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INSTITUTO TECNOLOGICO DE EDUCACION A DISTANCIA ESCUELA POLITECNICA DEL EJÉRCITO

NOMBRE: Jorge Eliecer Cepeda Saavedra ENTRO DE APOYO: 50 CARRERA: Tecnología en Computación E-MAIL: [email protected] TELEFONOS: 2493405/3464733 GUIA No: Primera

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A. Analice y describa la FORMA y CONTENIDO de las pinturas que aparecen en

la presentación del CD-GUÍA

Estas pinturas también se encuentran dentro del CD-GUÍA por capítulos y siglos.

Las pinturas son del:

- Paleolítico-Pintura Rupestre

- La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. Pintura siglo XV Italia

- Pintura del Cubismo, pintura del siglo XX

- El ‘Carajos’ del pintor Joaquín Pinto, pintor ecuatoriano del siglo XIX

PINTURA RUPESTRE: El Bisonte de Altamira.

1. Color:

• Utiliza colores luz secundarios como el amarrillo, hay ausencia de colores luz primarios

excepto por una ligera presencia de rojo con la que se forma el naranja.

• En cuanto a los colores pigmento se nota una clara utilización de los colores primarios y

secundarios de la familia de los amarillos y naranjas lo cual coincide con los colores luz.

Sabiendo esto es fácil deducir que es un grafico en el que se usan colores cálidos o

salientes.

• En cuanto al color local se observa que es el naranja, también se puede ver que existe

un color marrón oscuro o café en las sombras formadas en el dorso y las patas como

color tonal. Parece existir un color reflejado como en tono amarillo blanquecino.

2. Composición:

• La composición de esta obra en su forma original desconecta a cada elemento el uno

del otro separándolos y porque carece de fondo pero mantiene cierta armonía entre

ellos por el contenido y el estilo.

• Esta obra se puede considerar asimétrica porque contiene más volumen en el lado

izquierdo que en el derecho y a la vez presenta una simetría Ovalada Central en la que

está contenida la mayor parte de su elemento principal.



• El área áurea de esta obra se encuentra en las patas del toro ya que es el punto clave

que descifra que tipo de animal es y en qué posición se encuentra.

3. Técnica:

• En este tipo de trabajo se ha comprobado que se usaban pigmentos en polvo que se

restregaban directamente en la pared y asimismo se los podía mezclar con algún

aglutinante y aplicar con cañas o con pinceles rudimentarios. Como lápices se usaban

ramas quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se

aprovechaban desniveles y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen y

realismo.

4. Estilo:

• A menudo las siluetas animales se marcaban o raspaban para generar incisiones y así

producir un contorno realista y notorio en la roca.

CONTENIDO

1. El Tema:

• En las pinturas rupestres se simbolizan seres humanos, animales y el medio ambiente,

La imagen principal de esta obra es un bisonte herido o dañado posiblemente como

consecuencia de la caza de animales que se realizaba en esa época lo cual le da un

enfoque Histórico.

2. Sensibilidad y Emoción

En las pinturas rupestres se ve reflejado el miedo y las hazañas mas importantes de la

época que a consideración del autor o los autores fueron de gran importancia ya sea

como festejo de haber alcanzado aquella hazaña o como símbolo de haber sido testigos

de algún evento en particular.



LA MONALISA

1. Color:

• Utiliza colores luz secundarios como el amarrillo en su mayoría, hay una mínima

cantidad de color primario verde en el fondo del lado derecho.

• En cuanto a los colores pigmento se nota una clara utilización de los colores primarios y

terciarios de la familia de los amarillos y marrones lo cual coincide con los colores luz.

Este grupo de colores son cálidos o salientes.

• En cuanto al color local se observa que es algún tono de amarillo aunque la posición de

la luz desde el ángulo superior izquierdo hace perder mucho de este color local,

también se puede ver que existe un color marrón oscuro y negro en las sombras

formadas debajo del mentón, pecho, y manos como color tonal. Existe un color

reflejado en un tomo muy oscuro talvez café que desdibuja y hace desaparecer el

cuerpo de la mujer dejando ver solamente sus manos y parte del antebrazo.

2. Composición:

• La composición de esta obra en su forma original conecta a cada elemento de que está

formada dándole el contexto necesario para la época vinculando al fondo con el

elemento principal, la mujer. Ahora bien entre el rostro y el cuerpo de la mujer se

complementa virtuosamente el uno con el otro porque se añaden contexto

mutuamente.

• Esta obra se puede considerar asimétrica porque contiene ligeramente más volumen en

el lado derecho que en el izquierdo y a la vez presenta una simetría Ovalada Central en

la que está contenida la mayor parte de su elemento principal.

• El área aurea de esta obra se encuentra en el rostro de la mujer que contiene como en

otras tantas obras la divina proporción.

3. Técnica:

• Es un oleo sobre tabla de álamo retocado varias veces por su autor.



• La obra es un ejemplo consumado de dos técnicas —el sfumato y el claroscuro— de las

que Leonardo fue uno de los primeros grandes maestros. El sfumato consiste en

eliminar los contornos nítidos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una

especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera. En el caso de

La Gioconda el sfumato se hace evidente en las gasas del manto y en la sonrisa. El

claroscuro es la técnica de modelar las formas a través del contraste de luces y

sombras. En el retrato que nos ocupa las delicadas manos de la modelo reflejan esa

modulación luminosa de luz y sombra, mientras que los contrastes cromáticos apenas

los utiliza.

4. Estilo:

• El estilo que Leonardo da Vinci utilizo en la Monalisa fue el del Renacimiento Italiano.

• Los dos rasgos esenciales de este movimiento son la imitación de las formas clásicas,

originariamente desarrolladas en la antigüedad griega y romana, y la intensa

preocupación por la vida profana que se expresa en un creciente interés por el

humanismo y la afirmación de los valores del individuo. El renacimiento se corresponde

en la historia del arte con la era de los grandes descubrimientos, impulsados

principalmente por el deseo de examinar todos los aspectos de la naturaleza y del

mundo.

CONTENIDO

5. El Tema:

• El retrato de Mona Lisa, más conocido como La Gioconda en referencia al apellido de su

esposo, el banquero Francesco del Giocondo. El amplio fondo que aparece tras la figura

de medio cuerpo es típico de la pintura renacentista.


• Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al

mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del



cuadro. El juego de sombras potencia la sensación de desconcierto que produce la

sonrisa. No se sabe si parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura. En todo

caso los misterios que esta obra encierra han encendido las más extrañas creencias

acerca de la modelo, los misterios de su autor y hasta confusiones religiosas.

EL CUBISMO: Pintura del Siglo XX

1. Color:

• Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el

fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y

Marrones. El mono-cromatismo predominó en la primera época del cubismo,

posteriormente se abrió más la paleta.

• Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer

periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y

amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color.

2. Composición:

• El artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto,

sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas

subyacentes.

• En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la

naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se

adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un

objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún

compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino

con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano

vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro

humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte

vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de

profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un



solo aspecto, como ocurre con los violines insinuados sólo por la presencia de la cola

del mismo.

• Al analizar las tiene una simetría piramidal porque la mayor parte de los elementos de

atención que contiene están ubicados en el centro triangular del mismo.

• Otra fase de la pintura cubista presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles

de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. No se

pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y

naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran

fáciles de diseccionar de forma geométrica. Después de 1914, durante el periodo

sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras.

3. Técnica:

• En la mayoría de sus trabajos Picasso por ejemplo uso óleo sobre lienzo, en pocas

ocasiones utilizo carboncillo sobre papel y virutas de sierra sobre cartón y tempera.

4. Estilo:

• Escuela y teoría estética aplicable a las artes plásticas y del diseño, que se

caracteriza por la imitación, empleo o predominio de formas geométricas; como

triángulos, rectángulos, cubos y otros sólidos.

• Cubismo, es decir el uso de cubos so figuras geométricas en el diseño de sus obras.

CONTENIDO

1. El Tema:

• Este cuadro, Guernica, fue creado para la colectividad, de ahí su tamaño y la reducción

a la gama del blanco al negro. Es un cuadro que busca producir un efecto sobre

muchas personas, personas de todo tipo para poner de manifiesto la injusticia y la

barbarie del bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937 a las cinco menos veinte de

la tarde.




• Por el contexto en el que se desarrolla la obra es necesario ampliar su significado y su

lectura, que no reivindica la crueldad de una masacre concreta sino que se convierte en

un alegato contra la crueldad y la injusticia de la guerra y contra la barbarie propia del

fascismo y el nacional-socialismo que más adelante iba a azotar toda Europa.

EL CARAJOS DE JOAQUIN PINTO

1. Color:

• Joaquín Pinto en esta obra utiliza una gran gama de colores terciarios que van desde el

amarillo naranja hasta el rojo marrón, además de algunos colores de contraste como el

blanco, el gris y el negro purpureo. En general usa colores cálidos aunque hay ciertos

sectores de su obra que son de colores fríos lo que le da un contraste diferente a la

misma.

• El color de esta obra es tonal porque esta dado por efecto de la luz que proviene desde

la esquina superior izquierda y por ello el color de los ajos de ese lado es más

blanquecino que el de los ajos del otro lado. Igualmente el brillo de su frente solo

existe en el lado de mayor luminosidad. El otro lado se su rostro es de un marrón mas

oscuro y se nota claramente los sectores de sombra.

2. Composición:

• En su obra El Carajos, Pinto ilustra un efecto en el que los ajos casi forman parte del

cuerpo del hombre, es decir no diferencia la división de estos dos cuerpos. Su obra en

el rostro se expresa asimétrica por los gestos del lado izquierdo diferentes del derecho.

• También podemos observar que la obra en análisis tiene una simetría ovoidal porque

toda la atención se enfoca en el centro de la obra en la forma de la cara.

3. Técnica:

• La mayoría de sus obras dan a ver su gran dominio en técnicas lumínicas de la época,

ya que llego a conocer mucho sobre la luz.



4. Estilo:

• El estilo que Pinto utiliza en esta obra es el realismo que es describir el comportamiento

humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen

en la vida cotidiana.

CONTENIDO

5. El Tema:

• En esta obra posiblemente lo que Pinto quiso plasmar era las creencias que exitian en

aquella época ya que el ajo era un símbolo de protección. El icono del hombre de esta

obra es de aquellos que en la vida cotidiana descuidaba su propia rutina para hacer

llegar su mensaje a otros.


• Esta obra permite al publico sentir que en aquella época la gente se regía mucho por

las creencias que lo religioso y lo desconocido era lo más temido y que aun y estando

en los inicios del siglo la pobreza no se dejaba extrañar.

B. Aplique en

tres limones los tres colores: local, tonal y color reflejado (los tres dibujos

deben ser realizados por usted).

El tamaño de los limones deberá ser elegido por usted y que se visualicen con claridad

los colores aplicados.

Para la elaboración del dibujo de los limones, utilice el programa PAINT o lápices de

colores en una hoja bond INEN, escanéelo y anéxelo a su guía.



C. Realice una investigación personal de cinco filósofos, escritores, pensadores

o artistas, que hablen de la importancia del arte o la pintura.

El estudio del “Arte” aporta al alumno los conocimientos necesarios para el análisis,

interpretación y valoración de las obras de arte a través del lenguaje de las formas y del

pensamiento visual, teniendo en cuenta que en la sociedad actual, altamente tecnificada, el

ámbito de las artes plásticas tradicionales se ha visto enriquecido con la aportación de otras

manifestaciones procedentes de los medios de comunicación visual, de modo que el universo

de la imagen forma parte de nuestra realidad cotidiana.

Igualmente, la obra de arte, junto a otras fuentes de conocimiento histórico, constituye, en sí

misma, un valioso documento y un testimonio indispensable y singular para conocer el devenir

de las sociedades, al tiempo que se virtualiza como elemento transformador de éstas.



Por ello, resulta imprescindible el estudio de la obra de arte en su contexto socio-

cultural como punto de partida para el análisis de los diferentes factores y circunstancias

implicadas en el proceso de creación de la obra artística, y enseñar a apreciar el arte

contextualizado en la cultura visual de cada momento histórico incidiendo a la vez en el hecho

de que las obras artísticas tienen otra dimensión al perdurar a través del tiempo como objetos

susceptibles de usos y funciones sociales diferentes en cada época.

D. Realice un dibujo a color creado por usted y explique la FORMA y

CONTENIDO de su creación.

FORMA

Color: El los colores usados en este dibujo son de contexto frio, entre azules y purpuras.

Composición: Este es un dibujo de composición un tanto simétrica por la distribución de los

ojos pero con algo de asimetría por el cabello del lado izquierdo. El centro de atención

definitivamente son los ojos.

Técnica: se uso carboncillo, y pasteles de tonos fríos en papel.

Estilo: Este es un estilo que esta muy de moda en los últimos años originario del Asia y

conocido como arte Manga o Anime que se caracteriza por tener caras expresivas y ojos

grandes para caracterizar de una forma distinta el rasgo asiático. La nariz y bocas son finas.



CONTENIDO

Tema: Esta es la expresión de una muchacha que perdió la única oportunidad de volver a ver

al amor de su vida.

Sensibilidad y Emoción: La mirada nostálgica encaja perfectamente con los colores fríos que

se usan.

E. Lea cuatro funciones de la obra de arte en el CD-Guía, escoja cuatro pinturas

que tengan esas funciones seleccionadas (envíe las pinturas).

Función Utilitaria: Los jeroglíficos además de su función pictórica cumplen la utilidad de

comunicar el estilo de vida de los egipcios como un record histórico de aquella época.



Función Mágica: En este tipo de pinturas los egipcios intentaban explicar las creencias de la

existencia de la vida después de la muerte concedida por varios de sus dioses.

Función Didáctica: La pintura romana cumple la función didáctica porque aclara las variadas

estrategias de guerra aclaradas por la fidelidad de las imágenes.



Función Persuasiva: En este mosaico el rey pretendía instaurar su poder a través de la gloria

de Bizzancio.

Función Ideológica: En la época de Leonardo la iglesia, la religión en si estaba pasando por

una ligera crisis a causa del renacimiento y los gobernantes siempre aprovecharon esta

situación para que los fieles los sigan.

Función Estética: La estética de la época de los desnudos realzo con mucha precisicion y

nitides el valor de la feminidad y de la masculinidad desde que se dejaron en Roma.

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