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http://www.flickr.com/photos/karlos12/3504741054/

Curso de Fotografía 2

CONTENIDO

• Tipos de cámara. ¿Qué cámara necesito? • Velocidad de obturación • Velocidad de obturación Teoría • Fotografía en Manual • Fotografía en Manual 2 • Modos de Autofocus • La apertura. Teoría • La apertura : Ejemplos prácticos • ISO, la sensibilidad • El Encuadre • La composición • La composición – Uso aplicativo • El balance de blancos - Uso creativo • Consejos prácticos para mejorar • Consejos prácticos para mejorar 2 • Tipos de Plano • Tipos de Plano 2

Como siempre, ¿el truco? Practicar, practicar y practicar.

Curso de Fotografía

Tipos de cámara. ¿Qué cámara necesito?

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Probablemente esta sea la gran pregunta que todos nos hacemos antes de afrontar lacompra de una cámara digital: ¿Qué cámara necesito? ¿Qué cámara me compro?. En estearticulo, intentaremos ver cual es la manera correcta de afrontar la compra de TU cámaraperfecta. Empezamos:

Si tenemos intención de comprar una cámara, lo primero que habría que pensar es: ¿Paraque la quiero? ¿Que tipos de fotos quiero hacer? ¿Que aspiraciones fotográficas tengo?.

Si tenemos claras las respuestas, la elección será, sin duda, mucho mas fácil. No es lomismo querer una cámara para hacerte fotos con los amigos, que para usarla enfotografía de naturaleza, por ejemplo.

Una vez que tengamos decidido qué tipo de cámara nos viene mejor, sabiendo lasventajas e inconvenientes de cada una de ellas, podremos seguir unas pautas comunespara hacer una buena elección. Vamos a verlas:

PRIMERO: La cámara NO es mejor porque tenga más megapíxeles.

Probablemente este sea el error más común de todo el que piensa comprar unacámara digital por primera vez, así que lo diré alto y claro, LOS MEGAPIXELES NOMIDEN LA CALIDAD DE UNA CÁMARA simplemente nos dan el tamaño final de lafotografía. La absurda guerra de los megapíxeles es más un argumento de

marketing que otra cosa y puede ser útil solo para determinados tipos de trabajo con grandesampliaciones o trabajos en el que el reencuadre a posteriori sea fundamental. Por lo tanto, mejormenos megapíxeles y más calidad de la lente, delsensor, etc…

Fijaros en esta noticia que publicó el New YorkTimes y os terminareis de convencer. Una cámara de5 megapixeles es suficiente para el 99% de losaficionados a la fotografía. Tened en cuenta que pararevelar una foto a 10x15cm solo nos hacen falta 2megapixeles.Comparativa de tamaños en función delos megapixeles



SEGUNDO: Lo más caro NO es necesariamente lo mejor para ti.

Muchas veces cometemos el error de ir en busca de lacámara más cara, dentro de nuestro presupuesto, creyendoque será la mejor. Pero es sin duda más inteligente pensar encuales son las características que me interesa que tenga la

cámara y a partir de ahí, plantear la búsqueda.

Por poner un ejemplo, una cámara puede subir de precio por tenergrabación de vídeo, pero puede que a nosotros no nos interese esacaracterística por cualquier motivo, por lo que seria absurdo pagar por ello,¿no crees?. De igual manera esa misma cámara puede que no tenga esafunción que de verdad nos interesa, por lo que al final, no habremos hechouna buena compra.Por tanto tenemos que ser consecuentes con lo quequeremos que nos ofrezca la cámara y buscar aquella que más se ajuste anuestras necesidades.

TERCERO: Controles MANUALES, SI: Siempre que queramos intentardominar la cámara y aprender fotografía deberemos de buscar una quedisponga de opciones de manejo en manual (M) o al menos que podamoscontrolar el tiempode exposición (S o Tv)y la apertura del

objetivo (A o Av). Cuanto masavanzada sea la cámara más fácilnos resultará que disponga de estostipos de controles.

CUARTO: calidad óptica = calidad de imagen. Evidentementehay otros muchos factores que influyen en la calidad final deuna foto, pero es claro que si disponemos de una lente buena,la calidad de imagen también lo será, por tanto, es unacaracterística importante si pretendemos fotos nítidas y decalidad.

Normalmente, las grandes marcas de cámaras como Canon, Nikon, Olympus,etc… montarán buenas ópticas, pero si te vas a marcas secundariastendremos que ver quien les fabrica la óptica y que calidad tiene.

Como vemos en la foto en muchas ocasiones podremos comprobarlo en laparte delantera del objetivo. Aunque ya lo veremos mas adelante, la calidadde un objetivo dependerá de los tipos de lentes que monten (asféricas, cristales de bajadispersión, etc…) y de la luminosidad del propio objetivo. Cuanto más luminoso, mejor(valores de f lo más bajos posibles).



QUINTO: Otras características importantes: Ademas de los 4 puntosprincipales que hemos visto, las cámaras digitales ofrecen multitud decaracterísticas. Os cuento algunas de las más importantes a tener en cuentapara decidirnos al fin por un modelo.

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a) El zoom: Nunca miraremos el zoom digital, solamente el zoom óptico. El zoomdigital es el equivalente aumentar la foto con photoshop por lo que siempretendrá perdida de calidad. Si buscamos cámaras con mucho zoom, seriainteresante que la cámara disponga de estabilizador óptico para evitar fotostrepidadas.

b) La función de video: En compactas y ultrazoom es una función interesante y casipor defecto, aunque con limitaciones. En las réflex no existe. Si nos interesa estafunción, intentaremos que los videos sean de al menos 640x480 a 25fps y consonido.

c) El formato RAW: Es el equivalente al negativo de las cámaras analógicas, esteformato almacena mucha mas información que un simple .jpg, por lo que si eresde los que les gusta el retoque fotográfico debes buscar una cámara con este tipode archivos.

d) Las baterías: Normalmente es mejor que la cámara se alimente de una batería quelo haga a través de pilas, aunque lo ideal seria que permitiese ambas. Si en algunaocasión nos quedamos sin batería, las pilas podrían sacarnos de un apuro. Si solousa pilas, lo mejor, comprar recargables.

e) El tamaño cuenta: Ya sea réflex o compacta, muchas veces nos da pereza sacar lacámara si esta es muy voluminosa y pesada, por lo es un factor que hay que teneren cuenta a la hora de elegir.



Velocidad de obturación

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Nos adentramos en el funcionamiento de algunas de las características de la cámarafotográfica que nos permiten controlar el resultado de la foto que tomamos. Si lo quequeremos es decidir cómo debe ser la foto que hacemos y decirle a la cámara qué es loque debe hacer cuando disparamos (lo que implica pasar de programas automáticos) hayque tener en cuenta algunos parámetros, uno de los cuales es la velocidad de obturación.

Antes de continuar, debemos señalar que jugar con la velocidad de obturación (como pasacon otras características de las cámaras) implica un aprendizaje con su consecuenteprática. Vale la pena pasar por ello ya que al hacerlo se abren las puertas de nuestracreatividad al poder conseguir múltiples efectos. En este capítulo hablaremos primero delconcepto y sus implicaciones en el resultado de la fotografía, seguiremos con algunascaracterísticas técnicas y finalizaremos con una propuesta práctica.

El concepto. Jugar con la velocidad de obturación.

En fin, sin ánimo de daros más la lata, hablemos de la velocidad de obturación. Ésta es,simplemente, la velocidad a la que se abre y se cierra el obturador de una cámara. Elobturador no es más que el dispositivo que regula el tiempo durante el cuál le llega luz alsensor (o película) de la cámara. ¿Recuerdas que la fotografía es pintar con la luz?

De buenas a primeras debemos quedarnos con el concepto de que a mayor velocidad deobturación (más velocidad con la que el obturador se abre y se cierra), menos luz llegaráal sensor o película de la cámara. Por el contrario, a menor velocidad de obturación(menos velocidad con la que el obturador se abre y se cierra), más luz llegará al sensor opelícula. Lógico, ¿verdad?

De lo mencionado anteriormente se desprenden varias consecuencias. Una de ellas es queen condiciones de escasa iluminación, una manera (de muchas posibles) de conseguir quellegue la suficiente luz al sensor sería disminuir la velocidad de obturación. Por ejemplo,en interiores, atardeceres, noche, etc. O en el caso opuesto, cuando hay mucha luz,subiremos la velocidad de obturación para que no se nos queme la fotografía.


7Curso de Fotografía

Además de utilizarla para que nuestra fotografía esté bien expuesta, podemos someterla anuestra creatividad. Ejemplos de ello serían los siguientes:

• Congelar la imagen. Conseguimos que todos los elementos de la fotografía esténestáticos, inmóviles. Puede ser un efecto interesante en fotografía de deporte(p.ej.: deportista en la ejecución de un movimiento), de naturaleza (p.ej.: el vuelode un pájaro), etc. Se consigue con velocidades altas. Otro ejemplo es la siguientefoto:

• Captar el movimiento: Algunos o todos los elementos de la foto no estanperfectamente definidos, dejan una estela a su paso. Da sensación de movimientoe incluso de velocidad. Se consigue con velocidades bajas. Un ejemplo sería estafotografía tomada desde un coche en marcha de la que hablamos en su momento.Aquí la podéis volver a ver:



• Efecto seda: Ya hablamos de éste con un ejemplo práctico. Se consiguefotografiando agua en movimiento con una velocidad baja. Aquí otro ejemplo de

Pintar (literalmente) con la luz: Como vimos en este post. A velocidades muybajas, podemos utilizar un elemento que desprenda luz para realizar dibujos en elaire. Ejemplo del ya comentado por aquí Eric Staller:

• Lo que te permita tu imaginación…



Velocidad de obturación Teoria

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Si no has leído el anterior capítulo sobre la velocidad de obturación, os recomendamosencarecidamente que lo hagáis antes de continuar. Una vez leído podemos continuar.

Aspectos técnicos

A vuestra izquierda podéis ver un cuadro (tomado dela wikipedia) donde aparecen las velocidades quepuede tener un obturador. En la columna de laizquierda está el valor que nos marca la cámara y enla de la derecha su tiempo real. Es importante quesepas que al salto de un tiempo a otro contiguo se ledenomina paso.

En el apartado anterior, cuando hemos hablado de lacreatividad que permite este parámetro, hemoshablado de velocidades altas y bajas. En general, ysin que sea una verdad universal, consideraremosvelocidades bajas o lentas a aquellas inferiores a1/60 y velocidades altas o rápidas a aquellassuperiores a esta misma. Así de sencillo.

Y a lo mejor te estás preguntando como puedescontrolar la velocidad con tu cámara. Pues paraempezar debe poder permitir el uso de controlesmanuales. Si es así, en las cámaras solemos tenerdos opciones para jugar con ella. Una es el modomanual (normalmente M) en el que configuraremosla velocidad de obturación y el diafragma. El otro esel modo de prioridad a la velocidad (normalmente S,y por favor, corregidme si me equivoco, ya quepuede variar en función de la cámara) en el quesimplemente deberemos configurar este parámetro.

Existe un accesorio indispensable si acostumbramos a jugar con velocidades lentas. Éstees el trípode. Cuando utilizamos velocidades bajas, hacer fotos a pulso puede que no seauna muy buena idea. Nuestro movimiento puede arruinar la foto. El trípode (o cualquierotro punto de apoyo) puede salvarnos la vida. Pero ¿cuándo debemos descartar la idea dehacer la foto a pulso? Pues muy sencillo, existe un truquillo para ello. La velocidad máximaa la que dispararemos sin ayuda será 1/distancia focal que utilicemos. Por ejemplo, siutilizamos un 50mm, no es recomendable arriesgarse por debajo de 1/60.


http://www.xatakafoto.com/2007/11/15-curso-de-fotografia-12-velocidad-de-obturacion�

http://es.wikipedia.org/wiki/Velocidad_de_obturaci%C3%B3n_%28fotograf%C3%ADa%29�


Acabaremos señalando queeste parámetro es un íntimode la apertura del diafragma yque los valores de uno influyenen el otro. Pero esto es algoque ya verás cuando hayamoshablado también deldiafragma.

Prácticas

Os dejamos algunas sugerencias para poder jugar y aprender sobre el uso de la velocidadde obturación:

• Experimenta con un grifo abierto (un pequeño chorro de agua bastará) condistintas velocidades. Trata de congelar el agua que cae con velocidades altas ytrata de conseguir un fino y uniforme hilo con velocidades bajas. Usa la prioridad ala velocidad para no tener que preocuparte de nada más (y no derrochesdemasiada agua).

• Prueba fotografiar coches en la noche con velocidades bajas. Aquellas que tepermitan que el coche aparezca en la foto junto a la estela que dejen sus luces yaquellas en las que ni el coche aparezca (velocidades más bajas).

• Juega a disparar fotografías con velocidades bajas mientras cambias la distanciafocal. Te sorprenderán los resultados.

• Prueba a fotografiar niños o mascotas jugando, personas realizando una actividadfísica, etc. en exteriores y con velocidades muy altas. A ver que detalles eres capazde captar.

• Intenta colocar un elemento estático y otro móvil en el encuadre. Busca quevelocidad es la mejor para lograr la sensación de movimiento. Será más fácil si lohaces en condiciones de baja iluminación, no lo hagas a plena luz del día…

• Coméntanos por aquí que resultados has obtenido.



Fotografía en Manual

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Es probable que esta entrega resulte un poco complicada si esta es la primera toma decontacto con el asunto. Pero vale la pena, os puedo garantizar que si entendéis estohabréis dado un gran paso adelante para dominar la técnica fotográfica y que, a partir deaquí, vuestra velocidad de aprendizaje se multiplicará.

Ahora que ya conocemos qué son tanto el obturadorcomo el diafragma es el momento de ponerlostotalmente a nuestro servicio para lograr lasfotografías que queremos. Disparar usando losmodos manuales es la manera que nos dará libertadplena a la hora de hacer fotos y conseguir lo quequeramos.Todas las cámaras réflex y la mayoría de lascompactas medias y avanzadas poseen modos dedisparo manual. Suelen ser los siguientes:

• P: Programmed Auto. La cámara funciona como en la posición AUTO, pero permiteque se varien los parámetros.

• A (en algunas cámaras aparece como Av): Aperture Priority, es decir, prioridad dela abertura/diafragma. Para un diafragma dado (por el usuario), la cámara calculala velocidad a la que debe disparar (abrir y cerrar el obturador). Este modo es muyútil para disparar cuando queremos controlar la profundidad de campo.

• S (en algunas cámaras aparece como Tv): Shutter Priority o prioridad de lavelocidad. La cámara calcula la apertura necesaria para poder lograr unaexposición correcta partiendo de una velocidad elegida por el usuario. Darleprioridad a la velocidad permite interpretar el movimiento en nuestrasexposiciones.

• M: Manual. Todo es controlado por el usuario.

Cuando se trata de disparar en modo totalmente manual, M, el fotómetro o exposímetroque todas las cámaras traen se vuelve una herramienta indispensable para calcular laexposición correcta. Poco a poco, con la práctica, irás desarrollando la capacidad deaveriguar los parámetros adecuados para cada situación. Aunque siempre contarás con elapoyo del exposímetro para comprobar si tu intuición te está llevando por el caminocorrecto.



http://www.xatakafoto.com/2007/11/28-curso-de-fotografia-14-la-apertura-teoria�


FUNCIONAMIENTO DEL EXPOSÍMETRO

Este sencillo mecanismo nos indicará si con los parámetroselegidos la exposición será correcta, si la foto resultarásobreexpuesta o si por el contrario estará oscura y comoresultado obtendremos una imagen subexpuesta. Además nosinforma de en qué medida esta sobre o subexpuesta.

Lo que trataremos de lograr en condiciones normales siempre va a ser una exposición correcta. Por tanto, que el indicador se encuentre situado bajo el 0.

¿CÓMO INTERACTUAN EL DIAFRAGMA Y EL OBTURADOR?

Sabemos que una foto bien expuesta se logra sila cantidad de luz que llega al sensor de nuestracámara es la adecuada. Que esto sea asídepende de cómo configuremos la abertura deldiafragma y el tiempo de exposición. Variarcualquiera de estos dos parámetros incidedirectamente en la cantidad de luz que va aentrar en nuestra cámara y, por tanto, en elresultado de nuestra foto.

Ya hemos hablado del obturador y deldiafragma. Para estudiar la interactuación entreambos parámetros, partamos de las escalasclásicas de abertura de diafragma y velocidadesde obturación.



http://www.xatakafoto.com/2007/11/28-curso-de-fotografia-14-la-apertura-teoria�


Velocidades de obturación clásicas:2” – 1” – 2 – 4 – 8 – 15 – 30 – 60 – 125 – 250 – 500 – 1000 – 2000

Aberturas de diafragma clásicas:1 – 1.4 ‐2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 ‐22

En las cámaras digitales actuales, puedes encontrar pasos intermedios tanto dediafragmas como de velocidades de obturación. Esto no es malo, al contrario, es bueno,pues te permitirá ajustar mejor la exposición a las condiciones lumínicas. Peroaprendamos cómo interactúan usando sus valores clásicos.

Debemos asumir, como norma, que cada paso de diafragma clásico que subimos implicaque en nuestra cámara entrará la mitad de la luz que entraba en el paso anterior. Por elcontrario, cuando bajamos un paso, la cantidad de luz que entra se duplica.

Lo mismo ocurre con las velocidades de obturación, cuando subimos una, la cantidad deluz que entrará en nuestra cámara será la mitad. Por el contrario, cuando bajamos unpaso, la cantidad de luz que va a entrar será el doble.

Sabiendo esto es lógico deducir que no existe la combinación perfecta de velocidad deobturación y abertura de diafragma, pues hay muchas que son equivalentes. Elegir unade ellas dependerá siempre del efecto que queramos lograr en nuestra foto.

Como vemos en este ejemplo, al ir cerrando paulatinamente el diafragma se vanprolongando los tiempos de exposición, de esa forma contrarrestamos la luz que estádejando de entrar al cerrar el diafragma. Pese al cambio de parámetros, la exposición esidéntica en las tres fotos, pero si pulsas sobre la imagen para verla en grande observarásque cada vez hay más profundidad de campo. ¿Recuerdas la relación que hay entre laprofundidad de campo y la abertura del diafragma?

NECESITO MÁS LUZ ¿ABRO EL DIAFRAGMA O HAGO UNA EXPOSICIÓN MÁS LARGA

Partiendo de unos parámetros determinados podemos hacer que llegue más luz a nuestrosensor o bien abriendo el diafragma o haciendo exposiciones más largas. Recuerda queninguna combinación es perfecta, será buena siempre que el exposímetro nos diga que asíes.

Todo depende de las condiciones de luz y, sobre todo, de qué queramos lograr


http://www.xatakafoto.com/2007/12/04-curso-de-fotografia-14-la-apertura-ejemplos-practicos�

http://www.xatakafoto.com/2007/12/04-curso-de-fotografia-14-la-apertura-ejemplos-practicos�


Fotografía en Manual 2

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Ya hemos aprendido a exponer con corrección usando el exposímetro con nuestra cámaraen modo manual. En esta segunda entrega del capítulo de fotografía en manualaprenderemos a conseguir los resultados que persigamos. Este paso es definitivo, unavez hayamos asumido estos conceptos, día a día la cámara se convertirá en unaprolongación de nuestra mano.

Como punto de partida pensemos que si necesitamos más luz para lograr una buenaexposición podemos lograrla o bien abriendo el diafragma o haciendo exposiciones máslargas, esto es, haciendo que las velocidades de obturación sean más lentas.

La elección entre usar el diafragma o el obturador para exponer bien una foto, depende,ante todo, de qué queramos lograr y de cómo queramos interpretar el movimiento quese produce delante de la cámara. Veamos algunos casos concretos.

USANDO EL DIAFRAGMAPara lograr más luz usando el diafragma la única limitación que tenemos es la luminosidadde la lente, esto es, cuánto se pueda abrir el diafragma. Algunas lentes no son muyluminosas, es decir, su diafragma no se abre demasiado. Podemos decir que todo lo queabrá más allá de f3.5 es bastante luminoso.

1. Maximizando la profundidad de campoSi lo que necesitamos en nuestra foto es una gran profundidad de campo, habitual enfotos de paisajes, cerraremos lo máximo posible el diafragma. Es probable que al cerrarloal máximo entre tan poca luz que se haga necesario usar una exposición larga y, por tanto,trípode.


http://www.xatakafoto.com/2007/12/15-curso-de-fotografia-16-fotografia-en-manual�


Enfoque selectivo

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El enfoque selectivo significa dar nitidez solamente a lo que interesa, lo que permite unmayor control sobre el contenido y la interpretación final de la fotografía. Se trata dedejar nítida una sola parte de la imagen, mientras el resto está totalmente desenfocado,una buena manera de destacar el centro de interés.

Este efecto se logra con diafragmas muy abiertos, que reducen muchísimo la profundidadde campo. En el caso de la foto del ejemplo, se trata de un f1.4 con el foco sobre elelemento metálico de la mano de la chica, dejando fuera de foco el primer término de laimagen y el fondo.

Por cierto, fijaos en esas formas como manchas suaves de color que toman los objetosdesenfocados por delante y por detrás de la zona que está enfocada. Esa “atmósfera” que

crean las lentes con diafragmas muy abiertos recibe el nombre debokeh.

Abrir el diafragma al máximo no siempre es suficiente para lograr una exposición adcuada.En esos casos tenemos que pasar a jugar con las velocidades de obturación para ganar luz.



USANDO EL OBTURADOR El uso del obturador para regular la luz en las exposiciones nos permitirá tomar fotos ensituaciones difíciles de luz, así como obtener interpretaciones creativas del movimiento enfunción de nuestras intenciones.1.Velocidades altas de obturaciónDisparar por encima de 125 hará que congelemos los movimientos.

2.Velocidades lentas de obturación Cuanto más lenta sea la obturación nos permitirá captar luz durante más tiempo,consiguiendo una buena exposición, además de registrar todo el movimiento que seefectúe delante de la cámara e incluso el propio movimiento que haga la cámara.

3.Paneos Otra opción, más fácil de explicar que de conseguir, son los paneos. Se trata de usar unavelocidad de obturación lenta y, al disparar, seguir a un sujeto en movimiento,manteniéndolo durante toda la exposición en el mismo lugar del cuadro. El resultado esque el fondo aparece borroso y el sujeto congelado. O algo parecido, pues no es fácil.

Recuerda que ninguna combinación de diafragma y velocidad de obturación es laperfecta, será buena siempre que el exposímetro nos diga que así es, incluso aunque nonos lo diga, dependiendo de qué queramos lograr, séra buena también.

A practicar!


http://www.flickr.com/photos/metrix_feet/214128207/�


http://www.flickr.com/photos/limowreck666/171979083/�

http://www.flickr.com/photos/citronbleu/2021625101/�



Modos de Autofocus

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Como resulta normal, no en todas las situaciones podremos usar el mismo tipo deAutofocus. No es lo mismo fotografiar a sujetos estáticos, a sujetos que en cualquiermomento pueden comenzar a moverse o a sujetos que se están moviendo.

Cada situación a fotografiar tendrá unas particularidades que nos llevarán a elegir el modode autofocus que mejor se adecúe.

Los diferentes fabricantes de cámaras tienen también diferentes modos de Autofocus.Veamos, por encima, cómo funcionan los de las principales marcas.

SISTEMA NIKONS (Single Servo AF): Enfoca automáticamente objetos estáticos.C (Continuous Servo AF): Mantiene enfocado el sujeto que se mueve ante la cámara mientrasmantengamos pulsado a medias el disparador, pudiendo disparar en cualquier momento delmovimiento del sujeto. Idóneo para fotografiar, por ejemplo, fauna en movimiento.Incluyen a mayores el modoM (Manual Focus) que, como estás imaginando, es el modototalmente manual.

Las cámaras Fujifilm réflex (de la serie S) guardan gran similitud con las Nikon y sus modos de enfoque son los mismos.

SISTEMA CANONOne Shot: Se trata del modo de AF normal, el enfoque automático se activa mediante mediapulsación del disparador y se efectúa sobre el punto de enfoque que hayamos seleccionado. Modorecomendado para retratos, bodegones, etc.AI Servo: El enfoque es continuo mientras se mantenga presionado el disparador. Es ideal parahacer seguimiento de elementos en movimiento teniéndolos siempre en foco. Este modo es elrecomendado, por ejemplo, para deportes.AI Focus: Asiste en el enfoque de un elemento estático. Si éste empieza a moverse, lo sigueenfocando mientras se mueve. Es un One Shot que cuando detecta movimiento pasa al modo AIServo.

SISTEMA OLYMPUSS‐AF (AF simple): El enfoque se efectúa una vez presionado el disparador a medias.C‐AF (AF continuo): La cámara repite el enfoque mientras el disparador permanecepulsado a medias.

Hasta aquí, como véis, las principales marcas son muy similares. Simplemente cambian lanomenclatura de sus modos de enfoque, aún siendo básicamente los mismos. Pero aquí,Olympus introduce una variación que puede resultar interesante. Se trata de los modosMFAFS y MFAFC. Ambos, combinan el enfoque AF simple y el continuo con el enfoqueManual. Esto es que, una vez la cámara ha enfocado con AF, ya sea continuo o simple,pueden efectuarse ajustes con el anillo de enfoque como si de un modo plenamente manual se tratara.



La apertura. Teoría

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Cuando miramos un objetivo, normalmente nos encontramos con dos tipos de números.El primero, como ya vimos en el artículo sobre objetivos, nos indica la distancia focal delmismo, diferenciando los objetivos en angulares, teles, etc…

El segundo número es el que veremos hoy, el llamado numero f, que nos indica laluminosidad del objetivo, o sea, la capacidad del mismo de meter luz a la cámara, a travesdel diafragma

El numero f puede venir expresado de dos formas:

1. Ofreciéndonos los valores máximos de apertura del diafragma para 2 focales, porejemplo: 1:3,6‐5,6. Normalmente se da en objetivos con zoom. Siendo el primer numerola mayor apertura correspondiente a la focal más angular y el segundo la máxima aperturapara la focal más larga (tele)


http://es.wikipedia.org/wiki/Diafragma_%28fotograf%C3%ADa%29�


2. Ofreciéndonos un valor único de apertura, por ejemplo 1:2, que se da en objetivos fijos,aunque también podemos encontrar algún objetivo zoom de valor de apertura fijo. Losobjetivos fijos suelen ser más luminosos que los objetivos zoom y por tanto de mejorcalidad.

Como veis el numero f siempre viene representado de esta forma 1:xx, siendo 1 la mayorcapacidad de meterluz que puede tenerun objetivo y siendo elsiguiente número lacapacidad máxima delobjetivo que tenemos.

Cuanto menor es ese número, es decir, cuanto más se acerca al 1,más luminoso es unobjetivo. Aunque hay muchos factores de los que depende la calidad de un objetivo,normalmente, este se considera mejor cuanto más luminoso sea. Es evidente que cuantomás luminoso sea mayores posibilidades de juego para el fotógrafo a la hora de ajustar laexposición en condiciones deficientes de luz.

Para regular la entrada de luz a la cámara podemos modificar o bien la velocidad deobturación o bien la apertura del diafragma. Para modificar la apertura, lo haremos con lacámara en modo manual o bien enmodo prioridad a la apertura (A o Av). Según elnumero que coloquemos pasará más o menos luz a la cámara.

Las distintas combinaciones entre velocidad de obturación y apertura nos darán las clavespara el correcto manejo de una cámara en manual, que veremos en el siguiente capítulodel curso.

Por ultimo decir que la apertura tiene consecuencias directas en la nitidez de la imagenfinal y sobre todo en la profundidad de campo de la misma. Pero esto lo veremos en elsiguiente articulo junto a los ejemplos prácticos



La apertura : Ejemplos prácticos La teoría está muy bien, pero ¿En que influye la apertura del diafragma a la hora de haceruna foto?

Como vimos en el articulo anterior, la apertura tiene principalmente consecuenciasdirectas en 2 características: la profundidad de campo y la nitidez de la fotografía.

Veamos ahora los efectos prácticos:

Respecto a la nitidez podemos decir que cuanto más cerrado estéel diafragma (mayor numero f) mayor debería ser la nitidez y porel contrario, a más abierto (menor numero f) menor es la nitidez,pero la nitidez también depende de la difracción, que aumenta alcerrar el diafragma. Por tanto, mientras por un lado la nitidezaumenta al cerrar el diafragma, por otro disminuye alincrementarse la difracción.

Como consecuencia se considera que la mayor nitidez seproduce con los diafragmas que están uno o dos pasos másabiertos que el máximo del objetivo, aunque finalmentedependerá de cada objetivo.

Es decir, si tenemos un objetivo 1:2, probablementeobtendremos la máxima nitidez con valores de f entre 4 y 8 (1‐2pasos)

El tema de la profundidad de campo es probablemente másinteresante ya que nos permite ver más claramente losresultados.

Cuanto más abramos eldiafragma (valores de fbajos) menosprofundidad de campotendremos y viceversa,cuanto más lo cerremos(valores de f altos) másprofundidad de campo.



Vamos a ver un ejemplo práctico:

Imaginad que quereis hacerle una foto a dos Ipod nano, el modelo 2G y el modelo nuevo, el 3G. Loque pretendemos es darle más importancia al nuevo que al viejo, por lo que el nuevo lo ponemosen primer plano y el viejo en un segundo plano. El punto de enfoque lo ponemos sobre el nuevo.

Primero vamos a cerrar al máximo eldiafragma. En nuestro caso f22. Al estarcerrado el diafragma, entra menos luz, ypor tanto la velocidad de obturación a laque tendremos que disparar será mayormenor. En esta ocasión nos da 8segundos, por lo que evidentementeusamos un trípode.

Esta es la imagen que obtenemos:

Bien parece que no ha quedado mal. Ya tenemos nuestra foto, en ella vemos los dos ipod y pareceque el tener el Ipod 3G en primer plano le da más importancia, pero aun así, podemos mejorarla.

Ahora vamos a abrir el diafragma lo máximo que nos permita el objetivo en esa focal, ennuestro caso 4.6 y seguimos poniendo el punto de enfoque en el Ipod 3G

Bueno, esto es otra cosa. Al haberabierto el diafragma hemos hecho loque se llama un enfoque selectivo yahora el ipod 3G está claro que es elprotagonista de la foto, quedando elipod 2G desenfocado. Este efectoserá aún más marcado cuanto másluminoso sea el objetivo.

Como conclusión diremos que:

• Valores de f altos aumenta la nitidez y aumentan la profundidad de campo

• Valores de f bajos disminuyen la nitidez y disminuyen la profundidad de campo


Curso dee Fotografíaa

Pues ssi entendéis el concepto ya sabéis quue la apertura os puede dar mucho juego paravuestrras fotos. En el siguientee capítulo, haablaremos sobre el mannejo de una ccámara enmanuaal, uno de loos temas más importantees si quieress aprender footografía.

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VVenga, ¡¡aa practicaar el enfooque selectivo!!

Como ssiempre, ¿el truuco? Practicar,, practicar y practicar.

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ISO, la sensibilidad

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Las cámaras de hoy en días nos permiten cambiar la sensibilidad por medio de susmenús. ¿Pero a qué nos referimos cuando decimos “sensibilidad”? No, no podrás lograrque la cámara se emocione con tus fotos. Pero sí le podrás ajustar su forma de actuar conla luz, en cierta manera regular las “ganas” con las que absorbe la luz existente.

En analógico, cada película tiene sus propias características químicas que le confierenuna determinada sensibilidad. Como es lógico, durante el uso de una misma película setrabaja con la limitación de una única sensibilidad. No como en digital que, para cada foto,podemos asignar una, la más adecuada a las circunstancias.

Pensemos en el sensor. Sin lugar a dudas es una de laspiezas más delicadas y complejas de nuestra cámara. El deuna cámara réflex habitual mide alrededor de 23.6 × 15.8mm, los de las cámaras compactas son mucho máspequeños. En tan poquita superficie contienen millones demicroscópicas células sensibles a la luz, los píxeles.

Imaginemos que cada uno de ellos funciona como un cubo que se puede llenar de luz.Eso ocurre cada vez que pulsamos el disparador; cada uno de esos cubos se llena de luz,pues cuando disparamos se abre el obturador y la luz circula a través de la lentedirectamente hacia el sensor durante el tiempo que el obturador deja el paso abierto.

En el sensor, los cubos “se llenan” de luz. La imagen se procesa y se graba en la tarjeta dememoria. Todo en décimas de segundo.

Si analizamos la cantidad de luz en los “cubos” del sensor, veremos que cada uno de elloscontiene una cantidad determinada. Unos han quedado llenos, otros medio llenos y otrosvacíos. Esto significa que algunas partes de la imagen están sobreexpuestas, otras bienexpuestas y otras subexpuestas.

Intentemos ahora sacar otra foto, pero con poca luz y volvamos a analizar los cubos.Veremos que ninguno de ellos se ha llenado en la pequeña fracción de tiempo que hemosempleado en la exposición. Casi todos han quedado a medio llenar (o a medio vaciar, sieres pesimista).

Utilizamos el ISO para decirle a la cámara que los cubos se deben esforzar para absorberel doble, el triple o más luz durante las exposiciones. Independientemente de cuántodure la exposición. Es por ello que, sobre todo en fotografía analógica, uno se puedereferir a la sensibilidad de la película como “velocidad”. Por ejemplo, una película de400ISO es más rápida que una 50ISO, porque en el mismo tiempo capta mucha más luz.



Como es lógico, en función del tipo de fotografía y las circunstancias de luz se escogeráuna “velocidad” u otra.

|Por tanto, cambiar el ISO implica cambiar la sensibilidad de la cámara ante la luz. Con elISO alto la cámara será muy sensible a la luz y para una exposición correcta necesitarámenos tiempo, aun cuando las condiciones de luz sean difíciles. Con el ISO bajonecesitaremos más tiempo para lograr una exposición correcta.

Generalmente, aunque varía según los modelos, las cámaras suelen moverse en un rangoque va de ISO 100 a los 1600 en cualquier réflex normal. El único problema que entraña eluso de ISO’s altos es que añaden ruido a nuestra foto…

CONCEPTO DE RUIDOA medida que subes el ISO crecerá el ruido que recoja tu fotografía. Es fácil entender elconcepto de ruido si pensamos en términos de sonido. Imagina que tienes un equipo demúsica al que no le está entrando señal de algún tipo. Aunque no se reproduceabsolutamente nada en él, subimos el volumen del amplificador. Percibimos un ruidomolesto, ¿verdad? Lo mismo ocurre cuando amplificamos la entrada de luz en nuestracámara subiendo el ISO.


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RELACIÓN ENTRE ISO Y RUIDO

El ISO tiene relación directa con el ruido de una imagen. Si subes el ISO a niveles altos senotarán granos gordos en tu imagen. Que a un determinado nivel de ISO se note más o

menos el ruido depende de la calidad del sensor. Normalmente, en las cámaras de altagama y profesionales, a niveles de ISO altos, pese a ser perceptibles, se notan menos queen las cámaras para aficionados.

En cualquier caso,cuando queramoslograr la mayornitidez en nuestrasfotografías esrecomendableusar la sensibilidadmás bajadisponible, aunquehaya que empleartrípode o una beanbag para que laexposición sea lacorrecta. Esto es,valor de ISO másbajo.

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A TENER EN CUENTA...En ocasiones puede que te encuentres con que los bordes de los objetos que aparecen enlas zonas de alto contraste de la imagen tienen color. No tiene porque ser un problema delas lentes, aunque se lo solemos achacar a las aberraciones cromáticas que puedanproducir. No es así, para solucionarlo prueba a subir un paso de ISO, verás quedesaparecen.



El Encuadre

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Una vez disponemos de cierto conocimiento y destreza en el funcionamiento técnico denuestra cámara, viene un nuevo paso, subir otro escalón en el que nos centraremos en elmotivo, para seleccionar y organizar el espacio. Lo que se viene a denominar encuadrar.Así que nos adentramos en este nuevo tema del curso que vamos a desarrollar acontinuación.

El encuadre no es otra cosa que definir qué elementos aparecerán en la imagen y cuálesvamos a descartar. El encuadre sirve para concentrar la atención del espectador en laimagen, por lo que la correcta selección del motivo es un primer y fundamental paso en elproceso fotográfico. Tenemos que pensar en el motivo a mostrar en base a lasproporciones del marco de nuestro visor o nuestra pantalla LCD.

El encuadre de la imagen puede ser de las siguientes formas:

1. Horizontal. También denominado apaisado por ser el formato más habitual para capturar paisajes. Es el formato más común y se suele decir que produce sentimiento de serenidad y espacio, estabilidad y dirección. Aunque en al fotografía digital varía ligeramente la proporción con respecto a la clásica película de 35 mm, sigue siendo la forma más tentadora para componer, además de que fácil dejarse llevar por él, ya que es el formato que nos dispone la cámara en su posición horizontal. Por ello, es recomendable no abusar del mismo y probar otros encuadres hasta dar con el más idóneo al motivo.

2. Vertical. Más conocido como formato retrato, por tratarse del más adecuado para los retratos de medio cuerpo. Produce sentimiento de fuerza y enfatiza las líneas y planos verticales. También este formato confiere más poder visual a las diagonales. Es ideal para el retrato de cuerpo entero y primer plano, además de ser el más utilizado comercialmente para publicidad, revistas, portadas de libros, etc.



3. Cuadrado. Es un formato más estático y mucho más limitado. No es propio de la fotografía digital, sino que viene de las películas instantáneas Polaroid y de las películas de 6x6 para cámaras analógicas de formato medio. En digital podemos lograrlo en la edición posterior, recortando de los otros formatos, aunque el resultado final pueda ser satisfactorio tiene la desventaja de que no ha sido compuesto con el mismo rigor y parámetros. Los márgenes cuadrados son simétricos y transmiten solidez y estabilidad. En algunos campos es muy gratificante su utilización (vegetación, plantas, flores…), aunque es un formato en desuso, también debido a la dificultad que conlleva la composición.

4. Panorámico. Es un formato impactante en paisajes tanto naturales como urbanos y, a pesar de su historia y tradición, sigue resultando original. Requiere una cuidadosa selección del lugar o motivo y plantea dificultades de composición para no dejar zonas superfluas. Se trata de un formato muy de moda en la era digital, porque con los avances tecnológicos es muy sencillo crear una panorámica. Casi todas las cámaras incorporan esta función y con los programas de edición, el montaje de distintas tomas es muy sencillo.

Algunos aspectos que hay que tener en cuenta a la hora del encuadre son:

• La ubicación. La tendencia natural cuando comenzamos en la fotografía es ubicar el motivo en el centro del encuadre, que se suele denominar síndrome de “ojo de buey”. Esta composición deja dos zonas superfluas a cada lado del motivo y, aunque es atrayente, hay que intentar descentrar el motivo para liberar la composición. Es necesario separar el motivo y el fondo para lograr realzar los detalles.

• Tamaño del encuadre. Del mismo modo, hay una tendencia natural a no acercarse al motivo, a no recortarlo. Es habitual encontrar fotografías en los que todo queda tan general que no sabemos dónde mirar y es debido a que no hemos realizado una correcta composición, por lo que hay que intentar aproximarnos al motivo y llenar el encuadre para que el espectador capte rápidamente lo que queremos mostrar. En los retratos se enfatiza mucho si llenamos el encuadre y es un recurso que nos puede ayudar mucho a mejorarlos. Sólo hay que fijarse en las fotografías en prensa, donde es habitual encontrar primeros planos donde el rostro suele tener la frente cortada o no es mostrado completamente.

Conclusiones: todas estas indicaciones nos pueden ayudar a mejorar, pero como siempre hay que tener en cuenta que las reglas no son inflexibles y que lograr una fotografía bien encuadrada que funcione depende mucho de nuestra creatividad. De todas formas, experimentado y, sobre todo, disparando mucho en diferentes encuadres aprenderemos nosotros mismos a mejorar los encuadres.



La composición

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Tenemos que seguir practicando para lograr entrenar nuestro ojo y asimilar de formaintuitiva las normas o reglas de la composición.

La composición implica toda la creación de una imagen, desde la valoración y estudio delmotivo, la selección y análisis, hasta el disparo. Al contrario de lo que ocurre con la técnicafotográfica, donde se requiere una aplicación metódica, la composición exige criterio yaplicación de nuestro gusto particular, de nuestra percepción personal. Por ello esindispensable aprender a mirar. Y es que para componer hay que saber organizar lasformas dentro del espacio visual de forma armoniosa y equilibrada, lo que requiere queaprendamos a ver como fotógrafos.

No existen unas reglas fijas que se puedan aplicar para realizar una composición vigorosa,por lo que hay que desarrollar nuestra visión fotográfica, basada en la experiencia y en elconocimiento de ciertas normas. Por lo que es necesario y útil conocer los principiosbásicos de la composición para mejorar nuestras fotografías.

La regla de los tercios.Esta archiconocida y clásica regla nos dice que el centro de atención debe colocarse en laintersección de las líneas imaginarias que dividen una fotografía en tres partes de arribaabajo y de izquierda a derecha. Supone una excelente ayuda para establecer la estructurade la composición en una imagen. Cualquier cámara incorpora la posibilidad demostrarnos esta cuadrícula en la pantalla y que nos resulta útil para componer.

Hay que tenerla muy en cuenta en fotografías de paisajes, por ejemplo, y evitar situar elhorizonte en el centro del encuadre. Por lo que si tenemos un cielo muy interesante



podemos colocar el horizonte en el tercio inferior y darle protagonismo. También esaplicable en el caso opuesto. Del mismo modo, podemos ayudarnos de las líneasverticales para situar a una persona en un paisaje, o bien, en un retrato vertical, situar losojos en el tercio superior. Es recomendable, en estos casos, tener en cuenta la tambiénconocida ley de la mirada, con la que situaremos más espacio libre hacia el lugar dondemiran los ojos.

Otros aspectos a tener en cuenta en la composición:

• El punto de vista. Romper con el habitual punto de vista puede ayudar a lograrimágenes originales o mejorar la composición, con un efecto interesante. Pero, locierto que hay que tenerlo muy en cuenta porque la correcta elección del mismoforma parte de una buena composición y contribuye a aumentar el interés visualde la imagen.

• La simetría. Se produce cuando centramos el motivo y se divide la imagen en dospartes, creando una sensación agradable. Hay que intentar no abusar del mismo,para no ser monótonos y poco originales. Es fácil encontrar esta simetría en lafotografía de edificios o en los reflejos del agua en un paisaje.

• La asimetría. Poseen más fuerza e impacto expresivo, a la vez que resulta más ágily dinámica. Esta asimetría se puede producir desde el mero encuadre hasta elenfoque, el color, el volumen o la perspectiva de la imagen. Hay que tener encuenta que resulta necesario compensar el desequilibrio de alguna forma, a lo quenos puede ayudar también el color, con el enfoque selectivo o con elementosformales como la textura, el tono o la forma. Es más difícil de desarrollar, peronuestro ojo fotográfico debe acostumbrarse a componer asimétricamente deforma intuitiva.

Como conclusión hay que incidir que el proceso de composición resulta algo pesado alprincipio, ponerlo en marcha requiere mucho esfuerzo por nuestra parte y también mástiempo en cada toma. Y se podría decir que esto puede frenar la espontaneidad de lafotografía, pero tomar una buena imagen requiere, en muchas ocasiones, de algo más quedisparar en el momento adecuado. Una buena forma de asimilar la forma adecuada decomponer es viendo muchas fotografías, ver a los grandes artistas nos ayuda a entrenarel ojo, al igual que experimentar y tomar muchas imágenes. Hoy en día, esto resulta muyfácil gracias a las cámaras digitales, y también a internet, una fuente inagotable degrandes fotografías.


http://www.xatakafoto.com/2008/02/18-busca-tu-momento-decisivo�


La composición. Aplicaciones

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Vamos a ampliar y completar el tema de la composición, que ya tratamos en la últimaentrega. Si recordamos, la popular regla de los tercios nos resulta de gran ayuda paracomponer nuestras fotografías en la mayor parte de las ocasiones. Con la prácticapodemos ir acostumbrándonos a tener el gráfico de la cuadrícula en mente y ubicar loselementos que queremos destacar en esas intersecciones, que son los puntos fuertes.

Este es famoso gráfico que representa la ley de los tercios, destacando los puntos fuertes:

Otra opción complementaria para organizar el centro deinterés es la simetría dinámica, que se basa en lasproporciones de la sección áurea, pero utiliza lasdiagonales en vez de las cuadrículas. Diagonales quecruzan, imaginariamente, el encuadre de extremo aextremo.


http://www.xatakafoto.com/2008/02/20-23-la-composicion�

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Como podéis ver todo esto son sencillas reglas geométricas que, cuando uno estáaprendiendo las tiene que tener en cuenta, pero a menudo que se va adquiriendoexperiencia, uno llega a olvidarse, puesto que es un concepto que acaba asimilándose.Veamos ahora algunos sencillos consejos para aplicar la composición y lograr imágenesque funcionan.

• Simplificar. Es sin duda lo más importante. Hay que desechar aquellos elementosque distraen la atención del encuadre, eliminar lo que no contribuye a transmitir elmensaje de la imagen. Para lograr esta simplificación, lo mejor es encuadrar en elmomento del disparo, aunque podemos apoyarnos para mejorarlo en el procesodigital posterior en el ordenador.

• Utilizar líneas. Podemos utilizar las líneas naturales que nos encontramos en cadaescena: una carretera, una sombra proyectada, un edificio,... Ya sean horizontales,verticales, diagonales, curvas o rectas, con ellas se consigue transmitir fuerza,dinamismo y ayudan al ojo del espectador a recorrer la imagen, a modo de guíavisual. Lo lógico es que se logre converger las imágenes en los puntos fuertes, queno se crucen y generen profundidad (como los puntos de fuga en pintura).



• Usar formas básicas. A la hora de fotografiar nos encontramos formas y, amenudo, si nos fijamos bien, podemos apreciar que existen geometría en ellas, Porello combinarlas y jugar con ellas ayuda a mejorar la composición. Por supuesto,hay que tener en cuenta la textura, la iluminación y el color que son elementosque complementan las formas, las generan y las destacan.



• Primer plano, plano intermedio y fondo. Hay que cuidar especialmente laprofundidad de campo. Para ello, además de utilizar la perspectiva, la iluminacióny el encuadre, tenemos que prestar especial atención al enfoque. Un enfoqueselectivo destacará el elemento en la composición, quedando desenfocado elresto, lograremos captar la atención sobre el motivo que queremos destacar.

Como podéis apreciar el tema de la composición se presta a profundizar en él y tratartodos sus aspectos con más detalles, incluso trasladar todas estas formas de aplicarlos alos distintos géneros (paisaje, bodegón, retrato,...). Pero, como siempre insistimos, esnecesario hacer muchas fotografías para practicar y ver a los grandes fotógrafos paraaprender y entrenar nuestro ojo. Os recomiendo visitar las galerías del portugués TiagoEstima, todo un maestro en la composición fotográfica.


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El balance de blancos - Uso creativo

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En la primera parte de esta entrega del Curso de Fotografía acerca del balance de blancos, aprendimos el concepto de balance de blancos y qué logramos corregir con él.

Actualicemos el concepto: el balance de blancos sirve para que la cámara, actuando en luces con diferentes temperaturas de color, siempre interprete el blanco como lo que es: blanco. Y, a partir de ahí, calcule el resto de los colores, de forma que eliminemos dominantes indeseadas de color de nuestra foto.

Pero ¿y si no queremos que el blanco sea blanco? ¿Y si nos interesan esas dominantes? Puede que no siempre nos vaya a interesar reflejar la realidad con luz blanca.

Para muchos los mejores momentos del día para fotografiar son el amanecer y el atardecer. En ambos casos la luz pasa por tonos amarillentos, anaranjados e incluso rojizos y, con ella, los blancos se verán influídos por esas dominantes.

Hacer un balance de blancos manual para que todos los objetos pierdan la temperatura de color de la luz del amanecer y se vean como si fueran iluminados por luz blanca ¿sería conveniente? Si lo fuese, nadie madrugaría para hacer fotos al amanecer, ¿no?

Por tanto, el balance de blancos es una herramienta muy útil para representar los colores con fidelidad a la percepción humana. Pero también puede ser tenido en cuenta como otra herramienta disponible para interpretar lo que tenemos frente a nuestra cámara. Puesto al servicio de nuestra creatividad, nos permite dar una visión subjetiva de las cosas.

Retomemos la imagen empleada en la anterior entrega del curso.



Estas fotos fueron tomadas en una tarde nubosa. Si nos fijamos, esas que fueron tomadas con un preset de balance de blancos con una temperatura de color similar a la existente, tienen un color bastante fiel a lo que percibimos.

Sin embargo, si nos vamos a los extremos del cuadro (presets de tungsteno y de sombras) observamos que una imagen muestra una dominante azul muy acusada y la otra una dominante anaranjada.

¿Qué significa esto? Que si hacemos una foto con el balance de blancos calibrado para una temperatura de color mayor a la correspondiente, la foto tenderá al naranja. Y al contrario, si calibramos el balance de blancos para una temperatura de color menor a la de la escena, la foto tenderá a azul.

Efectivamente, ya calibres manualmente la temperatura de color o hagas un balance de blancos sobre un “blanco”, manejando estos conocimientos lograrás crear el ambiente que quieras. Reduciendo dominantes de color en la medida que quieras o convirtiendo una tarde normal en un atardecer. Las opciones son casi ilimitadas.



Consejos prácticos para mejorar

.A estas alturas es probable que hayáis disparado cientos, si no miles, de fotografías haciendo pruebas, asentando conceptos e interiorizando el funcionamiento de la cámara a medida que avanzaba el curso. Fenomenal.

Pues bien, este es el momento perfecto para incorporar a nuestro repertorio teórico ciertos trucos que, si bien solos no servirían para nada, con un buen manejo de la cámara, su dominio os llevará un paso más allá.

Esta entrega del curso se divide en dos entradas. Ambas centradas en pequeñas “recetas”, si me permitís llamarlas así, cuyo control podrían suponer la diferencia entre una ocasión perdida y una gran foto.

En esta primera entrada vamos a refrescar algunos conceptos básicos de composición que os ayudarán a lograr imágenes más potentes.

En la siguiente entrada, la segunda y última de esta entrega del curso, nos centraremos más en aspectos puramente técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces de solucionar algunos problemas comunes de manera “infalible”.

Creo que ya hemos dicho por aquí que hacer una foto es como componer una frase. Los elementos gráficos son las palabras y las normas de composición equivalen a la gramática que nos enseña cómo ordenarlas.

Sí, es cierto, las normas están para romperse. Y con esta sucesión de ellas nadie debería sentirse atado a un único modo de hacer las cosas. Pero para romperlas primero hay que conocerlas y dominar bien el medio.

Por ello, echemos un vistazo a estas “recetas”:



LA LEY DEL HORIZONTE

Por su nombre podría ser un western, pero no lo es, es una regla fotográfica. Cuando fotografíes paisajes presta atención al horizonte. ¿Dónde lo vas a colocar?¿Cómo va a aparecer? Son dos preguntas que necesitan respuesta:

En pocas ocasiones funciona, así que nunca, nunca coloques un horizonte en mitad de la foto. Divide el encuadre en dos zonas iguales en las que no hay ningún tipo de jerarquía. Para solucionarlo hay dos opciones:

• Mostrar en un tercio de la foto el suelo y en los dos tercios restantes cielo.

• Justo lo contrario, dos tercios de suelo y uno de cielo.

Como supones, lo que transmite una foto en ambos casos no es exactamente lo mismo. Encuadres en los que aparece más suelo sugieren más cercanía a lo terrenal, mientras que encuadres en los que aparece más cielo sugieren al espectador una sensación más etérea.

En cualquier caso, que esta regla juegue a favor de lo que quieras mostrar. Por ejemplo, ¿En un atardecer? Mostraremos casi siempre más cielo. En un paisaje costero, más suelo.

El horizonte siempre se debe presentar recto. Más todavía cuando se trata del mar. Un mar torcido puede dar al traste con un buen paisaje. Parecería que se vacía por el lado hacia el que está inclinado.

Foto de fmc.nikon.d40


http://www.flickr.com/photos/fmc550uz/2676006179/�


LA REGLA DE LA DIRECCIÓN O DEL MOVIMIENTO

Si pretendes captar en una foto un objeto que se esté moviendo debes tener en cuenta que, sobre todo si lo que quieres es dar esa sensación de dinamismo, deberás dejar más espacio en la zona a la que se dirige el objeto que en la zona por la que supuestamente ya ha pasado.

Las fotos que siguen este esquema funcionan mejor, pues invitan al cerebro humano a percibir que el objeto discurre por la foto.

El concepto de esta regla es muy similar al de la siguiente.

Foto de *Zara


http://www.flickr.com/photos/zarajay/2246086310/�

Practicar, practicar y practicar.


LA LEY DE LA MIRADA

Simple y llanamente esta ley insiste en que debe haber más espacio en el cuadro en la zona a la que mira el sujeto fotografiado que en la que está fuera de su campo de visión.

Foto de *Zara

LAS DIAGONALES Cualquier cosa puede convertirse en una diagonal. Las líneas de la carretera, las ramas de un árbol, el mástil de una guitarra… las opciones están al alcance de nuestra imaginación.

Como siempre, ¿el truco?

http://www.flickr.com/photos/zarajay/2246086310/�


Podemos conseguir diagonales de múltiples maneras. ¿Por qué no usarlas? Son poderosísimas para guiar la vista del espectador hacia los puntos de interés de las imágenes.

Hacen las composiciones más dinámicas y su intersección crea puntos de interés. No las desestimes.

Fotos de Mikelo y Bensonkua


http://www.flickr.com/photos/bensonkua/2915980703/�

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EL MÍTICO “MENOS ES MÁS”

Os lo decimos con frecuencia en los duelos. Generalmente, en fotografía, menos es más. No tratéis de llenar una foto con todo lo que tenéis delante. Pensad en términos de composición.

Antes de disparar analizad qué cosas de la escena son interesantes, cuáles prescindibles o cómo funcionan unas con otras.

Siempre suele resultar mejor tomar varias fotos con los distintos detalles que contiene una escena consiguiendo que cada foto nos cuente algo que tratar de hacer una foto general para apreciarlo todo.

Esto está en estrecha relación con el próximo y último consejo.

Fotos de Oze| y NickStarr


http://www.flickr.com/photos/ozel/86252676/�

http://www.flickr.com/photos/nickstarr/198941801/�


LLENA EL ENCUADRE Evita cualquier tipo de distracción y obliga al espectador a centrarse

en el motivo que le queremos mostrar,

única y exclusivamente. ¿Que

cómo lo haces? Llenando el encuadre.

No dejes espacio para nada más que para lo que quieres mostrar. No des opción al espectador a irse por los cerros de Úbeda. Muéstrale sólo lo que quieras que vea.

ENMARCADO

Esta técnica de composición consiste en poner en los bordes de la fotografía objetos para enmarcar y dirigir el ojo hacia el objetivo. Estos objetos pueden ser árboles, rocas, montañas, colinas e incluso la propia mano del fotógrafo desenfocada para dar ese efecto de secreto siendo revelado. Este tipo de composición suele verse mucho en las fotografías de los paparazzi aunque para ellos eso es casualidad.




Consejos prácticos para mejorar 2 En la anterior entrega del curso dimos algunos consejos para mejorar orientados a lacomposición. Como prometíamos, en esta segunda y última entrega nos vamos a la partemás técnica.

Nos vamos a parar en aspectos técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces desolucionar algunos problemas comunes de la manera más “infalible” posible. Vamos allá:

TÉCNICA DL f/16Para hacer exposiciones perfectas en días de pleno sol y cielo azul fija la apertura deldiafragma en 16 y la velocidad de obturación que sea exactamente la misma que el valorde ISO.

Si tienes el ISO en 200 los valores de exposición serían 1/200 y f/16. Si tienes el ISO en100, 1/100 y f/16. Así sucesivamente. ¡Verás que la exposición obtenida es perfecta!

OJO CON LA RELACIÓN ENTRE VELOCIDAD DE OBTURACIÓN Y DISTANCIA FOCALDebes saber que la mínima velocidad a la que puedes disparar con cualquier objetivosiempre responde a la fórmula 1/(distancia focal).

Si el sensor de tu cámara no es full‐frame, deberás tenerlo en cuenta también. Si tienes un300mm en una cámara con factor de conversión 1.5 podrás disparar a una velocidad de1/450 (aceptando que tal velocidad de disparo exista en una cámara).

Esta regla es muy importante, aunque también lo son los estabilizadores de imagen yreductores de vibraciones que hoy en día incorporan los objetivos de gama alta o loscuerpos de algunas réflex.

Si eres afortunado y tienes un equipo estabilizado deberás tenerlo en cuenta, ya queademás de jugar con la fórmula que acabamos de aportar juegas con la estabilizaciónextra que aporta tu equipo.

Si necesitas disparar por debajo de la velocidad mínima a la que sabes que la foto no va asalir trepidada tienes dos opciones: usar un trípode o subir el ISO.



Algunos consejos para fotografiar siluetas

Las fotografías desiluetas a contraluzsuelen ser tomas muysencillas, pero a la vezmuy atractivas. Sibien es cierto quepara lograrlas hay queestar en el sitioadecuado en elmomento adecuadoy, por supuesto, conlos correctos ajustesde exposición. Apesar de susimplicidad, sonimágenescomplicadas deconseguir, sobretodo, si buscamos potenciar el impacto que causan, y queremos lograr transmitirsentimientos fuertes como calma, inquietud, miedo,...

En principio, unasilueta es cualquierforma sobre un fondoclaro o muyiluminado, donde elsujeto es una simpleforma negra quequeda resaltada. Lomás común es que lafuente de luz sea elsol, por ejemplo enun atardecer, lo queprovoca que granparte de la imagenquede subexpuesta.


http://www.xatakafoto.com/2008/02/18-busca-tu-momento-decisivo�


Hay algunos factores que hay que tener en cuenta para lograr efectivas siluetas y, resultamuy gratificante alcanzar buenos resultados, cuando tomamos una correcta medición, amenudo la clave de la toma. Vamos con algunos sencillos consejos:

• Es importante que el sujeto no reciba demasiada luz, que no existan reflejos que leresten importancia a la silueta en sí.

• Si no hay suficiente luz en el fondo, la silueta aparecerá gris en vez de negra, por loque es esencial tener una fuente potente que provoque el contraste.

• Suelen dar mejor resultados si elegimos sujetos relativamente grandes, en vez depequeños e insignificantes, así el resultado es más espectacular.

• Recomendable usar una abertura pequeña (número f alto), para captar una granprofundidad de campo.

• Como consecuencia, tendremos que utilizar trípode o una base estable para lacámara, puesto que tendremos que usar velocidad de obturación baja.

• Para lamedición es mejor no tomar el sujeto oscuro ni la luz más fuerte, mejorbuscar un punto intermedio, alguna sombra grisácea nos puede dar un valoradecuado (aunque esto depende mucho de cada escena).

• Para lograr una silueta impactante hay que cuidar mucho la composición y buscarel lugar más adecuado para los elementos.

• La simplicidad ayuda mucho a destacar nuestra silueta, por ello, elimina todoaquello que pueda distraer la mirada.

• Podemos conseguir buenas siluetas con muchos motivos diferentes, desdepersonas, animales a edificios o cualquier elemento que disponga de una siluetainteresante a contraluz. Por ello, no nos centremos siempre en los mismosmotivos, agudizando la vista podemos encontrarlos en cualquier lugar y situación.


http://www.xatakafoto.com/2008/02/27-26-la-composicion-aplicaciones�


CUIDA TU ENFOQUE MANUAL PARA MAXIMIZAR LA NITIDEZ

Ya sabemos que hay ocasiones en las que es mejor enfocar en modo manual que hacerloen automático. Es en estas ocasiones cuando la técnica que estás a punto de aprender sehace imprescindible.

Consiste en hacer el máximo zoom posible sobre el objeto que vamos a fotografiar paraenfocarlo. De esta manera el enfoque será más preciso. Una vez lo tenemos enfocado elobjeto, podemos volver a la distancia focal que hayamos elegido para disparar y hacerlocon la certeza de que el objeto, si no se ha movido, estará perfectamente enfocado.

A veces el ojo no es todo lo fino que nosotros quisiéramos. Interiorizar este tipo de técnicanos ayudará a no llevarnos tristes sorpresas al llegar a casa y ver el material que traemosen nuestra cámara.

SIEMPRE ISO100 ES MEJOR QUE ISO200…

Generalmente tenemos interiorizado que a menor ISO, más calidad tendrán nuestrasimágenes. No es mentira, pero tampoco es del todo cierto.

En ocasiones puedes encontrarte con que los bordes de los objetos que aparecen en laszonas de alto contraste de la imagen tienen color.

Este problema se lo solemos achacar a los objetivos. Que si no es demasiado bueno, que siproduce aberraciones cromáticas, que si…

Prueba a subir el valor de ISO a 200, verás que lo habrás solucionado.


http://www.xatakafoto.com/2008/07/29-situaciones-en-las-que-es-recomendable-u-obligatorio-utilizar-el-enfoque-manual�

http://www.xatakafoto.com/2008/07/29-situaciones-en-las-que-es-recomendable-u-obligatorio-utilizar-el-enfoque-manual�


¿DISPARO CON TRÍPODE O CON LA CÁMARA EN LA MANO?

La decisión de disparar con trípode ocon la cámara en la mano tambiénestá directamente relacionada con lavelocidad de obturación.

A no ser que tengas una cámaraestabilizada, o objetivos que lo están,una buena pauta a seguir puede serque todo lo que baje de 1/40 debehacerse con trípode.

Quien dice un trípode dice unasuperficie sobre la que apoyar lacámara, una beanbag… lo que quieraque vayas a usar para mantener la cámara estable es necesario cuando disparas avelocidades lentas para evitar fotografías trepidadas.

Fuera de la composición y de la técnica, pero estrechamente relacionado con ellas, nodejéis de analizar las fotos que os pasan por delante. Desde lo que véis desde el autobúsen los carteles de la calle, en las revistas, en Flickr…

Ver muchas fotos, disfrutarlas, destripar cómo han podido hacerse y entender por quéfuncionan o dejan de hacerlo te dará tablas a la hora de producir imágenes potentespropias.

No te cierres a hacer cosas nuevas. Nunca desprecies ninguna forma de actuar de otrosque no hubieras albergado antes. Valórala. Puede que no te hubieras parado a pensar eneso y adoptando esa nueva práctica amplíes tus horizontes fotográficos.



Tipos de Plano

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Pensar en fotografía es más fácil manejando conceptos que nos ayudan a ordenar lospensamientos. Llamarle a las cosas por su nombre puede facilitar la tarea de recordarcosas, transmitirlas o tratar de plasmarlas en equipo. Lo audiovisual tiene, como otrasdisciplinas, su propio código. Su jerga, que es aconsejable manejar para entender mejor elmedio en el que nos movemos.

Hoy vamos a hablar de los tipos de plano. Habrás oído mil veces hablar de planosamericanos, primeros planos… para designar la cantidad de persona que se incluye en unafoto o en una toma de vídeo. ¿Pero realmente conocemos qué es exactamente cada unode ellos? Hagamos un repaso:

PLANO GENERAL: Abarca todos los elementos de una escena.Si se trata de una persona o un grupo de ellas, nos permitiráque los veamos enteros. Muestra todos algo al completo. Ennuestro caso, a la chica al completo.

PLANOMEDIO: Muestra el cuerpo a partir de la cintura. Esadecuado para una foto de dos personas, por ejemplo.

PLANO DETALLE Enfatiza elementos concretos, destacaelementos pequeños que con otro tipo de plano pasaríandesapercibidos. En nuestra chica, por ejemplo, el color de supintura de uñas.



PLANO AMERICANO: Muestra la figura humana desde debajo dela cadera. Su uso se popularizó en la época dorada de loswesterns, pues este tipo de plano era ideal en los duelos, puespermitía ver las pistolas colgadas en la cintura que llevaban losprotagonistas. De este hecho viene su nombre.

PRIMER PLANO: Deja ver el rostro y los hombros. Implica ciertogrado de intimidad y confidencialidad, así que con su usopodremos transmitir emociones más intensas que con los demás.

PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO: Abarca un rostro desde elmentón hasta la parte de arriba de la cabeza. Transmite inclusomás intimidad y confidencialidad que el primer plano.

Más datos Decimos que un plano es más abierto cuanto más ángulo de visión abarca. Por el contrario, uno cerrado será aquel que muestra partes concretas de una escena o detalles, es decir, poco ángulo. Del mismo modo decimos “abrir el plano” o “cerrar el plano” para referirnos a aumentar y disminuir la distancia focal respectivamente. Por tanto, cuanto más nos acercamos al gran angular, más abrimos el plano y cuanto más nos acercamos al teleobjetivo más lo cerramos.

Selección del tipo de plano La selección del tipo de plano que usaremos depende principalmente de la información que queramos mostrar, lo cual será determinante en las emociones que transmitiremos con nuestra foto. También es importante tener claro qué no queremos que aparezca. Imaginemos que vamos a hacer un retrato en la calle. Si usamos un plano muy abierto quizás nos entre en plano un horrible contenedor que no aporta nada a la foto, unos cables o a saber qué. Si estos elementos no aportan ninguna información importante, mejor evitarlos, pues distraén. La solución, si no queremos cambiar la localización, puede ser simplemente hacer un plano un poco más cerrado.En la próxima entrega hablaremos de los tipos de plano que podemos diferenciar en función de la posición de la cámara.



Tipos de Plano 2

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En la última entrega de nuestro curso de fotografía comentábamos que en función de loque haya dentro del cuadro podemos diferenciar varios tipos de plano, cada uno con susparticularidades. Además de estos, podemos diferenciar tipos de planos también enfunción de la posición de la cámara.

La elección de la posición de la cámara tiene una influencia directa sobre la percepciónsubjetiva de una imagen. Cuando se trata de crear imágenes que causen un determinadoimpacto en el vidente, estas pautas se cuidan al detalle. Si nos proponemos fotografiar auna persona la referencia será la altura de los ojos. Y no, no es lo mismo disparar a laaltura de los ojos, por debajo de ese nivel o desde encima.

Repasemos los tipos de plano en función de los posibles ángulos de cámara. Iremos de laposición de cámara más alta a la más baja.

CENITAL y PICADOLa cámara está por encima de los ojos del sujeto, transmitiendo la sensación de que ésteestá en una posición débil, de inferioridad con respecto a la persona que ve la foto.Llevado al extremo máximo, colocaremos la cámara sobre el objeto o el sujeto afotografiar, entonces se llama plano cenital.

NORMALSuele ser el más habitual y sólo transmite la imagen tomada. Nosuscita en el vidente ninguna sensación a mayores, como en elcaso del picado y el contrapicado.



CONTRAPICADO y NADIR Llamamos contrapicado al plano conseguido con la cámara situada por debajo de los ojosdel sujeto, pero apuntando a éstos. Justo lo contrario que el picado.Generalmente con este tipo de plano se consiguen imágenes en las que el sujetofotografiado se muestra como alguien superior, más poderoso que el que está viendo laimagen. Por su tendencia a elevar “por encima de los mortales” al sujeto, el contrapicadofue usado habitualmente en la propaganda de corte fascista. Por cierto, cuando elcontrapicado se extrema tanto que la cámara apunta en línea recta hacia arriba, el planorecibe nombre de nadir.

Como indican las líneas verdes en elesquema, tanto el picado como elcontrapicado pueden llevarse acabo con más o menos angulacióncon respecto al sujeto. En funciónde que nos acerquemos al planonormal o, por el otro lado, al cenitalen el caso del picado y al nadir en elcontrapicado, los efectosconseguidos con ellos serán más omenos notables.



Consideraciones

• Para hacer fotos de personas tanto el nadir como el cenital soncomplicados, pues casi no nos permiten ver el rostro.

• Hay que ser cuidadoso con los contrapicados al fotografiar a personas,este ángulo puede reflejar una papada exagerada. E incluso, si el sujetomira a la cámara, puede producirse una doblez en la papada que daráal traste con nuestra foto.

Como conclusiónme gustaría sugeriros que analizáseis la angulación de losplanos en películas o pinturas y veréis que más allá de la fotografía existe unlenguaje común entre las artes visuales. Descubrirlo y aprender a usarlo es elcamino para hacer grandes fotos.




JC

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Criticas

Dos puntos de vista diferentes ocomplementarios que seguro que nos ayudan aenriquecer nuestro conocimiento fotográfico. Enlos comentarios podrás ver: puntos de vistadistintos además de críticas constructivas ydestructivas. Y además, comentarios de aquellasimágenes de las que todos podamos aprenderalgo.



Dos puntos de vista diferentes o complementarios que seguro que nos ayudan aenriquecer nuestro conocimiento fotográfico. En los comentarios podras ver: puntos devista distintos además de críticas constructivas y destructivas. Y además, comentarios deaquellas imágenes de las que todos podamos aprender algo.

Sin más preámbulos, admiremos la primera foto protagonista,

1

Opinión A: Varias son las razones que me llevan a considerar esta instantánea como una granfotografía:

• El buen uso del exagerado contraste. Aisla el motivo principal (la chica) del resto dela fotografía.

• Rompe acertadamente con la regla de los tres tercios al situar el motivo en elcentro de la foto.

• No existen elementos distractores.• Varias líneas nos conducen hacia el motivo central de la foto (marcas de

neumáticos o restos de deshielo).• Las mismas marcas junto a la postura de la modelo le dan muchísimo dinamismo a

la fotografía. Otra postura la hubiera arruinado.

En resumen, una foto diez. Pocos elementos utilizados y poderosas sensaciones las quedespierta la fotografía.



Opinión B:

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Está claro que se trata de una imagen muy eficaz y potente. Un claro ejemplo de que unaimagen sencilla, si está bien planificada, puede ser un fotón. Aquí os dejo mi visión delasunto:

• Israel da en el clavo, el contraste marcadísimo entre el sujeto y el entorno leotorga un protagonismo total al primero. Una buena forma de componer, sinduda.

• Al contrario de la opnion 1, efectivamente esta imagen se basa en la regla de lostercios. Lo que no utiliza son los puntos fuertes (el lugar en el que se cruzan dostercios), pues con el juego de contrastes la chica en sí es un punto fuerte.

• De hecho, Lalli Sig “es quien tomo la foto” utiliza magistralmente todos los elementos queel diseño pone a su disposición: la propia cara de la chica es un punto, uno de loselementos de diseño más potentes y llamativos en cualquier composición. Estepunto resalta sobre el resto no sólo por serlo, sino porque está en uno de lostercios, a los que los ojos se nos van siempre, y porque todas las marcas del sueloactúan como diagonales que nos guían, una vez más, a la cara de la chica.

• Por si fuera poco el protragonismo de esta buena muchacha, el uso creativo de laprofundidad de campo la hacen más presente, dejando tanto el primer término dela foto como el más alejado, totalmente fuera de foco con un bokeh que no sólocontribuye a otorgar protagonismo a la chica, sino también a crear un halo demisterio y de desubicación importante.



2

Crítica A: He elegido esta fotografía de nuestro amigo Amir por ser una foto con muy buenasintenciones pero que puede mejorarse un poco teniendo en cuenta unos principiosbásicos:

• ISO 64, f/8 y 8 segundos de exposición. Elección más que correcta. Aunque mesorprende el estado del agua, que con semejante tiempo de exposición pienso quedebería ser más “sedoso” en la zona de los reflejos.

• El momento del día elegido parece también muy adecuado, concretamente la horaazul.

• Los reflejos de las farolas en el agua son interesantísimos. Es un buen motivo alcual intentar sacar partido.

• Lo que no me queda muy claro es el motivo de la fotografía. La intención estáclara, con el terreno, el cielo y los reflejos situados siguiendo la intersección de laslíneas que marcan los tres tercios. Pero veo demasiado terreno en ella, muy pocohorizonte (siendo muy quisquillosos, ligeramente caído) con su cielo interesante…¿Qué tal un cambio de composición?

• Yo hubiera intentado centrarme en los reflejos mediante una fotografía verticaldonde éstos ocupen los dos tercios inferiores de la foto y el terreno ocupando el


http://www.xatakafoto.com/2007/12/03-que-es-la-hora-azul�

http://www.xatakafoto.com/2007/12/03-que-es-la-hora-azul�


tercio superior. Si quisiéramos destacar el cielo y este fuera lo suficientementeespectacular, invertiría las proporciones que acabo de proponer.

• En todo caso, intentaría no desaprovechar la luz de las farolas, que con la aperturade diafragma seleccionada consigue un bonito efecto de “estrella”.

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Crítica A: • La foto es interesante y, sin duda, desprende muy buenas intenciones y una

técnica correcta. Pero para mi gusto se queda ahí, pues no está bien resuelta. ¿Quéqueremos que se vea? ¿El horizonte anaranjado? ¿Los reflejos del agua? ¿Las lucesde la montaña? De este lugar, con estos parámetros, podrían haber salido tresfotos geniales: una del horizonte anaranjado, una del reflejo del agua y otra de lasluces sobre la montaña y el reflejo que generan en el agua. Es importante saberqué queremos mostrar en una foto. No suele ser eficaz mostrar muchas cosas a lavez. Mejor hacer varias fotos que querer abarcarlo todo.

• En la esquina superior izquierda se aprecia un poco de viñeteo, probablemente untrozo de parasol mal ajustado que podría haber sido recortado o, simplemente,clonado. Una pena.



3

Critica B Para empezar destacaré que lo que me gusta de esta fotografía es la idea. Hay varioselementos muy sugerentes en la foto que se pueden aprovechar para hacer una buenainstantánea:

• El momento del día: la hora azul.• Un posible protagonista poco usual: músico tocando su instrumento.• Patrones interesantes en las rejas del paseo.• La presencia de elementos verticales que podrían ayudar a encuadrar el motivo

(árboles).• Un escenario de fondo interesante: un ¿peñón?• La posibilidad de realizar un contraluz.

Ahora bien, hay tantos de estos elementos que la tarea de decidir cuáles incluir y cómo sepuede convertir en algo complejo. Y creo que es lo que sucede en esta fotografía. Se hanintentado incluir todos y por eso falla.

Una vez se han desglosado y quedan claros los elementos que pueden integrar lafotografía, tan solo queda elegir uno o dos de ellos para incluir en la foto y ejecutarla.Teniendo en cuenta las variables, sus múltiples combinaciones pueden suscitar variasfotografías más interesantes que la propuesta sugerida por nuestro amigo Andrés.

Un par de ejemplos:• Un simple primer plano de la silueta del violinista. En vertical, de la mitad superior del

cuerpo.• Foto horizontal centrándose en el violinista, de cuerpo entero, evitando la presencia de los

peñones y la grua de la derecha.• Y así hasta el infinito…


http://www.xatakafoto.com/2008/05/06-algunos-consejos-para-fotografiar-siluetas�


Crítica B Los motivos de silueta creo que dan para escribir varios libros. Las podemos tener más omenos asociadas a los atardeceres, que es cuando es más fácil obtenerlas en el exterior.Tenemos una luz de frente que obliga a nuestra cámara a reducir tiempo de exposición detal forma que el primer plano queda oscuro. Es por ello que normalmente tendremos unfuerte contraste en la foto. En este caso no lo veo tal. Aunque tenemos una silueta de unapersona tocando un violín, veo demasiados elementos en la escena que no están oscuros.(Vease todo el suelo del paseo por ejemplo). Además, la silueta del árbol partiendo la foto,sólo le vería sentido si a un lado y otro tuviéramos cosas distintas, pero en este caso no esasí, por lo que quizás, sólo distrae.

Por tanto, yo creo que habría que haber cerrado el encuadre sobre la persona, dejando delado todo lo demás que no aporta, en vertical y acercándonos a él. Si aún así queremosmeter en la foto las montañas del fondo, podríamos habernos desplazado a la derecha ygirado el ángulo de la foto. De paso, por cierto, y si hubiera tenido un teleobjetivo, losbarcos que se adivinan al fondo también hubieran sido un gran motivo para hacer siluetas.


Fotografia Basica

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