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2011

Seminario de LiteraturaProf. Yolanda Ayala

Alumnos

Jabornisky Pilar

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Barroco

El

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Lencinas Gabriela

Orcellet Emilio

Piacenza Florencia

Quintana Fátima

LETRAS 2011

En el presente trabajo se expondrá todo lo investigado acerca de uno de los

movimientos más revolucionarios de la Historia del Arte: el Barroco. Para esto hemos

realizado una ardua investigación, en la cual recurrimos a material bibliográfico como ser

libros, diccionarios, enciclopedias y páginas web; extrajimos la información necesaria y la

condensamos en este informe.

A continuación encontraremos una breve reseña acerca del surgimiento del Barroco y

algunas de sus características más representativas. Seguidamente de describirán todas las

artes que fueron afectadas y los cambios introducidos por este movimiento que, como

veremos más adelante, repercute exclusivamente en el ámbito artístico. Por último

quisiéramos agregar que se realizará un análisis más profundo en lo que respecta al campo de

la Literatura en el Barroco.

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BarrocoEL ARTE DE LA CONTRAREFORMA

A fines del Renacimiento, por el siglo XVI, surge una corriente manierista, que fue, ante

todo, un fenómeno de una época turbulenta que surgió con los primeros brotes de la crisis

religiosa europea, cuando los sueños de la universalidad cristiana comenzaron a

resquebrajarse ante el avance de la Reforma de la Iglesia Luterana. No obstante, la Iglesia

tomó conciencia de su situación, y entonces promovió la Contrarreforma: movimiento que

encontró en el arte el mejor medio para la divulgación de su doctrina e ideales, nuevos y

purificados. Estos fueron expresados, primeramente, en el arte manierista, y alcanzaron su

madurez durante el Barroco. Se considera al Manierismo entonces como un movimiento de

transición. Hacia finales de éste se privilegió la monumentalidad de la figura humana, la que se

observa en esculturas de gran volumen. De esta representación del hombre se sirvió la Iglesia

para defender su fe y sus ideales. En el siglo XVII, entre el Renacimiento y el Neoclásico, nace

un arte grandioso, que buscaba deslumbrar y convencer: el arte Barroco.

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El término etimológico <<Barroco>> se encuentra sujeto a controversias: Algunos

tratadistas dan un sentido despectivo a la palabra y opinan que deriva de la voz latina

<<verruca>> que significa verruga; otros consideran que su origen es el termino <<baros>>

que significa peso, en alusión a lo recargado del estilo; y otros, en fin, defendiendo la

interpretación que parece más verosímil, se refieren al antiguo vocablo portugués

<<barroco>>, con el que se designaba las perlas de forma irregular y gran tamaño, muy

empleadas en orfebrería en los siglos XV y XVI.

El rasgo que suele definir, en forma más acertada, al movimiento Barroco, es la lucha

de contrarios: la oposición de elementos genera una tensión en la obra que la aleja totalmente

de la armonía y del equilibrio renacentista. No es casual que el juego de opuestos constituya

un rasgo casi definitorio, pues refleja las inquietudes existenciales por las que atravesaba el

hombre del siglo XVII. Los contrastes más utilizados en las obras son: vida-muerte; humano-

divino; sueño-realidad; ilusión-desengaño; luz-sombra (en términos pictóricos); verdad-

mentira; eternidad-temporalidad.

El Barroco es también el arte de lo artificial, pues coloca las ideas del arte por encima

de la naturaleza que trata de embellecer, contrariamente a la simple imitación renacentista.

Este efecto se logra por medio de la estilización, gracias al uso de recursos, como el

hipérbaton, las metáforas, el color, las luces y la abundancia de figuras mitológicas.

No obstante, así como, por un lado, se embellece la naturaleza; por otro, el arte

representa también lo feo y lo grotesco (introducidos ya con el Manierismo), aspectos

relacionados con la visión realista de la vida, en la que conviven lo bello y lo monstruoso.

En este estilo, en el que la pureza clásica renacentista se vio desplazada por la

complejidad, la tensión de las formas y el dinamismo de las composiciones, no existió una

ruptura repentina si no una paulatina y dificultosa transformación de los ideales estéticos,

que no se desarrollaron de forma simultánea en todo el ámbito europeo.

Los críticos neoclásicos utilizaron el término barroco como sinónimo de extravagante

y absurdo; no obstante, a finales del siglo XIX se aceptó la denominación de barroco para

definir el gran período artístico que sucedió al Renacimiento, y que se extendió

aproximadamente hasta 1750. Esta apreciación del Barroco como ámbito estilístico general,

se debe a estudiosos del arte que vivieron en los últimos siglos, entre los que cabe mencionar

al alemán Heinrich Wölfflin y al español Eugenio d’ Ors. Estos tratadistas, entre otros,

exaltaron la magnificencia de la amplitud de líneas y de la complejidad de formas

características del Barroco. Por consiguiente, lo que hasta entonces se había considerado

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como “extravagante y decadente” pasó a convertirse en objeto de admiración: La crítica de

arte se mostró fascinada por la disolución de las formas lineales y la profundidad espacial que

caracterizó a las artes visuales.

Al principio, el término Barroco no se utilizó más que para las artes pláticas; es en los

años 1920 cuando se empieza a hablar del Barroco en la literatura y en la música, aunque su

período de influencia se ubica en el siglo XVII, dando la idea de que el movimiento no sólo

afecto a la forma y a la plástica, sino también a las formas literarias y musicales.

A continuación haremos mención de todas las artes en las que influyó el movimiento

Barroco y explicaremos cuáles fueron sus cambios e innovaciones más notables.

LA ARQUITECTURA BARROCA

La arquitectura barroca se caracteriza por sus contornos curvos, entrantes y salientes,

líneas cóncavas y convexas, de planos quebrados y abundantes que producen una sensación

de movimientos y una ostentosa decoración.

Este estilo fue tomado por Italia, España, Alemania e Inglaterra; y en América por

Estados Unidos, México, y parte de Perú y Ecuador. En cada lugar se tomaba este estilo con

algunas adaptaciones que buscaban originalidad. Se le daba mucha importancia a la bóveda,

como a las torres, muros y columnas; los materiales que se empleaban eran maderas, distintos

tipos de piedras y mármol.

Las construcciones más sobresalientes eran las de Palacios y de Iglesias, esta última

con más predominancia, con razón de ser la expresión estética de la Contrareforma.

En Europa, donde fue mayor el desarrollo de este movimiento, se encuentran estos

rasgos de la arquitectura y sus representantes. En Italia, el máximo exponente fue Francesco

Borromini, con el edificio de San Carlos de las Cuatro Fuentes. En Francia, con Jaques le Mecier

y su obra la Iglesia de la Sorbona, de Paris, y el Palacio de Louvre, de Claude Perrault.

En España, que no solo significaba decorar las fachadas de los edificios sino que

también se cubría el interior con un ornamento abundante. Sus exponentes fueron Alonso

Cano, con la fachada de la Catedral de Granada, y también José Benito de Churriguera, autor

del Retablo de San Esteban.

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Ya refiriéndonos al Barroco Americano, donde más se distingue el estilo es en México,

Perú y Ecuador. Se caracterizaban por el perfil alargado de las fachadas, flanqueadas por dos

grandes torres y dándole mayor importancia a la cúpula. En México, se encuentra la Capilla del

Sagrario en la Catedral y la Iglesia de la Santísima Trinidad, obras del arquitecto Lorenzo

Rodríguez. En Perú, los conventos de San Francisco, de Santo Domingo y de La Merced son los

ejemplos de esta arquitectura; y en Ecuador los conventos de San Francisco, San Agustín y de

La Merced. Después de éste, se conoce otro estilo que es una forma de Barroco extremo, el

Rococó.

La Basílica de San Pedro es la principal Iglesia Pontificia, al celebrarse en ella la mayoría de

las ceremonias papales, debido a su tamaño, a su proximidad a la residencia papal, y a su

ubicación dentro de la Ciudad del Vaticano.

El primer proyecto de este impresionante monumento lo presentó Bramante: consistía en un

edificio con planta de cruz griega inscrita1 en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la

central de mayor tamaño, y apoyada en cuatro grandes pilares.  Después de la muerte de éste,

en el año 1514, Rafael, Sangallo y Peruzzi prosiguieron los trabajos. En 1547, el papa Pablo III

encargó la continuación de

la obra a un Miguel Ángel

que contaba ya con 72 años

de edad y que siguió el

diseño original del primer

arquitecto. Bajo la dirección

de Miguel Ángel se alzaron

los muros del ábside2, de

una imponente

monumentalidad.

No obstante, la más

importante aportación del

genio fue la gran cúpula que

se encuentra justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición indica que se localiza la

1 Ángulo inscrito: Figura geométrica formada en una superficie por dos líneas que parten de un mismo punto; o también la formada en el espacio por dos superficies que parten de una misma línea.2 Parte del templo, abovedada y comúnmente semicircular, que sobresale en la fachada posterior, y donde se instalaban el altar y el presbiterio.

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tumba del apóstol San Pedro. Es una estructura que, a pesar de su peso, parece flotar en el

aire. En el friso interior de la cúpula se puede leer un fragmento extraído del evangelio según

San Mateo: "Tu cs Petrus et super hanc petram aedifica ecclesiam meam et tibi dabo claves

regnicaelorums" (Tú eres Pedro, y sobre esta piedra yo edificaré mi Iglesia y te daré las llaves

del Reino de los Cielos).

En la tradición católica, la basílica es el lugar de enterramiento de San Pedro, que fue

uno de los doce apóstoles de Jesús de Nazaret; once de éstos (exceptuando a Judas Iscariote),

se ven recreados por el artista Gian Lorenzo Bernini, encima de la fachada de la basílica, y en

el centro, Cristo.  Bernini fue también el responsable de acometer los diseños y planos para las

torres campanario que debían completar la fachada dejada por Carlo Maderno, quien dio por

concluida la obra en 1626.

LA ESCULTURA BARROCA

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre

todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades: en plazas, jardines o fuentes, en

imágenes religiosas y en la llamada imaginería3 con la que se esperaba despertar la fe del

pueblo.

Como características principales, la escultura del Barroco se destaca por la ruptura de

los cánones clásicos del Renacimiento así como también por la predominación de los temas

religiosos, la tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta

en todos sus aspectos (tanto en los más sublimes como los más vulgares: los rostros sufren, se

esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir; los músculos se encuentran en

tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman

un estado de ánimo) y la representación del desnudo en su estado puro, como una acción

congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las

diagonales, los cuerpos sesgados4 y oblicuos, la técnica del escorzo5 y los contornos difusos e

intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.

Otro de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que durante su

apogeo las artes plásticas lograron una integración total: la arquitectura es monumental, con

3 Talla o pintura de imágenes sagradas.4 Desviado, tendencioso.5 Restregar contra algún objeto duro.

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fachadas pletóricas6 de mármoles y estucos7, caracterizadas por la proyección tridimensional

de planos cóncavos y convexos, que sirvieron de marco teatral ideal a las apoteósicas pinturas

y a las dramáticas esculturas de mármol blanco que decoraban sus exteriores e interiores,

llegando a ser excesiva la decoración. Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los

famosos pasos de Semana Santa, y eran realizados con madera o mármol preferentemente.

Al igual que en el ámbito arquitectónico, el impulso inicial de la escultura

correspondió a los artistas italianos, entre los que destacó de sobremanera la figura de

Bernini Gian Lorenzo, quien se caracterizó por marcar profundamente el espíritu de Italia y

por ser un gran iniciador del Barroco. De naturaleza devota y sensual a la vez, el autor

aspiraba a difundir la fe católica y penetrar en el mundo espiritual por medio de unos

elementos humanos perceptibles.

Muestra de su majestuosa concepción del arte y de su gran pericia técnica fue el grupo

escultórico del <<Éxtasis de Santa Teresa>>, obra más importante del autor, que representa el

instante en el que la Santa entra en comunicación con Dios y se desvanece de felicidad.

Ésta escultura muestra características propias

del movimiento: los gestos extremos en las expresiones

faciales, la utilización de diferentes mármoles, los

pliegues y ondulación de las telas y el movimiento del

cuerpo con frecuentes contorsiones dan una sensación

de realidad. Es una típica <<representación

naturalista>> que simboliza una sensación de realidad

a través de los detalles. Ésta escultura se conserva en la

capilla Carnero de Santa María della Vittoria en Roma,

considerada casi unánimemente la obra maestra de

éste gran artífice del Barroco.

6 Gran abundancia de algo.7 Masa de yeso blanco y agua de cola con la cual se hacen y preparan muchos objetos que después se decoran o pintan// Pasta de

cal apagada y mármol pulverizado, con que se da llana a las alcobas y otras habitaciones, que se barnizan después con aguarrás y cera.

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Otra de las obras famosas de Bernini es <<Apolo y Dafne>>, realizada entre los años

1622 y 1625. Se trata de una estatua a tamaño real de

mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.

Bernini captura la transformación de Dafne con

intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus

cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el

Rapto de Proserpina, esta obra nos pide que

interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo,

la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el

árbol en que se transforma, de modo que girando

alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo

de la metamorfosis de la ninfa. La contraposición de los

elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe

Bernini.

Otros nombres notables fueron también los del italiano Alessandro Algardi, el alemán

Andrea Schlüter y los franceses Francois Girardon y Antoine Coysevox, que se encargaron de

la decoración con fuentes y estatuas de los jardines de Versalles, en un estilo acorde a la

delicada brillantez cortesana del clasicismo del su país.

En España, la escultura barroca se expresó con gran originalidad a través de los

abigarrados retablos que decoraban fastuosamente los altares mayores y las capillas y, en

especial, por medio de la obra de los imagineros. Estos artistas se dedicaban a la escultura

<<pasos>>, conjuntos de tamaño natural realizados en madera policromada y los que

representaban escenas de la pasión de Cristo o de las vidas de los santos y que se convertían

en objeto de culto y admiración durante los desfiles procesionales.

El naturalismo exacerbado constituía la característica fundamental de estas

composiciones, en cuya realización destacaron, entre otros, Gregorio Fernández, Francisco

Salzillo y Juan Martín Montañés. La concepción escultórica de este último se transmitió por

medio de sus discípulos a Iberoamérica, donde la imaginería alcanzó notable auge, gracias

sobre todo al Brasileño Aleijandinho.

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LA MÚSICA BARROCA

Como ya se mencionó anteriormente, el término <<barroco>> proviene del portugués

y significa perla irregular y deforme. Este fue empleado por el siglo XVII y hasta el siglo XIX

para describir de manera peyorativa las formas artísticas demasiado cargadas. Hoy en día ya

no es así; aunque se sigue utilizando cuando se considera que algo es excesivamente complejo

o recargado.

El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y

descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. Durante

este tiempo se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar al exceso. La

música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo.

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la

música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente

el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal.

Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del

Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares, sino que se destaca la

voz superior reduciéndose la escritura de las demás al llamado bajo continuo; esta textura se

llama monodía acompañada.

A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven

armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética

lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de

ornamentos y recursos expresivos. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas

melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía, dando de esta manera

más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien

formada y acompañada por acordes (bajo continuo), para que fuera "entendible" el texto. Esto

fue debido, en gran parte, a la corriente humanista, donde ahora la música seguiría al texto ya

que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia

de una sola voz con acompañamientos que no la opacaban. El bajo continuo fue, junto con la

tonalidad, una de las formas más innovadoras y revolucionarias para la época y para la

historia de la música.

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música

académica, tiene un auge sin precedentes es los siglos XVII y mediados del XVIII; por primera

vez en la historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. Sin embargo, en los

géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y géneros

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vocales. Como ya mencionamos, en esta época los géneros instrumentales alcanzan su

madurez y se crean formas como la sonata, el concierto grosso y solista y finalmente la suite, de

gran trascendencia posterior.

En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se crean tres

importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: El Motete, la Cantata y

la Ópera, siendo ésta última el género vocal nuevo más importante del Barroco.

Los géneros vocales

o El motete. El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La

denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a

varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto.

o La cantata. Obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativas,

arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de cámara, como la muy

conocida Cantata del café de Bach.

o La ópera. Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro

griego. Les interesaba sobre todo la antigua monodía helénica con acompañamiento

de khitara.  Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri,

cuyo tema fue tomado de Las metamorfosis de Ovidio.

Los géneros instrumentales

o La sonata. Obra instrumental de cámara escrita para uno o dos instrumentos

melódicos (violín, flauta travesera, oboe y a mediados del siglo XVIII la palabra

designa también obras para tecla) y bajo continuo. Entre los más célebres autores de

sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.

o La suite. Conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. La suite

habitualmente tenía seis partes: Allemande, Courante, Sarabanda, Giga, Minué, Rondó.

La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente

rica, uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.

o El concerto grosso. Consta de tres movimientos, alternándose los rápidos con los

lentos, como sucede en la sonata.

o El concerto solista. Parecido al concerto grosso pero aquí solo hay un instrumento

solista, lo cual permite un mas alto grado de virtuosismo.

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Durante el Barroco se crearon una gran cantidad

de instrumentos musicales. Algunos medievales o

renacentistas que fueron mejorados o suplantados, como

el Rabel (Instrumento Medieval, muy utilizado durante el

renacimiento, suplantado por el Violín). También se

hicieron cambios y mejoras en instrumentos como las

flautas, oboes y laúdes.

Sin duda alguna, el instrumento principal durante

el Barroco fue el Clave (Clavecín en Francés, Clavicémbalo

en Italiano, Harpsichord en Inglés). Es un instrumento de cuerda que se lo ejecuta a través de

un Teclado. Se lo considera uno de los antepasados del Piano.

El Clave fue el instrumento más utilizado durante el Renacimiento y el Barroco. Se lo

usaba para acompañar voces o instrumentos, eran el soporte armónico de toda melodía. Así

Jean Phillipe Rameau, Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach entre otros músicos

compusieron centenas de obras dedicadas al Clave. El sonido cristalino de este instrumento

fue rápidamente desatendido con la aparición del Piano en el Clasicismo. Sin embargo,

muchos compositores Clásicos como Hydn y Mozart escribieron obras para el Clave.

La Viola da Gamba y su familia fue muy popular

en el Barroco, suplantadas hoy por la familia actual

de cuerdas (Violín, Viola, Violonchelo y Contrabajo).

Los italianos ya la habrían abandonado a principios

del Barroco por el Violonchelo, perduró muchas

décadas más en Francia y Alemania.

El Laúd fue otro instrumento

trascendente del Barroco. Uno de los preferidos del Italiano Antonio Vivaldi, que

escribió obras y conciertos solistas para el instrumento aunque era más bien un

soporte armónico, tenía la función similar a la del Clave en las orquestas. Sus

orígenes vienen desde el Medioevo, fue muy popular durante el Renacimiento y

principios del Barroco. Sufrió muchas modificaciones y cayó en desuso a finales

del Barroco.

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En esta época, el compositor y/o músico no es considerado un artista como más

adelante se le vería, sino que su imagen yace al nivel de un

artesano o siervo. Este no gozaba de tanta libertad creativa, sino

que su obra estaba adherida a la necesidad de satisfacer a un

noble o mecenas. Ya para finales del Barroco, la producción

musical comienza a innovarse y a proponer nuevas formas.

Algunos de los compositores más sobresalientes de la época

fueron Claudio Monteverdi, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti

y Antonio Vivaldi en Italia; Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian

Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania;  Henry Purcell y  Georg Friedrich Händel  en

Inglaterra; Jean-Philippe Rameau en Francia; Gaspar Sanz, y Antonio de Literes, en España.

LA PINTURA BARROCA

La existencia de importante arte barroco en países no absolutistas y protestantes por

toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. La pintura adquirió un papel

prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más

característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países

protestantes.

El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes

luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento

anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más

dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante

el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat;

el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte

barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que

había sido apreciada durante el Renacimiento.

La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos

del claroscuro8. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo

teatral y lo efectista.9 El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma

pictórica.

8 Distribución muy acusada de la luz y de las sombras en un cuadro.9 Que busca ante todo producir fuerte efecto o impresión en el ánimo.

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El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y

volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las

líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la

pintura barroca, ésta dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la

atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la

perfección gracias a muchos pintores del Barroco.

Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se

adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras

que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las

composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran

el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia

frente a la unidad de la escena.

Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en

la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un

gran realismo en la representación.

La pintura en Italia trata de romper con las formas del Manierismo, ya mal vistas. Los

encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el

otro lado los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).

El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida

cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar

intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es,

sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaron el Caravaggismo.

Por otra parte, los Carracci forman el llamado Clasicismo. Los temas a plasmar son

inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI,

como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se

pintan frescos en techos.

En Francia la pintura es clasicista y se usa para decorar palacios con un estilo sobrio y

equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos. Su autor más destacado

es Nicolás Poussin, quien estuvo claramente influenciado por las corrientes italianas, tras su

visita a Roma. Buscó la inspiración en las culturas grecorromanas. Otros artistas

fueron Georges de La Tour y Philippe de Champaigne. No obstante, el barroco en Francia fue

algo más que una influencia, transformándose después en el rococó.

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En España, el barroco supone el momento culminante de la actividad pictórica,

destacando sobre un magnífico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Diego

Velázquez, Ribera, Bartolomé y Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán. El período fue

conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que

trabajaron a pesar de la crisis económica que sufría el país. Las principales escuelas del arte

barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia. El realismo de las obras se usará para

transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el Barroco fue un arma para la iglesia.

Caravaggio, maestro del claroscuro.

Su arte refleja la personalidad atormentada del pintor. Este joven de origen modesto,

un tanto huraño, pasó la mitad de su vida pintando, y la otra en prisión o huyendo, perseguido

por bandidos de grupos adversarios. De hecho, casi todas sus pinturas muestran escenas

violentas, sanguinarias, con entornos sucios y desagradables, pero donde una intensa luz

rompe la oscuridad e ilumina de golpe las formas. Este estilo se denominó Claroscuro.

El público de Roma se sintió atraído y turbado por sus obras. Con su franqueza y sus

ambientes miserables, fue capaz de llamar la atención de las personas. Por lo mismo, el artista

recibió numerosos encargos de los sectores religiosos. Después de su muerte en 1610, la el

“caravaggismo” y la pintura en claroscuro se expandió rápidamente a España, Francia, así

como a Europa del Norte.

Medusa, 1597. Florencia (Italia). <La cabeza de Medusa> es un cuadro de Caravaggio,

de 1597. Es una tela transportada sobre tabla en forma

de tondo10. Recrea la figura de Medusa, bestia mitológica

transformada en escoria por ofender a la

divinidad Atenea. Para la época del pintor, su rostro era

utilizado como escudo en las peleas de aquellos

tiempos. Caravaggio no le dio este uso, sino que entregó

la obra a uno de sus

clientes. El cuadro

muestra a una cabeza

de mujer con los pelos erizados, sangre brotando del cuello.

10 Adorno circular rehundido en un toldo.

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Petrus Paulus Rubens. Las pinturas de Petrus

Paulus Rubens (1577-1640) se basan en una

impresión de vértigo. Éste fue un pintor barroco de

la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatizaba

el movimiento, el color y la sensualidad.

<<El descenso de la Cruz>>, 1612. Óleo

sobre tela. Catedral de Amberes (Bélgica). En esta

pintura Rubens expresa la fuerza de la fe cristiana

con un simple torbellino de vivos colores que

elevan al cielo.

El cuadro refleja el momento en el que Cristo fue bajado de la Cruz, ya muerto. Se

puede apreciar la utilización de recursos como ser los pliegues en las ropas de los personajes,

queriendo trasmitir sensación de movimiento; también vemos la representación de lo

denominado “naturaleza muerta”, a través de objetos inanimados, como ser la escalera por la

cual algunos de los personajes suben para bajar al Mesías. Los colores son intensos y las

expresiones en los rostros expresan el sufrimiento con crudo realismo.

Diego Velázquez. Considerado como uno de los máximos exponentes de la pintura española y

maestro de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un

estilo naturalista de iluminación tenebrista11, por influencia de Caravaggio y sus seguidores.

Las Meninas, como se conoce el cuadro desde el siglo XIX, o La familia de Felipe IV,

según se describe en el inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del Siglo

de Oro Español.

El autor atribuye el nombre de la obra a causa de que dos damitas acompañan a la

Infanta; llamadas “meninas”.

La palabra menina es de origen portugués. Llamaban así a las hijas de personajes de la

nobleza que entraban en Palacio como doncellas de honor de las Infantas y las acompañaban

11 Tenebrismo: Tendencia pictórica que opone con fuerte contraste de luz y sombra, haciendo que las partes iluminadas

destaquen violentamente sobre las que no lo están.

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en su séquito a todas horas.

El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer

plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros

personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de éste el propio

Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los

problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran

facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra

cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco

de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los

espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del

rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a

conocer ingeniosamente lo que estaba pintando. Aunque algunos historiadores han

interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o,

según otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta

Margarita y sus acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.

Las figuras de primer término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con

pequeños toques de luz. La falta de definición aumenta hacia el fondo, siendo la ejecución más

somera hasta dejar las figuras en penumbra. Esta misma técnica se emplea para crear la

atmósfera nebulosa de la parte alta del cuadro, que habitualmente ha sido destacada como la

parte más lograda de la composición. El espacio arquitectónico es más complejo que en otros

cuadros del pintor, siendo el único donde aparece el techo de la habitación. La profundidad

del ambiente está acentuada por la alternancia de las jambas12 de las ventanas y los marcos de

los cuadros colgados en la pared derecha; así como la secuencia en perspectiva de los ganchos

de araña del techo. Este escenario en penumbra resalta el grupo fuertemente iluminado de la

infanta.

EL TEATRO BARROCO

Entre las características del Barroco se encuentra la teatralidad, y es

precisamente, el teatro, el género más popular de esa época. Estaba destinado para

12 Cada una de las dos piezas labradas que, puestas verticalmente en los dos lados de las puertas o ventanas, sostienen el dintel o el arco de ellas.

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todos los estratos sociales, con el fin de que estos disfruten de un gran espectáculo

que incluía actos previos e intermedios con música, canciones y farsas.

Las obras se escribían para ser representadas y recién se imprimían cuando

habían llegado a su cumbre sobre el escenario. Las más representadas eran las

comedias que, según los autores de esa época, eran obras teatrales en las que se

mezclaba lo trágico con lo cómico. Las temáticas más tratadas eran:

α El honor, como sentimiento muy arraigado en la sociedad española del

siglo XVII. Cuando este quedaba manchado por una ofensa, debía ser

lavado incluso con la sangre. Este honor no era sólo patrimonio de la

nobleza, sino que también los villanos luchaban por mantenerlo intacto.

α La religión, tema muy tratado por los dramaturgos barrocos. Se

cuestionan temas teológicos, siendo el más frecuente el de la Eucaristía,

que dio origen a los Autos Sacramentales. Son obras de un solo acto en

verso, con personajes alegóricos como el vicio, la mentira, el pecado.

α La tradición nacional es otro de los temas llevados a escena: canciones

populares que sirven de inspiración para crear comedias; temas de

historia de España.

α Asuntos caballerescos, pastoriles y mitológicos.

Los personajes tipos eran: El Galán y la Dama, siendo el primero un hombre

apuesto y valeroso, portador de valores nobles como la valentía, hidalguía, audacia; y

la segunda de una singular belleza, noble y con altos sentimientos amorosos; el

Gracioso y la Criada, siendo el primero criado del Galán, consejero de su amo y amante

del buen comer; el Poderoso, el Rey o los Nobles de la más alta jerarquía y el Viejo,

función paterna, prudente y grave.

Dicho movimiento vivió en general una época de esplendor en los principales

países de Europa. Shakespeare y Marlowe compiten por el favor del público en

Inglaterra. Racine y Moliére lo hacen en Francia, mientras Lope de Vega y Calderón de

la Barca hacen lo propio en España. Esta última desarrolla un espacio particular para

la representación teatral, llamado “corrales”, los cuales se caracterizaban por ser

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teatros armados en los patios entre edificios vecinos; las funciones se hacían de día,

porque no contaban con luz artificial para iluminar todo el corral.

Dado el carácter masivo del público, el poeta se veía obligado a escribir para

contentar a todas las clases sociales. Tenía que mantener a todos atentos y a gusto,

pues un público aburrido o disgustado podía arruinar la representación. También se

representaba en los palacios reales o de los nobles importantes. Aquí el público era

más homogéneo, formado exclusivamente por reyes, nobles y cortesanos, a causa de

ello, la representación solía ser más suntuosa.

Como mencionamos anteriormente, Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca

fueron dos dramaturgos, que vivieron durante el Siglo de Oro Español, y se destacaron

por la innovación de sus ideas y la peculiaridad de sus obras.

Lope de Vega sentó las bases y pautas del teatro clásico español con el ejemplo

de sus numerosas obras y con el Arte nuevo de hacer comedias en ese tiempo. En sus

obras dramáticas refleja los anhelos, los problemas y los ideales de las gentes de su

pueblo.

Algunas de sus principales reformas fueron:

α Dejar de lado a los preceptistas y seguir el gusto del público. El teatro

debía acomodarse a los tiempos que corren, tanto en su temática como

en su forma, buscando siempre inmovilizar al espectador.

α Mezclar lo trágico con lo cómico, imitando la variedad de la naturaleza.

De esta manera, los personajes de estilo alto pueden convivir con los de

estilo bajo, pero siempre se debe mantener el lenguaje apropiado para

cada uno.

α Impuso el verso como la norma para el teatro, con variedad de formas

métricas y estróficas.

α Dividió la obra en tres actos, en lugar de los cinco clásicos.

α Ruptura de unidad de espacio y tiempo.

Entre sus producciones más importantes se reconocen como obras maestras, si bien

en toda obra de Lope siempre hay alguna escena que delata su genialidad, entre las

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que se encuentran: Fuenteovejuna (1612-1614), La dama boba(1613), Amar sin saber a

quién (1620-1622), El mejor alcalde, el rey (1620-1623), El caballero de Olmedo (1620-

1625), El castigo sin venganza (1631) y Peribáñez y el comendador de Ocaña (1610).

Esta última es una es una tragicomedia desarrollada en 1406, en Toledo: Peribáñez

comprende que el Comendador de Ocaña le ha colmado de honores para acosar a su

mujer. Tras matarlo gana el perdón real.

Calderón de la Barca, considerado como el padre de los autos sacramentales13,

adopta todas las innovaciones de Lope de Vega, estilizando su realismo costumbrista14

y volviéndolo más cortesano. En ellas aparece una rica galería de personajes

representativos de su tiempo y de su condición social, todos los cuales tienen en

común los tres temas del teatro barroco español: el amor, la religión y el honor.

Es muy importante en su técnica teatral el desarrollo que adquiere la

escenografía. El lenguaje se complica y enriquece con elementos culteranos. El

resultado es un teatro puramente barroco.

Entre sus obras capitales se destacan: La vida es sueño; El médico de su honra;

La devoción de la cruz y El mágico prodigioso, entre muchas otras.

La vida es sueño (1635), es un drama filosófico que presenta a Segismundo, hijo

del rey de Polonia, encadenado en una torre, por los fatídicos pronósticos de los

astrólogos reales. Mientras, Rosaura reclama en la Corte su honor robado por el duque

Astolfo. Éste corteja a Estrella para ser rey. La agresividad de Segismundo estalla al

liberarlo de su torre, adonde vuelve, encadenado, creyendo haber soñado su

experiencia de libertad. Cuando un motín lo rescata otra vez, su albedrío vence las

predicciones: domina su condición, casa a Rosaura con Astolfo y acepta la mano de

Estrella. El orden queda establecido. De esta manera queda

vencido el destino y se proclama el triunfo de la libertad

que permite al hombre elegir entre el bien y el mal.

13 Un auto sacramental es una pieza teatral religiosa alegórica de uno o varios actos y de tema preferentemente eucarístico. 14 En las obras literarias y pictóricas, el costumbrismo consiste en la atención que se presta al retrato de las costumbres típicas

de un país o región.

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El tema de la vida como un sueño, por su parte, tiene en esta obra un sentido

profundamente religioso con la mira puesta en la trascendencia. La idea que se maneja aquí

supone que la vida puede considerarse un sueño, porque es sólo el camino hacia otra vida

“más verdadera”.

LA LITERATURA BARROCA

Debido a la crisis sufrida durante este período, el hombre adopta una actitud

escéptica, desconfiada y pesimista. Se tiene una visión muy negativa del mundo. La realidad de

las artes o la literatura es muy complicada. Está recargada, llena de contrastes, de

contradicciones y de dinamismo. El hombre barroco ve el mundo como un lugar caótico y está

obsesionado con la brevedad de la vida y con el paso del tiempo; piensa que vivir es “un ir

muriendo cada día”.

En la literatura, para expresar el distanciamiento de la realidad se recurre a la

exageración y a la decoración. Con esto se pretende distorsionar la realidad para marcar los

contrastes, es decir, las cosas no se describen como son, sino como se ven a través de los ojos

del escritor. Éste último busca la originalidad para provocar en el público la admiración y la

sorpresa, y no se someten a ningún modelo ni a ninguna regla (a diferencia de los autores

renacentistas). La lengua literaria del siglo XVII se destaca por la complicación en la forma o el

contenido para que resulte difícil de entender. La dificultad formal es sinónimo de belleza

artística, se trata de una creación de reflexión intelectual y no de emoción natural.

La Literatura del siglo XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el Barroco

del XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas

características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente: Eufuismo le

llaman los poetas ingleses, Preciosismo en Francia y Marinismo en Italia.

Durante el Barroco existieron diversas escuelas en los distintos países de Europa; las

más importantes fueron el Culteranismo15 y el Conceptismo16. El primero surgió con Luis de

Góngora, con una tendencia por un arte poético refinado, rico en imágenes, metáforas,

cultismos y alusiones mitológicas. El Conceptismo surgió en la misma época con Francisco de

15 Estilo literario desarrollado en España, desde finales del siglo XVI y a lo largo del siglo XVII; caracterizado, entre otros, por la riqueza abusiva de metáforas sorprendentes, el uso exagerado de cultismos y la complejidad sintáctica.16 Corriente de la literatura española del Barroco que se basa en la asociación ingeniosa entre palabras e ideas. 

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Quevedo y Villegas, con la tendencia a una utilización de conceptos más profundos,

alambicados17 y oscuridad en la prosa.

Durante esta época en las distintas artes se buscan otros enfoques y otros recursos

(complicación, dificultad, exageración) para expresar los mismos temas del Renacimiento.

Abundan los temas morales y religiosos (la fugacidad de las cosas y de la vida, la muerte)

debido al desengaño que siente el hombre. Son frecuentes, también, los temas filosóficos,

doctrinales y políticos (la naturaleza humana, el honor, entre otros).

Entre los géneros literarios que sufrieron cambios durante el Barroco, se destacaron:

la poesía, la prosa y el teatro. Éste último fue anteriormente descripto, por lo cual nos

concentraremos en los dos primeros.

POESÍA BARROCA

El interés principal de la poesía del Barroco es maravillar al lector: causarle asombro y

sorpresa es tan importante como deleitarlo. Entre las maneras de lograr ese objetivo, ocupa

un lugar importante la distorsión de los postulados y las formas de la tradición poética

anterior, mediante la introducción de rasgos novedosos que transmiten los nuevos valores o

preocupaciones del hombre barroco, o mediante la parodia de los modelos anteriores.

La complejidad en la forma y en la expresión caracteriza esta poesía y ella consiste en

aludir indirectamente a aquello que se quiera representar mediante complicados juegos

verbales y significados figurados. La base del artificio literario barroco es la búsqueda de

relaciones ingeniosas entre realidades distantes. Este recurso se llama “agudeza conceptista”.

Los poetas barrocos por excelencia son: Félix Lope de Vega y Carpio, Luis de Góngora y

Argote, y Francisco de Quevedo y Villegas.

Lope de Vega se caracterizó por convertir los hechos más cotidianos en arte. Su poesía

estaba teñida de vitalidad y de sensibilidad. Lope no dejo nunca de fictivizar su vida y de

hacerla pública por medio de su obra, usando distintas máscaras para sí y para las numerosas

mujeres que jalonaron su biografía amorosa. Esto se produjo en textos profundamente

afectivos y personales (algo muy contrario a la sobriedad e idealización renacentistas).

Frente a la claridad, y a pesar de las diferencias que los separaban, Góngora y Quevedo

consideraban que la lectura de poesía debía implicar un cierto esfuerzo y trabajo, tenía una

idea elitista; en efecto, según estos escritores, la poesía no era para todos, sino solo para

17 Complicado, rebuscado.

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quienes realmente estuvieron capacitados para entenderla. En ellos se observa una verdadera

voluntad de crear una lengua poética que fuera sustancialmente diferente del lenguaje común.

Las innovaciones iniciadas por Góngora a partir de 1613 con sus grandes poemas, La

fábula del Polifemo y Galatea, y las Soledades produjeron en la época un gran revuelo por el

uso de palabras procedentes del latín (cultismos), la sintaxis extraña que copiaba la latina y

las metáforas de metáforas. Quevedo, gran enemigo de Góngora y de sus seguidores, criticó

junto con otros poetas la oscuridad y complejidad “insustancial” de esa poesía. Porque, si bien

ambos poetas estimaban la dificultad, Góngora la llevaba hasta el extremo en la expresión

(hasta hacerla oscura) y Quevedo, en cambio, prefería ser ingenioso y no oscuro.

Para comprender mejor los poemas de los autores ya nombrados, conviene considerar una

serie de recursos expresivos como ser:

α La metáfora. Consiste en una comparación en la cual la partícula comparativa (como

o cual) está elidid o, directamente, uno de los elementos es sustituido por otro. Así, se

producen los mayores juegos conceptistas. Por ejemplo: “… antes que lo que fue en tu

edad dorada, oro, lilio, clavel, cristal luciente, no solo en plata o vïola troncada se

vuelva, más tú y ello juntamente…”. Éste fragmento pertenece al poema Mientras por

competir por tu cabello de Luis de Góngora. Es una metáfora mediante la cual se

equipara la plata con las canas que trae la vejez.

α El paralelismo. Es la repetición, en dos o más versos sucesivos, de pensamientos o

estructuras equivalentes. Por Ejemplo: “… hacer vos con mi amor que ya no sienta,

que yo haré con mi pluma que no escriba…” Este fragmento pertenece al poema Pase

la mar cuando creyó mi engaño de Lope de Vega.

α La Antítesis. Es la contraposición de dos palabras o frases de significación contraria.

Por Ejemplo “… ir y quedarse, y con quedar partirse…” Este fragmento pertenece al

poema Ir y quedarse y con quedar partirse de Lope de Vega

α La dilogía. Uso de una palabra con dos significados distintos dentro del mismo

enunciado. Por Ejemplo: “… mas debajo del lecho mal cumplido, todo su bulto

esconde. […]” En este caso bulto quiere decir tanto“rostro” como “masa informe”. El

fragmento pertenece a el poema Desnuda a la mujer de la mayor parte ajena que la

compone de Francisco de Quevedo

α La hipérbaton. Es la transposición o el cambio del orden natural de la oración. Por

Ejemplo: “…Hero somos y Leandro…” El orden normal de la frase sería “somos Hero y

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Leandro”. Éste fragmento pertenece al poema Romance de Hero y Leandro de Luis de

Góngora.

PROSA BARROCA

La situación social y política de España durante esta época predispone a los escritores

a imbuirse de lleno en este movimiento: el hambre, la peste, la desigualdad social, los

mendigos, las miserias, los sueños de grandeza, etc. Todos estos temas son llevados a la

literatura; es una situación apropiada para que nazca esa literatura cuyos cimientos están en

la decepción, en el desengaño, en lo poco que valen las grandezas humanas.

Durante el siglo XVII se publican numerosas novelas picarescas, que en una medida u

otra siguen el modelo del Lazarillo de Tormes. Destacan “El Guzmán” de Alfarache, y “El

Buscón” de Francisco de Quevedo. Junto a ellas, la prosa de ficción desarrolla otros géneros,

como la novela corta y los relatos lucianescos18 y costumbristas.

Florece también en esta época la prosa didáctica y moralizante, con obras como “El

Criticón” de Baltasar Gracián, en la que se refleja el tono de desconfianza propio del barroco.

En la literatura, la idea de desorden y desequilibrio propia de las artes plásticas se

presenta mediante el alma de los personajes. Así, don Quijote, por ejemplo, tan pronto es loco

como inmediatamente vuelve a la cordura, y vive en una tensión permanente entre su fantasía

y la realidad que trata de cambiar.

Los personajes de la obra conllevan la unión de contrarios, lo que los hace vacilar al

fluctuar entre una característica de su personalidad y su opuesta: la oposición provoca una

tensión dramática en sus conciencias. Ésta dualidad barroca tan característica podemos

encontrarla claramente encarnada por el personaje que nos inventa Cervantes: don Quijote de

la Mancha.

Éste “claroscuro literario” que se representa en el protagonista se acrecienta en el

tránsito de la primera parte a la segunda. En el Quijote de 1605, el personaje no duda de lo

que perciben sus sentidos y es autosuficiente. En

cambio, el de 1615, no está de acuerdo con lo que ven

sus ojos y empieza a desconfiar de sí mismo. Esta

constante búsqueda de la verdad le revela su fracaso,

representado en un duelo que pierde frente al caballero

18 Perteneciente o relativo a Luciano Samósata o a su obra.

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de la blanca luna. La recuperación de su cordura, ante la derrota de su ideal (encarnado en el

amor hacia Dulcinea), lo conduce a la muerte.

La dualidad también se presenta en el vínculo entre don Quijote y Sancho. La

inevitable tensión que allí se observa, solo describe lo variables que pueden ser las relaciones

humanas. Don Quijote quiere a su escudero, pero marca las diferencias que existen entre

ambos y también lo corrige y se enoja debido a los errores lingüísticos de Sancho y a su

seguidilla insensata de refranes.

Sancho, por su parte, ama a su señor, pero esta junto a él porque lo mueve la ambición

de gobernar la isla que aquel le ha prometido y aún, muchas veces, también ha querido dejarlo

solo y regresar a su casa.

El contraste también se realza bastante en las descripciones muy delineadas de los

personajes: Don Quijote representa la valentía, mientras que Sancho no oculta su cobardía; si

el héroe vela, el escudero ronca; si uno ayuna, el otro come ávidamente.

El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha transita entre el ideal caballeresco que

defiende su protagonista y la realidad que se impone; es decir, entre el idealismo manierista y

el realismo barroco. Así, la novela de Cervantes ofrece un cuadro vivo de la sociedad del siglo

XVII de España, entre sorprendentes contrastes. Sin embargo, la pintura del autor no es

gratuita; tiene un propósito que se aclara en el prólogo de la primer parte: “…esta vuestra

escritura no mira a más que deshacer la autoridad y cabida que en el mundo y en el vulgo 19

tienen los libros de caballerías…”. Así, Cervantes ha creado una obra literaria para referirse,

con ánimos combativos, a otras obras literarias, esto es, para desprestigiar los libros de

caballerías por su falta de verdad, su inverosimilitud, tan contraria a los ideales barrocos de la

Contrarreforma.

La crítica de Cervantes a los libros de caballerías se realiza desde la misma

construcción del texto. Este se compone de una yuxtaposición de episodios, cada uno de los

cuales se desvía hacia otro nuevo. Las numerosas aventuras son presentadas en diversos

planos, que otorgan a la composición una profundidad semejante a la de un cuadro barroco.

En un primer plano, Cervantes introduce un autor ficticio del Quijote, un historiador

árabe llamado Cide Hamete Benengeli. Así, parodia otro recurso muy usado por los libros de

caballerías en los que se presentaba a un misterioso autor, que había hallado un manuscrito

de la obra en un lugar lejano y en circunstancias maravillosas.

19 El común de la gente popular.

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La primera parte del Quijote fue escrita en 1605. La acción principal de la obra se

conforma en primer lugar, por las malparadas aventuras de don Quijote y en segundo orden, a

partir del séptimo capítulo, por las de la famosa pareja del caballero rústico escudero. Unidas

al eje principal, se encuentran las historias secundarias en dos niveles: Aquellas cuyos

personajes participan, de alguna manera, del nivel de realidad de la historia principal, la de

don Quijote, y que son las cuatro historias amorosas (la de Cardenio y Luscinda; Fernando y

Dorotea, El Capitan Cautivo y Zoraida y doña Clara y don Luis), unidas por las relación que

mantienen entre sí los personajes, que se convierten en narradores de sus propias historias, y

los relatos pastoriles, cuyo principal exponente es la desgraciada historia de Marcela y

Grisóstomo; la historia del “Curioso impertinente”, presentada como una ficción dentro de la

ficción del Quijote, ya que se trata de una novela hallada en la ventana donde se encuentran

todos los personajes. Estos personajes del “Curioso impertinente” no se relacionan con los de

la historia principal, puesto que están presentados como una creación literaria que, de

omitirse, no alteraría el relato central.

El plan narrativo que Cervantes trazó para la segunda parte de su novela, que escribió

en 1615, cambió por varios motivos. Por un lado, pasaron diez años después de la aparición

de la primera parte y, en consecuencia, se observa una mayor duración narrativa, influida por

las críticas, favorables y no tanto, acerca de la obra anterior. Por otra parte, la aparición de un

Quijote apócrifo20, de otro autor, Avellaneda, presentado como una continuación de la primera

parte de la novela cervantina, modificó el plan textual que Cervantes había prefigurado en su

anterior creación.

Las historias que se intercalan aquí, a diferencia de la primera parte, son más breves y

están más relacionadas con la acción principal de los personajes que intervienen en ellas, lo

que indica una mayor maduración de estos. En la parte anterior, esta es una supuesta creación

de Cite Hamete, pero con la diferencia de que los protagonistas, en este caso, saben que se

encuentran dentro de una historia famosa, lo que realza el realismo de las nuevas aventuras.

La estructura de este segundo Quijote tiene otra característica destacable. En un

momento, durante la estadía en el palacio de los duques, las historias de Sancho y de don

Quijote se bifurcan, ambos personajes se separan. Por un lado, Sancho debe encargarse del

gobierno de la ínsula de Barataria. De este modo, cumple un sueño que constituyó el principal

motivo de la relación con su amo. Por otro lado, don Quijote permanece junto a los duques,

asumiendo la defensa de la hija de la dueña Rodríguez. Luego, de un modo simbólico, la

20 Fabuloso, supuesto o fingido.

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historia del caballero y de su fiel escudero vuelve a unirlos para reemprender el camino de sus

aventuras.

El Quijote no es sólo la parodia del género caballeresco. De haber sido tan sólo esto, no

habría transcendido. La importancia de la obra reside en el hecho de que Don Quijote vive y

muere por un ideal de justicia y de amor que lo llevan a resucitar la caballería andante.

El personaje es, por lo tanto, un loco, pero con un alto ideal para respetar; es, en boca

de su escudero, “un hombre bueno que nunca ha hecho daño a nadie”. Con este contraste del

que complace el Barroco, se vuelve grande en sus propósitos de esfuerzo y de lealtad, pero

falla al pretender llevarlos a cabo, porque las circunstancias inadecuadas no se lo permiten.

Así, la locura del héroe se convierte en noble locura, lo que lo transforma en un personaje

“amargo tragicómico”. Su heroicidad consiste, justamente, en el enorme esfuerzo de mantener

su ideal bajo más allá el peso de la vulgar e incomprensiva realidad.

Algunos de los recursos estilísticos utilizados por Cervantes en el Quijote de la Mancha

son los siguientes:

α Hipérbole. Capítulo XXV: Don Quijote que exagera sobre la majestuosidad de una

historia.

<<... que es una de las mejores y más bien presentadas historias que de muchos años a este parte

en este reino se han visto>>. Capítulo XXV - 2ª parte; líneas 193-195.

α Metáforas.

<<Las compuertas de los ojos>>. (Refiriéndose a los párpados de los ojos). Capítulo XII - 2ª parte; línea 91.

<<El ferido de punta de ausencia y el llagado de las telas del corazón>>. Capítulo XXV.

α Antítesis

<<Los negros de los blancos>>. Capítulo XXV; línea 143.

<<Rurlinado siempre a hacer bien a todos, y mal a ninguno>> Capítulo XXV; líneas 283-284.

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<< ¡Oh bella ingrata, amada enemiga mía! (...) >>. Capítulo XXV.

BIBLIOGRAFÍA

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