FACULTAD DE ARTES
2013
Libro de Animadores
Por: Cecilia Valentina Quiroz Ramírez
I M A G E N Y A N I M A C I Ó N D I G I T A L
2
Libro de Animadores
Cecilia Valentina
Quiroz Ramírez
3
Flipbook…………………………………………………………………………………….5 Persistencia Retiniana……………………………………………………………………..6 Aparatos de animación……………………………………………………………………7 Edward Muybridge…………………………………………………..……………………8 Emile Reynaud……………………………………………………………………………..9 Georges Melies……………………………………………………………………………10 Emile Cohl………………………………………………………………………………...11 J. Stuart Blackton……………………………………………….………………………...12 Winsor McCay………………………………………….………………………………...13 Quirino Cristiani…………………………………………………...……………………..14 Pat Sullivan……………………………………………………………………………….15 Otto Messmer……….…………………………………………………………………….16 Lotte Reinigers……………………………………………………………………………17 Tony Sargs………………………………………………………………………………...18 Max Fleischer…………………………………………………………………………….19 Walter Lantz……………………………………………………………………………...20 Walt Disney……………………………………………………………………………….21 Berthold Bartosh………………………………………………………………….………22 Bill Nolan………………………………………………………………………………….23 Chuck Jones……………………………………………………………………………….24 Friz Freleng……………………………………………………………………………….25 Oskar Fischinger………………………………………………………………………….26 Robert Emerson…………………………………………………………………………..27 Shamus Culhane………………………………………………………………………….28 Ubbe Ert Iwwerks………………………………………………………………………...29 William Hanna……………………………………………………………………………30 Tex Avery…………………………………………………………………………………31 John Hubley……………………………………………………………………………....32 Joseph Barbera……………………………………………………………………………33 Ray Harryhausen…………………………………………………………………………34 Jules Engel………………………………………………………………………………...35 Norman Mclaren…………………………………………………………………………36 Peter Foldes……………………………………………………………………………….37 Heinz Edelmann………………………………………………………………………….38 Jiri Trnka………………………………………………………………………………….39 Manuel García Ferré……………………………………………………………………..40 Osamu Tezuka……………………………………………………………………………41 Ralph Bakshi……………………………………………………………………………...42 Richard Williams…………………………………………………………………………43 Terry Gillian………………………………………………………………………………44 Don Bluth………………………………………………………………………………….45
Índice
4
Carlos Carrera……………………………………………………………………………46 René Castillo……………………………………………………………………………...47 Bill Meléndez……………………………………………………………………………..48 Ricardo Adrián Lozoya………………………………………………………………….49 Guillermo del Toro……………………………………………………………………….50 Rodolfo Riva Palacio……………………………………………………………………..51 12 Principios Básicos de Animación……………………………………………………53 Personaje…………………………………………………………………………………..59 Hemerografía…………………………………………………………………………..…62
5
FLIPBOOK
Flipbook es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente
de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente,
las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son
ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y
emplear una serie de animaciones.
Son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película
cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de
movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En
lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el
mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también
ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la
forma normal de verlo es teniendo el flipbook con una mano y pasar las páginas
con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de
pulgar que refleja este proceso.
6
PERSITENCIA RETINIANA
La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter
Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana
una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios,
esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes
ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un
objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de
imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve
con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las
imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola
imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y
provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo
(generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en
televisión se da 25 fotogramas por segundo).
Quienes le asignan algún valor a la persistencia retiniana se basan en argumentos
débiles como estos: "El ojo hace que cualquier imagen vista se grabe en la retina
por un corto tiempo (durante aproximadamente 0,1 segundos). Por ejemplo, al
colocar un objeto frente a la vista y retirarlo rápidamente, cualquier persona que
estuviera mirándolo lo seguirá viendo, porque el cerebro retiene la impresión de la
luz. Esta impresión es notoria al mirar por un momento una fuente de luz como el
sol y luego apartar la vista." Una revisión de este argumento nos lleva a la
conclusión de que si se superpusieran en la retina diversos estímulos visuales
entonces el resultado no sería movimiento sino a lo sumo la mezcla o confusión de
dichos estímulos dando lugar a imágenes borrosas
7
APARATOS DE ANIMACIÓN
Praxinoscopio: Uno de los primeros aparatos de
animación, similar a un zoótropo, que usa espejos en
vez de rendijas.
Rotoscopio: Un instrumento que permite que el
animador tracé metraje en vivo cuadro por
cuadro.
Taumatropo: Un disco plano con un dibujo
diferente en cada lado. Cuando se hace girar el
disco, los dibujos aparentan combinarse. Un
ejemplo común es uno con un ave en un lado
y una jaula en el otro.
Zoótropo: Un cilindro vacio que contiene una cinta de papel con imágenes
secuénciales. Cuando se pone a girar el cilindro, las imágenes son vistas por
rendijas separadas por una distancia fija y parece que se están moviendo.
8
EDWARD MUYBRIDGE
Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward
James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador
nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el
9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando
emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de
mayo de 1904. Sus experimentos sobre la
cronofotografía sirvieron de base para el posterior
invento del cinematógrafo.
En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California.
Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central
Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante,
durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el
suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de
Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.
En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California.
Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central
Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante,
durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el
suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de
Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.
9
EMILE REYNAUD
Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de
diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918)
fue un inventor y pionero del cine de animación francés
que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en
1877. Patentó una mejora considerable de su invento en
1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique
(Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la
película, como medio de arrastre mecánico. Sus
proyecciones estaban sincronizadas con música
compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas
humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en
conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual
dotado de argumento.
Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por
cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un
tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en
todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó
este sistema con el nombre de praxinoscopio.
Películas de animación
Un bon bock (1888)
Clown et ses chiens (1892)
Pauvre pierrot! (1892)
Rêve au coin du feu (1895)
Autour d'une cabine (1895)
Películas cinematográficas
Guillaume Tell (1896)
Le premier cigare (1897)
10
GEORGE MELIÉS
Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero
de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso
por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos
en los albores de la cinematografía. Méliès, un
prolífico innovador en el uso de efectos especiales,
descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue
uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples
exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las
disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados
a mano. Gracias a su habilidad para manipular y
transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un
«mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje
imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio
Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del
cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su
temprana película Le Manoir du Diable (1896).
Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la
industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto
con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue
declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.
11
EMILE COHL
Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un
dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de
1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938.
Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.
Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en
las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo,
juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.
También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor
dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista.
Era uno de los clientes asiduos de los cabarets
parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue
miembro del club literario Les Hydropathes.
Son 36 metros de película que cambiaron la historia y alumbraron el camino para
muchos otros dibujantes que, a partir de entonces, soñaron con realizar grandes
películas de dibujos animados. He aquí esta pequeña joya, Fantasmagorie.
12
J . STUART BLACKTON
James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la
invención de Edison dan inicio a la historia de la
animación en los EEUU. La animación como animación
ya había sido experimentada antes, en américa Blackton
se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el
mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones
y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon
imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya
habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros
rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en
un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al
final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous
Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa.
James Stuart Blackton el artista de vodevil unido
a la invención de Edison dan inicio a la historia de
la animación en los EEUU. La animación como
animación ya había sido experimentada antes, en
américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a
él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara
para realizar apariciones y desapariciones (un
primigenio efecto especial)crearon imagénes
fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya
habia aparecido realizando su acto de dibujar
rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado
"el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas
formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la
primera película animada en américa.
La animación americana debe sus principios a J. Stuart Blackton, un cineasta ingles
que creó la primera película animada en América. Antes crear dibujos animados,
Blackton era un artista de vodevil conocido como "El Komikal Kartoonist." En su
acto, él dibujaba caricaturas rapidamente.
13
WINSOR MCCAY
Zenas Winsor McCay, conocido como
Winsor McCay (Woodstock, Ontario,
Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva
York, 26 de julio de 1934) fue un historietista
estadounidense, uno de los más importantes
de la historia del cómic, autor del clásico
Little Nemo in Slumberland. Fue también
un destacado pionero del cine de
animación, muy influyente en autores como
Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el
dinosaurio.
Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906),
historia en la que los estornudos del pequeño
Sammy producen inimaginables catástrofes. La
temática onírica aparece, al año siguiente, en uno
de sus trabajos más recordados, Dreams of a
Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las
desmadradas pesadillas de un impenitente
aficionado a las fondues de queso.
La calidad de su trabajo llamó la atención de James Gordon Bennett, de la New
York Herald Co., a instancias del cual McCay se trasladó a Nueva York y comenzó
a colaborar en las publicaciones de Bennett, el New York Herald y el Evening
Telegram. Para estas cabeceras realizó una gran cantidad de cómics, entre los que
pueden citarse Dull Care, Poor Jake, The Man From Montclair, The Faithful
Employee, Mr. Bosch, A Pilgrim's Progress, Midsummer Day Dreams, It's Nice to
be Married y Sister's Little Sister's Beau, entre otros. Para sus cómics del Evening
Telegram utilizaba el seudónimo Silas.
Como uno de los importantes historietistas de la historia, Winsor McCay
estableció, anticipándose al cine, el moderno lenguaje visual de planos y raccords,
además de destacar como notable pionero de los dibujos animados. Tan sólo cinco
años después de La interpretación de los sueños de Freud, su emblemática serie
Little Nemo relata el mundo onírico de un niño e incorpora al cómic la estética
modernista del art déco.
14
QUIRINO CRISTIANI
Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 −
Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y
director de animación italiano radicado en Argentina
responsable de los dos primeros largometrajes de
animación y del primer largometraje de animación
sonoro del mundo.
En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el
italiano Federico Valle (que poseía un estudio
cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar
caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.1
Ante la indicación por parte de Valle que no
admitiría imágenes fijas en sus filmaciones,
Cristiani debió idear una manera de darle
movimiento a sus dibujos. Con estas
influencias fue que desarrolló las técnicas de
la animación, que le permitieron realizar en
1917 el primer largometraje de dibujos
animados de la historia, El apóstol. El
largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la
cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el
film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo),3
además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso
de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras
Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.4
En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un
episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba,
referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino
alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban
el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las
excusas del Imperio Alemán.
15
Pat Sullivan
Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero
de 1933) fue un productor australiano,
conocido por la producción de los
primeros cortos mudos de el gato Félix.
Es un tema de disputa quien creó al
personaje, él o el animador Otto
Messmer. Félix fue el personaje
animado más popular hasta los años
1930, cuando los distribuidores de
Sullivan cancelaron su contrato ya que
se negó a trabajar en el cine sonoro.
Sullivan lo pensó nuevamente y en
1933 anunció que el personaje
regresaría con sonido, pero murió un
año después del inicio de la producción.
En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la
violación de una niña de 14 años de edad.
Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.
16
Otto Messmer
(16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de
1983) fue un animador estadounidense,
conocido por su trabajo en los dibujos
animados y tiras cómicas de el gato Félix,
producidos por el estudio de Pat Sullivan. El
grado de participación de Messmer en la
creación y popularidad de Félix es motivo de
disputa, debido particularmente a que
demandó su importancia luego de la muerte
de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.
17
Charlotte Reiniger
Charlotte Reiniger (2 de
junio de 1899 Berlín-
Charlottenburg, Imperio
Alemán - † 19 de junio de
1981 Dettenhausen, RFA)
fue una cineasta alemana
(posteriormente
nacionalizada británica),
famosa por sus películas de
animación con siluetas,
especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926).
En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y
fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la
agencia de publicidad Pinschewer contrató a varios animadores abstractos durante
la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de
imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia
onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época,
Reiniger se convirtió en le centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores
alemanes.
En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen,
admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje.
18
Anthony Sarg
Anthony Sarg, el Titiritero Americano
(American Puppeter) aunque quiso la historia
que al igual que Alfred Stieglitz, su país de
origen fuera Alemania, pero es en los Estados
Unidos donde tiene el honor de hacer una de
las primeras animaciones en la técnica del
recorte, estas, de seguro fueron inspiradas
acaso por lo que un año antes proyectara
Wilies O´Brien que participo en el grabado de
la animación 10000BC bajo la firma de Edison.
En todo caso, lo más sobresaliente de Tony
Sarg, quiere la historia, que desde 1928 se contrato a este emblemático de las
ARTES en pequeño para que realizara los globos gigantes que con la figura de
personajes de la cultura de masas el Almacén Macy´s estableció como una
tradición del día de Acción de Gracias en Nueva York, así es, esos globos gigantes
que vemos hoy fueron desarrollados en un principio por este genio de las ARTES y
MEDIOS modernos.
19
Max Fleischer
Max Fleischer (Cracovia, 19 de
julio de 1883 – Los Ángeles, 11
de septiembre de 1972) fue uno
de los pioneros en la creación de
dibujos animados. Es el creador
de Betty Boop y Koko el payaso,
y quien llevara al cine a Popeye
y al Superman animado.
También se encargó de realizar
unas cuantas innovaciones
tecnológicas.
Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para
usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917.
Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.
En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y
cortometrajes.
Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de
sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.
Hizo los primeros dibujos animados
con sonido de la historia en 1924
usando un proceso de
sincronización de Lee De Forest.
Aunque la compañía Disney se lo
adjudica a su corto Steamboat
Willie, que fue realizado años más
tarde.
Su hijo Richard Fleischer se dedicó
al mundo de la dirección de cine.
20
Walter Benjamin Lantz
Walter Benjamin Lantz (Nueva
Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899
– Burbank, EE. UU., 22 de marzo de
1994) fue un caricaturista y animador
estadounidense, conocido por fundar
Walter Lantz Productions y crear al
Pájaro Loco.
Walter Lantz nació como Walter
Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899
en Nueva Rochelle en una familia de
inmigrantes italianos, sus padres
fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri,
Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por
correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz
fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente,
este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación.
Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo
del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el
garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka
además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American,
su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el
periódico, se dedicó a la escuela de arte.
21
Walter Elias Disney
Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de
diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de
diciembre de 1966) fue un productor, director,
guionista y animador estadounidense. Figura
capital del cine de animación en los Estados
Unidos y en todo el mundo, es considerado un
icono internacional gracias a su influencia y sus
importantes contribuciones a la industria del
entretenimiento estadounidense durante gran
parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano
Roy O. Disney la compañía Walt Disney
Productions,1 que años después se convirtió en
la más célebre productora del campo de la
animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y
entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de
The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000
millones de dólares.2
En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como
productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador
de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de
animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la
que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa
carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total
de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo
convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.
22
B. Bartosch
En 1932, el checo Berthold
Bartosch realizó L'Idée, La idea,
un corto eminentemente
político, radical y
revolucionario, que presenta a la
idea como algo que no puede ser
destruido, a pesar de
persecuciones o dogmatismos.
Realizado a base de pinceladas
gruesas y sombras arriesgadas,
resaltadas por el uso del blanco
y negro. Dura media hora, con
partitura de Arthur Honegger,
uno de los compositores de la
vanguardia musical francesa de
ese tiempo. Utiliza técnicamente
el principio de la animación por
sustracción de fotogramas, que
también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel
recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que
simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte
Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el
corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la
Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.
23
Bill Nolan
William "Bill" Nolan (June
10, 1894 – December 6,
1954) was an Irish-
American animated
cartoon writer, animator,
director, and artist. He is
best known for creating
and perfecting the rubber
hose style of animation
and for streamlining Felix
the Cat. From 1925 to
1927, he worked on a
loose animated
adaptation of George Herriman's Krazy Kat for Margaret J. Winkler and from 1929
to 1934, worked as an animator, storyman, and director at the Walter Lantz Studio
on the Oswald the Lucky Rabbit series.
24
"Chuck" Jones
Charles Martin "Chuck" Jones (Spokane
(Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del
Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un
animador, caricaturista, guionista, productor y
director estadounidense, siendo su trabajo más
importante los cortometrajes de Looney Tunes y
Merrie Melodies del estudio de animación de Warner
Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el
estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos,
Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.
Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el
estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con
el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva
serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado.
Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y
otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.
25
Friz Freleng
Isadore "Friz" Freleng (21 de
agosto de 1906 –26 de mayo
de 1995) fue un animador,
caricaturista, director y
productor estadounidense
conocido por su trabajo en las
series animadas de Warner
Bros. como Looney Tunes y
Merrie Melodies. Introdujo
varias de las estrellas más
importantes del estudio, como
Porky Pig, Piolín, El gato
Silvestre, Sam Bigotes y
Speedy Gonzales. Fue el
director del estudio Termite
Terrace de Warner, incluso se
convirtió en el más premiado
de los directores, ganando
cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963,
Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que
producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años
1980.
26
Oskar Fischinger
Oskar Fischinger (22 de junio de
1900 - † 31 de enero de 1967) fue
un pintor, animador y realizador
de cine alemán. Sus obras se
caracterizan por ser abstractas,
donde combina la geometría con la
música. En la Alemania de Hitler
se lo consideró a su arte
degenerado, y así se exilió a
Estados Unidos, llegando a
Hollywood en febrero de 1936.
Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso
un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no
recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía,
pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a
pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al
óleo.
27
"Bob" Clampett
Robert Emerson "Bob" Clampett
(8 de mayo de 1913 – 4 de mayo
de 1984) fue un animador,
productor, director de cine y
titiritero estadounidense
conocido por su trabajo en la serie
animada Looney Tunes de
Warner Bros. y el programa de
televisión Time for Beany.
Clampett mostró un interés por la
animación y los títeres cuando era
joven, mientras vivía en Los
Ángeles.
Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como
afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado
con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la
pequeña empresa de Disney no permitió esto. Aun así, consiguió trabajo en el
estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series
Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó
para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió
lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio,
Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.
28
James "Shamus" Culhane
James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un
animador, director y productor de cine
estadounidense.
Trabajó para numerosos estudios de animación,
incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt
Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras
estaba en Disney, fue uno de los principales
animadores de Blancanieves y los siete enanitos,
trabajando en una de las escenas más famosas de la
película: la animación de los enanos marchando al
ritmo de la canción "Heigh-Ho". Tiempo después,
Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro
Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane
Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados
para televisión.
Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se
transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Culhane
escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to
Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que
Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía
entrega una amplia
descripción sobre la
industria de la
animación
estadounidense.
29
Ubbe Ert Iwwerks
Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks
(Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 –
Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un
animador estadounidense, famoso por su
trabajo con Walt Disney.
Su familia procedía de Frisia Oriental, en la
Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe
Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en
1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero
("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en
Estados Unidos) por el más sencillo de Ub
Iwerks, con el que es conocido.
Conoció a Disney cuando ambos trabajaban
para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él
ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada
"Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos
trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva
empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación,
Iwerks le siguió. De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo
característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos
animados de Mickey Mouse.
30
Tex Avery
Frederick Bean Avery (conocido como Tex
Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 -
26 de agosto de 1980) fue un animador,
dibujante, y director estadounidense, famoso
por producir dibujos animados durante la
edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo
más significativo para la Warner Bros. y los
estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o
desarrollando plenamente los personajes del
Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo
McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly
Willy. Su influencia se extiende a casi todos
los estudios desde los años 40 y 50 hasta la
actualidad.
El estilo de Avery rompió el molde del
realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite
del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas
con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus
trabajos hicieron eso muy a menudo.
Aunque Tex Avery no vivió para experimentar el renacimiento de la animación de
los tardíos 80s, su trabajo fue redescubierto y comenzó a recibir la atención y las
alabanzas extensas de la comunidad moderna de la animación y de las películas.
Su influencia se refleja fuertemente en caricaturas modernas tales como “Roger
Rabbit”, Ren y Stimpy, Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Freakazoid, los
Simpsons, Tom y Jerry Kids Show o en el personaje del Genio en Aladdin de
Disney. De hecho, el vaquero protagonista de The Wacky World of Tex Avery lleva
su nombre y su trabajo se ha honrado en
programas tales como The Tex Avery Show
y Cartoon Alley. Sus personajes
(particularmente Bugs Bunny y aquellos de
Red Hot Riding Hood) aparecieron en la
película de Jim Carrey La Máscara.
31
John Hubley
John Hubley fue el director artístico general
de la UPA desde su creación, después de
verse obligado a dejar la Disney por
participar a finales de los 40 en la huelga
que los trabajadores le hicieron a esa
empresa por mejoras salariales, este artista
laboró allí en varios largometrajes que van
desde Blanca Nieves y los 7 Enanitos hasta
Fantasía, en la cual llegó a dirigir la parte
titulada The Rite of Spring.
Hubley vio en la UPA la posibilidad de
hacer cortos animados que no fueran los del
gato persiguiendo al ratón y que tuvieran
diseños mas novedosos los personajes y los
fondos de películas.
La cinta The Dover Boy de Chuck Jones le sugirió que la clave estaba en la
semianimación.
Crea en 1949 a Mister Magoo inspirado
en un tío cegato, el artista consideraba
que trabajar personajes fijos limitaban
sus posibilidades creadoras y le entrego
este protagonista a otros directores de la
compañía para que continuaran
narrando historias en futuros cartoons.
Cuando desapareció la UPA, otros
Studios hicieron Show para la television
con Magoo y otros personajes
secundarios que lo acompañaban en sus
primeros cartoon.
32
Joe" Barbera
Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue
un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense.
Cofundó junto a William Hanna el
estudio de animación Hanna-Barbera
(luego absorbido por Warner Bros.
Animation y convertido en Cartoon
Network Studios tras la muerte de
Hanna en 2001). El estudio creó dibujos
animados los cuales obtuvieron mucha
popularidad, tales como Tom y Jerry,
The Huckleberry Hound Show, Los
Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-
Doo.
Hanna y Barbera ganaron siete premios
Óscar y ocho premios Emmy. Sus
personajes se han convertido en íconos
de la cultura popular y han aparecido
en otros medios como películas, libros y
juguetes. Las series de televisión
creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas.
En 1940 Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje Puss Gets the Boot,
protagonizado por un gato gris llamado Jasper y un ratón de color café. La cinta
fue nominada a un premio Óscar en la categoría mejor cortometraje animado.
Barbera se unió nuevamente con William Hanna con el objetivo de producir
dibujos animados para televisión y cine.23 Ambos tenían diferentes habilidades que
utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos,
mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la animación, elaboración de
guiones y elección de empleados.
33
William Hanna
William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22
de marzo de 2001) fue un dibujante, director,
animador y productor de cine y televisión
estadounidense.
Tras desempeñarse en varios trabajos
esporádicos durante la crisis económica, se
integró al estudio de animación Harman-Ising
en 1930. Su participación en dibujos animados
como Captain and the Kids le permitió obtener
una mayor experiencia y notabilidad en la
industria. En 1937, mientras trabajaba en
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a
Joseph Barbera. Ambos comenzaron a
colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o
algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se
convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al
producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los
Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo
y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12
millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.
El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy, y sus dibujos animados se
convirtieron en
íconos
culturales.
34
Ray Harryhausen
Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de
juniode 1920 - Londres, 7
de mayo de 2013) fue un
técnico en efectos
especiales y productor
cinematográfico estadouni
dense.
Era especialmente conocido
por su estilo en la técnica
de animación stop motion.
Algunos de sus más
notables trabajos son El
gran gorila en 1949 (junto
a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos
visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los
argonautas en 1963 yFuria de titanes en 1981.
Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.
Ray Harryhausen creador de monstruos. Exposición comisariada por Asier
Mensuro que se celebró en la Fundación Luis Seoanede La Coruña del 20 de julio
al 25 de setiembre de 2011. En ella se reflexionaba sobre la figura de la
monstruosidad vista a través de las creaciones de este creador de efectos especiales
cinematográficos, mostrándose más de 100 dibujos originales, 25 muñecos
articulados, storyboards, etc. La exposición además, ponía en relieve el trabajo de
Ray Harryhausen en España, mostrándose el trabajo de directores artísticos
españoles que participaron en sus películas como Fernando González o Gil
Parrondo.
35
Jules Engel
Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6
de septiembre de 2003, Simi Valley, California)
fue un dibujante y animador estadounidense
de origen húngaro.
Sus obras son en general abstractas,
coreografías de figuras geométricas en
movimiento.
Compositores de música han visto un trabajo
similar al musical en sus composiciones
visuales.
Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney
FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en
dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba
sus pinturas.
Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se
unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en
cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A
finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental.
Además hizo varios documentales sobre otros artistas.
En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo,
hacía litografías, y además
utilizaba otros medios. Vivió un
tiempo en París, donde se llevaba
bien con artistas como Man Ray.
Fue el fundador del programa de
animación experimental en el
instituto de Arte de California Cal
Arts. Allí tuvo como alumnos a
importantes animadores de la
actualidad.
36
Norman McLaren
Norman McLaren (Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de
enero de 1987) fue un animador y director de cine canadiense de origen escocés
reconocido por sus
trabajos en el National
Film Board of Canada.
Estudió diseño en la
escuela de arte de
Glasgow, donde
comenzó a
experimentar con el
cine y la animación.
Luego de terminar sus
estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en
1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado a
Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y
enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más
famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo
incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.
Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte
mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por
sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la
película, incluso la banda sonora.
37
Peter Foldes
Nacido en Budapest Pedro Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas
húngaros (otra fue la película compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando
con su compatriota John Halas en películas
de animación de este último después de
mudarse a Gran Bretaña en 1946. Después
de salir de Halas, Foldes hizo una serie de
películas de animación en colaboración con
su esposa británica Joan (nacido en 1924), a
partir de la alegórica “Génesis animados”
(1952), “más de cerca” (1953) y “Una visión
corta” (1956).
“Una visión corta” se convirtió en uno de los
más influyentes películas británicas de
animación jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como
parte del popular show de Ed Sullivan. Aunque los niños se les aconsejó salir de la
habitación mientras se juega, todavía causa indignación y alarma con su
representación gráfica de los horrores de una guerra nuclear. En la película, las
criaturas salvajes huyen en el terror como un misil extraña sobrevuela. A su paso
por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios mirar hacia
arriba. La explosión de misiles, la destrucción de los seres humanos, criaturas
salvajes y la Tierra misma. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde
mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la guerra fría y la paranoia
nuclear.
Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en un pionero en la
animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de
Investigación de la ORTF. Es uno de los pioneros de la animación por ordenador
con su película “El hambre”, que recibió el Premio del Jurado en el “corto” en la
categoría del Festival de Cannes, así como una nominación al Oscar.
38
Heinz Edelmann
Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles
“Yellow Submarine”,
Edelmann nació en 1934, en la
antigua Checoslovaquia y
estudió en la Academia de
Bellas Artes de Dusseldorf,
una de las instituciones más
progresistas de la Alemania
de postguerra.
Acabados sus estudios, hacia
1958 comenzó a trabajar como
diseñador freelance,
ilustrador, animador y profesor en Alemania, Gran Bretaña y Holanda. Siempre en
solitario –“Fui mi propio director de arte, ilustrador, diseñador, maquetador y
también barrí el suelo e hice el café”- realizó carteles para la Westdeutscher
Rundfunk (WDR) (Radiodifusión de Alemania Oeste), publicidad para la agencia
Putz, cubiertas de libros para la editorial Klett-Cotta de Stuttgart, así como un buen
número de ilustraciones para publicaciones, entre las que hay que citar el
periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung y la mítica revista Twen, dirigida por
Willy Fleckhaus. A él se deben, asimismo, las imágenes de la primera edición
alemana de El Señor de los Anillosde Tolkien y Curro, la mascota de la Expo de
Sevilla 92.
Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha
encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de
Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la
imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con
otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser.
Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en
‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e
imaginación”.
Para Glaser, además, fue “uno de los diseñadores más brillantes que produjo
Europa en el último siglo. Fue un profesional prodigioso y diestro en todos los
aspectos del diseño, la tipografía y la ilustración”.
En opinión de Chwast, su trabajo fue “el más fresco y el más libre de cuantos
ilustradores he conocido”.
39
Jiri Trnka
Trnka fue un animador dedicado a
los films en 3D. No os fiéis del
concepto actual de 3D, que
automáticamente relacionamos con
la imagen hecha por ordenador tipo
"Toy Story". Las tres dimensiones
en la animación también existían
antes. Ultimamente, gracias a las
gallinas de Aardman, de "Rebelión
en la granja" el público en general a
redescubierto una forma de
animación que ha renacido de sus
cenizas: la plastilina. No me negaréis que las figuras de plastilina son figuras en
3D... Pues bien, si se pueden hacer figuras de plastilina y animarlas, también sirve
coger cualquier muñeco hecho de otro material y animarlo. De hecho, Trnka decía
que cualquier objeto puede protagonizar una animación. El nombre de la técnica
de animación utilizada en estas obras es "stop motion". Es un laborioso trabajo de
animación en que el movimiento se graba fotograma a fotograma. Requiere de una
gran dosis de meticulosidad y, sobre todo, una paciencia infinita. Otro punto más
para valorar el trabajo de animadores como Trnka.
La animación con muñecos arraigó de una manera especial en el país de origen de
Trnka, la antigua Checoslovaquia, gracias a la existencia de una tradición de
manufacturación artesanal de muñecos folklóricos. Por eso mismo, la mayoría de
los films realizados por estos animadores tenían como hilo argumental alguna
historia del folklore popular del país. El estilo de este tipo de animación quedó así
impregnado de una riqueza ornamental y un cuidado de los detalles, tanto de los
muñecos como de los decorados que aún no ha sido superado. El barroquismo y el
detallismo, unido a la sensibilidad melancólica e irónica de los checos dieron como
resultado unas obras claramente reconocibles.
La mayoría de estos films parecen estar dirigidos principalmente a un público
infantil, aunque los temas que tocan, de manera siempre indirecta, son bastante
adultos. Detrás de las marionetas y la rica ambientación barroca y decorativista de
las historias, se esconden reflexiones que van desde la violencia a la política más
dura, pasando por el sexo.
40
Osamu Tezuka
Fue un dibujante de historietasy animador japonés, al que a menudo se le llama el
"padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?),
debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con
el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story
manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el
desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para
la edición de manga.
Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su
estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con
su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede
encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han
sido traducidas a
decenas de lenguas,
entre ellas el español. La
ternura y el profundo y
sincero humanismo que
imprimió a sus
personajes han dejado
una huella indeleble,
haciendo de él un autor
universal capaz de
traspasar culturas.
Incluso los ojos
desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la
historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.
Tezuka fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes
de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. Creó su propia
empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados
de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos versiones más en años
posteriores). Luego vendríanJanguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no
Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no
impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a
cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.
41
Manuel García Ferré
Manuel García Ferré nació el 8 de octubre de 1929 en Almería, España. En 1947
llegó a Argentina, y la animación era su principal fuente de ingresos, a través de
centenares de cortos publicitarios (incluso, el personaje de "Anteojito" junto a su tío
"Antifaz", comenzó como una campaña publicitaria más, ya que escalaban el
Aconcagua con carpas "Cacique", cocinaban con "Aceite Cocinero" y tomaban mate
con yerba "Nobleza Gaucha").
En 1952 García Ferré realizó para el semanario infantil Billiken (de Constancio
Vigil), su primer comic: Pi Pío, el cual se desarrollaba en un pueblo llamado Villa
Leoncia, y donde aparecerían por primera vez Oaky e Hijitus. García Ferré solía
agregar el sufijo "itus" al final de los nombres de los personajes (por ejemplo
"Pichichus") como una manera de superar el karma que le provocó los varios años
que estudió latín en la escuela. En 1959 decidió crear su propia empresa de
publicidad de dibujos animados, desde donde creó cientos de jingles. Creó su
propia editorial, y, ya en el año 1964, creó la "Revista Anteojito". También hizo una
enciclopedia para niños y jóvenes (El
Libro Gordo de Petete), y lanzó otras
revistas ("Muy Interesante" y "Ser
Padres Hoy").
García Ferré realizó, debido al éxito
de sus personajes, episodios
semanales televisivos de la serie
animada "Hijitus" (fue la primera
serie de dibujos animados de la
Argentina, y se extendió desde el año
1967 hasta 1974). Además, en las décadas de 1970 y de 1980, realizó otros
programas de TV con diversos personajes, como ser "Calculín y la familia", "El
libro gordo de Petete" y "El club de Anteojito y Antifaz". Efectuó, además, una serie
de largometrajes cinematográficos: "Mil Intentos y un Invento" (1972, reestrenada
en 2001 con nueva banda sonora y nuevo título: "Anteojito y Antifaz: Mil Intentos
y un Invento"), "Las aventuras de Hijitus" (1973), "Petete y Trapito" (1975), "Ico, el
caballito valiente" (1981), "Manuelita la tortuga" (1999, reestrenada en 2005, basado
en el personaje de María Elena Walsh), "Corazón, las alegrías de Pantriste" (2000) y
"Soledad y Larguirucho" (2012).
42
Ralph Bakshi
Ralph Bakshi (n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938)
es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la
animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi
intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el
gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera
adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía
heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sidoCool World (1992), que mezcla
imagen real con dibujos animados.
Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato
Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de
la Segunda Guerra Mundial.1 2 Creció en Brooklyn y fue a la "High School of
Industrial Art". Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación
de Terry Toons en New Rochelle,
coloreando personajes comoSuper
Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó
como director creativo de los estudios
CBS, donde creó los Mighty Heroes.
En 1967 la Paramount lo llamó para
producir y dirigir largometrajes
como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz
el gato, etc. Este último fue escrito y
dirigido por él en 1971. A partir de ahí
Bakshi dirigió varios largometrajes
como Heavy Traffic en 1973, Street
Fight en 1975 y Wizards en 1977.
En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del
clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado
por Disney para animar personajes ultra-realistas.
En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música
americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave
Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi
Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983),
colaborando con Frank Frazetta.
43
Richard Williams
Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es
un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado
como director de animación en la
película ¿Quién engañó a Roger
Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la
cual no fue terminada. Además
animó algunos créditos de
películas; sus trabajos más
importantes son los créditos
de What's New,
Pussycat? (1965), The Charge of
the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los
créditos de dos de sus películas.
Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego
en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios
animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró
a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su
carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante
los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la
película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador
del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación
en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su
trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.
En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película
de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de
Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público
más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de
20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras
el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner
Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en
1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien
estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que
ejercía la película de Disney Aladdín. Completion Bond completó la animación en
Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert.
44
Terry Gilliam
Terry Vance Gilliam (n. 22 de
noviembre de 1940) es un actor y director
de cine británico nacido en Estados Unidos.
Fue uno de los miembros del grupo
humorístico Monty Python.
Gilliam nació en Medicine Lake,
Minnesota, en los Estados Unidos, y
estudió Ciencias Políticas en el Colegio
Occidental de California. Más conocido por
las animaciones, en las que recortaba
fotografías y las volvía surrealistas, que por
los papeles raros que realizó (papeles
siempre secundarios). De entre sus
personajes más conocidos destaca Patsy, el
escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a
cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la
temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.
Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el
tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el
tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los
sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen,
El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor
Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.
45
Don Bluth
Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas,
el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante,
animador y director de cine estadounidense,
dueño de un estudio de animación
independiente y conocido sobre todo por ser el
creador de numerosas películas de dibujos
animados, destacando entre ellas títulos como
NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby
(1982), En busca del valle encantado (1988) o
Anastasia (1997).
Don Bluth fundó su estudio de animación, Don
Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente
ya había trabajado para The Walt Disney
Company. La primera película en la que había
trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de
animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no
volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los
equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el
dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus
compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la
competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación.
El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada
Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de
la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el
mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de
taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.
46
Carlos Carrera
Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México,
18 de agosto de1962) es un director, guionista y
animador mexicano, cuatro veces galardonado con
el Premio Ariel.
En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la
copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda
edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios
de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su
estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en
1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine
Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial
mexicano, en salas de la capital del país.
Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio
Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme,
Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los
primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el
suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde
obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera
en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a
María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron
galardonadas.
Fue presidente de la AMACC durante el periodo 2010-2012.
47
René Castillo
René Castillo Rivera es
un animador mexicano
especializado en la
técnica del stop-
motion, con la que ha
realizado cortometrajes
como Sin Sostén y
Hasta los huesos. Ha
ganado más de 50
premios
internacionales y una
nominación a la Palma
de Oro en Cannes.
Nació en el Distrito
Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio
comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente.
Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el
cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al
Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la
dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).
48
Bill Meléndez
(José Luis Cuauhtémoc
Meléndez, Hermosillo, de
Sonora, 15 de noviembre de
1916 - Santa Mónica, de
California, 2 de septiembre
del 2008) fue un animador,
director de cine y productor
cinematográfico mexicano-
estadounidense, conocido
por sus dibujos animados
de Warner Brothers y por la
serie Charlie Brown: en esta última, hacía la voz de Snoopy y la de Woodstock.
Meléndez fue educado en escuelas públicas en Douglas (Arizona), y más tarde en
el Chouinard Arts Institute (que se convertiría después en el California Institute for
the Arts).
En 1938, Walt Disney empleó a Meléndez para trabajar en cortometrajes animados
y en películas como Bambi, Fantasía, y Dumbo.
Después se unió al equipo de Leon Schlesinger en los estudios de Warner Brothers.
Como miembro de los equipos de Bob Clampett y Art Davis, animó numerosos
cortometrajes de Bugs Bunny y del Pato Lucas. UPA (United Productions of
America) lo incorporó a su nómina en 1948, y con esa compañía trabajaría en
muchos programas publicitarios, incluidos los de Gerald McBoing-Boing y
Madeline.
Después de un decenio con las dos casas productoras, Meléndez fundó su propia
compañía en 1964: Bill Melendez Productions, que presentó al público A Charlie
Brown Christmas, programa especial de navidad radiodifundido anualmente, por
el que ganó un Premio Emmy y un premio George Foster Peabody a pesar de tener
que trabajar con poca anticipación y con un presupuesto escaso. Meléndez doblaba
la voz de Snoopy, personaje que normalmente no habla en los especiales.
Meléndez conoció a Charles Schulz en 1959, cuando era director de animación de
una serie de anuncios para el coche Ford Falcon. En breve y autorizado por
Schultz, Meléndez sería el único animador de los personajes de Carlitos.
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Ricardo Adrian Lozoya
Ricardo Adrian Lozoya, cuyas siglas
son RAL, estudió Ingeniería en
Sistemas Electrónicos en el
Tecnológico de Monterrey. Desde niño
ha sido un gran fan de las series
japonesas y la animación en general.
Sus primeros trabajos fueron, como
los de muchos otros, pequeños comics
basados en Dragon Ball y otras caricaturas que veía en su infancia. Al salir de la
prepa empezó con sus primeras animaciones en flash, creando a su primer
personaje, Ral, un niño que vivía diversas aventuras en la ciudad de Chihuahua y
que es una obvia alusión a él mismo de niño.
RAL logró un buen éxito con sus primeras animaciones, pero dicho éxito seguía en
el underground de internet. Sin embargo, fue gracias a las colaboraciones que tuvo
con Mentes Enfermas que muchos conocimos la página de Raltoon y nos
enamoramos de las aventuras del pequeño Ral. Y a pesar de que la dupla Rulo-
RAL logró consolidarse fuertemente dentro del género de la comedia animada por
internet.
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Guillermo del Toro Gómez
Guillermo del Toro Gómez (n.
Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de
1964) es un director, guionista y
novelista mexicano, galardonado con
el Premio Goya y varias veces con el
Premio Ariel.
Del Toro empezó a filmar en México
desde adolescente, cuando estaba en el
Instituto de Ciencias, en la ciudad de
Guadalajara. Pasó diez años en diseño
de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el
productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival
de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998
su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago
de un rescate, Del Toro decidió mudarse al extranjero y actualmente vive en Los
Ángeles (Estados Unidos).
Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de
películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas
de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la
Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen
dictatorial del General Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto
del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y
temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un
régimen fascista o dictatorial).
Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a
sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y
fantásticas.
Guillermo del Toro tenía planeado lanzar un videojuego con la compañía THQ
titulado INSANE, un juego de supervivencia como Silent Hill. Se esperaba que el
lanzamiento se produjera a mediados de 2013, pero el 6 de agosto de 2012 el
proyecto fue cancelado por la misma THQ. El 6 de enero de 2013, Guillermo del
Toro declaró que el proyecto seguía en pie y que estaba en negociaciones con «una
compañía grande» que financiaría la publicación del juego.
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Rodolfo Riva Palacio Alatriste
Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales,
unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un
modo humorístico e irreverente.
El tipo de humor utilizado es de
un estilo muy particular
mexicano: pícaro, burlón y con
una buena medida de doble
sentido; y se hace burla de
estereotipos como el borracho,
el macho mexicano, el político, y
muchos otros. Entre las
animaciones más populares se
encuentran: Los Poeta Huevos,
Los Huevos Rancheros, Los
Huevos Bongó y Los Huevos
Ahogados.
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12 PRINCIPIOS BÁSICOS DE ANIMACIÓN
1.- -ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech)
Consiste en la compresión y estiramiento del objeto animado sin que varíe su
volumen aparente. Está en función del peso y del material del que esté formado. Se
trata de la estilización visual de un fenómeno físico: la inercia. Si un objeto está en
estado de reposo y le imprimimos un movimiento, la tendencia del objeto será la
de permanecer en el estado inicial reposo, por efecto del peso; si por el contrario se
le intenta detener, la tendencia del objeto será la de seguir en movimiento, con
mayor fuerza cuanto mayor sea su peso.
2.- -ANTICIPACIÓN (Anticipation)
En animación, la acción ocurre normalmente por tres etapas: La preparación para
el movimiento, el movimiento en sí mismo y la prolongación de la acción. A la
primera parte se la conoce como Anticipación y es la parte más importante de todo
el movimiento. En algunos casos la anticipación es necesaria físicamente. Por
ejemplo, antes de poder lanzar una pelota, hay que echar el brazo hacia atrás. El
movimiento hacia atrás es la anticipación, el lanzamiento en sí mismo es la acción y
el brazo bajando y el cuerpo rotando seria la prolongación
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3.- -PUESTA EN ESCENA (Staging)
Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el
ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes al
espectador. La Postura es la presentación de una acción o elemento de manera que
se entienda con facilidad. En general, se presenta un elemento de acción cada vez.
Si ocurren demasiadas cosas a la vez, la audiencia dudará hacia dónde mirar y la
acción estará saturada. Algo clave para determinar una buena postura es la silueta.
Lo que significa que una pose, un objeto o un personaje puede ser interpretado
incluso en una silueta en blanco y negro.
4. - -ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose)
Son dos los métodos usados para crear animación. La animación Directa es uno de
ellos y es donde el animador anima un cuadro tras otro, ordenadamente. Por
ejemplo, el animador crea el primer cuadro de la animación, después el segundo, y
así sucesivamente hasta que la secuencia de animación deseada esta completa. Esta
forma de animar tiende a crear animación más libre, pero puede dar dificultades a
la hora de controlar y ajustar el tiempo, algo de suma importancia a la hora de
animar.
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5.--ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping
action)
La acción continuada, Es el procedimiento para terminar o cerrar adecuadamente
una acción. Si un objeto se detiene, la parte principal es la primera en alcanzar el
reposo, luego le seguirían los elementos secundarios. En la acción superpuesta,
movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del
personaje. Se trata de ligar unas acciones a otras buscando una fluidez y evitando
el efecto robot.
6. - -FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out)
La entrada o salida lenta en una clave tiene que ver con la aceleración o
deceleración gradual de un objeto al llegar o salir de una clave. Un objeto (p. ej. un
brazo) debe ir frenándose según se aproxima a un cuadro clave (Easy In) o
empezar a moverse gradualmente desde el estado de reposo (Easy Out).
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7.- -ARCOS (Arcs)
Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando
una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en
trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas. Habitualmente se
utilizan líneas curvas y arcos para guiar el trabajo de intercalado con el fin de que
los movimientos sean fluidos.
8.- -ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action)
La acción secundaria es la acción como consecuencia de la acción o movimiento
principal. Por ejemplo si movemos la cabeza, como consecuencia de ese
movimiento el pelo se moverá. O si movemos la cabeza de un personaje con orejas
grades, lo más probable es que esas orejotas también se muevan. Esta acción
secundaria aporta interés, atractivo y quizás realismo al personaje y por lo tanto a
la animación. Debe ser realizada de manera que se note pero que no sobrepase a la
acción principal.
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9.- -SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)
Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción.
Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo
y las sensaciones de escalas y tamaños. Es la velocidad que tarda una acción en
desarrollarse. Influye en la apariencia de peso que tiene el objeto animado.
10.- -EXAGERACIÓN (Exaggeration)
La exageración se utiliza para acentuar una acción. Se debe utilizar de forma
cuidadosa y equilibrada, no arbitrariamente. Hay que encontrar el objetivo
deseado de una acción o secuencia y qué partes necesitan ser exageradas. El
resultado será que la acción parecerá más realista, entretenida y destacada.
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11.- PERSONALIDAD (Appeal)
Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad
del personaje, que sea coherente con sus movimientos. Es un término que los
anglosajones utilizan para describir aquello que tiene una apariencia atractiva a la
vista. Un movimiento no tiene appeal si en apariencia estorpe o rígido.
12.- -MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS 3D, SOLID DRAW 2D
Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía
en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el
balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a
personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas
al alinear los personajes con la cámara.
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PERSONAJE
MISTY DAY
59
60
61
Perfil psicológico del Personaje
* Solitaria
* Positiva
* Excéntrica
* Ama la naturaleza
* Impulsiva
* Sensible
* Inteligente
* Despreocupada
* Desaliñada
* Joven
Capacidades:
Misty day, es una bruja que tiene la capacidad de devolverle la vida a seres
humanos así como curarlos. Es muy amable y le gusta ayudar a los demás, pero así
como tiene el poder de revivir también tiene el poder de arrebatar la vida.
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HEMEROGRAFIA
http://www.oscars.org/educationoutreach/teachersguide/animation/pdf
/anim_sp_act1.pdf
www.wikipedia.com
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