62 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINEsitio.lag.uia.mx/publico/pdf/fichas-62-mic.pdf · La chica...

Universidad Iberoamericana Torreón

62 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

Tel. 705-10-15 y 73

/Difusión Cultural Ibero [email protected]

Voraz (Julia Ducournau, Francia-Bélgica, 2016)

Viernes 25 de agosto. Clasificación C

Yo, Daniel Blake (Ken Loach, Reino Unido-Francia-Bélgica, 2016)

Sábado 26 de agosto. Clasificación B

La chica desconocida (Jean-Pierre y Luc Dardenne, Francia-Bélgica, 2016)

Domingo 27 de agosto. Clasificación B

La lección (Kristina Grozeva y Petar Valchanov, Grecia, 2014)

Lunes 28 de agosto. Clasificación B

Tras la tormenta (Kore-eda Hirokazu Koreeda, Japón, 2016)

Martes 29 de agosto. Clasificación B

La vida de Calabacín (Claude Barras, Suiza-Francia, 2016)

Miércoles 30 de agosto. Clasificación B

Hogar (Fien Troch, Bélgica, 2016)

Jueves 31 de agosto. Clasificación C

mailto:[email protected]



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Voraz

Raw

Francia-Bélgica, 2016, 99 min.

Dirección y Guión: Julia Ducournau.

Fotografía: Ruben Impens.

Música: Jim Williams.

Edición: Jean-Christophe Bouzy.

Con: Garance Marillier (Justine), Ella Rumpf (Alexia), Rabah Naït Oufella (Adrien), Joana

Preiss (la madre), Laurent Lucas (el padre), Bouli Lanners (el camionero).

CP: Petit Film, Rouge International, Frakas Productions.

Prod: Jean des Forêts, Julie Gayet, Nadia Turincev, Jean-Yves Roubin y Cassandre

Warnauts.

Dist: Caníbal.

Justine, una chica de 16 años, proviene de una familia en la cual todos sus integrantes son

vegetarianos. Al ingresar a la facultad de veterinaria, se ve obligada a comer carne cruda.

Este acto tendrá consecuencias fatales, ya que Justine comenzará a develar su verdadera

y aterradora naturaleza. Con reminiscencias de las delirantes cintas de Dario Argento y

referencias a películas como Carrie: Extraño presentimiento (1976) y Feroz (2000) de John

Fawcett, el primer largometraje de Julia Ducournau es una provocadora película que

conjunta el universo adolescente y sus problemas cotidianos con una atmósfera cruenta y

sangrienta, respetando el fresco rigor del cine de autor europeo.

Premios y festivales

2016 Premio FIPRESCI de la Semana de la Crítica. Festival de Cannes. Francia. | Premio

Ciudadano Kane al Mejor Director Revelación, Premio del Jurado de la Alianza Catalana

de la Juventud a la Mejor Película y Meliès de Plata a la Mejor Película Europea. Festival

Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges. España. | Selección Oficial de la

sección Midnight Madness. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.




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Julia Ducournau

París, Francia, 1983

Tras graduarse de la carrera de Guión en la Escuela Superior de Cine La Fémis de París,

trabajó como redactora y asesora de guiones hasta dirigir su primer cortometraje, Junior

(2011), el cual fue proyectado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Voraz es

su opera prima.

Voraz comienza con un shock total. Una vez advertidos de esto, la experiencia al ver la

coproducción francesa-belga presentada en la Semana de la Crítica de Cannes es

impactante, vigorizante y emocionante. Descrita por Julia Ducournau como una película

“mutante”, la historia recupera el personaje de Justine, protagonista de su cortometraje

Junior (2011), y su universo favorito: los años de escuela y los motivos que les

acompañan, como el alboroto entre compañeros de clase, sin descanso y muy coloreado

por la honestidad y el descaro de la juventud actual, además de los cambios corporales,

diversos nuevos apetitos y la desconcertante voracidad adolescente.

Lo que le espera a esta joven tímida, nacida en el seno de una familia de

veterinarios y vegetarianos, es toda una metamorfosis que empieza con una mordedura

similar a la de una serpiente, y que acabará llegando a las entrañas de su cuerpo. La

escuela a la que Justine ingresa se encuentra permeada por un agente animal que parece

emanar de todos los futuros veterinarios, reflejado en las tradicionales novatadas

(ingeniadas por los mayores) que provocan, además, un acercamiento físico sin pudor

que sexualiza cruelmente sus cuerpos.

El florecer de la pequeña Justine después de descubrir la carne fresca nos ofrece

una sucesión de escenas geniales, amplificadas por la intensidad del vínculo que la une

con su hermana Alexia, y entre ésta y su atractivo amigo gay Adrien. Sin embargo, esta

serie de momentos extraordinariamente fuertes, y que incluso podrían recordar el

imaginario de El resplandor [The Shining, 1980], la crueldad de El señor de las moscas

[Lord of the Flies, 1963] y la explosión hemática de un Dario Argento visto con




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anfetaminas, la genial película de Julia Ducournau no renuncia a un vena artística y de

autor que puede ponerle los pelos de punta a los espectadores, quienes no se

arrepentirán de la experiencia de ver una verdadera y sublime carnicería en la pantalla.

Fragmentos de un texto de Bénédicte Prot

Cineuropa (cineuropa.org)

Cannes, 15 de mayo de 2016

Traducción: Edgar Aldape Morales




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Yo, Daniel Blake

I, Daniel Blake

Reino Unido-Francia-Bélgica, 2016, 100 min.

Dirección: Ken Loach.

Guión: Paul Laverty.

Fotografía: Robbie Ryan.

Música: George Fenton.

Edición: Jonathan Morris.

Con: Dave Johns (Daniel Blake), Hayley Squires (Katie), Dylan McKiernan (Dylan), Briana

Shann (Daisy), Kate Rutter (Ann), Sharon Percy (Sheila).

CP: Sixteen Films, Why Not Productions, Wild Bunch, Les Films du Fleuve, Le Pacte.

Prod: Rebecca O’Brien, Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat y Vincent Maraval.

Dist: Caníbal.

Daniel Blake, un carpintero de 60 años, se ve obligado a acudir a los servicios sociales

para solicitar ayuda después de tener problemas cardiacos. A pesar de que el médico le

ha prohibido trabajar, la administración lo obliga a encontrar un empleo o de lo contrario

recibirá una sanción. Junto a una madre soltera con dos hijos, Daniel intentará superar la

situación, enfrentándose a exigencias burocráticas que se convertirán en un conflicto para

ambos. En esta cinta, el veterano cineasta Ken Loach diseña una mordaz crítica hacia el

gobierno británico que sigue la vena de su trabajo fílmico: un cine político, humanista y

contestatario con una estética hiperrealista que se centra en la clase obrera.

Premios y Festivales

2016 Palma de Oro y Mención Especial del Premio del Jurado Ecuménico. Festival de

Cannes. Francia. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Locarno.

Suiza. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián.

España.

2017 Premio BAFTA al Mejor Filme Británico. Academia Británica de Cine y Televisión.

Reino Unido.




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Ken Loach

Nuneaton, Reino Unido, 1936

Influenciado por la narrativa del Free Cinema y el documental inglés de los años treinta,

desarrolló gran parte de su trabajo como una crítica a la llamada política del Estado de

Bienestar. A partir de Kes (1970), se consolidó como uno de los cineastas más

políticamente comprometidos de su país.

Crítica

Uno pensaría que la sofocante centralización de la industria cinematográfica de hoy en día

habría alentado la creación de un sólido cine político y contestatario. Pero las tiranías

homogéneas de los productos comerciales, respaldadas por los estudios y las redes

sociales, se han vuelto muy poderosas y no dejan escuchar a las voces alternas. Lo

paradójico es que, a pesar de las parábolas religiosas de la extrema derecha, el tipo de

agitador humanista de izquierda en el cual Ken Loach ha focalizado su trabajo desde 1966

(con la representación de la falta de hogar y la pobreza sistemática en Cathy Come Home)

es en gran parte inexistente en esta era de indignación.

Así que tiene sentido que Yo, Daniel Blake, sirva como recordatorio de la capacidad

del cine para generar simpatía por los oprimidos. La crítica de Loach contra el Estado

británico y su deshumanización burocrática hacia los necesitados es brutal, directa, y a su

vez golpea fácilmente el nervio populista. La película sigue a detalle la vida de Daniel

Blake, un carpintero de 60 años, y su camino a través de tediosos procesos burocráticos

del gobierno para asegurar el mantenimiento de sus derechos sociales, disponibles si

acredita que tiene un empleo. Sin embargo, debido a sus problemas del corazón, él no

puede trabajar.

Junto a Katie, una madre soltera con dos hijos, Daniel sorteará la ironía inhumana

de funcionarios que bloquean toda resolución, empuñando portapapeles y plumas como

escudos y dagas. La situación es una reflexión sobre la pérdida de confianza de los




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ciudadanos hacia su gobierno, donde sobresale la deshumanización de un proceso de

evaluación interminable por parte del Estado, particularmente implacable para los adultos

mayores que quizá ni siquiera saben usar una computadora. No obstante, Daniel se

convierte en una especie de héroe de la clase obrera, aunque Loach podría tomar ese

mando, ya que su película se transforma en un punto de debate público, sin importar esa

Palma de Oro que obtuvo en Cannes.

Fragmentos de un texto de Michaek Koresky

Film Comment (filmcomment.com)

Nueva York, noviembre/diciembre de 2016





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La chica desconocida

La fille inconnu

Bélgica-Francia, 2016, 106 min.

Dirección y Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Fotografía: Alain Marcoen.

Edición: Marie-Hélène Dozo.

Con: Adèle Haenel (Jenny Davin), Olivier Bonnaud (Julien), Louka Minnella (Bryan),

Jérémie Renier (padre de Bryan), Christelle Cornil (madre de Bryan), Nadège Ouedraogo

(cajera de cibercafé), Yves Larec (doctor Habran), Ben Hamidou (inspector). CP: Les

Films du Fleuve, Archipel 35, Savage Film, France 2 Cinéma, VOO, Be Tv, RTBF

(Télévision belge).

Prod: Jean-Pierre y Luc Dardenne, Denis Freyd.

Dist: ND Mantarraya.

Jenny, una joven médico de familia, se siente culpable por no haber abierto la puerta de su

consultorio a una chica a la que encuentran muerta poco después. Al saber que la policía

no tiene forma de identificarla, Jenny decide llevar a cabo su propia investigación para

averiguar toda la información posible sobre la misteriosa mujer, asumiendo así una

implicación personal en el caso. Los hermanos Dardenne ofrecen una nueva parábola

social sobre el tema de la responsabilidad individual y la inmigración, con una puesta en

escena aséptica y sin efectismos que hace gala del clásico estilo visual de los cineastas

belgas.


2016 Selección Oficial. Festival de Cine de Cannes. Francia

2017 Nominación al César a la Mejor Película Extranjera. Academia de las Artes y

Técnicas del Cine de Francia | Nominación al Premio Lumière a la Mejor Película

Francófona. Académie des Lumières. Francia.




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Jean-Pierre Dardenne / Luc Dardenne

Lieja, Bélgica, 1951 / Lieja, Bélgica, 1954

Escriben, dirigen y producen juntos todas sus películas. Comenzaron su carrera realizando

documentales hasta que en 1987 rodaron su primera obra de ficción, Falsch. Dos veces

ganadores de la Palma de Oro, son considerados como la gran voz del cine social

europeo.

Crítica

«Un buen médico debe controlar sus emociones», explica severamente la doctora Jenny

Davin a su intimidado interno Julien, en un irónico prólogo a una serie de acontecimientos

que la verán aprovechar sus propios sentimientos un tanto reprimidos, a fin de servir

plenamente sus responsabilidades como médico. El intercambio de palabras siguiente con

Julien –él quiere abrir la puerta al paciente, ella insiste en que es demasiado tarde– es lo

que da inicio al más reciente thriller moral de los hermanos Dardenne.

El visitante inoportuno resulta ser una prostituta de ascendencia africana que muere

en misteriosas circunstancias poco tiempo después, y cuya identidad es desconocida

cuando la policía encuentra su cuerpo. Darse cuenta de que «si hubiera abierto la puerta,

ella estaría todavía con vida», lleva a Jenny a reflexionar sobre su propio camino

profesional, así como a llevar a cabo una investigación amateur. La mirada investigativa

de Jenny no solamente recae en la mujer fallecida, sino también en los aspectos de su

propio carácter que tuvieron que ver en la tragedia.

Hay algo impresionante en este momento, tanto en términos de lo que se refiere a

la interconexión humana –que un momento impulsivo de mezquindad puede tener

consecuencias monumentales– y lo que revela sobre la narración de los Dardenne. El

estado de ánimo de Jenny al inicio de la película –estresada, intimidante–, no es explicado

en términos específicos, sin embargo es completamente familiar: todos hemos estado allí.

Parte de la rareza de los Dardenne como narradores es su capacidad para reconocer no




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sólo el carácter moral básico y las circunstancias sociales, sino también el estado de

ánimo como punto esencial. La vida de Jenny se descarriló y la de alguien más terminó en

parte por un mal humor. La cruzada de Jenny para saber más sobre la mujer muerta es

un intento de aliviar su propio trauma y también un despertar moral de su capacidad para

efectuar el cambio. La chica muerta no es la única desconocida, Jenny también es un

enigma, para ella misma y para nosotros.

Fragmentos de un texto de Hannah Mcgill

Sight & Sound, vol.26, núm.12

Londres, diciembre de 2016

Traducción Israel Ruiz Arreola




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La lección

Urok

Bulgaria, Grecia, 2014, 111 min.

Dirección y Guión: Kristina Grozeva, Petar Valchanov.

Fotografía: Krum Rodriguez.

Edición: Petar Valchanov.

Con: Margita Gosheva (Nadezhda), Ivan Barnev (Mladen), Stefan Denolyubov

(prestamista), Ivan Savov, Ivanka Bratoeva.

CP: Abraxas Film, Graal Films, Little Wing Productions.

Prod: Kristina Grozeva, Konstantina Stavrianou, Irini Vougioukalou.

Dist: Mirada Distribution.

En un pequeño pueblo de Bulgaria, Nadezhda, una joven profesora, intenta descubrir al

alumno que roba en su clase para enseñar una lección en torno al concepto de lo bueno y

lo malo. Sin embargo, cuando se endeuda con algunos prestamistas, ¿sabrá cuál es el

camino correcto? ¿Qué factor hace que una persona se convierta en un delincuente? El

primer largometraje de ficción de Kristina Grozeva y Petar Valchanov intenta responder

esta pregunta al revelar poco a poco detalles de su protagonista mientras se sumerge en

la estática vida de una villa búlgara, todo con el objetivo de simbolizar la rebelión del ser

humano frente a un mundo actual definido como cínico y mercantil.


2015 Nominación al Premio FIPRESCI. Festival de Cine de Jerusalén. Israel. /

Nominaciones a los premios Big Screen y KNF. Festival Internacional de Cine de

Róterdam. Países Bajos. / Mejor Dirección y Mejor Actriz (Margita Gosheva). Festival

Internacional de Cine de Transilvania. Estados Unidos.

2014 Alejandro de Bronce. Festival de Cine de Tesalónica. Grecia. / Gran Premio y

Premio Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Tokio. Japón.




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Kristina Grozeva / Petar Valchanov

Sofía, Bulgaria, 1976 / Plovdiv, Bulgaria, 1982

Tras codirigir el documental A Parable of Life (2009), los dos realizadores iniciaron una

estrecha colaboración que ha resultado en la creación de guiones, cortometrajes y

documentales. La lección es su debut en el largometraje de ficción, precedido por Glory

(Slava, 2016).

Crítica

Situándose en el malestar de una Bulgaria inmersa en las secuelas del sistema comunista,

los directores y guionistas Kristina Grozeva y Petar Valchanov han confeccionado un

relato sobre la moral que cobra fuerza gradualmente. La lección sigue a una profesora de

primaria llevada por el deseo de enseñar a sus alumnos el valor de la honestidad, sólo

para darse cuenta, más tarde y de primera mano, lo que significará tomar medidas

desesperadas cuando ella misma se vea confrontada por terribles circunstancias

económicas.

En la primera escena de la película, los alumnos de una clase son confrontados a

una frase escrita en el pizarrón: «Alguien ha robado mi cartera». Esto va más allá de ser

sólo un ejercicio lingüístico: en efecto, uno de los alumnos ha sido víctima de un robo, y la

maestra, Nade (Margita Gosheva) les pide leer la frase en voz alta. Tiene buenas

intenciones, pero lo primero que consigue es humillar a la joven Katya. Cuando nadie

admite su responsabilidad, Nade le pide que revise la mochila de sus compañeros sin

ninguna evidencia.

El preludio se erige como una metáfora sobre las dificultades profundamente

arraigas de una nación desilusionada tras la disolución del Bloque del Este. Los ideales no

son para los débiles de corazón, y Nade aprenderá su propia lección cuando el banco

reclame su casa. Los directores proceden entonces a darle vida a una íntima historia

sobre la moral individual frente a un contexto de caóticas condiciones sociopolíticas. Si el

guión del filme está endeudado con Dostoievski, su realización imita a la de los hermanos




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Dardenne en El silencio de Lorna [2008], utilizando un estilo de cámara en mano que se

enfoca en la protagonista.

La lección es un interesante debut en el largometraje de ficción para Kristina

Grozeva y Petar Valchanov. El bajo perfil, las grandes actuaciones y el estilo

completamente consistente de la película, retienen nuestra atención y evocan no tanto el

“crimen y el castigo” como el “crimen y la desilusión”.

Fragmentos de un texto de Hans Morgenstern

Film Comment (filmcomment.com)

Nueva York, 4 de marzo de 2015

Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco




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Tras la tormenta

Umi yori mo mada fukaku

Japón, 2016, 117 min.

Dirección, Guión y Edición: Hirokazu Kore-eda.

Fotografía: Yutaka Yamazaki.

Música: Hanaregumi.

Con: Hiroshi Abe (Ryota Shinoda), Yōko Maki (Kyoko Shiraishi), Taiyô Yoshizawa (Shingo

Shiraishi), Kirin Kiki (Yoshiko Shinoda), Satomi Kobayashi (hermana de Ryota), Shôno

Hayama (estudiante de secundaria).

CP: Aoi Pro. Inc., Fuji Television Network, Bandai Visual Co., Gaga Corporation.

Prod: Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi y Akihiko Yose.

Dist: ND Mantarraya.

A pesar de haber tenido una prometedora carrera como escritor, Ryota lleva una vida

espinosa: se divorció de su esposa y gasta en apuestas todo el dinero que gana como

detective privado, lo que no le permite pagar la manutención de su hijo de once años. La

oportunidad de Ryota para intentar ganar de nuevo la confianza de sus seres queridos se

presenta cuando un tifón hace que él y los integrantes de su familia se vean obligados a

pasar una noche juntos. El más reciente largometraje de Hirokazu Kore-eda recupera el

incisivo análisis a las relaciones familiares que el director ha desarrollado en su trabajo

previo, a partir de examinar a sus personajes bajo una mirada tierna y agridulce.


2016 Selección Oficial de la sección Una Cierta Mirada. Festival de Cannes. Francia. |

Selección Oficial de la sección Perlas. Festival Internacional de Cine de Donostia-San

Sebastián. España | Selección Oficial de la Competencia Internacional. Festival

Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.




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Hirokazu Kore-eda

Tokio, Japón, 1964

Realizó su primer largometraje en 1995, el cual fue premiado en la Muestra de Venecia.

Su trabajo fílmico examina las relaciones familiares con una mirada cálida que también

retrata las vicisitudes de la sociedad japonesa, como lo hizo en De tal padre, tal hijo (2013)

y Nuestra pequeña hermana (2015).

Crítica

Hirokazu Kore-eda parece condenado a la comparación con Yasujirō Ozu. Desde que se

estrenara en la ficción con Maboroshi no Hikari (1995), la crítica quiso ver en él a un

continuador de la tradición del shomingeki, esos dramas sobre la vida cotidiana de las

clases medias que popularizó la productora Shochiku en la edad dorada del cine japonés.

Kore-eda es uno de los pocos directores japoneses contemporáneos que recogen y

actualizan la inquietud de Ozu y el shomingeki por retratar a la sociedad de su tiempo

desde la institución familiar. En Tras la tormenta, un marcado minimalismo es lo que le

permite encontrar resonancias más afines a la obra de Ozu, mismas que no se habían

visto tanto en sus trabajos previos.

Esta película es restrictiva en lo temporal (abarca sólo unos días en el relato

fílmico), en lo espacial (un solo espacio doméstico que totaliza casi todo el metraje), en lo

estructural (una larga secuencia inicial y otra final que suponen dos tercios del tiempo

total), en sus personajes (centra casi todos sus recursos en profundizar la descripción de

su protagonista) y en lo expresivo (no replica la dulzura de Nuestra pequeña hermana

[2015] ni el discurso de De tal padre, tal hijo [2013]). Todos estos son trazos minimalistas

paralelos a la obra de Ozu. Es más, incluso se sitúa en la época de año de los títulos

metafóricos del maestro Ozu: el verano tardío y el paso hacia la melancólica madurez

otoñal.

No obstante, Kore-eda explota un recurso habitual de su cine: los depósitos de

memoria. El uso de objetos ordinarios llenos de significado al constituir detonantes de los




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recuerdos de sus personajes, se convierten en ese depositario donde se mezclan la

dulzura y la amargura que entrañan los ecos del pasado, lo que da cabida a una

combinación cálida de sabores que hacen de la cinta un relato entrañable. En ese sentido,

el acercamiento de Kore-eda a las complejidades de la familia recoge mejor que nunca la

esencia de Ozu y, por encima de todo, su espíritu.

Fragmentos de un texto de Miguel Muñoz Garnica

El antepenúltimo mohicano (elantepenultimomohicano.com)

Cáceres, 1 de noviembre de 2016




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La vida de Calabacín

Ma vie de Courgette

Suiza-Francia, 2016, 66 min.

Dirección: Claude Barras.

Guión: Céline Sciamma, basada en la novela Autobiographie d'une courgette de Gilles

Paris.

Fotografía: David Toutevoix.

Música: Sophie Hunger. E: Valentin Rotelli.

Voces originales: Gaspard Schlatter (Calabacín), Sixtine Murat (Camille), Paulin Jaccoud

(Simon), Michel Vuillermoz (Raymond), Raul Ribera (Ahmed), Estelle Hennard (Alice).

CP: Rita Productions, Blue Spirit, Gebeka Films, KNM.

Prod: Max Karli, Pauline Gygax, Marc Bonny, Armelle Glorennec, Eric Jacquot.

Dist: Cinépolis Distribución.

Tras la repentina muerte de su madre alcohólica, Calabacín se verá obligado a ingresar en

un orfanato con otros niños de su edad que han vivido historias igual de trágicas con sus

padres. En ese ambiente marcado por el dolor y el abandono, Calabacín aprenderá a

rehacer los vínculos de afecto y confianza. El primer largometraje de Claude Barras,

nominado al Óscar a la Mejor Película de Animación, explora las implicaciones sociales y

morales de la orfandad esquivando toda cursilería y amarillismo. Con las dosis exactas de

ternura y realismo, La vida de Calabacín sobresale por contar a través de la animación en

stop-motion un tema tan delicado sin condescendencia forzada hacia el público infantil.

Claude Barras

Sierre, Suiza, 1973

Estudió ilustración y computación gráfica en la escuela de dibujo École Émile-Cohl y en la

Escuela Cantonal de Arte y Diseño de Lausana. Ha trabajado como ilustrador

independiente y ha dirigido varios cortometrajes animados. Centrándose en la niñez, sus

historias están llenas de realismo, fantasía y humor.




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2017 Nominación al Óscar a la Mejor Película de Animación. Academia de Artes y

Ciencias Cinematográficas. Estados Unidos. | Nominación a la Mejor Película, Mejor

Música y Mejor Edición. Premios del Cine Suizo. Suiza

2016 Premio del Público. Festival Internacional de Cine Donostia-San Sebastián. España.

| Premio a Mejor Película de Animación. Premios del Cine Europeo | Cristal al Mejor

Largometraje y Premio del Público. Festival Internacional de Cine de Animación de

Annecy. Francia. | Premio del Jurado Infantil. Festival de Cine de Zúrich. Suiza. | Quincena

de realizadores. Festival de Cine de Cannes. Francia. | Premio del Público al Mejor

Largometraje. Festival de Cine de Varsovia. Polonia.

Crítica

Dejemos a una película de animación acercarse más a la realidad de la experiencia de ser

un huérfano que Annie [1982], Matilda [1996] o cualquier melodrama live-action. Adaptada

de la novela de Gilles Paris por la guionista joven más experimentada de Francia, Céline

Sciamma (Girlhood [2014]), La vida de Calabacín, del director suizo Cluade Barras, cuenta

una historia sencilla de forma sencilla desde el punto de vista de un niño atormentado de

nueve años que relata su estancia en un orfanato tras la muerte de su madre alcohólica.

[Calabacín] pronto descubre que los otros niños del orfanato de Fontaines tuvieron

una infancia igualmente dura: el padre de Ahmed fue arrestado por robar una tienda de

conveniencia; el padre de Alice fue apartado por comportamiento inapropiado y la recién

llegada Camille (de quien Calabacín se enamora instantáneamente) fue testigo del

asesinato-suicidio de sus padres.

Ésta no es la materia de la cual las películas infantiles son hechas típicamente, y

mientras La vida de Calabacín cae en esa zona de la animación que es bastante madura

para que los adultos la aprecien, aborda con franqueza los hechos de la vida de una

manera que ni condesciende ni marca con una cicatriz a las audiencias más jóvenes.




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Capturar y transmitir ese estado de ánimo sin caer en territorio pesimista o

deprimente es más difícil de lo que parece, pero La vida de Calabacín encuentra ese

equilibrio. Aunque de colores brillantes y atractivamente diseñados, los personajes

ligeramente dañados tienen las narices torcidas y cicatrices faciales que nunca son

explicadas –evidencia externa de todo lo que han pasado a través de su corta edad. Pero

también encuentran ligereza en sus días, ya sea especulando sobre dónde vienen los

bebés o llevando a cabo una lucha de bolas de nieve. La animación nunca teme en ser

linda, pero lo más importante, está comprometida a ser real.

Fragmentos de un texto de Peter Debruge

Variety (variety.com)

Los Ángeles, 15 de mayo de 2016

Traducción: Israel Ruiz Arreola




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Hogar

Home

Bélgica, 2016, 103 min.

Dirección: Fien Troch.

Guión: Fien Troch y Nico Leunen.

Fotografía: Frank van den Eeden.

Música: Johnny Jewel.

Edición: Nico Leunen.

Con: Sebastian Van Dun (Kevin), Mistral Guidotti (John), Loïc Batog (Sammy), Lena

Siujkerbuijk (Lina), Robbie Cleiren (Willem), Karlijn Sileghem (Sonja).

CP: Prime Time, Versus Production, Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel de la Fédération

Wallonie-Bruxelles.

Prod: Antonino Lombardo, Jacques-Henri Bronckart y Olivier Bronckart.

Dist: Alfhaville Cinema.

Kevin, un chico que acaba de salir de un centro de detención, se instala en la casa de sus

tíos, los padres de Sammy, quien fuma en la cocina de su casa. Por otra parte, Lina lidia

con las recriminaciones del director de su colegio, mientras John ignora las

amonestaciones del vigilante del instituto. La madurez y el halo delincuente de Kevin

impresionan a esta pequeña pandilla, cuya amistad crece y se conduce, inevitablemente, a

un destino trágico. En Hogar, la directora Fien Troch plasma la realidad cotidiana de la

juventud actual, a partir de una arriesgada trama que pone en escena los impulsos

narcisistas e hipersexualizados de unos adolescentes influidos por las drogas y la

tecnología.


2016 Premio Horizontes al Mejor Director. Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia.

Italia. | Premio de la Audiencia, Premio CANVAS de la Audiencia, Premio Georges Delerue

a la Mejor Música y Mención Especial del Premio del Jurado Joven. Festival Internacional

de Cine de Ghent. Bélgica. | Selección Oficial de la sección Platform. Festival Internacional

de Cine de Toronto. Canadá.




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Fien Troch

Londerzeel, Bélgica, 1978

Antes de graduarse de la Escuela de Artes LUCA de Bruselas en 2000, empezó a escribir

Someone Else’s Happiness (Een ander zijn geluk), su primer largometraje que después

fue proyectado en festivales como San Sebastián. En 2011 filmó Kid, cinta que la

consolidó como una directora promesa de su país.

Crítica

Hoy en día, algunos realizadores emplean el formato cuadrado de fotografía (1.33:1) para

replicar los cánones del cine clásico de la época de oro hollywoodense. Otros tantos miran

al presente, y afeitan los marcos para reflejar el encuadre favorito de la generación

Instagram. Hogar, de la directora belga Fien Troch, se orienta en la segunda vertiente.

Ajustando su imagen a la medida del video de iPhone, este drama políticamente incorrecto

se fija en la tecnología como una de las muchas barreras de comunicación entre los

adolescentes contemporáneos y sus padres, bajo una irónica mirada que devela los

temores personales y las frustraciones de la juventud actual.

El guión de Troch, coescrito con su editor y esposo Nico Leunen, toma su tiempo en

elegir una hebra dominante para el relato, inmerso en un torbellino de confrontaciones

entre jóvenes interconectados y figuras de autoridad exasperadas. La directora identifica la

delgada línea entre la bienintencionada unidad de sus protagonistas y la involuntaria mala

influencia de las redes sociales que los empuja a las aguas del riesgo y las malas

acciones. El desarrollo de la historia representa una colaboración irresponsable entre

padres e hijos que no saben interactuar.

Troch adopta una placentera postura amoral en torno a la posesión de drogas y las

expresiones sexuales (casuales y explícitas) de sus jóvenes al filmar su comportamiento

con franqueza y sin ninguna implicación por parte de la cámara, la cual funciona como el

registro de algún smartphone o un video de YouTube sujeto a preservar la vida cotidiana




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de los personajes. La juventud es vista sin ninguna interferencia editorial y, de hecho, la

estremecedora fotografía a cargo de [Frank] van den Eeden casi se alinea con la imagen

vertical ocasionalmente disparada en la puesta en escena, que junto al encuadre 1.33:1 y

el formato de iPhone, contribuye a crear una sensación de claustrofobia en esta

impresionante colección de cuerpos jóvenes inconclusos.

Fragmentos de un texto de Guy Lodge

Variety (variety.com)

Venecia, 10 de septiembre de 2016



62 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINEsitio.lag.uia.mx/publico/pdf/fichas-62-mic.pdf · La chica...

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