revista de arte

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EditorialHUMANOS BASURA: Un anciano l lamado

Paul McCarthyAprender a ser desde el arte y la comunidad

Prácticas locales por el arte y la cultura

Febrero 2015

Publicación periódica, espacio de discusión sobre arte actual y actividad cultural de la ciudad de Medellin y el Área Metropolitana.

RedacciónÚrsula OchoaLuisa Fernanda OrtizErika Sosa

EdiciónDiego Chavarría

Diseño y diagramaciónErika Sosa

Créditos

Publicación periódica, espacio de discusión sobre arte actual y actividad cultural de la ciudad de Medellin y el Área Metropolitana.

RedacciónÚrsula OchoaLuisa Fernanda OrtizErika Sosa

EdiciónDiego Chavarría

Diseño y diagramaciónErika Sosa

Créditos

EDITORIAL

Celebramos nuestro primer aniversario agradeciendo

principalmente a cada uno de los que se ha sumado a nuestro

trabajo, artistas, escritores, amigos, maestros, compañeros, seguidores y lectores.

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EDITORIAL

Celebramos nuestro primer aniversario agradeciendo

principalmente a cada uno de los que se ha sumado a nuestro

trabajo, artistas, escritores, amigos, maestros, compañeros, seguidores y lectores.

2Créditos

El amor por el arte no se mani�esta a través del dinero, se va conformando con el encuentro sensitivo en los espacios en los que ocurre, es por ello que la labor tanto de artistas como de centros para la gestión y desarrollo de la cultura es presentar propuestas que se enfrenten de manera contundente a las nuevas dinámicas sociales, leyendo de manera e�ciente su entorno y generando en él una respuesta sensitiva decidida a alterar el sentido de los individuos, permitiendo nuevos y mejores acercamientos al contexto.

Nuestra edición de apertura en este año, constituye una nueva invitación para que juntos podamos encontrar en los recursos de las estrategias de creación, comunicación e impacto una fuente de verdaderas lecturas del contexto donde se desarrolla cada individuo como elemento constituyente del tejido social.

La imponente apertura de esta edición está a cargo de Ursula Ochoa, quien recordando el incidente de 2014 en el que la obra del artista Paul McCarthy se vio envuelta en una serie de duras criticas y censura establece una clara referencia a la importancia del desarrollo de propuestas criticas que se emplacen dentro de los contextos de ciudad a los que llamamos contemporáneos pero que parecen regirse por normas de conducta atemporales. Luisa Ortiz aporta en esta entrega una visión importante sobre la relevancia de la labor de gestión en los procesos de construcción de tejido social a partir de un recorrido a través del Simposio de Líderes Culturales por el Desarrollo, realizado en el mes de Enero en la ciudad. Erika Sosa resalta la importancia de analizar las diferentes vertientes de la gestión cultural y los espacios que ofrecen nuevas propuestas como alternativas a la visión de las instituciones mas antiguas, recordando también la necesidad de estudiar las razones por las cuales la labor de la gestión cultural dentro de la ciudad no re�eja los resultados que se podrían esperar.

Invitamos de manera muy cordial a quienes nos han acompañado en este proceso para que juntos implementemos nuevas estrategias de construcción en nuestro entorno teniendo en cuenta que no solo el arte se encarga de generar nuevas trayectorias de sentido, es labor también de cada uno de nosotros como individuos que componen un contexto social emprender la labor todos los días. Agradecemos como siempre la constancia y el apoyo con la promesa de continuar nuestra labor implementando nuevas y mejores formas de acercarnos a nuestros objetivos como publicación.

HUMANOS BASURAUn anciano llamado Paul McCarthy

Por: Úrsula Ochoa

Un inocente anciano que lleva una barba similar a la de Papá Noel, un gorrito de pescador y unas características gafas de plástico componen la imagen de uno de los artista más impactantes que revolucionó el arte hace más de cuarenta y cinco años, desde que comenzó a romper las fronteras pictóricas utilizando el cuerpo como pincel o incluso como lona. A sus trabajos posteriormente agregó fluidos corporales y alimentos; así, su obra evolucionó desde una tradición pictórica hasta el arte de acción más transgresor y patético (no en un sentido despectivo) con el cual, pondría a prueba los límites “emocionales” del artista y el público.

Paul McCarthy (1945 Salt Lake, Utah) como performer utiliza la parodia de manera ácida y grotesca; parodiando en concreto, al hombre, al humano como “sujeto” constructor de paradigmas e ideales sociales establecidos, que castran desde su infancia eso que en el fondo él intuye que es: una basura, un desecho, una abyección.

McCarthy apunta mordazmente a ese animal interior del que todos intentamos escapar pero que sin embargo permanece; en este sentido, su propuesta nos señala que esa inestable masa que se pudre llamada cuerpo nos limita. La animalidad vuelta al hombre es la principal motivación de su trabajo, la aberración que muestra en "The Garden" (El Jardín) 1991, comienza a explorar a través del video performance esos inquisitivos “resabios animalescos” que implica tener un cuerpo, pero que extrañamente nos resultan bastante cómicos: en la obra se simula un paisaje de bosque en tres dimensiones a tamaño natural, en este, nos presenta un hombre masturbándose con un árbol y un joven que repite la acción en la tierra. El condicionamiento humano se ve constantemente sometido a la puesta en ridículo cuando nos damos cuenta que todo el paisaje es falso pero la acción es real; tal vez en este sentido trasladando espacios y connotaciones, podría pensarse en el “artificio del paisaje” como un paralelo con la arquitectura moderna.

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HUMANOS BASURAUn anciano llamado Paul McCarthy

Por: Úrsula Ochoa

Un inocente anciano que lleva una barba similar a la de Papá Noel, un gorrito de pescador y unas características gafas de plástico componen la imagen de uno de los artista más impactantes que revolucionó el arte hace más de cuarenta y cinco años, desde que comenzó a romper las fronteras pictóricas utilizando el cuerpo como pincel o incluso como lona. A sus trabajos posteriormente agregó fluidos corporales y alimentos; así, su obra evolucionó desde una tradición pictórica hasta el arte de acción más transgresor y patético (no en un sentido despectivo) con el cual, pondría a prueba los límites “emocionales” del artista y el público.

Paul McCarthy (1945 Salt Lake, Utah) como performer utiliza la parodia de manera ácida y grotesca; parodiando en concreto, al hombre, al humano como “sujeto” constructor de paradigmas e ideales sociales establecidos, que castran desde su infancia eso que en el fondo él intuye que es: una basura, un desecho, una abyección.

McCarthy apunta mordazmente a ese animal interior del que todos intentamos escapar pero que sin embargo permanece; en este sentido, su propuesta nos señala que esa inestable masa que se pudre llamada cuerpo nos limita. La animalidad vuelta al hombre es la principal motivación de su trabajo, la aberración que muestra en "The Garden" (El Jardín) 1991, comienza a explorar a través del video performance esos inquisitivos “resabios animalescos” que implica tener un cuerpo, pero que extrañamente nos resultan bastante cómicos: en la obra se simula un paisaje de bosque en tres dimensiones a tamaño natural, en este, nos presenta un hombre masturbándose con un árbol y un joven que repite la acción en la tierra. El condicionamiento humano se ve constantemente sometido a la puesta en ridículo cuando nos damos cuenta que todo el paisaje es falso pero la acción es real; tal vez en este sentido trasladando espacios y connotaciones, podría pensarse en el “artificio del paisaje” como un paralelo con la arquitectura moderna.

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En "The Painter" (El Pintor) 1995, el artista trata de socavar la idea de "el mito de la grandeza artística" y los ataques de la percepción del ego en el artista masculino heroico. En sus escenas, se desplazan un sinnúmero de estados alterados de la psique donde la perturbación, la angustia, la ira, y el desquicio de sus personajes producen en el espectador cierto grado de “repulsión” hacia la imagen del pintor que está observando.

Estos dos ejemplos manifiestan la burla que hace al hombre desde su estado animal-natural o desde un superyó intelectualizado y condicionado socialmente; sin embargo, podemos leer entre líneas que no existe para el artista tal diferencia entre estos dos estados, puesto que ambos, se encuentran amalgamados dentro del mismo devenir animal y trágico.

El uso de lo “cómico” rayando con lo grotesco implica en su obra una crítica mucho más profunda y ácida que si presentara la realidad tal cual es, como lo hizo el accionismo vienés o el arte de performance más convencional (mutilaciones reales, sangre, fluidos, llantos, etc.) El artista re-crea, jamás presenta, lo trágico-cómico del hombre como bestia, o lo que Julia Kristeva llamaría la abyección de sí: “El sujeto encuentra lo imposible en sí mismo, cuando encuentra que lo imposible es su ser mismo, descubre que él no es otro que siendo abyecto”.

Por otra parte, la enajenación y la violencia en la que encierra todas sus acciones es ilusoria, emuladora, gesticulante y falsa; su modo de abordar el sarcasmo es a través de disparatadas representaciones teatrales protagonizadas por marionetas como Big Robert, una criatura de grandes manos; enanos que nos recuerdan las películas de Walt Disney o humanoides de cabezas gigantescas, todos ellos son condimentados con uno de sus materiales por excelencia: el Ketchup. El aspecto infantil, monstruoso de la acción repetitiva con el uso del Ketchup, nos remite al impulso innato de los niños hacia la "guarrada" (lo pegajoso, lo sucio, lo viscoso, lo puerco), el impulso primario del hombre antes de castrar su bestia interior. Static Pink 2004, es una serie de esculturas que caricaturizan el personaje del ex presidente George Bush en una orgía con cerdos donde además caen pedazos de cerdo y partes humanas por doquier, sabemos que para McCarthy los

“El sujeto encuentra lo imposible en sí mismo,

cuando encuentra que lo imposible es su ser

mismo, descubre que él no es otro que siendo

abyecto”

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En "The Painter" (El Pintor) 1995, el artista trata de socavar la idea de "el mito de la grandeza artística" y los ataques de la percepción del ego en el artista masculino heroico. En sus escenas, se desplazan un sinnúmero de estados alterados de la psique donde la perturbación, la angustia, la ira, y el desquicio de sus personajes producen en el espectador cierto grado de “repulsión” hacia la imagen del pintor que está observando.

Estos dos ejemplos manifiestan la burla que hace al hombre desde su estado animal-natural o desde un superyó intelectualizado y condicionado socialmente; sin embargo, podemos leer entre líneas que no existe para el artista tal diferencia entre estos dos estados, puesto que ambos, se encuentran amalgamados dentro del mismo devenir animal y trágico.

El uso de lo “cómico” rayando con lo grotesco implica en su obra una crítica mucho más profunda y ácida que si presentara la realidad tal cual es, como lo hizo el accionismo vienés o el arte de performance más convencional (mutilaciones reales, sangre, fluidos, llantos, etc.) El artista re-crea, jamás presenta, lo trágico-cómico del hombre como bestia, o lo que Julia Kristeva llamaría la abyección de sí: “El sujeto encuentra lo imposible en sí mismo, cuando encuentra que lo imposible es su ser mismo, descubre que él no es otro que siendo abyecto”.

Por otra parte, la enajenación y la violencia en la que encierra todas sus acciones es ilusoria, emuladora, gesticulante y falsa; su modo de abordar el sarcasmo es a través de disparatadas representaciones teatrales protagonizadas por marionetas como Big Robert, una criatura de grandes manos; enanos que nos recuerdan las películas de Walt Disney o humanoides de cabezas gigantescas, todos ellos son condimentados con uno de sus materiales por excelencia: el Ketchup. El aspecto infantil, monstruoso de la acción repetitiva con el uso del Ketchup, nos remite al impulso innato de los niños hacia la "guarrada" (lo pegajoso, lo sucio, lo viscoso, lo puerco), el impulso primario del hombre antes de castrar su bestia interior. Static Pink 2004, es una serie de esculturas que caricaturizan el personaje del ex presidente George Bush en una orgía con cerdos donde además caen pedazos de cerdo y partes humanas por doquier, sabemos que para McCarthy los

“El sujeto encuentra lo imposible en sí mismo,

cuando encuentra que lo imposible es su ser

mismo, descubre que él no es otro que siendo

abyecto”

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políticos están a la altura de cualquier personaje creado por Walt Disney, es decir, son un caricaturesco espectáculo. Sin embargo, alejados del sentido literal de que Bush efectivamente era una marioneta que se "cogía" a otros presidentes, si reemplazáramos su rostro, podríamos poner el rostro de cualquiera, incluso el nuestro, y es ahí donde encontramos una cierta pesadez en su mensaje.

En el 2008 McCarthy presenta Complex Shit; he aquí un buen ejemplo de “arte público” en cuanto espectáculo como diría Félix Duque. Se trata de unas heces inflables de colosales proporciones casi del tamaño de una casa. Cuenta una noticia que la estructura se encontraba expuesta en el exterior del Centro de Arte Paul Klee de la capital suiza-Berna, cuando se soltó de sus amarraderas por un golpe de viento y salió volando libremente a más de 200 metros causando diversos daños al desplazarse; dice la noticia entre otras cosas que rompió una cristalera y causó la caída de una línea eléctrica. El escándalo no podía ser más cómico, un gran pedazo de

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políticos están a la altura de cualquier personaje creado por Walt Disney, es decir, son un caricaturesco espectáculo. Sin embargo, alejados del sentido literal de que Bush efectivamente era una marioneta que se "cogía" a otros presidentes, si reemplazáramos su rostro, podríamos poner el rostro de cualquiera, incluso el nuestro, y es ahí donde encontramos una cierta pesadez en su mensaje.

En el 2008 McCarthy presenta Complex Shit; he aquí un buen ejemplo de “arte público” en cuanto espectáculo como diría Félix Duque. Se trata de unas heces inflables de colosales proporciones casi del tamaño de una casa. Cuenta una noticia que la estructura se encontraba expuesta en el exterior del Centro de Arte Paul Klee de la capital suiza-Berna, cuando se soltó de sus amarraderas por un golpe de viento y salió volando libremente a más de 200 metros causando diversos daños al desplazarse; dice la noticia entre otras cosas que rompió una cristalera y causó la caída de una línea eléctrica. El escándalo no podía ser más cómico, un gran pedazo de

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efecto sedante y a veces, incluso cómico con lo cual se refuerza el status quo. Algunas obras de arte hoy, tienden a ejercer un efecto parecido, quizá en contra de los intereses de sus creadores. Ver los vídeos de Paul McCarthy lleva a mucha gente a ver vídeos de Paul McCartney, como compensación: es la ley del contrapaso que diría el Dante. Todo se reduce a ese nihilismo pasivo por saturación hiperestética que conduce irresistiblemente a la anestesia.

Finalmente, podríamos decir que Paul McCarthy es un artista políticamente comprometido con molestar a los demás. Hace apenas unas semanas una de sus obras inflables,"Tree" 2014, fue atacada en París gracias a las múltiples quejas de más de un puritano cuya asociación para el "inofensivo arbolito" era la de parecer un dildo (juguete sexual)

mierda volando sobre la ciudad. Siendo esto real o no, la artificialidad del inflable ha de tranquilizar al público en la medida de que el desecho no es real, por lo tanto no hiede y no ensucia. Es así como el sentimiento elemental del asco como lo llama Julia Kristeva desaparece al momento de paladear (válgase la pertinencia del término) en sus trabajos un sabor artificial y plástico, por lo tanto podríamos preguntarnos ¿Qué es lo que ciertamente produce en el espectador esa pérdida de la repulsión hacia lo que está observando? Pues bien, Félix Duque lo responde claramente en una entrevista para la revista Fedro:

La paradoja es curiosamente bastante simple: a mayor carga apocalíptica artística (o mejor, mediática) mayor tranquilidad en quien la recibe. La exageración es tan grande que acaba por producir un

efecto sedante y a veces, incluso cómico con lo cual se refuerza el status quo. Algunas obras de arte hoy, tienden a ejercer un efecto parecido, quizá en contra de los intereses de sus creadores. Ver los vídeos de Paul McCarthy lleva a mucha gente a ver vídeos de Paul McCartney, como compensación: es la ley del contrapaso que diría el Dante. Todo se reduce a ese nihilismo pasivo por saturación hiperestética que conduce irresistiblemente a la anestesia.

Finalmente, podríamos decir que Paul McCarthy es un artista políticamente comprometido con molestar a los demás. Hace apenas unas semanas una de sus obras inflables,"Tree" 2014, fue atacada en París gracias a las múltiples quejas de más de un puritano cuya asociación para el "inofensivo arbolito" era la de parecer un dildo (juguete sexual)

mierda volando sobre la ciudad. Siendo esto real o no, la artificialidad del inflable ha de tranquilizar al público en la medida de que el desecho no es real, por lo tanto no hiede y no ensucia. Es así como el sentimiento elemental del asco como lo llama Julia Kristeva desaparece al momento de paladear (válgase la pertinencia del término) en sus trabajos un sabor artificial y plástico, por lo tanto podríamos preguntarnos ¿Qué es lo que ciertamente produce en el espectador esa pérdida de la repulsión hacia lo que está observando? Pues bien, Félix Duque lo responde claramente en una entrevista para la revista Fedro:

La paradoja es curiosamente bastante simple: a mayor carga apocalíptica artística (o mejor, mediática) mayor tranquilidad en quien la recibe. La exageración es tan grande que acaba por producir un

gigante; pese a esto, la reiteración absurda y obsesiva de “sangre”, “semen”, “excremento”, guarradas, si las analizáramos desde ciertos criterios formales, McCarthy empezaría a volverse aburrido ya que en ocasiones, su fórmula no funciona. Por otra parte, sus trabajos son obras innegablemente provocadoras que generan algo así como una terapia de choque visual, su mayor aportación es, el ataque frontal a la superficialidad del hombre y a la irracional segmentación bien y mal, humano y bestia.

“Un McCarthy configura una lección de filosofía y de sociología un tanto particular que esteinocente anciano te hará entender apuntándote con un miembro (sic)”.

Referencias:

DELEUSE, Guilles. Lógica de la sensación. Cap IV El cuerpo, la pieza de carne y el espíritu del devenir animal.

EROTEMAS: Una entrevista a Félix Duque. Fedro, Revista de Estética y Teoría de las Artes. Número 8, marzo de 2009.

LAPIZ, revista internacional de arte N. 242 Abril del 2008.

KRISTEVA, Julia. Poderes de la perversión.

Paul McCarthy. London: Ed Phaidon , 1996.

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“Un McCarthy configura una lección de filosofía y de sociología un tanto particular que esteinocente anciano te hará entender apuntándote con un miembro (sic)”.

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Aprender a SER desde el arte y la comunidad: La unión de saberes en torno a la cultura y la búsqueda de la paz

Aprender a SER desde el arte y la comunidad: La unión de saberes en torno a la cultura y la búsqueda de la paz

Por: Luisa Fernanda Ortiz

Aprender a SER desde el arte y la comunidad: La unión de saberes en torno a la cultura y la búsqueda de la paz

Por: Luisa Fernanda Ortiz

Aprender a SER desde el arte y la comunidad: La unión de saberes en torno a la cultura y la búsqueda de la paz

Se espera que los procesos que se proyecten a los individuos de una comunidad desemboquen en una toma de consciencia y que le permitan proyectarse socialmente logrando procesos de aprendizaje más productivos para trabajar por la transformación social y de esta forma lograr la paz desde cada uno de nosotros.

Durante los días 4, 5 y 6 de febrero del presente año se llevó a cabo el VII Simposio de Líderes Culturales por el Desarrollo (prácticas locales- experiencias globales, prácticas globales-experiencias locales). Esta actividad surgió de la dependencia de museo y territorios, que se encuentra adscrita al área de mediación del Museo de Antioquia; dentro del marco de este evento se llevaron a cabo una serie de ponencias de proyectos y experiencias tanto locales como internacionales, de las cuales el principio o eje rector era la participación de diferentes entidades (Museo Casa de la Memoria, el CECIP, Casa tres Patios, entre otros), presentando las implicaciones de su trabajo con la comunidad.

En este trabajo se realizaban una serie de experiencias que unían a la comunidad y su memoria a través del arte y la cultura participando centros, universidades y empresas, que apuestan por trabajar en pro de la población de la cual hacen parte, esperando mejorar las condiciones de vida desde la primera infancia y proyectar acciones que partan de la

educación como componente primordial para lograr avances significativos en la sociedad en general.

Un ejemplo de ello es el CECIP (Centro de Criação de Imagem Popular) de Río de Janeiro, Brasil, que dio cuenta de sus experiencias con la comunidad, incluyendo el trabajo con los nuevos medios y aulas tecnológicas de formación, en donde su principio fundamental es la escucha.

El Hospital de Támesis, con su promoción a la salud que apunta a la prevención de enfermedades a través del deporte y el arte. El Museo Casa de la Memoria, un lugar que cuenta historias para construir y rescatar la memoria que se ha perdido o que ha quedado flotando en el aire yéndose de a poco. Casa Tres Patios con sus procesos de residencias, de intercambio de experiencias y los laboratorios. Comiendo Cuento, ilustrándolos en las prácticas que emergen del alimento, y su relación con el avance de la comunidad, Curadores de la bienal del MERCOSUR, que tiene como su objeto de estudio, la historia del arte de América Latina, buscando hablar de nosotros como unidad y dejando en claro que América no solo es Estados Unidos, sino que más abajo hay otra América que merece ser contada, recordada y reconstruida.

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Se espera que los procesos que se proyecten a los individuos de una comunidad desemboquen en una toma de consciencia y que le permitan proyectarse socialmente logrando procesos de aprendizaje más productivos para trabajar por la transformación social y de esta forma lograr la paz desde cada uno de nosotros.

Durante los días 4, 5 y 6 de febrero del presente año se llevó a cabo el VII Simposio de Líderes Culturales por el Desarrollo (prácticas locales- experiencias globales, prácticas globales-experiencias locales). Esta actividad surgió de la dependencia de museo y territorios, que se encuentra adscrita al área de mediación del Museo de Antioquia; dentro del marco de este evento se llevaron a cabo una serie de ponencias de proyectos y experiencias tanto locales como internacionales, de las cuales el principio o eje rector era la participación de diferentes entidades (Museo Casa de la Memoria, el CECIP, Casa tres Patios, entre otros), presentando las implicaciones de su trabajo con la comunidad.

En este trabajo se realizaban una serie de experiencias que unían a la comunidad y su memoria a través del arte y la cultura participando centros, universidades y empresas, que apuestan por trabajar en pro de la población de la cual hacen parte, esperando mejorar las condiciones de vida desde la primera infancia y proyectar acciones que partan de la

educación como componente primordial para lograr avances significativos en la sociedad en general.

Un ejemplo de ello es el CECIP (Centro de Criação de Imagem Popular) de Río de Janeiro, Brasil, que dio cuenta de sus experiencias con la comunidad, incluyendo el trabajo con los nuevos medios y aulas tecnológicas de formación, en donde su principio fundamental es la escucha.

El Hospital de Támesis, con su promoción a la salud que apunta a la prevención de enfermedades a través del deporte y el arte. El Museo Casa de la Memoria, un lugar que cuenta historias para construir y rescatar la memoria que se ha perdido o que ha quedado flotando en el aire yéndose de a poco. Casa Tres Patios con sus procesos de residencias, de intercambio de experiencias y los laboratorios. Comiendo Cuento, ilustrándolos en las prácticas que emergen del alimento, y su relación con el avance de la comunidad, Curadores de la bienal del MERCOSUR, que tiene como su objeto de estudio, la historia del arte de América Latina, buscando hablar de nosotros como unidad y dejando en claro que América no solo es Estados Unidos, sino que más abajo hay otra América que merece ser contada, recordada y reconstruida.

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América invertida / Joaquín Torres García / 1943 / Museo Torres García

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América invertida / Joaquín Torres García / 1943 / Museo Torres García

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Esta experiencia propone que el conocimiento circule y que aquellas prácticas se compartan permitiendo la construcción de un aparato cultural que apunte al desarrollo desde el individuo, y para que a partir de estos procesos genere una contribución a su contexto social, un grano de arena a una sociedad, que no solo incluye el panorama colombiano, en comunidades devastadas por problemas vinculados a la violencia y a un conflicto que no ha cesado y que sigue estando presente en los hogares y en las calles.

La escucha y el oír se convierten en un punto fundamental para realizar las diferentes actividades puesto que al (escuchar- oír) a las personas de sus comunidades y al entablar un diálogo directo con ellos, lleva a entender la forma en cómo se desarrollan sus procesos personales como seres que habitan en una sociedad que se encuentra en medio de situaciones problemáticas de orden político, social y cultural, y que como centro buscan trabajar en la educación para la paz, si bien no se puede generalizar una problemática dentro de palabras tan pequeñas, pero si se puede esperar que engloben mucho de lo propuesto en su alta carga conceptual.

... la educación como componente primordial para lograr avances

significativos en la sociedad en general.( (

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Esta experiencia propone que el conocimiento circule y que aquellas prácticas se compartan permitiendo la construcción de un aparato cultural que apunte al desarrollo desde el individuo, y para que a partir de estos procesos genere una contribución a su contexto social, un grano de arena a una sociedad, que no solo incluye el panorama colombiano, en comunidades devastadas por problemas vinculados a la violencia y a un conflicto que no ha cesado y que sigue estando presente en los hogares y en las calles.

La escucha y el oír se convierten en un punto fundamental para realizar las diferentes actividades puesto que al (escuchar- oír) a las personas de sus comunidades y al entablar un diálogo directo con ellos, lleva a entender la forma en cómo se desarrollan sus procesos personales como seres que habitan en una sociedad que se encuentra en medio de situaciones problemáticas de orden político, social y cultural, y que como centro buscan trabajar en la educación para la paz, si bien no se puede generalizar una problemática dentro de palabras tan pequeñas, pero si se puede esperar que engloben mucho de lo propuesto en su alta carga conceptual.

... la educación como componente primordial para lograr avances

significativos en la sociedad en general.( (

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CuBOX en Casa Tres Patios / Juan Fernando Vélez / 2013CuBOX en Casa Tres Patios / Juan Fernando Vélez / 2013

Con la realización del pasado VII Simposio de Líderes culturales por el desarrollo en el Museo de Antioquia, muchas cosas se perciben en la superficie del panorama cultural de la ciudad; entre preguntas, ideas y aclaraciones surge una muy importante respecto a la divulgación de los proyectos que se gestan en nuestra ciudad.

Suceden tantas cosas, en el entorno que a veces se dificulta digerir la pregunta que se hace cada vez mas recurrente en la que se cuestiona la falta de gestión y promoción cultural ejercida en Medellín. Sin embargo primero debemos recordar que es imposible establecer un tope, y al final, no es posible que exista un “suficiente” para el arte y la cultura de un país, que en definitiva constituyen elementos difíciles de cuantificar y que mucho menos se puede lograr traducir de manera directa en términos de funcionalidad en contextos sociales.

Se trata más bien de analizar dos elementos claves que no permiten la expansión de un proyecto cultural dentro del contexto de la ciudad:

En primer lugar la escasa y deficiente difusión que se hace; muchos proyectos se quedan en lo local y comunitario. en segundo lugar se observa la clara falta de inserción que tenemos los actores involucrados en las dinamicas culturales de la ciudad, porque una realidad constante es el requerimiento de “estar en el círculo”, hay que pertenecer al grupo social en el que se da vida a proyectos independientes, indagar, buscar, pertenecer y compartir con estos espacios es una clave a la hora de enterarse de la actualidad cultural de Medellín, y un tercero, poco menos oficial, es la idea radical de lo underground, con una filosofía en la que prima esquivar las plataformas institucionales oficiales del medio artístico y cultural.

reseñar proyectos conocidos durante el

simposio, y otros tantos que aunque no hicieron

presencia allí, practican el desarrollo

de la cultura local llevados a términos de

expansión global”.

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Prácticas locales por el arte y la cultura

“Con la realización del pasado VII Simposio de Líderes culturales por el desarrollo en el Museo de Antioquia, muchas cosas se perciben en la superficie del panorama cultural de la ciudad; entre preguntas, ideas y aclaraciones surge una muy importante respecto a la divulgación de los proyectos que se gestan en nuestra ciudad.

Suceden tantas cosas, en el entorno que a veces se dificulta digerir la pregunta que se hace cada vez mas recurrente en la que se cuestiona la falta de gestión y promoción cultural ejercida en Medellín. Sin embargo primero debemos recordar que es imposible establecer un tope, y al final, no es posible que exista un “suficiente” para el arte y la cultura de un país, que en definitiva constituyen elementos difíciles de cuantificar y que mucho menos se puede lograr traducir de manera directa en términos de funcionalidad en contextos sociales.

Se trata más bien de analizar dos elementos claves que no permiten la expansión de un proyecto cultural dentro del contexto de la ciudad:

En primer lugar la escasa y deficiente difusión que se hace; muchos proyectos se quedan en lo local y comunitario. en segundo lugar se observa la clara falta de inserción que tenemos los actores involucrados en las dinamicas culturales de la ciudad, porque una realidad constante es el requerimiento de “estar en el círculo”, hay que pertenecer al grupo social en el que se da vida a proyectos independientes, indagar, buscar, pertenecer y compartir con estos espacios es una clave a la hora de enterarse de la actualidad cultural de Medellín, y un tercero, poco menos oficial, es la idea radical de lo underground, con una filosofía en la que prima esquivar las plataformas institucionales oficiales del medio artístico y cultural.

reseñar proyectos conocidos durante el

simposio, y otros tantos que aunque no hicieron

presencia allí, practican el desarrollo

de la cultura local llevados a términos de

expansión global”.

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Prácticas locales por el arte y la cultura

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Pensando en este y otro tipo de cosas que se podrían analizar en un seguido de artículos y ensayos sobre la situación social contemporánea, nace la tarea de reseñar proyectos conocidos durante el simposio, y otros tantos que aunque no hicieron presencia allí, practican el desarrollo de la cultura local llevados a términos de expansión global.

Desde el mes de marzo podrán encontrar semanalmente en la plataforma oficial del proyecto La Artilleria, información sobre un proyecto de música, editorial, literatura, visuales y hasta culturas populares, que le apuntan a la construcción de nuestro lenguaje,

pues tienen como punto de afinidad, la participación de la comunidad como agente de conocimiento y de transformación intelectual y práctica que sostienen la validez de su desarrollo.

Esta iniciativa nace desde una de las razones de ser de La Artilleria: servir como plataforma para la divulgación, pero sobre todo, para la construcción de material teórico y documental que permita la permanencia en el tiempo de las ideas creadas en nuestro contexto. Es, además, una invitación a observar y permitirnos se mas permeables por lo local, lo independiente, y otras maneras de construir ciudad.

Por: Erika Sosa

Prácticas locales por el arte y la cultura

Pensando en este y otro tipo de cosas que se podrían analizar en un seguido de artículos y ensayos sobre la situación social contemporánea, nace la tarea de reseñar proyectos conocidos durante el simposio, y otros tantos que aunque no hicieron presencia allí, practican el desarrollo de la cultura local llevados a términos de expansión global.

Desde el mes de marzo podrán encontrar semanalmente en la plataforma oficial del proyecto La Artilleria, información sobre un proyecto de música, editorial, literatura, visuales y hasta culturas populares, que le apuntan a la construcción de nuestro lenguaje,

pues tienen como punto de afinidad, la participación de la comunidad como agente de conocimiento y de transformación intelectual y práctica que sostienen la validez de su desarrollo.

Esta iniciativa nace desde una de las razones de ser de La Artilleria: servir como plataforma para la divulgación, pero sobre todo, para la construcción de material teórico y documental que permita la permanencia en el tiempo de las ideas creadas en nuestro contexto. Es, además, una invitación a observar y permitirnos se mas permeables por lo local, lo independiente, y otras maneras de construir ciudad.

Por: Erika Sosa

Prácticas locales por el arte y la cultura

La crítica debe hacerse a tiempo; no hay que dejarse llevar por la mala costumbre de criticar sólo después de consumados los hechos.