con la dirección de dos reco-nocidos artistas y ganadores de premios Grammy: Javier Limón y Oscar Stagnaro. Los estudios de grabación del Tecnológico de Monterrey Campus Ciudad de México fueron la sede de este curso que se desarrolló de manera intensiva en una semana, del 13 al 18 de enero.

El programa educativo incluyó tres materias de estudio principales, aplicadas a la música latina: la composición musical, la interpretación y la produc-ción. Como extra, se tuvo la participación de artistas invitados como Armando Manzanero y Tania Libertad, quienes sumaron su experiencia y cono-cimiento al de excelentes músicos/tutores como Mili Bermejo, Mark Walker, Nando Michelin, Tim Mayer, Sofía Rei y Claudio Ragazzi. Al final, estas fueron las lecciones de esta aventura formativa

La admisiónDurante los meses de noviembre y di-ciembre de 2013, alrededor de 400 estudiantes y músicos de América Latina alistamos nuestra inscripción en línea mandando “demo-videos” de nuestro trabajo musical. En mi caso, envíe una canción pop latino, una pieza mexicana (ambas de mi autoría) y el cover de una canción bossa nova, pues creo que es de fundamental importancia dar a conocer composiciones propias cuando se trata de una audición.

En el proceso de admisión también nos pidieron contestar una autoeva-luación de conocimientos teóricos musicales sobre improvisación, lectu-ra y ejecución, así como una breve descripción de mi formación musical y logros. Una semana después se me notificó que fui aceptada para el programa y compartí el aula con 145 estudiantes provenientes de México, Venezuela, Ecuador, Perú, República Dominicana, Colombia, Chile y Argentina.

Curso intensivo, exigenciaal máximoDurante las mañanas nos dedicá-bamos a estudiar y asistíamos a las clases de armonía, improvisación, instrumento y temas selectos del negocio de la música y producción;

por las tardes se volvía una fiesta a la hora del ensamble. Todos los estudiantes formamos parte de un conjunto musical bajo la dirección de cada uno de los maestros.

Con cinco días de duración, el for-mato de master classes y ensambles se adecuó para sacar el extra del acto de enseñanza-aprendizaje. Así, instrumentistas y cantantes tuvimos una clase donde compartimos con ejecutantes del instrumento de nuestra especialidad, en mi caso, el piano.

Por ello, en cinco sesiones Fernando Michelin nos logró inspirar, mostrar nuevos caminos y cambiar la perspectiva sobre la disciplina a tener en el estudio del instrumento. Las clases abarcaron tó-picos como la formación de acordes con tensiones, la manera correcta de emplearlos dependiendo de la línea melódica y cómo dominar todas las tonalidades y grados armónicos para así poder improvisar libremente.

La lección: Primero hay que hacerse de un amplio dominio de los recursos armónicos para así abrirnos el pano-rama y usarlos a la hora de compo-ner e improvisar, considerando que no se trata de esperar hasta que toda la teoría musical esté dominada para así ponerlo a práctica.

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Industria[ Academia ]

El ejercicio: improvisar pensando horizon-talmente, es decir, según los intervalos en la melodía y, verticalmente, esto es, pensando en función de los acordes.

Consejos útiles: Escalas. Ascendentes y descendentes e improvisar sobre esa tonalidad.Repertorio clásico. Una vez dominada al-guna pieza, transportarla. Posteriormente usar elementos de ésta para componer.Estándares de jazz. Aprender de oído, armonizar y transportar.Crear repertorio sin la necesidad de estar leyendo la partitura.Transcripción de solos. Ayuda a la improvisación.Para lograr la concentración en la ejecución: grabarse tocando y evitar errores. El ensamble, fiesta formativa Mi ensamble fue dirigido por la cantante y compositora argentina Sofía Rei, con ella nos centramos principalmente lograr la conjunción de un ensamble como tal y la improvisación vocal. Preparamos dos piezas, una del compositor cubano Descemer Bueno, titulada “Sé feliz” y la otra “Huzia”, una pieza puramente vocal que fuimos armando con la guía de Sofi, y que titulamos “Rumbao Huasteco”, pues poseía influencias de varios ritmos latinos.

Como nos ves,te verásTras una intensa y divertida semana apren-diendo de grandes músicos y profesores me preparé para disfrutar de esa velada increíble llamada Noche en el Zinco Jazz Club Berklee Latino Faculty Band, en la que mis profesores Sofía Rei (voz), Claudio Raggazi (guitarra), Oscar Stagnaro (bajo), Mark Walker (batería), Tim Meyer (sax) y Nando Michelin (pia-no) realizaron un concierto inolvidable para todos los alumnos de Berklee Latino y público externo que asistió aquel día al Zinco Jazz Club; ahí interpretaron música original y canciones del repertorio latinoamericano.

Ser espectador de tus propios maestros es una parte fundamental del proceso

de aprendizaje musical, pues te permite como alumno hacer una conexión que ratifica también la admiración por el for-mador, lo que más adelante propiciará seguridad en nosotros los estudiantes, además de alimentar la llama de seguir aprendiendo de ellos.

Concierto alumnosEl programa llegó a su fin y pude des-pedirme de mis compañeros de la mejor manera que sabemos hacerlo, a través de la música.La cita fue en el Auditorio del Tec de Monterrey, Campus Ciudad de México. Aquí es preciso hacer una pausa para señalar que el Tec de Monterrey, particularmente los alumnos y staff docente de la carrera de Ingeniería en Producción Musical, fueron excelentes anfitriones al facilitar el uso de sus instalaciones para hacer absolu-tamente práctica esta experiencia, con las herramientas de vanguardia que se usan hoy en la industria musical.

El programa incluyó temas de jazz y, claro, de música latina de composi-tores como Tom Jobim, Herbie Hancock, Consuelito Velázquez,

Miles Davis, Chick Corea, entre otros. Un total de 12 ensambles dirigi-dos por los maestros se presentaron cada uno con con piezas; fue una ve-lada larga y emocionante. Para el gran final la mayor parte de los estudiantes preparamos una pieza de flamenco con toques de blues dirigidos por el gran maestro y productor, Javier Limón.

Al finalizar el concierto, Berklee decidió otorgar una beca para el Five Week Summer Performance Program 2014 a una de las alumnas más sobresalientes durante este programa, la ganadora fue Itzel Salinas Reyna, joven saxofonista de 21 años, que actualmente estudia en la Escuela Nacional de Música. Así concluyó esta experiencia de enseñanza musical única, parteaguas en la historia de Berklee cuya visión integral asiste a la congruencia para definir los cimientos de ese plan global de ubicar la música latina como un eje de estudio crucial para enriquecer y/o explorar nuevas vanguardias estéticas.

El llamado de la músicaEn definitiva, constaté que un músico jamás terminará de formarse: siempre hay más caminos que aprender, más gente y lugares por conocer, más mú-sica por crear y por compartir. Hoy mi aspiración no es tratar de hacer música que revele sólo virtuosismo técnico, sino que sea hermosa para que, uno, me brinde mi propia satisfacción emocional y, dos, ampliar la visión y entender que más allá de la formación académica, la música llena ese vacío espiritual que ha sido provocado por carencias de la sociedad contemporánea, en cuanto a la forma en que suceden las relaciones humanas.

Berklee Latino me ha motivado a continuar mis estudios en la música contemporánea y a seguir alimentando mi alma de buena música. Esa semana conocí a maestros y compañeros muy profesionales, con una calidez humana invaluable, que sé que en un futuro cer-cano volveré a encontrar en este camino

DE VIVA VOZ Acompañado de Tania Libertad, el maestro y compositor Armando Manzanero derrochó carisma y sapiencia en una tarde bellísima en la que compartió anécdotas sobre cómo se inspiró para componer algunas de sus canciones, así

como su opinión del papel de la música en esta época, palabras que cualquier músico puede

tomar para su día a día.

“La música es la profe-sión más bella que puede haber en el mundo. No

sólo voy a divertirme, no sólo la voy a pasar bien, sino que además me van

a dar dinero”.

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Industria [ Academia ]

Merecedora de la beca para tomar el programa

Five Week Summer Performance por su desempeño en la primera edición del Berklee Latino que tuvo lanzamiento en México, el sax tenor de Itzel ostenta su curriculum desde el enamoramiento que le produjo la síncopa cuando compartía la escucha de discos junto a su hermano (la tradición (Gillespie, Coltrane, Ellington, entre otros).

De ahí la historia indica su paso por las Academias Yamaha donde tomó el saxofón como su instrumento.

El llamado siguió su curso en la Escuela Nacional de Música con la tutela de músicos como Remi Álvarez y también como becaria en el reconocido DIM donde formó parte de la big band de Joe D’Etienne.

Joven de retos, ha aprendido a identifi car sus límites y confrontarlos con la mejor herra-mienta posible: la preparación constante y el reconocimiento de las aptitudes propias. Estas sus impresiones respecto a la experiencia como alumna y ganadora de la beca para el próximo verano en Boston.

“Previo a ser elegida para estar en el programa de Berklee Latino, había decidi-do dejar la Escuela Nacional de Música porque sentía que no estaba cubriendo el tiempo necesario para hacer jazz, tocar y explorar otros parámetros de estudio con mis propias reglas. Eso me lo indicaba tener amigos cercanos que, sin estudiar formalmente en una escuela, tocan increíble y eso me hacía sentir que debía tomar esa parte autodidacta: transcribir, escuchar mucha musica, tocar en jams, com-poner al piano, cosas que ya no podía hacer por las exigencias de formato que implica la academia como tal (como cubrir horarios y una tira de materias). Respeto y agradezco desde luego lo que me dio, pero ya no era sufi ciente”.

“Entonces supe del progra-ma de Berklee y si bien creí que estaría enfocado sólo a la música latina como tal, lo que sí sucedió desde luego, lo que fue especial fue que tomamos el jazz y el blues como parte de ese abanico de la música popular para abordar aspectos de improvisación y demás, lo que enriqueció enormemente nuestra visión como músicos”.

“Realmente me siento muy agradecida y comprometida con la oportunidad que me otorgaron para estudiar un verano en Berklee, podré co-nocer y aprender de músicos jóvenes de todo el mundo en Boston, y de profesores con una gran experiencia y visión integral de lo que sig-nifi ca ser músico; todo esto para seguir desarrollándome y aprendiendo lo que más me gusta, que es el jazz”.

“Más allá de responder lo que signifi có para mí ganar la beca, pienso en lo que me dejó ser parte del programa Berklee Latino. En primera instancia, fue total la energía y el compromiso

que tuvieron los profesores con los alumnos, lo cual me motiva a explorar mis propios límites musicales y a querer aprender más para traspasarlos”.

“En lo personal, mi interés por la música parte del me incita el lenguaje, de cómo nos relacionamos cognitiva-mente entre personas y cómo adquirimos herramientas, al parecer intuitivas, pero que al fi nal son procesos rápidos que nos ayudan a ser claros con lo que queremos decir”.

“La música funciona así, y en realidad esa fue mi mayor satisfacción durante el curso, darme cuenta que para poder conectar de forma inmediata con las personas con las que estoy tocando, (independientemente de las

diferentes infl uencias musica-les que tengan y de tener un control armónico, melódico y rítmico), la música tiene que convertirse en un ejer-cicio casi de supervivencia colectiva en el que todos están en busca de algo, una entidad imaginativa que vamos elaborando en tiempo real y para la cual nadie está por encima del otro, pues en el primer plano siempre estará la música”.

“Defi nitivamente fue una gran experiencia, la motiva-ción que me inyectó para se-guir estudiando, tocar más, aprender más, cuestionar más; buscar mil maneras de decir lo que se piensa y sien-te; ser congruente con las cosas que hago, conocerme a través de este lenguaje y continuar”.

Itzel Salinas Reyna,un saxofón tenor atiende

el llamado de BostonAlientos en brío con: Instrumentos:Sax alto y tenor Yamaha 275; boquilla Ted Klum Transcripciones:Dexter Gordon, John Coltrane, Sonny Rollins, Melissa Aldana, Mark Turner.

Alientos en brío con:

YamahaTed Klum

Dexter Gordon, John Coltrane, Sonny Rollins, Melissa Aldana, Mark

Fundada en 2004 por Néstor y Daniel Bello, Backline Support se presenta como una alternativa que promueve con el ejemplo prácticas de exce-lencia en el servicio de renta de instrumentos musicales para el espectáculo en México.

La compañía viene consolidan-do un modelo empresarial que atiende máximas como son: calidad en el servicio, atención al cliente, bodega con stock de instrumentos que superen las requisiciones estándar de un rider, un perfi l en la selección de su cuadrilla de técnicos y construir alianzas con expertos en mantenimiento de equipamiento musical vintage y contemporáneo (ingenieros, lauderos y “especímenes clavados”, entiéndase, los coleccionistas).

De lo empírico a lo formal, el origen“Tener esta empresa se dio sobre la marcha, yo inicié en esta profesión en una ofi cina gu-bernamental que tenía su depar-tamento de cultura; su director comenzó a hacer conciertos y varias actividades escénicas en la capital y fuera de ésta. Desde entonces observé que el tema de los instrumentos como tal era un eslabón débil.

Con formación musical como baterista, lo que siguió fue un periodo de capacitación autodidacta para adquirir los instrumentos que dieran forma a un stock base, (guitarras, bajos, amplifi cadores, baterías, tecla-dos) y, a partir de ahí formalizar las actividades como empresa. “Hemos tratado de tener los mejores modelos y marcas tanto estándar como custom, busca-mos los equipos directo con los distribuidores en México, tiendas especializadas y en internet en sitios como E-bay donde pue-des encontrar rarezas en muy buen estado o esas medidas y modelos que descontinuar on o que tardarán en llegar a nuestro país”, compartió Daniel. Como extra, cabe señalar que la dupla tiene todos los instrumentos en sus cases.

Profesionalizar al técnico de instrumento “Para nosotros es importante que tengan conocimientos musicales en general, que sepan de instrumentos y entiendan que damos un servicio y que por lo tanto su actitud y disposición es la que nos seguirá dando crédito. También son gente con experiencia sobre el escenario que está en el crew fi jo de un artista, lo que suma a la calidad de atención que ofrecemos”,

relató Néstor. Complementan estos atributos la capacitación constante ya sea consiguiendo manuales en específi co de los equipos o mediante cursos. “El objetivo de eso es que ellos pue-dan atender y resolver cualquier duda o contratiempo en el sitio. En Backline tres de los técnicos

son también músicos y los de-más tienen tablas de girar con grupos. Diría que el perfi l pide cubrir que sepan de música, que sean serviciales y que les guste estar acá y hacer esto.

Omar Villegas y Omar Franco son los técnicos encargados de bodega, su labor es crucial pues son los responsables de preservar en óptimas condiciones el equipo, antes de enviar este al show y

al recibirlo de vuelta, además de dar el check list al 100 por ciento de lo solicitado en el rider. Ambos se formaron en el escenario asistiendo a los staffs de producción y aún son parte esencial de éstos como técnicos de instrumento o stage managers.

“Nos corresponde tener el inventario actualizado de los que tenemos, dar mantenimiento desarmas las baterías, revisar tornillos, parches, aceitar todo. Cuando ya tenemos show, Néstor y Daniel nos dan el rider autorizado por la producción del artista. Alistamos con dos días de antelación todo y así garan-tizar que lo que se transporta va en perfecto estado”, comparte Omar Villegas, responsable de teclados y amplifi cadores.

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Industria [ Escenario ]

Durante el evento los técnicos de Backline bajan, conectan, prue-ban y dejan listo los instrumentos para el linecheck y pruebas de sonido; al concluir ésta, deben esperar un periodo de tiempo extra por si algún músico regresa y quiere revisar algo puntual. Se les pide estar una o dos horas antes del show.

“Acá tienen otro chip, nos capa-citan constantemente, podemos seguir con nuestros artistas con una planeación clara. Ese apo-yo es el que te permite seguir creciendo y ser profesional en tu labor, cumplir con un servicio y atención de calidad que se ve desde la vestimenta hasta el esfuerzo por tener nuestros propios medios de transporte para mover los equipos”, añade Omar Franco, quien está a car-go de tener a punto las baterías.

Mantenimiento y trabajo preventivoDos especialistas en órganos Hammond, así como sinte-tizadores y teclados vintage concebidos en los años setenta de marcas como Wurlitzer, Roland y Yamaha, y uno para amplifi cación son las cartas mejor guardadas de los herma-nos Bello para reparaciones y servicio preventivo. Son Jorge Aguilar (órganos), Akira Honda (sintes) y el ingeniero Ricardo Canal (amplis, quien ostenta especialidad en acústi-ca). “Son gente maravillosa, que conoce a fondo los equipos, tie-nen los manuales originales, ba-jan las actualizaciones, poseen las herramientas de reparación, se saben las entrañas, toda la circuitería y por eso nos orientan en decisiones sobre reparación y atención al cliente ya en el show que te atoras con algo y les puedes llamar para resolver. Son piezas fundamentales de la empresa”, afi rma certero Néstor.

Buenas prácticasAdemás de tener lista la presen-tación del servicio y el detalle de los instrumentos con los que cuenta la compañía, la labor de romper el hielo para ganar una renta implica compartir los mismos criterios de atención (llamadas de seguimiento, ser

formales en los acuerdos), evitar el “No tenemos” como respuesta y mantener una política de pagos inquebrantable que comprende -ya con contrato fi rmado-, dar 50 por ciento del pago una semana antes del show y, un día antes del mismo, cubrir el total restante como condición para el servicio, tener identidad empresarial (des-de uniformes con nuestro logo hasta éste impreso en todos los cases de los instrumentos), todas acciones que han ayudado a formalizar el papel de este eslabón clave en la producción de un espectáculo musical.

“También es cierto que hay que lidiar con egos y actitudes especiales de los músicos, es parte del trabajo, y lo que nos corresponde como granito de arena es ayudar a hacerles ver que, cuando están fuera de lugar, haya claridad en los por qué de éstas y hacerlo con

tino, tono y tacto. . Ahí es donde hay que defender la razón de nuestra profesión”.

“También ha pasado y, lo triste es que siga ocurriendo, que hay gente vival que no comprende que de tener esto cubierto ade-cuadamente también depende que un concierto ocurra. Que en el extranjero tengan claro que estamos capacitados para atender cualquier requerimiento de producción de un espectá-culo, llámese audio, iluminación, video, escenarios, backline. Eso es lo que está en juego y lo que debemos cuidar y ser rigurosos en observar para que se de el valor que nuestra labor tiene para la industria”, concluyó Néstor.

Esto es Backline Support, una compañía empeñada en sumar en la profesionalización de la renta de instrumentos, los deja-mos a su atenta consideración.

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Industria[ Escenario ]

CON EL SELLO DE LA CASA,CLIENTES REFERENCIA

Eventos especiales: Feria de la Ciudad de México, Palacio de los DeportesAristas Exclusivos: DLD, Río Roma, Carla Morrison, Enjambre Conciertos: DVD’s en vivo serie Primera Fila (Sony Music) Oreja de Van Gogh, Estopa y Alejandra Guzmán

LAS JOYAS DEL STOCKHammond B3 con bocina Leslie 122 Fender Rhodes Suitecase 78, Mark II Rhodes Mark I, Stage piano Amplifi cadores Vox AC-30 inglesesTodas las baterías: DW, Yamaha, Gretsch, Mapex, Tama, Pearl con la opción de armar sets con medidas no convencionales (confi guraciones en vasos como 24, 13, 16 ó 24, 13, 18 pulgadas).

Baterías, todasYamaha Maple Custom Green Turquoise, Maple Custom Absolute Nouveau, Maple & Birch Custom Absolute, Birch Custom Absolute, Oak CustomDW Collector’s Series Twisted Red Lava, Satin Cherry OilPearl Reference Granite SparkleGretsch New Classic Maple Vintage Glass NitronMapex Orion Classic Transparent Amber

TarolasYamaha Steel (10, 12, 14”); Cooper Shell (14”); Oak Custom (14”); Maple Custom Absolute Nouveau (14”); Signature Dave Weckl (13”), Roy Haynes (14”), Jimmy Chamberlain (14”)DW Collector’s Series Steel (13”, 14”); Collector’s Series Maple (14” x3)Pearl Reference Maple (14”); Ultra Cast Aluminium Shell (14”)Gretsch New Classic Maple (14”)Mapex Black Panther Maple (14”) Tama Signature Simon Phillip Bronze Shell (14”)

Hardware Yamaha Series 800 y 900; pedales Dragon FlyDW Series 9000 y 5000 (con pedales)Mapex Series 950 (con pedales)Pearl Series 1000 y pedales EliminatorTama Road Pro y pedales Iron Cobrra Latin Percussion

Platillos Zildjian Avedis Custom, A Custom, Dark Custom, EFXPaiste Signature

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Industria [ Del Bit a la Orquesta ]

Por Anwar Sánchez @bitorquesta

Soundtrackspara videojuegospara videojuegos

Músico. Coleccionista de consolas, videojuegos y su música; compuso el soundtrack del videojuego mexicano Biops 2 de NusoftStudios en 2006. Fan absoluto del Yakitori y el Calpis y, si de componer se trata, lo hace degustando un buen café. Escucha sus relatos en el podcast “Del Bit a la Orquesta” en Spreaker y iTunes.

Como inicio, las galerias y samplers son un gran apoyo, sin embargo limitan lo que realmente el creador quisiera expresar, haciendo que el videojuego pierda personalidad. Por ello contar con una banda sonora para un videojuego es un elemento básico que poco a poco los desarrolladores han comprendido y dando su espacio para este género. En nuestro país, como ocurre con el soundtrack instrumental para películas, incursionar en ese medio es una opción que sea redituable producir, teniendo a las contadas obras del ámbito como una última opción, contadas en decenas al año y que no serían posibles sin un patrocinio de producción e inversión para ver el producto terminado.

Ahora bien, para entender más a fondo la importancia del soundtrack en un videojuego daré algunas cifras básicas y aproximadas sobre la producción musical en dicha materia (en el ámbito internacional), basándome en el documento de la RIA de Japón 2013 (Recording Industry Association), el cual hace mención de que, anualmente ése país producen en el formato CD alrededor de 150 millones de producciones ofi cialmente (Gráfi co 1), en éstas inicialmente se invierten alrededor de 225,000 millones de pesos al año (Gráfi co 2), lo que retribuye en ganancias por 23,000 millones de pesos (Gráfi co 3), siendo el 4.2% (gráfi co 4) equivalente a la producción de soundtracks de videojuegos con una ganancia aproximada de 1,000 millones de pesos; cifra que, aunque sigue siendo inferior a la industria en general, implica una buena dedicación e interés por los productores.

Desde sus orígenes la industria del soundtrack de videojuegos se ha visto muy limitada, sin embargo jamás ha sido despreciada por sus desarrolladores haciéndola avanzar al destinar más inversión, de manera lenta pero anualmente. Estas cifras no son un impedimento para los músicos y se han logrado piezas musicales y bandas sonoras muy destacadas que han quedado marcadas en el público japonés, principalmente jóvenes y con notoriedad entre los adultos.

KOEI Software podría ser un buen ejemplo de cómo se explotó la música en los videojuegos. Su presidente, Erikawa Yoichi es admirador de la historia de Japón y creó una serie de videojuegos muy afamada en su país con el nombre de “Nobunaga s Ambition”. Uno de los objetivos que Erikawa quería de su videojuego era que, a pesar de ser uno de la categoría “de estrategia y de historia”, éste no fuera aburrido y tuviera un atractivo extra para los jugadores. Para

Hablar sobre la existencia del ámbito del soundtrack de videojuegos en México es

verdaderamente muy difícil pues ésta se reduce a unos cuantos nichos que con una gran brecha de tiempos y oportunidades han aparecido en nuestro país desde inicios del año 2000, año en que surgieron los primeros desarrolladores de videojuegos mexicanos. En un principio estos se apoyaban en librerías gratuitas o muestreos libres de derechos para crear pues hasta la fecha siguen siendo un buen apoyo para ambientar videojue-gos, además de signifi car un ahorro sustancial en el presupuesto.

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conseguirlo el directivo creó una subdivisión en su compañía llamada Soundware la cual estaría encargada de fi nanciar y contratar a músicos, grupos y orquestas (locales de Japón) que ambientaran sus videojuegos

La primera producción bajo la fi rma Soundware fue publicada en 1989, para ésta fue contratada la compositora Kanno Yoko quien realizó la musicalización de las primeras cuatro partes de la serie de videojuegos de Nobunaga. En esas primeras tres producciones se contrataron diversos grupos de cuartetos de cuerdas o músicos de cámara y, para la última producción a su cargo, grabó con la Orquesta Sinfónica de Varsovia, todo esto una muestra del éxito que se tuvo al apoyar al músico dando recursos fi nancieros a la producción del soundtrack.

En general KOEI Software destacó por esta característica y la creación de una subdivisión encargada exclusivamente de producir la música de videojuegos, que es exitosa por ser autosustentable, dedicada a crear, principalmente, dos tipos de soundtracks de videojuegos, los que en los años ochenta y noventa eran muy comunes con sonidos Chiptune y el elaborado con la orquesta. Esta fue una táctica mercadológica que le funcionó a la perfección a la compañía, siendo un aliciente para los músicos y compositores para animarles, a pesar del limitado presupuesto, a crear las bandas sonoras para videojuegos.

A la fecha, aunque estadísticamente aún se refl eja una difi cultad para sobresalir en el mercado haciendo música de videojuegos, los músicos y compositores no dejan pasar la oportunidad para participar en la creación de alguno cuando son convocados por desarrolladoras clave de este ámbito, por lo que la demanda y los requisitos para incursionar en la creación musical de videojuegos es muy alta en Japón.

En México habría que aprovechar la falta de esta industria confi ando en que los desarrolladores de videojuegos mexicanos poco a poco encuentren un nicho y oportunidad de ser parte de esta gran industria a nivel mundial; que los desarrolladroes vean la importancia de darle personalidad a sus videojuegos, lo que indiscutiblemente puede hacerse con su musicalización.

Aquí iré compartiendo la vivencia como músico y compositor para este nicho. En la próxima entrega daré algunos ejemplos de mexicanas que han intentado adentrarse más en la producción musical para sus videojuegos, en las cuales he tenido el gusto de trabajar y colaborar.

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Industria [ Management – El Ojal ]

Por José Luis Cornejo*@raiensamble

A l contrario de lo que el común de las personas y muchos de los aspirantes a artistas piensan, el manager no es el jefe de los mismos, ni el dueño de sus carreras, ni de sus nombres, ni de sus logotipos, ni quien gana más, ni el metiche que opina de todo y

no hace nada, ni su niñera, ni el que los va a “chingar” cuando sean famosos. Ser manager es una de las profesiones más importantes y apasionantes de la industria de la música. El manager es un bien necesario, todo artista exitoso seguramente está cerca de uno, y serlo es un trabajo de tiempo completo.

En más de 20 años de trabajar con creadores de todos los gé-neros y tamaños he encontrado en los buenos managers a ver-daderos colegas y grandes cóm-plices en el exitoso desarrollo las carreras de sus representados, pero también me he topado con mucho talento que creyendo ser autosufi ciente ha hecho de su vida artística todo un suplicio, tanto para ellos, como para todos los involucrados en las mismas, que generalmente no son pocas personas.

Es cierto igualmente que en el reino del entretenimiento ha habido (afortunadamente cada día menos), “pseudomanagers”, que han destrozado o ayudado a desmoronar lo que pudieran haber sido interesantes trayecto-rias e incluso los han engañado y hasta estafado. Y si la falta de desarrollo de nuevos talentos en nuestro medio es alarmante, igual o más dramática resulta también la falta de nuevos eje-cutivos y managers en la misma.

¿Qué hace un manager, a qué se dedica y cuáles son las labores que realiza en favor de sus representados, qué servicios

debe brindarles y cuánto gana? El listado no es corto y defi nitiva-mente no empieza, ni de lejos, con la venta de conciertos, que es lo que se cree que únicamente hacen y por lo que se les suele buscar de entrada y después juzgar de manera cruel.

El mana-ger organiza, dirige,

planea, coordina y lidera el plan de carrera del

artista en sus diversos plazos y etapas. Eso le implica estar to-talmente involucrado en la pro-moción, las relaciones públicas, la imagen, la administración de ingresos, gastos y el plan de negocios, la búsqueda de

patrocinios, oportunidades de difusión y alianzas, la coordina-ción de ensayos, grabaciones y venta de discos, la cuestión edi-torial en caso de cantautores, la venta de conciertos y usos de

i m a -gen, el buen des-

empeño de las redes sociales, sitios web y publicidad, el tener un staff y/o banda según el caso, el contar con publicistas y abogados si fuere necesario; asimismo es su representante por lo cual vela también por las cuestiones legales que involucran al artista y sus crea-ciones y tiene autoridad para cerrar diversos tipos de tratos comerciales.

Por si fuera poco, aparte de lo enlistado, la labor más impor-tante del manager es entender al artista (que por cierto, es su principal cliente), comprender su proyecto, y hacer que se cumplan los planes que en conjunto crean. Es su “cable a tierra”, quien por su naturaleza humana lo orienta cuando las cosas parecen salirse de control, a veces incluso las personales, y con quien genera las estrategias a seguir.

Un manager usualmente cobra entre el 20 y 30 por ciento sobre los ingresos generados por la actividad del artista en los rubros en los que interviene, aunque hay acuerdos que pueden llegar hasta el 50 por ciento o tener otro tipo de condiciones, incluso un sueldo fi jo más comisiones, que dependen casi siempre del status que ya tengan el artista o del manager.

Por lo tanto, a la hora de buscar o elegir quien te represente, necesitas ser cuidadoso pues en él descargarás partes vitales de tu existencia profesional como artista y habrá que revisar a detalle la experiencia, trayecto-ria y logros de los candidatos o

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personajes en cuestión, ojo que dije: personajes, con todo lo que ello implica. El factor personal, humano, y la “química” o “vibra” que pueda inspirarte esa perso-na es también digno de tomarse en cuenta, recuerda que se trata de una relación humana que debe ser prolija y que se basa íntegramente en la confi anza.

Ahora bien, no todos los artistas elijen a su manager, también existen los casos en los que estos eligen a los artistas o bien, de-ciden con quién trabajar o no. Así que si tu caso es a la inversa y estás iniciando labores como representante artístico debes, aparte de considerar si estás en la capacidad de proveerle los servicios antes mencionados, estar seguro de que el artista que estás eligiendo tiene el perfi l o las características que te emocionan, si está dentro del género en el que quieres desenvolverte, pero sobre todo, si él mismo tiene claro lo que es, lo que hace, hacia dónde va, a dónde quiere llegar, si crees que puede lograrlo y si

ves que tiene la disciplina para realizar las actividades que le son intrínsecas. No hay nada peor que trabajar con un artista que no se sabe controlar, que no puede mantener la unidad de su equipo de trabajo, que se la pasa hablando mal de todo el mundo, que no tiene la cons-tancia para componer, para ensayar, para llevar a cabo las arduas sesiones de promoción, en pocas palabras, debe estar dispuesto involucrarse al 100 por ciento en su carrera, sin creer que por tener talento lo demás viene por añadidura.

No hay que perder nunca de vista que lo más importante en este negocio es el contenido que genera el propio artista y que únicamente es administrado por el manager. Así que cuando las cosas no salen bien hay que ser muy claro al analizar en cuál de los dos lados se encuentra el origen de la falla.

Así como el manager no es el constructor de la carrera del artista, sino el engrane maestro

que une a todas las partes y las hace accionar en el sentido correcto, el artista por sí sólo tampoco es el motor único que genera el éxito y el negocio en el mundo artístico, es una comunión entre dos entidades que bien lograda puede dar resultados sorprendentes.

En la actualidad, pocos son los diversos jugadores del medio (promotores, programadores, patrocinadores, etcétera) que tratan en primera instancia directamente con los artistas, prefi eren hablar a través de un representante, donde las con-versaciones son más directas, donde el entendimiento del negocio no se tamiza por la especial sensibilidad del artista.

Con esto, también son pocas las ocasiones en que un artista que alcanza grandes dimensiones, autogestiona de manera exitosa su propia carrera pues el ma-nager más que un negociador, es un motivador de personas alrededor de un proyecto en el que cree.

“No hay que perder nunca

de vista que lo más importante

en este negocio es

el contenido que genera el propio

artista y que únicamente

es administrado

por el manager”.

El autor dirige actualmente

RAI Ensamble,Agencia de Música

y Talento.www.raiensamble.

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