El manierismo (yulais salazar)

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El Manierismo Elaborado por : Yulais Salazar V-24.107.887

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El ManierismoElaborado por :

Yulais SalazarV-24.107.887

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Toussaint Dubreuil, (Pintor fránces). En esta obra de estilo Manierista, se puede apreciar que siguen en el uso de formas muy alargadas y ondulantes, con composiciones abarrotadas. Muchos de los temas del Dubreuil incluyen escenas mitológicas y escenas de las obras de ficción. Dentro de esta obra se destaca la ausencia del realismo en su representación de la realidad, efectos visuales algo exagerado, adopción de posturas forzadas principales características del estilo Manierista, contrastes, iluminación poco natural, tratamiento irreal del espacio. Circle of Toussaint Dubreuil

Pintura

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Corregio, en sus trabajos se caracterizan por los desnudos sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de la originalidad en el tratamiento de la perspectiva. Autor de esta pintura llamada "Ío y Zeus“, donde las características del manierismo son resaltantes por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones, donde las proporciones anatómicas se alteran a su voluntad. El alargamiento de las figuras es constante, se prefiere el trazado serpentiforme, es decir en “S”, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. La figura está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, con colores intensos e iluminación teatral. "Ío y Zeus“. Correggio

Pintura

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Es uno de los mejores ejemplos de la pintura manieristas, realizada en óleo sobre lienzo, Representa a la Virgen María quien sostiene un sus brazos un Niño Jesús con una postura muy inestable, a la derecha de la composición un grupo de efebos porta algunos regalos presentes para el Niño. A la izquierda de la composición vemos una fila de columnas y la pequeña figura de San Jerónimo, santo muy relacionado con la adoración de la Virgen que sostiene un pliego de papel con la traducción de las Sagradas Escrituras. Esta obra responde perfectamente a la estética manierista, donde Las figuras en general y la Virgen en particular, destacan por su gran corporeidad. María es representada como una mujer de grandes dimensiones pero realmente bella. La belleza de la joven virgen parece descompensada por sus dimensiones, las manos demasiado alagadas al igual que el cuello hacen que la gracia y estilización que buscaba Parmigianino en esta Madonna se vea un poco descompensada. El Niño no tiene una apariencia de bebé, es igual que el resto de personajes, demasiado alargado. Aparece completamente desnudo y dormido, sin embargo su extraña postura, parece como si se resbalara de las piernas de su madre, provoca en el espectador una gran inestabilidad. A su vez se ven que las figuras aparecen agolpadas en la parte derecha de la composición la izquierda aparece más liberada de personajes y con un espacio compositivo más abierto, otro contraste típico del estilo manierista. La postura de San Jerónimo es demasiado forzada, mientras su cuerpo y extremidades se dirigen hacia la Virgen, el santo gira la cabeza con brusquedad hacia el lado contrario, mientras que En la parte derecha amplios cortinajes de distintos colores enmascaran un paisaje sombrío y tormentoso que sí podemos apreciar en la parte izquierda. Madonna del cuello largo. Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino)

Pintura

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La Piedad Rondanini esta escultura se encuentra en el museo del Castillo Sforzesco de Milán. Es considerada como la última obra esculpida por Miguel Ángel, ya que estuvo trabajando en ella seis días antes de morir. Esta fue encontrada en su estudio después de su muerte e inventariada como la estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar. Desde un punto ideológico la escultura se ha relacionado con el momento de la cultura reformista que rodeaba a Vittoria Colonna y donde participaba el escultor.

Escultura

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Rapto de las Sabinas. Giambologna Se trata de un grupo escultórico de mármol, realizado por el escultor Giovanni de Bologna, El Rapto de las Sabinas crea un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica, en concreto se basa en la típica composición manierista, denominada con la palabra italiana serpentinata, ya que los cuerpos de las figuras parecen seguir una composición curva ondulante, igual que el movimiento que hacen las serpientes. Este tipo de planteamiento hace que la escultura posea diferentes puntos de vista para el espectador, y si bien es el punto de vista frontal y los dos perfiles las formas ideales para mirar la figura, en realidad es interesante observarla desde cualquiera de los 360 grados de su entorno, basta ver que no se trata de una composición cerrada, y parece que las esculturas van a huir y nos indican un punto de fuga para la escena, gracias al brazo izquierdo en alto de la muchacha raptada, que nos indica un movimiento ascendente. Para conseguir el movimiento en remolino de las figuras, el autor hace que un material tan duro como el mármol parezca sumamente dúctil y flexible, de manera que los cuerpos de los protagonistas se torsionan sobre sus propios ejes, a veces con movimientos contradictorios, y haciendo que se imbriquen los troncos y los miembros de unos personajes con otros. De esta manera, el ojo del espectador va siguiendo este movimiento continuo, como si fuera una espiral, hasta que por fin sin darnos cuenta hemos dado la vuelta (una al menos) a toda la escultura.

Escultura

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Perseo con la cabeza de medusa Benvenuto Cellini Perseo con la cabeza de Medusa, donde empieza las esculturas aparecen alargadas y contorsionadas dando origen al término, manierismo. Cellini refleja el momento preciso de la decapitación sangrante de la medusa, cuyo cuerpo pisotea, la escultura presenta un suave dinamismo reflejado en el ligero contrapposto de la pierna, y se caracterizan por esa emoción contenida en el rostro enaltecido por el fruncimiento de las cejas. Cellini llena de patetismo y horror la escena, a través del rostro sangrante del monstruo sostenido con la mano izquierda. El momento se intensifica, pues el héroe todavía no ha soltado la espada con la que ha decapitado a la Medusa, que con sus ojos petrificaba a todo aquél que la miraba. La sangre que brota a chorros y las serpientes que se retuercen es de un gran realismo. A su vez hay imágenes de máscaras, guirnaldas y cariátides manifiestan el trabajo de orfebrería del artista. Esta parte del conjunto es uno de los logros supremos del manierismo. Entre estas escenas sobresale, en el zócalo, las elegantes figuras alusivas al mito de Perseo: el relieve de la Liberación de Andrómeda, que es, en sí mismo, un logro capital de la estética manierista.

Escultura

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El Palacio Marino: fue proyectado por el arquitecto genovés Galeazzo Alessi, llamado a Milán por el propio Marino, donde participaron muchos escultores de la obra de la catedral, los cuales fueron movilizados para las esculturas del palacio. La construcción del palacio continuó con un estilo representativo en los patios más ricos de toda la cristiandad; en el patio del palacio se representaron las hazañas de Hércules y las metamorfosis de Ovidio. El salón de honor, hoy se llama Salone dell'Alessi, había pintado sobre el techo las Bodas de Eros y Psique en el banquete de los Dioses y había realizado los estucos siempre con historias de Eros y Psique. En los ángulos del techo Aurelio Busso había pintado Las cuatro estaciones. Bajo la cornisa las Musas, Baco, Apolo y Mercurio con frescos de Ottavio Semino, alternados con bajorrelieves con las historias de Perseo. Sobre las entradas se habían colocado los bustos de Marte y Minerva

Arquitectura

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El célebre Palacio del Té: ubicado en Mantua, edificado por Giulio Romano entre 1525 y 1534. El palacio es un edificio de planta cuadrada, con un patio cuadrado en el centro; la entrada principal se resolvió con una logia, donde se repiten arcos de medio punto y serlianas. El frente da a un jardín delimitado, al lado opuesto, por una gran exedra semicircular. Estos elementos parten del código clásico, pero el carácter rústico del edificio, es decir, el orden y almohadillado no están ya en dos pisos distintos, sino que se unen en un solo elemento en las fachadas laterales, lo cual acerca la obra a los cánones de la arquitectura manierista. Además, Giulio Romano aplicó las serlianas también en la profundidad del pórtico, transformando las aperturas bidimensionales en elementos espaciales.

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 El espacio residencial central se erige como el resto de una casa medieval o castillo señorial. Su fachada ofrece cuatro contrastes de columnas jónicas adaptadas del templo de Fortuna Virilis de Roma. Fachada de marcada articulación vertical. Caracterizada por frontones de segmentos triangulares que no se suceden de forma horizontal, sino vertical, estos corresponden a las ventanas del piso superior, los curvos a las de planta baja, Las alas se rematan con palomares, Un orden de cuatro columnas jónicas, la disposición de los elementos arquitectónicos es sencilla y equilibrada, en armonía con el paisaje, los capiteles de las columnas exteriores dan dos caras del edificio, sus ventanas encuadradas por columnas y los Soportales de la villa están rematados por arcos de medio punto en secuencia rítmica. Donde se destaca la utilización de diversas formas creando dinamismo en las construcciones y la ruptura del equilibrio clásico. Chalet Barbaro VILLA BARBARO (15491558), construido para Daniele Barbaro, patriarca de Aquilea

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La Villa Farnesina: es una villa o palacio de Roma que fue construida entre 1505 y 1511 por Baldassarre Peruzzi en el barrio del Trastevere, por encargo del banquero sienés Agostino Chigi. La decoración se llevó a cabo entre 1510 y 1519 y destacan sin duda los frescos que se extienden por fachadas y muros. El mismo Peruzzi realizó algunos de ellos. Otros artistas que participaron fueron Sebastiano del Piombo, Rafael y los discípulos del último. Los frescos ilustran los mitos clásicos y destacan los del vestíbulo principal, llamado Sala de Galatea por mostrar a esta ninfa en una de las obras más célebres de Rafael. Esta sala se completa con las pinturas de astrología de la bóveda que muestran la posición de las estrella en el momento del nacimiento de su primer propietario Chigi. Otra de las estancias más bellas de la villa es el Salone delle prospettive, decorado por Peruzzi y que en los laterales creó una ilusión óptica que nos hace creer estar viendo Roma, tal y como era en el siglo XVI a través de unas columnas de mármol. En el dormitorio principal, los frescos de il Sodoma ilustran los desposorios de Alejandro y Rosana, y cómo ésta es atendida por querubines.

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