Nº 3

Lunes 18 de noviembre de 2013 Año 1 I Número 3

¿De qué planeta habrá venido Pierre Étaix, barrilete cómico? El último representante de la gloriosa raza de comediantes que incluye a Keaton, Chaplin y Tati está (¡por fin!) entre nosotros y, de tan contentos, no pudimos esperar hasta su Charla con Maestros de esta tarde para hablar con él. Seguimos sin saber de qué planeta vino, pero sí estamos seguros de que nos encantaría vivir allí.

Maestro de la comedia

Étaix, el extraterrestre

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Dentro de las cuatro paredes de la cocina de un departamento alemán, los integrantes de una familia y varios amigos visitantes debaten sin parar sobre cualquier tema que se les cru-

za por el camino, quedándose en silencio sólo para mirar por la ventana y dejar la acción de la película en manos (o patitas) del gato té con leche del título. El gatito mira a su alrededor, se lame un poco y no mucho más, reforzando ese aire dominical que atraviesa esta película atemporal y de una vitalidad modernamen-te alienada. Una suerte de eslabón perdido entre el cine de Bresson y el de Tati, aunque comparaciones con cineastas más recientes añadan los nombres de Lucrecia Martel y Chantal Akerman a la mezcla, la ópera prima del suizo Ramon Zürcher se apoya en una ri-gurosa espacialidad de la puesta en escena para componer un retrato vivo sobre la vida de una familia del primer mundo.

Ana trabaja como chofer de ambulancia, tras-ladando pacientes, personas accidentadas, lle-vándolas hacia la posibilidad de una cura. La templanza con que ella atiende su trabajo se contrasta con la ira que expresa por momen-tos, a través de explosiones (e implosiones) emocionales de furia focalizada. Con la misma parsimonia enérgica de una ambulancia, la cá-mara en mano del montajista Fernando Fran-co avanza sin alejar nunca a Ana del horizonte visual, para proponer así un retrato extremo, casi maniático: un trip a la intimidad nuclear que reescribe aquella frase acerca de que si nos acercamos cada vez más a una persona, más la desconocemos. Con algo del virtuosis-mo lúcido (hasta en lo turbio) del seguimien-to de personajes de los hermanos Dardenne en películas como Rosetta, con otro algo de la

frialdad perpleja del mejor Michael Haneke, el debut de Franco en la dirección encuentra un inmejorable rostro cómplice en la actriz Ma-rian Álvarez, cuyo compromiso físico tiene un grado de sutileza y condensación que logra ex-trañar y desgarrar en un mismo gesto.

“Prefiero el silencio de la montaña”, cantan Las Ligas Menores, y eso se cumple en parte en Las niñas Quispe, el debut en la ficción de Sebas-tián Sepúlveda, que logra una dramaturgia del mutismo en la unión de un agreste norte chile-no con tres actrices que expresan con todo el cuerpo la tensión sigilosa de un momento his-tórico. Los hechos que inspiraron el relato son de 1974, cuando la dictadura de Pinochet quiso vigilar y castigar cada rincón de independencia del país, obligando a migrar a trabajadoras ru-rales a zonas controladas. Apenas protegidas por un muro de pirca, Justa, Lucía y Luciana, pastoras del altiplano, se mimetizan con el pai-saje en su faena diaria, entre la tierra arremo-linada por el viento que las rodea, abrazo telú-rico, comunión de supervivencia entre mujeres

donde se logra reescribir el feminismo que en esos setenta tenía ecos en otros lugares del pla-neta. El máximo logro de la película es poder vislumbrar la asfixia social de la dictadura lati-noamericana en espacios rurales, donde en un luminoso horizonte lejano de cielo abierto igual se puede dibujar un destino oscuro.

Un balcón es la frontera a otros mundos, ven-tana hacia otras ventanas en una Caracas de edificios barriales, paredes con mil ojos, donde el hacinamiento es parte de la identidad comu-nitaria, pero en cada ventana asoman fragmen-tos de historias únicas: un teatro abierto de la intimidad. Junior juega con su amiga a espiar ese caleidoscopio de destinos infinitos, espe-cialmente para un niño al que le tocó el pelo que no quiere y tiene que torcer el destino para enderezar sus rulos. Y, como no podría ser de otra manera, Rondón encuentra el hilo de la narración en una mirada con pelos y señales de la personalidad escénica, tan espontánea como aplastante, de Samuel Lange, pequeño gran actor de nueve años que puede bailar de manera única y expresar todo el desconcierto

del entorno sin gestualidad convencional. Den-tro de una Venezuela mirada desde un realis-mo documental de potencia expresiva, este cuento de fetichismo pop capilar quiebra algu-nos lugares comunes sobre la infancia, la edu-cación y el género para lograr un sentimiento orgánico como un mullido animal peludo.

The Strange Little Cat Alemania, 72’D: Ramon Zürcher

La herida España, 98’D: Fernando Franco

Las niñas Quispe Chile, 83’D: Sebastián Sepúlveda

Pelo malo Venezuela, 93’D: Mariana Rondón

HOY, 9.00, Auditorium | HOY, 19.00, AuditoriumMI 20, 14.00, Auditorium

HOY, 12.00, Auditorium | HOY, 22.00, AuditoriumMA 19, 14.30, Ambassador 1

HOY, 10:00, Cinema 2 | HOY, 20:30, Cinema 2MA 19, 17:00, Cinema 1

HOY, 14.00, Auditorium | HOY, 16.30, AuditoriumMI 20, 22.00, Ambassador 1

Competencia Internacional

Competencia Internacional Competencia Latinoamericana

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Drogas, salsa y sabor: la trinidad non-sancta de la “colombianidad” más estereotípica es desarmada, deformada y reciclada por el nor-teamericano Gude en una colección de viñetas de cruda poesía e implacable plasticidad, que estiliza personajes y lugares hasta arrancarles cualquier asomo de naturalismo. Aunque haya sido filmada en el Barrio Triste de Medellín, en Mambo Cool la ciudad y su bullicio sólo se in-tuyen extramuros: lo que vemos y oímos es la claustrofóbica, nocturna y/o trasnochada vida interior de unos seres en los márgenes (de la sociedad, de la ley, de la cordura), atravesados por las pasiones más intensas, cierta energía oscura y un raro sentido de la lealtad. La hu-manidad, ni más ni menos. Entre la meditación filosófica y la alucinación psicotrópica, los dea-lers, prostitutas y guerreros de Mambo Cool pa-recen deslizarse, al ritmo melancólico de sus

propias letanías y de la música, a través de un limbo terrenal en el que todo, hasta la amistad entre hombres y gorilas, es posible.

Jesús, un pibe de veintipico, entra a una far-macia para comprar pañales (presionado vía telefónica por su pareja y por el hecho de

tener apenas menos dinero del necesario), pero luego de unos minutos saca un revólver y toma por rehenes a todos los empleados y clientes del local. Una hora más tarde, y varios flashbacks y flashforwards mediante, el local estará repleto de sangre y cuerpos desparramados por el suelo, sin noticias del accionar policíaco. Con un pie dentro del relato policial más cercano a la realidad dia-ria argentina (reforzado por su estética de cámaras de seguridad) y otro en la apuesta estructural de “el tiempo lo destruye todo” que dominaba a Irreversible, de Gaspar Noé, la compacta y contundente película de Lidijo-ver cuenta la historia de un atraco perfecto (vía pesimismo kubrickiano), en el que la al-ternancia entre presente y pasado construye una película de tiros sobre la cruda condición humana en momentos límite.

Quien hace de la restricción una oportunidad tiene altas chances de llegar a buen puerto. Y eso mismo logra Salgado, trabajando con una estructura engañosamente sencilla. Porque numéricamente La utilidad de un revistero se trata de un solo (único) plano y de dos actrices,

pero el cine es mucho más que números. La película nos contiene en ese doble suspenso: el de tratar de entrever a tientas y en tiempo real el destino del vínculo entre las dos mujeres y el de saber la fragilidad de ese interminable plano de proscenio, donde un error puede arruinarlo todo. Puede que la cámara esté fija, pero todo lo demás se mueve, se refleja, se resignifica. Entre las grietas de esa puesta in extremis se cuelan temas enormes, como la naturaleza del cine, la dimensión del teatro, el desencan-to amoroso o el paso del tiempo, pero todo matizado por la ligereza y elegante manejo del tiempo de las dos protagonistas y del director, cuya inteligencia se revela, como un cándido susurro, en los más pequeños detalles.

El corte a lo garçon de ambas protagonistas de esta película podría remitir al flequillo Beatle tanto como a la melena de la Anna Karina del primer Godard. Y sendos universos parecen es-tar en juego en la lógica de su amistad: dos com-

plotadas por mantener su mundo con una ale-gría espontánea y ludópata, que confunde los límites del paño donde caen los dados para des-bordarse más allá de cualquier regla. Un juego y una alegría que van contra todo, incluso contra la muerte, porque el humor negro también está implicado en la aventura elíptica del dúo; aven-tura que incluye personas con cabezas dibuja-das (a veces sobre cajas de cartón) y un gallo disecado que monologa al borde del stand-up absurdista. De todo pasa y todo queda marcado por los ojos luminosos de la operaprimista Ma-ría Boughen, que si ubica a sus protagonistas re-petidamente sobre los techos es para que estén más cerca del sol, y para que el viento alcance a despeinar más la irreverencia de esta película.

Mambo Cool Colombia / Estados Unidos, 62’D: Chris Gude

Tiro de gracia Argentina, 72’D: Nicolás Lidijover

La utilidad de un revistero Argentina, 115’D: Adriano Salgado

Liberen a García Argentina, 78’D: María Boughen

HOY, 13.00, Cinema 2 | HOY, 23.00, Cinema 2MI 20, 15.30, Cinema 2

HOY, 15.30, Cinema 2 | HOY, 18.00, Cinema 2MA 19, 0.45, Paseo 4

HOY, 12.30, Colón | HOY, 19.30, ColónJU 21, 17.00, Colón

HOY, 10:00, Colón | HOY, 22:30, ColónJU 21, 15:00, Colón

Competencia Argentina

Competencia Latinoamericana

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Super 8

¿Cómo llegaron al Super 8 y por qué decidieron elegirlo como una de sus herramientas estéticas principales?Martín Sciaroni: Llegué a filmar en Super 8 a través de la película pintada. Siempre dibujé historietas, y en algún momento me interesé en la animación experimental. Hice algunos cor-tos, pintando y rayando directamente sobre el celuloide y pronto quise filmar para luego inter-venir las películas. Pero finalmente no las inter-vine. Por otra parte, también escribo (y dibujo) diarios. El Super 8 me permitió, además, filmar todo eso, cuando me surgió curiosidad por ver cómo se vería proyectado aquello que veo todos los días. El formato es ideal: la cámara es muy transportable. Para finalizar, no tengo formación como cineasta (nunca filmé por fuera del Super 8). Elegí lo analógico porque creo en la búsqueda ciega; por lo que me genera el tiempo que tengo que esperar para poder ver los rollos revelados.

Benjamín Ellenberger: Me acerqué al Super 8 sin ánimo de utilizarlo para mi propio trabajo, primero fue a través de los proyectores. Comen-zó como un experimento con la máquina, bus-cando entender su funcionamiento, sus posibili-dades y las del soporte físico, el celuloide. Desde un comienzo me interesó la proyección múltiple, armaba varios loops y jugaba con los diferentes montajes que se armaban en la proyección. Mis

primeras pruebas fueron trabajos con metraje encontrado, deteriorando la emulsión con dife-rentes técnicas, donde el azar jugaba un papel fundamental. Este hecho de no tener un control total sobre lo que estaba haciendo, me llevó a replantearme mis métodos de trabajo y pensar en otras posibilidades. Pasó bastante tiempo hasta que comencé a filmar algo propio en Su-per 8, pero hoy podría decir que es el formato que elijo. Aunque he realizado varios cortome-trajes en digital, encuentro que en la película se captura una cierta sensación que en el digital no se encuentra, algo abstracto difícil de describir. Una de las características más interesantes de este pequeño formato es la autonomía que da a la hora de trabajar, permitiendo filmar solo y transportar la cámara (y proyector) en un bolso.

Macarena Cordiviola: Mi encuentro con el Super 8 se remonta a los tiempos en los que todavía estudiaba cine, a finales de los años noventa. Fue amor a primera vista. En aquel entonces, digita-lizaba el material y terminaba los cortos en ese “otro” formato. El cruce estético, el contraste en-tre una plataforma y otra, ese resultado híbrido me interesaba particularmente. Aún es así, pero con el correr del tiempo y gracias a los encuen-tros personales con Chris May del TIE (The In-ternational Experimental Cinema Exhibition, de Estados Unidos) y, en especial, con Claudio Caldi-ni, empecé a experimentar el celuloide en todas sus posibilidades: montaje en cámara, o por el contrario el uso de la empalmadora, la interven-ción del film, el trabajo con metraje encontrado hasta arribar a las film performances. El motivo principal por el que trabajo en soporte fílmico es mi interés por el Modelo de Representación Pri-mitivo. El MRP es previo a la estructuración dura del lenguaje cinematográfico (Modelo de Repre-sentación Institucional), tiene que ver con las maneras del inconsciente: films fantasmagóri-cos, poéticos, filosóficos, de la palabra, films psí-quicos (como decía Antonin Artaud). Al igual que Benjamín y Martín, la búsqueda ciega y el rol del azar en el trabajo con el formato es uno de los aspectos que más me atrae. También el proceso artesanal que implica la manipulación de cual-quier formato fílmico. Un oficio que es princi-palmente transmitido de manera oral y práctica. Una experiencia de la cercanía, un materialismo

del encuentro entre las bellas artes y las artes mecánicas. Para cerrar, quisiera hablar de lo que se suele denominar “cine amateur”. En palabras de Rancière, el amateurismo es una posición teó-rica y política que cuestiona la autoridad de los especialistas y las fronteras entre un demonio y otro del saber. Parafraseando al pensador fran-cés, el cine pertenece a todos aquellos que viajan a su interior y trazan entre tal o cual punto de su topografía un itinerario singular (que agrega a la construcción de la fábula cinematográfica).

En todas las respuestas hay un hilo común que tiene que ver con lo incontrolable del Super 8: el azar, la “búsqueda ciega”, lo primitivo y amateur (en respuesta a una profesionalización estructurada del trabajo). Me gustaría preguntarles por qué les parece tan importante esta división a la hora de hacer cine. ¿No hay acaso, en cada cineasta que considere sería su propia producción, una “profesionalización” de su proceso creativo?BE: Aunque en mi respuesta no mencioné la dis-tinción entre amateur o profesional, creo que lo amateur en mi trabajo tiene que ver con un modo de producción y cierto estilo formal. Es-tas condiciones de realización son, a la vez, una elección estética y política, la cual me permite te-ner una libertad total a la hora de crear. Pienso también que es la ausencia de la mercantiliza-ción la que genera parte de esa libertad. Asumir ese amateurismo, que muchas veces es usado como un término peyorativo, está también liga-do a las temáticas o búsquedas que tengo den-tro del cine. Esta forma de abordar mis trabajos convive con una profesionalización, ya que es en el ámbito institucionalizado donde mayor-mente circula mi obra. Es el esfuerzo, el tiempo

y el trabajo que uno dedica lo que acentúa que el proceso creativo sea profesionalizado.

MC: Coincido totalmente con Benjamín. Por supuesto que hay una profesionalización en el proceso creativo. Creo que, contrario a lo que se suele interpretar, amateur y profesional no se excluyen. A lo que me refería con la cita de Rancière tiene más que ver con una elección estética e ideológica de esa profesionalización. Resulta difícil zafarse de los casilleros, el deber hacer y el deber saber pueden ser contrapro-ducentes y coartar los aspectos lúdicos y la im-provisación. El supuesto saber crea la ilusión de que es posible controlar algo de la producción artística o la obra en sí, y eso es un concepto erróneo. También, en el caso particular del uso de formatos reducidos, podemos situar esa profesionalización en lo que la artista e inves-tigadora uruguaya Ángela López Ruiz llama “ar-queología de la imagen”. Arqueología porque implica la restauración física del material fílmico y sus artefactos, así como la preservación de los mismos. Ya que en esos objetos todos los tiem-pos confluyen. La materialidad es un actor pro-tagónico, así como la extemporaneidad, poten-ciando las posibilidades creativas a partir de la “extinción” de un soporte que sigue resistiendo.

MS: Coincido con lo que dicen Benjamín y Ma-carena: amateur y profesional no se excluyen. A una búsqueda que surge de la curiosidad o el deseo, y que no está ligada a los estímulos del mercado (y que por eso es amateur), se suma una profesionalización del proceso creativo (li-gada, creo yo, al tiempo de trabajo, que es el mismo que se requiere para realizar una tarea por la que uno recibe dinero). En mi caso me siento, igualmente, más amateur que otra cosa: mis ingresos vienen de la docencia; la actividad como cineasta está relacionada con lo lúdico y lo artesanal (paradójicamente, también con el tiempo y el esfuerzo).

Chavos del 8, parte IICaro Diario sigue adelante con su encuesta en torno al Super 8, que este año une a dos generaciones de cineastas argentinos. A con-tinuación, unas preguntas a los integrantes del segundo programa: Martín Sciaroni, Macarena Cordiviola y Benjamín Ellenberger.

Cortos - Super 8 Programa 2: Martín Sciaroni, Macarena Cordiviola y Benjamín Ellenberger

HOY, 17.15, Ambassador 2

la fiesta inolvidableAprovechando que lo tenemos de este lado de la cordillera, entrevistamos al chileno Daniel Peralta, director de Fiesta falsa, antes de la segunda (y, ojo, última) proyección de su película personal de aventuras realizada en tan sólo una semana, pero paradóji-camente de la manera más relajada posible.

¿Cómo y cuándo empezó el proyecto?Fiesta falsa nace de la necesidad de hacer una película… de las ganas e interés de contar una historia en particular. De un interés creativo o artístico: escribo mucho en libretas, todo el tiempo, y lo primero que anoté referente a esta película fue una escena en particular que pre-

sencié en una estación de micros, al ver a un joven de unos treinta años que trataba de subir su tabla de surf en la bodega de un micro con destino a una ciudad costera. Su tabla de surf iba forrada por una bolsa de dormir con cinta adhesiva. Un surfista en micro y sin look de sur-fista, “uno de verdad”, pensé; no en un jeep 4x4 último modelo. En ese momento imaginé que estaba retomando su antiguo deporte (por eso no tenía funda para su tabla), o que sus amigos lo habían dejado tirado. No sé, justo ahí nació Álvaro Infestas, protagonista de Fiesta falsa.

¿Cómo fue la experiencia de hacer la película?Fue un experiencia increíble; cuando filmamos mi primera película (Mejor no fumes, 2011) nos dimos cuenta de que habíamos armado un gru-po y un equipo de trabajo sólido, además de ser

muy buenos amigos. Generalmente, cuando se filma con una presión comercial o con alguna inclinación económica, el set de rodaje se trans-forma en un campo de batalla, todo lo contrario a nuestro tipo de trabajo y a mi interés perso-nal. Filmar de manera “garage” con amigos lleva la película a un nivel de compromiso iniguala-ble, cosa que no se podría dar de otra manera, y creo que eso se percibe en el resultado.

¿Cómo ves al cine latinoamericano actual? ¿Pensás que existe algún tipo de identidad (o responsabilidad) compartida en el cine de la región?Me gusta la manera en que ciertos directores latinoamericanos están abordando sus proyec-tos, como una necesitad artística, más que algo solamente económico. Me siento parte de esa identidad: un cine de historias personales e ín-

timas, con un lenguaje propio; un cine indepen-diente que no está ligado a ningún interés que pueda coartar, de una u otra manera, la forma, el discurso. También me siento identificado con el método de filmación independiente y las formas de exhibición actuales. Creo que todos deberíamos estar haciendo eso, cada vez más alejados de los cánones norteamericanos.Por otra parte, hay algo que sí me molesta del cine latinoamericano y es ese estereotipo “porno-pobreza” que se ha puesto de moda en ciertos círculos enfocados a un público no-latino. Esas películas llegan hasta a tener una estética y un modelo “festivalero” que se podría incluso tipifi-car. De ese tipo de cine me siento bastante lejos.

Fiesta falsa

HOY, 22.45, Ambassador 4

Panorama del Cine Latinoamericano

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el último de los masterclownsEntrevista a Pierre Étaix

Parece un acto del más elaborado ilusionismo circense, pero no: Pierre Étaix está finalmente en el Festival, entre nosotros, con flamantes restauraciones de cinco de sus largos y dos cortometrajes (con nutrida presencia en la grilla de funciones de hoy) bajo el brazo y la sonrisa más fotogénica de esta edición. Recién bajado del avión, entrevistamos a la leyenda de la comedia francesa –o mundial, o de la galaxia, sin nada de hipérbole– como anticipo de su Charla con Maestros de esta tarde.

Usted es clown, actor, autor de teatro, dibujante, cineasta. Es un artista verdaderamente polifacético. ¿Cómo dialogan en su persona todos estos aspectos?Para ser un gran comediante, hay que ser un comediante total, estar involucrado en todos los procesos de la película. Es imposible ha-cer una película basada en el slapstick con un proceso que no implique hacer de todo. Hay que imaginar las cosas, hay que escribirlas, hay que realizarlas y hay que interpretarlas: es un movimiento total. Es como una receta de cocina, hace falta saber exactamente qué metemos en el plato para que tenga determi-nado sabor. Para mí el ejemplo más hermoso de esto son mis grandes maestros, los mas-terclowns como Chaplin, Buster Keaton, Lau-rel y Hardy, Harold Lloyd... Desde que ellos desaparecieron, esa tradición no perduró en el tiempo. Es por eso que intenté retomar con mi propia voz la huella que ellos dejaron, pero con absoluta modestia, porque son se-res únicos e inimitables.

Pero usted comparte un origen común con muchas de esas luminarias que menciona, un pasado (e incluso un presente) en el music-hall y en el circo. ¿Cómo le gusta presentarse a sí mismo?Yo soy principalmente un clown. Es algo que me sale natural, que es parte de mí. Hay gen-te que se dedica a la medicina, otra a la inge-niería, otra que es policía, y yo soy clown. Un clown es algo diferente a un actor, porque el clown no se expresa, trabaja una gestualidad totalmente diferente. Y diría que la clave para ser un buen clown es estar muy atento a lo que sucede alrededor.

Hablemos un poco de dos figuras claves en su vida: Jacques Tati y Jean-Claude Carrière. ¿Cómo definiría la colaboración que tuvo con ambos?Tati me dejó una herencia importantísima, mientras que a Carrière fui yo el que le dejó

una herencia. Tati me pidió que me sumara a su equipo cuando estaba trabajando en Mi tío; me contrató para que trabajara de “gag-man”, desarrollando gags en su película. Yo acepté la propuesta y luego terminé haciendo de todo: dibujé a los personajes y el póster de la película, diseñé accesorios y hasta algu-nos decorados, como la casa de Hulot. Fue en esa experiencia que aprendí cómo se llevan a cabo todas las facetas de una película, desde el detalle más pequeño al ensamblaje final. Todo eso lo viví con él, así aprendí a hacer cine. A Tati le debo todo, pero a la vez creo que ya no le debo nada; siento que soy su deudor, pero no su émulo. Yo pienso al cine de una forma totalmente diferente a él, si bien tenemos la misma filosofía del gag y yo, en cierto sentido, prolongué en el tiempo su estilo. Lamentablemente, esa filosofía ya casi no existe en el cine actual.Y toda esa experiencia se la traspasé a Jean-Claude, quien luego colaboró conmigo en los guiones de El suspirante, Yoyo, Basta la salud y El gran amor. Siempre nos hemos divertido trabajando juntos, o, como me gustaba decir, “jugando a trabajar”.

Además de filmar y protagonizar sus películas, usted también tuvo la oportunidad de actuar en films de otros grandes del cine, como Fellini, Iosseliani, Jerry Lewis, Nagisa Oshima, Aki Kaurismäki. ¿Cómo fueron esas experiencias?Cuando trabajo para otros no me considero un actor, sino una herramienta en las manos del director. Todas han sido grandes expe-riencias; quizás no tanto con Fellini, allí hubo luces y sombras. En I clowns (1970), lo que Fellini reflejaba de los payasos no coincidía con mi idea de lo que es un clown. Se lo dije, y él me respondió que no intentara reflejar mi pensamiento porque no iba a quedar au-téntico. Yo le dije: “Mire, el único director que puede lograr que yo haga cualquier cosa en escena es usted. Entonces eso hago: cual-

quier cosa”. Mucho no le gustó, pero lo cierto es que lo admiro mucho, admiro todas sus películas, salvo esa en la que actué (risas). Y fue un placer trabajar con esos grandes direc-tores que usted mencionó.

Su humor se basa claramente en el estudio de comportamientos humanos. Esto se intuye en la ficción y se comprueba con su documental, Pays du Cocagne. ¿Cómo funciona su proceso creativo en ese sentido?La observación aguda es un don que no se puede enseñar, es como el oído musical. Hay personas que no saben distinguir una nota “la” y hay otras que la reconocen al primer momento. Confieso que es una gran felicidad poseer ese don. Es algo que se desarrolla con el tiempo y que no te abandona nunca. Todo parte de la observación, y luego el gag es una ficción construida a partir de esa observación. Claro que ésta es una definición teórica, des-pués hay que verla aplicada en la práctica. En Pays du Cocagne hice un trabajo opues-to al que suelo hacer. Yo pienso que el gag sólo puede suceder con una escritura riguro-sa y una planificación sólida. Es pura ficción que parte de una realidad. En el documental fue al revés, dejé que las cosas me llevaran, y terminé con 40 mil metros de película de 16mm, veinte horas de proyección. Cuando lo vi dije: no puedo hacer nada con esto, va a ser aburridísimo. Pero nada es aburrido, ahí me equivoqué: yo había filmado cosas in-cómodas que se volvían cómicas por la pre-sencia de la mirada. No hay situaciones pro-piamente cómicas, e incluso filmé cosas que pueden ser consideradas trágicas, como dos viejos peleándose por un queso. Pero todo esto lo reconsideré luego de nueve meses de montaje, de un trabajo cotidiano muy arduo. Lo interesante es que lo cómico lo construí a partir de situaciones que tal vez no lo eran, y logré que diálogos bastante banales refleja-ran una realidad.

Usted es parte de una tradición cinematográfica de gags visuales o físicos más que orales. ¿Cree que la palabra achata, aplasta al gag?Creo que esa tradición se sostiene porque ya antes el teatro lo hizo muy bien. Cuando es el diálogo el que sostiene una situación, se tra-ta de lo contrario a lo cinematográfico, que no es más que imágenes y sonidos. En Pays du Cocagne se habla mucho y todo el tiempo, pero yo no tenía dialoguistas. No había pues-ta en escena ni actores, pero es sin dudas una película cómica... y bávara. Creo que ahí el texto tiene una importancia capital, pero por su utilización novedosa.

Más allá de cierta crítica social encubierta, su cine es sobre todo humanista. ¿Está de acuerdo con esta afirmación?Yo busco siempre captar al sujeto en su sim-plicidad más evidente, porque eso me permi-te llegar a un público más amplio. Y para mí eso es lo más importante. Trato de abordar sentimientos universales para hacer reír a todo tipo de personas. Y lo hago a través de situaciones incómodas... Tal vez eso sea lo humanista, porque todos vivimos situaciones incómodas, y eso es muy humano.

Por si visitar el Festival acompañando a su fil-mografía y brindar la Charla con Maestros de esta tarde fueran poco, Étaix está presente en Mar del Plata a través de una exposición que permite apreciar el talento de este polifacético artista en otras áreas: el dibujo y la fotografía. (Como evidencia, aquí les adjuntamos un sim-pático clown que Étaix le dedicó especialmente a Caro Diario). Gracias al trabajo de la Embajada de Francia, el Instituto Francés y las fundacio-nes Technicolor y Groupama Gan, no sólo es posible acceder a las extraordinarias pelícu-las del realizador, sino también ver sus dotes para el trazo y la composición, sobre todo en los inolvidables posters que realizó tanto para sus propias películas –Basta la salud, Yoyo...– como para Mi tío, de Jacques Tati. Se lo puede ver además con colegas de gran talla como el propio Tati o Jean-Claude Carrière, tanto en ro-daje como en situaciones de ocio creativo. Una oportunidad única de ver a un verdadero genio con las manos en la masa, íntimo y cercano. ¡No dejen de acercarse al Paseo de la Imagen del Teatro Auditorium!

Pays de Cocagne + Heureux anniversaireHOY, 14.30, Paseo 3

El suspirante + RuptureHOY, 20.30, Paseo 3

YoyoHOY, 22.30, Paseo 3

Charlas con Maestros - Pierre ÉtaixHOY, 17.00, NH Gran Hotel Provincial - Salón Dauphin

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tiempo de cine, tiempo de libros

Conservar y difundir

Una mirada sobre la cinefilia[…]Tiempo de Cine circuló entre 1960 y 1968 siguien-do el modelo de publicaciones como Cinema Nuovo y Cahiers du Cinéma. Vinculada a la intensa actividad cineclubística (era editada por el célebre Cine Club Núcleo) y a la renovación en la produc-ción cinematográfica (sus textos dialogaban con la Generación del '60), la revista dio a conocer a un grupo numeroso de jóvenes críticos: Salvador Sammaritano, Víctor Iturralde, José Agustín Ma-hieu, Edgardo Cozarinsky, Homero Alsina Theve-net, Jorge Couselo, Enrique Raab, Ernesto Schoo y Tomás Eloy Martínez, entre otros. Algunos pro-venían del periodismo, otros habían estudiado en Francia o Italia y unos pocos tenían formación universitaria, pero todos compartían esa pasión por las películas forjada en el cineclubismo. El es-tilo de Tiempo de Cine está marcado por el rigor en la investigación, la precisión metodológica, una pretensión de intervenir en la lucha contra la cen-sura y en el debate de políticas cinematográficas, cierto vuelo ensayístico y un esfuerzo por proce-sar las nuevas teorías provenientes de Europa. Así, en las páginas de la revista se mezclan, como en un continuo, comentarios sobre Hiroshima, mon amour, La dolce vita, Ingmar Bergman, Vera

Chytilova o Jerzy Skolimowski junto con notas y entrevistas a los jóvenes cineastas argentinos de la época: Lautaro Murúa, Manuel Antín, José Martínez Suárez, David José Kohon o Leonardo Favio. Lo que unos y otros tienen en común son las ideas de experimentación, de ruptura y de au-toría propias de los nuevos cines de los sesenta.Todavía falta una historia de la crítica cinema-tográfica en la Argentina. Pero es evidente que, en ese relato aún no escrito, la revista Tiempo de Cine ocupará un lugar central. Para conva-lidar esa certeza, La mirada cinéfila sirve como referencia ineludible. El libro de Daniela Kozak se inscribe dentro de ese campo de investiga-ción que abrieron los estudios académicos y las revistas especializadas en los años noven-ta, pero viene a dar cuenta de un objeto que no ha sido muy explorado por la bibliografía. Kozak describe, traza genealogías, exhibe docu-mentos y reconstruye minuciosamente la his-toria de la revista. Eso ya sería suficiente para que su trabajo resulte un material de consulta obligatorio. Pero, en realidad, hace mucho más que revisar el caso particular de una publica-ción de crítica cinematográfica porque estudia su itinerario dentro del contexto de moderni-zación cultural de los años cincuenta y sesen-ta. La revista de Núcleo, entonces, no aparece como una ocurrencia aislada, sino como un prisma que refracta y despliega una compleja trama donde se cruzan los movimientos de la posguerra europea, la Revolución Libertadora y la caída del peronismo, Frondizi y el desarro-llismo, la Generación del '60 y la red de revistas culturales como Contorno y Ver y Estimar. La mirada cinéfila parte de dos hipótesis conver-gentes: por un lado, sostiene que en Tiempo de Cine se puede advertir el cruce de esos vecto-res de modernización y, por otro lado, que se puede identificar, en las páginas de la revista, el proceso de profesionalización de la crítica cine-matográfica. Dice Kozak: “Con Tiempo de Cine la crítica empezó a consolidarse como un campo autónomo de conocimientos y la figura del críti-co se profesionalizó. Es paradójico que esa pro-fesionalización se diera en una publicación que desde la perspectiva del periodismo profesional podría considerarse amateur, ya que ninguno de los redactores cobraba y muchos ni siquiera vivían de la escritura. Pero la profesionalización se fundaba en la formación y el entrenamiento de los críticos para producir discursos autoriza-dos sobre el arte cinematográfico”. En la lectura de este libro, la revista se muestra como un si-tio privilegiado para entender ciertos procesos estéticos, culturales y sociales; pero eso es así

porque Kozak ha logrado construir su objeto de estudio como un material de gran espesor simbólico y de gran densidad conceptual. Ahora sabemos que Tiempo de Cine nunca se conside-ró simplemente como un espacio para opinar sobre las películas: todo el tiempo sus artículos expresan la voluntad de intervenir activamente en cuestiones de política cinematográfica. La ac-cidentada trayectoria de la publicación a lo largo de la década de 1960 funciona como un puen-te que explica el pasaje desde el tipo de crítica impresionista e ilustrativa de los años cuarenta y cincuenta hasta la militancia radicalizada de los años setenta donde se cuestionará toda po-sibilidad de participación que no implique una acción concreta.[…]David Oubiña

Tiempo de presentar en sociedad la primera de las ediciones modelo 2013 del Festival: La mirada cinéfila, de Daniela Kozak. Antes de la ineludible cita con la autora este mediodía (los detalles, al final de la nota), compartimos con ustedes un fragmento extraído de su prólogo, escrito por el gran David Oubiña.

A través de la notable selección de Cine Argentino Siempre y el rescate del primer film nacional en 3D, INCAA TV tiene una im-portante presencia en esta edición del Festival. El director del canal habló con Caro Diario sobre esos y algunos otros temas.

Cine argentino clásico restaurado“Hace un año en el Festival de Mar del Plata, Turner, que tenía en su acervo 400 películas argentinas del período clásico, entendió que ese patrimonio debía estar en poder del Es-tado y donó a INCAA TV los soportes fílmicos y los derechos para televisación. Eran cerca de 5 mil latas, y lo primero que se hizo, con la coordinación de Fernando Martín Peña, fue hacer un relevamiento de los materiales. Ha-bía que trabajar rápido sobre veinte películas que, por su soporte, se habían empezado a descomponer. Dieciocho de esas películas son las que ahora están en el Festival. De mu-chas de ellas era el último negativo que que-daba; fue un trabajo de investigación del que estamos muy orgullosos”.

INCAA TV y su misión cultural“Un cincuenta por ciento del cine sonoro estaría perdido. El canal tiene un programa importante de recuperación y rescate de pe-lículas; sabemos en qué estado se encuentra el cine argentino, ya que damos películas todo el tiempo. Nuestra política es conservar y difundir, y en este caso era importante que las películas se vieran en Mar del Plata y que luego circularan, primero en salas de cine y luego en televisión”.

El cine clásico y el público“Se dice que a la gente no le gusta ver cine ar-gentino. Eso es mentira. Si vos programás a las diez de la noche y en una buena copia, no sé si a la gente le va a gustar, pero la va a ver. Es una de las matrices del canal, que rige a la hora de programar: que se vea bien, se oiga bien y se pase en un horario central”.

Buenos Aires 3D“Buenos Aires en relieve, la primera película 3D de la Argentina hecha en 1954 es un trabajo en conjunto con Paula Félix-Didier, quien des-cubrió que estaba en el Archivo General de la Nación. Está filmada en “dos ojos”, un proceso técnico por el cual hay dos copias iguales su-perpuestas para generar el efecto 3D. Es un proceso muy antiguo. Nosotros encontramos un solo ojo, por lo cual contratamos a un es-tudio, Cinema Gotika, para replicar el otro ojo. La película habla mucho de la época y de Bue-nos Aires. Don Napy tenía una cosa con los ex-traterrestres y los platos voladores: hay mucho filmado desde el aire, y hay un intento de cierta extrañeza que con el paso del tiempo resultó ser de una gran ingenuidad, pero es parte de la historia bizarra de esta película”.

12.00 Punto de EncuentroPresentación del libro La mirada cinéfila, editado por el FestivalParticipan: Daniela Kozak, Fernando Martín Peña, Paula Félix-Didier y Alejandro Sammaritano.

Entrevista a Eduardo Raspo, director de INCAA TV

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La música en vivo en el Punto de Encuentro –repetimos: Salón Bristol Restó del Teatro Audi-torium, acceso recova por foyer del teatro– no para (sigue sigue) ni siquiera en la generalmente tan poco parrandera noche de lunes. Para esta segunda (Des) Velada, doblamos la apuesta con un combo sensacional. Por un lado, Acorazado Potemkin, el trío conformado por Luciano Esain, Juan Pablo Fernández y Federico Ghazarossian que promete “cocer estribillos, yeites, palabras, lenguaje, en una plancha de aleación abrasiva”. Y por el otro Salomar, alias del cantautor y mul-tiinstrumentista marplatense Santiago Salomón,

quien primero nos deleitará con sus hermosas canciones y luego con otras, ajenas pero no me-nos hermosas, desde atrás de las bandejas. ¡Ni se les ocurra perdérselo!

Programa País - Gerencia de acción Federal iNCaa

Día de las Películas Familiares

Ayer se realizó la bienvenida a los participantes de Programa País a cargo de las autoridades del Festival y del INCAA. En la Sala Gregorio Na-chman del Teatro Auditorium, hubo una charla a cargo de los programadores del Festival, en la cual los asistentes recibieron pistas para orien-tarse de acuerdo a sus gustos e intereses en la vasta programación de películas, actividades especiales, además de recomendaciones para atesorar momentos “imperdibles”.

También se encontraron los expertos de las Ge-rencias de Fomento al Cine y a la Televisión con los interesados en acceder a financiamiento pú-blico para sus proyectos. En esa primera charla hubo exposiciones a cargo del Comité Consul-tivo de Historias breves y las coordinadoras de Concursos y Documentales Digitales del INCAA. A su término, se confeccionó una agenda de encuentros informales que se realizarán hoy y mañana a las 17.30 en el Punto de Encuentro

del Festival, y donde diez expertos brindarán asesoría personal conversando cara a cara con los interesados que se acerquen a consultar.Otra buena noticia de este lunes es que se podrá compartir la alegría de los ganadores en la entre-ga de premios de la sexta edición del Concurso Federal de Proyectos de Largometraje Raymun-do Gleyzer. Será en la Sala Nachman, a las 14 h.Y, por supuesto, ¡les recomendamos mucho ir al cine! Recuerden que con la acreditación de

Programa País, TODOS pueden ingresar a las secciones competitivas Internacional, Latinoa-mericana y Argentina en las funciones de pren-sa (las primeras del día, a las 9, 11, 13 o 15 h) sin necesidad de reservar previamente ni de com-prar entradas, ¡SÓLO PRESENTANDO LA CRE-DENCIAL! Están invitadísimos, ¡los esperamos!

El cine amateur amó desde siempre Mar del Plata, una de las ciudades más registradas en cualquier formato casero. Por eso, si tenés al-gún rollo de 8mm, Super 8, 9.5 y 16mm, don-de filmaste esta ciudad, podés traerlo para que lo proyectemos en el Día de las Películas Familiares, edición balnearia. Un evento orga-nizado por ARCA, asociación civil para preser-var y difundir materiales fílmicos familiares, científicos, educacionales y no profesionales. Una experiencia de pantalla abierta donde lo

personal se hace público, que recorre el país y que, por primera vez, se hace en este Festival en una función gratuita, libre y, como siempre, también sorprendente.Más info: www.arcacine.com.ar

iNsPiraCiONes Un toque de pecadoPor el licenciado Frank Booth, un payaso color caramelo

¡Qué fin de semana, vecinos! Decir insu-perable sería un error: la única certeza es que el próximo será igual de intenso, igual de salvaje, igual de cinematográfico. Bueno, puede que el castellano señale que “cine-matográfico” no es exactamente utilizable en esa frase, pero si no es en un festival de cine, dónde sino: película tras película, lejos de la playa y mi máscara respiratoria, con mi trozo de terciopelo azul a cuestas, por supuesto. Pero basta de hablar de mí. Hablemos de lo que pueden ir a ver si la am-plitud de ofertas los apabulla.Supongamos por un momento que deciden dejar de lado las competencias. No entien-do por qué habrían de hacer eso, pero su-pongámoslo. Y supongamos que no vieron Stromboli, de Roberto Rossellini. Bueno, eso: ¡vayan a verla, ¿me hacen el favor?! También pueden ver el último opus de Andrzej Waj-da, Walesa. Man of Hope: un Wajda indiscu-tible encarando la historia de Lech Walesa. Opción tres, adentrarse en los fríos pasillos del Presidio de Ushuaia en La cárcel del fin del mundo. Cuatro y cinco podrían ser el dúo de rescates nacionales de La muchachada de a bordo, la original, dirigida por Manuel Ro-mero y/o Historia del 900, el impresionante debut tras las cámaras de Hugo del Carril.

A las 22 hay un duelo por los favores del pú-blico joven: por un lado, la segunda (¡y últi-ma!) proyección de The Dirties; si no la vieron aún, deberían hacerlo hoy, sí o sí. La otra op-ción es Sacrificial Youth, una verdadera ópera punk con poderosa energía juvenil, tanto que dan ganas de hacer pogo en la sala, algo que podría suceder alegremente. Si esquivan tan-ta juventud y quieren recurrir a una firma lau-reada con una mirada fuertemente personal sobre su país, ahí tienen a Jia Zhangke con A Touch of Sin, que no defrauda.Y llegamos a esas medianoches que vienen provocando dolores de cabeza a varios. Aquí, vecinos, habrá que partirse en seis-siete-ocho para poder ver todo. Sonno profondo, un gia-llo argentino con un tratamiento riguroso del subgénero, compite en varios sentidos con Videoclub, linda sorpresa chilena, con zombis y VHSs (¿o es VHeses? ¿o VHS?), aunque la sor-presa sea tan bella como su subyugante pro-tagonista femenina, presente en la presenta-ción, presentándola (ya me puse nervioso).Y si de duelos se trata, hay dos pesos pesa-dos enfrentados por el mismo título: por un lado L’Étrange Couleur des larmes de ton corps, o El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo, una película tan salvaje, innovadora y expe-rimental que no me atrevería a recomendár-

selas, vecinos; puede que haya algunos de ustedes que no estén preparados para dar un verdadero paseo. Onírica, la nueva pelícu-la de los directores de Amer debe ser una de las experiencias más extremas de un festival con muchas experiencias extremas. Sí, mejor no vengan.La otra opción, sin duda, anula muchas otras

y es una de las grandes estrellas de este año: El gran Lebowski, genialidad absoluta, total y definitiva –quizás– de los hermanos Coen. Quienes no la vieron, no se la pueden perder. Quienes sí la vieron, deben saber que NO se proyectará en VHS (o VHsesesses), sino en fíl-mico. Un plus, vecinos. Todo un plus. Ya sa-ben dónde me encontrarán…

Día de las Películas Familiares

VI 22, 16.00, Auditorium

¡siguen las (Des) Veladas Nocturnas!

Salomar + Acorazado Potemkin + DJ SalomarHOY, 21.00, Punto de EncuentroEl ingreso a los shows es para acreditados. De no serlo, las entradas se retiran en el Stand de Informes del Teatro Auditorium hasta completar la capacidad, entre las 10 y las 18 h.

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Lunes 18

9.00 I AuditoriumThe Strange Little CatRamon Zürcher72’ / INT

10.00 I Cinema 1Cortos - Portugal Alterado 3Varios directores96’ / POR

10.00 I Cinema 2Las niñas QuispeSebastián Sepúlveda83’ / LAT

10.00 I ColónLiberen a GarcíaMaría Boughen78’ / ARG

11.00 I Ambassador 4Pena de muerteTevo Díaz99’ / PCL

12.00 I Ambassador 1Las analfabetasMoisés Sepúlveda73’ / INT

12.00 I AuditoriumLa heridaFernando Franco98’ / INT

12.00 I Paseo 1Cortos - Cañas Programa 3María Cañas70’ / CAÑ

12.15 I Ambassador 2El ZurdoClaudia Regina Martinez69’ / BSO

12.15 I Paseo 2MacarioRoberto Gavaldón91’ / ART

12.30 I Ambassador 3StromboliRoberto Rossellini107’ / ROS

12.30 I Cinema 1Costa DulceEnrique Collar75’ / LAT

12.30 I ColónLa utilidad de un revisteroAdriano Salgado115’ / ARG

12.30 I Paseo 3La casa de los millonesLuis José Bayón Herrera93’ / CAS

12.45 I Paseo 4AtolondradoEdmundo Bejarano50’ / PAN

13.00 I Ambassador 4CarnavaleroAriel Carlino, Graciela Scorzo38’

El día de las comadresWanda López Trelles24’ / NAT

13.00 I Cinema 2Mambo CoolChris Gude62’ / LAT

14.00 I AuditoriumPelo maloMariana Rondón93’ / INT

14.30 I Ambassador 1Walesa. Man of HopeAndrzej Wajda128’ / AUT

14.30 I Cinema 1CativeiroAndré Gil Mata64’ / POR

14.30 I Paseo 1Cabeza de Ratón: En la cresta del rockDiego M. Rolle, José María Beccaría, Pablo Rodríguez Jáuregui55’ / CHI

14.30 I Paseo 3Pays de CocagnePierre Étaix80’

Heureux anniversairePierre Étaix, Jean-Claude Carrière12’ / ETA

14.45 I Ambassador 2La cárcel del fin del mundoLucía Vassallo77’ / PAN

15.00 I Ambassador 3Ricardo BärNele Wohlatz, Gerardo Naumann93’ / ALT

15.00 I ColónAlgunos días sin músicaMatías Rojo78’ / ARG

15.15 I Ambassador 4Rosita, la favorita del Tercer ReichPablo Berthelon93’ / PCL

15.15 I Paseo 4Cortos - Mar de ChicosVarios directores71’ / CHI

15.30 I Cinema 2Tiro de graciaNicolás Lidijover72’ / LAT

16.15 I Paseo 2EnamoradaEmilio Fernández93’ / ART

16.30 I AuditoriumPelo maloMariana Rondón93’ / INT

16.30 I Paseo 3La muchachada de a bordoManuel Romero78’ / CAS

17.00 I Ambassador 1Our SunhiHong Sang-soo88’ / AUT

17.00 I Cinema 1It’s Me, It’s MeSatoshi Miki119’ / HUM

17.00 I ColónMaravilla, un luchador adentro y afuera del cuadriláteroJuan Pablo Cadaveira90’ / ARG

17.00 I Paseo 1En la PunaLucas Riselli77’ / NAT

17.15 I Ambassador 2Cortos - Super 8 Programa 2Varios directores49’ / SUP

17.30 I Ambassador 3Miradas múltiples, la máquina locaEmilio Maillé93’ / ART

17.45 I Ambassador 4El habilitadoJorge Cedrón75’ / CED

17.45 I Paseo 4Cortos - Programa Ojo al PiojoVarios directores72’ / CHI

18.00 I Cinema 2Tiro de graciaNicolás Lidijover72’ / LAT

18.15 I Paseo 2Salmo rojoMiklós Jancsó87’ / JAN

18.30 I Paseo 3Historia del 900Hugo del Carril105’ / CAS

19.00 I AuditoriumThe Strange Little CatRamon Zürcher72’ / INT

19.30 I Ambassador 1Una segunda oportunidadNicole Holofcener93’ / AUT

19.30 I Cinema 1AlfonsinaChristoph Kühn75’ / ESP

19.30 I ColónLa utilidad de un revisteroAdriano Salgado115’ / ARG

19.30 I Paseo 1El padre de GardelRicardo Casas77’ / ESP

19.45 I Ambassador 2LumpenLuis Ziembrowski87’ / PAN

20.00 I Ambassador 3Mika, mi guerra de EspañaFito Pochat, Javier Olivera78’ / PAN

20.15 I Ambassador 4Tunteyh o el rumor de las piedrasMarina Rubino74’ / NAT

20.15 I Paseo 2Los olvidadosLuis Buñuel88’ / ART

20.15 I Paseo 4Morriña, nostalgia de la tierra natalEsther Goris95’ / PAN

20.30 I Cinema 2Las niñas QuispeSebastián Sepúlveda83’ / LAT

20.30 I Paseo 3El suspirantePierre Étaix83’

RupturePierre Étaix, Jean-Claude Carrière11’ / ETA

21.45 I Ambassador 3Història de la meva mortAlbert Serra148’ / ALT

22.00 I Ambassador 1The DirtiesMatthew Johnson83’ / BMD

22.00 I AuditoriumLa heridaFernando Franco98’ / INT

22.00 I Paseo 1Sacrificial YouthJoe Losurdo77’ / BSO

22.00 I Paseo 2Memorias de un asesinoBong Joon-ho131’ / BON

22.15 I Ambassador 2Justicia propiaSergio Mastroberti86’ / VEN

22.30 I Cinema 1A Touch of SinJia Zhangke129’ / AUT

22.30 I ColónLiberen a GarcíaMaría Boughen78’ / ARG

22.30 I Paseo 3YoyoPierre Étaix92’ / ETA

22.45 I Ambassador 4Fiesta falsaDaniel Peralta116’ / PCL

22.45 I Paseo 4A Masque of Madness (Notes on Film 06-B, Monologue 02)Norbert Pfaffenbichler80’ / ALT

23.00 I Cinema 2Mambo CoolChris Gude62’ / LAT

0.15 I Ambassador 2VideoclubPablo Illanes85’ / VEN

0.15 I Paseo 1Sonno profondoLuciano Onetti66’ / VEN

0.30 I Ambassador 1L’Étrange Couleur des larmes de ton corpsHélène Cattet, Bruno Forzani102’ / HOR

0.30 I Ambassador 3Pays barbareYervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi65’ / ALT

0.30 I Paseo 2El gran LebowskiJoel Coen117’ / VHS

0.30 I Paseo 3EscándaloSalvatore Samperi116’ / FIL

0.45 I Paseo 4No More TourDaniel Gómez, Fermin Muguruza105’ / BSO

1.00 I Ambassador 4Rocío RecorderMarcos Migliavacca, Nahuel Lahora71’ / BSO

¡No te lo pierdas!Palpitando el estreno de la última edición de Historias breves (la octava; mañana a las 20.15 en el Paseo 4), esta tarde las autoridades del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisua-les –encabezadas por su presidenta, Liliana Mazure; la coordinadora del Departamento Cortometraje de la Gerencia de Fomento, Li-liana Amate; y el coordinador del Área de Pro-ducción del Comité Consultivo, Bebe Kamin–

presentarán en nuestro Punto de Encuentro el lujoso box set con nueve DVDs y un pen-drive que recopila las seis primeras ediciones, remasterizadas, del concurso de cortometra-jes que, desde su ya mítica primera versión en el año 1995, representó el punto de partida para muchísimos realizadores, intérpretes y técnicos que hoy juegan en las ligas mayores del cine nacional.

Presentación de la antología en DVD de Historias breves

HOY, 17.00, Punto de Encuentro

Montse Callao Escalada Pablo MarínAgustín MasaedoGustavo SalaGuido SegalDiego Trerotola

DISEÑOCecilia LoidiGastón Olmos

FOTOSHoracio Volpato

COLABORA HOYPablo Conde

PROGRAMA PAÍS - GERENCIA DE ACCIÓN FEDERALNora Araujo

IDENTIDAD VISUALAdrián GoldfridAgustina Turchetto