ARTE BARROCO
INTRODUCCIÓN
Expansión y cronología
Roma, Monarquía Hispánica, Francia, Holanda, Alemania
La Iglesia y el Estado
Contrarreforma
- Concilio de Trento
- Compañía de Jesús
Institución monárquica y el lujo
- Suntuosidad barroca
ARQUITECTURA
Características
- Soportes
- Cúpulas
- Fachadas
- Planta
- Decoración
- Propaganda
- Urbanismo
Italia
Características
Bernini
- Columnata de la Plaza de San Pedro.
- Baldaquino de San Pedro.
Borromini
- Sant´Ivo alla Sapienza.
- San Carlos de las Cuatro Fuentes.
- Santa Inés.
Pietro de Cortona
Guarino Guarini.
- Cúpula de la iglesia de San Lorenzo
Francia
Características
Louis Hardouin Mansart
- Palacio de Versalles.
- Iglesia de los Inválidos
España
Características
Gómez de Mora
- Plaza Mayor de Madrid
Familia Churrigera
Pedro Rivera
- Hospicio de Madrid
Casas y Novoa
- Fachada del Obradoiro
ESCULTURA
Características
Italia
Bernini.
- David.
- Extasis de Santa Teresa.
- Plutón y Perséfone.
- Apolo y Dafne.
- Tumbas papales (Urbano VIII y Alejandro VII)
Francia
Características
Puget, Girardon y Coysevox.
España
Características
Escuela castellana
- Gregorio Fernández
Escuela andaluza
- Martínez Montañés
- Alonso Cano
Escuela murciana
- Francisco Salzillo
PINTURA
Características
Italia
Características
Caravaggio
- Cena de Emaús
- Vocación de San Mateo
- La conversión de San Pablo.
Carracci
- Domine, Quo Vadis?.
- Villa Farnesio.
Guido Reni
Venecia: Canaletto y Tiepolo
Francia
Poussin
Claudio de Lorena.
Rigaud
Flandes español
Características
Rubens
- Susana y los viejos
- Las Tres Gracias
- Retrato ecuestre del duque de Lerma
Van Dyck
- Retrato de Carlos I de Inglaterra
- Autorretrato con Sir Endimion Porter
Holanda
Características
Frans Hals
- Banquete de los oficiales de San Jorge
- Regentes del asilo de Santa Isabel de Haarlem.
Rembrandt
- La mujer sorprendida en adulterio
- Lección de anatomía del Dr. Tulp
- Ronda nocturna.
Vermeer
- El pintor en su taller
- Vista de Delft.
España
Valencia:
- Francisco Ribalta
- José Ribera
Sevilla
- Zurbarán
- Alonso Cano
- Murillo
- Valdés Leal
Madrid:
- Velázquez
- Carreño de Miranda
- Claudio Coello
BIBLIOGRAFÍA
Webs
INTRODUCCIÓN
Expansión y cronología
Después del Sacco de Roma (1527) y las querellas de los protestantes, la capital
del papado consigue recuperar su protagonismo artístico después del Concilio
de Trento. Hay un impulso, que tiene a Roma como centro, la Contrarreforma
como objetivo y a los jesuitas como sus principales ejecutores, que busca
profundizar en el misticismo religioso católico a través del arte. Este es un
Barroco exuberante en relación con el poder del Papa, extendiéndose por toda
Italia.
Aunque Roma es la primera capital del Barroco, y a lo largo del siglo XVII los
artistas continúan acudiendo a Italia para su formación, surgen en Europa otros
centros de primera fila. La Monarquía Hispánica será otro punto importante,
tanto en sus territorios hispánicos como en los italianos, flamencos y
americanos. Configura un barroco con un fuerte carácter contrarreformista, con
marcados contrastes regionales y varios centros de difusión (Madrid, Sevilla,
Valencia). Francia va a optar por una codificación artística a través de la
Academia, con una influencia constante de la monarquía y muy apegada al
clasicismo. Holanda cuenta con numerosos pintores de gran valía, destacando
en las obras de género y retratos. Alemania tiene un Barroco exuberante y
colorista.
El Barroco expresa el estado de la sociedad de su tiempo. Es un arte ostentoso,
derivado del gran poder de las monarquías y la Iglesia triunfante. La alegría de
vivir como algo sano y virtuoso y el afán de sorprender. Hay una especial
incidencia en los aspectos teatrales y en buscar que el espectador sea
componente activo de la obra.
La Iglesia y el Estado
La crisis religiosa del XVI da lugar a la reforma y la Contrarreforma, que
renuevan la vida cristiana y la espiritualidad. En clara contraposición frente a
los reformistas, son proclamados el culto de la Eucaristía, la intercesión de los
santos y la obligación de venerar sus imágenes, ocupando un lugar excepcional
la Virgen. El Concilio de Trento reanimó el arte religioso manteniendo algunas
lecciones formales del arte renacentista. La liturgia tendrá un estilo triunfal que
representa una nueva forma de expresar la oración. La Compañía de Jesús será
la valedora intelectual de la Contrarreforma. Sus templos se construyen de tal
forma que la doctrina puede llegar con claridad a todos los fieles. Las iglesias
jesuíticas serán muy variadas.
La organización de la vida girará en torno al año litúrgico. En zonas rurales el
carácter endeble de la técnica deja a los hombres desguarnecidos ante las
calamidades naturales. Por esto se recurrirá a la intercesión de las fuerzas
espirituales: las enseñanzas de la Iglesia y, en ocasiones, la hechicería. La
multiplicación de imágenes conseguirá encauzar esa devoción que de otra
manera hubiera acabado en la magia. Los modelos españoles se difunden por
toda Europa.
La institución monárquica y el lujo del que se rodean los príncipes por
prestigio va a favorecer la suntuosidad barroca. Entre las grandes monarquías
(España, Francia, Inglaterra) se pretende reafirmar el poder acentuando el brillo
del escenario donde se ejerce. Para Bossuet el rey representa la autoridad divina
y es digno de homenajes que no se rinden a otros hombres. La aristocracia y
burguesía serán también la clientela de los artistas. La burguesía buscará
adoptar hábitos de la nobleza.
ARQUITECTURA
Los edificios no quieren aparentar ser estables, sino que se muestran en
continuo movimiento. Los soportes son cariátides, atlantes, columnas de orden
gigante o salomónicas. El orden gigante sustituye la superposición de órdenes
clásicos, la columna salomónica simboliza el movimiento y es totalmente
anticlásica. Abundan las cúpulas de grandes dimensiones, que en el interior se
decoran con pinturas al fresco. Las fachadas inicialmente siguen el esquema
clásico: se acentúa el cuerpo central, rematado por un frontón, potenciando el
eje vertical-ascensional por encima del horizontal. Después serán cóncavas
desvinculadas del interior. La planta de los templos va a ser muy variada,
dominando las formas elípticas y circulares. La decoración es exuberante y
vegetal. Il Gesú de Vignola es el prototipo de iglesia jesuítica. Planta basilical,
con capillas laterales y el transepto que no se marca al exterior. Cabecera en
ábside. Se pretende que todos los fieles se integren en la liturgia y dirigir la
atención del espectador a lo realmente importante. Predomina el sentido de
propaganda. Hay una gran preocupación por el urbanismo. Las fachadas de los
edificios se desvinculan del interior y se hacen según el urbanismo. Las grandes
plazas están integradas por edificios que tienen todos la misma fachada,
aunque sean construcciones ajenas unas a las otras. Los gobiernos municipales
dictan normas sobre urbanismo y cubren los grandes espacios vacíos urbanos
con estatuas y fuentes.
Italia
La arquitectura italiana se caracteriza por el empleo de la columna, tanto para
decorar fachadas como para conseguir efectos de perspectiva. Hasta 1630 la
arquitectura mantiene una evolución serena desde los planteamientos de la
contrarreforma. En el resto del siglo la exhuberancia se desborda y las formas se
desarticulan. Ya en el XVIII hay un contraste entre unas formas puristas
vitrubianas y otras que atienden al decorativista estilo Rococó.
Bernini (1598-1680). El más grande artista del Barroco italiano. Fue un artista
polifacético que cultivó todas las artes [John Evelyn en 1644 dejará escrito en su
diario: “Bernini ofreció una ópera pública en la que diseñó la escenografía,
esculpió las estatuas, inventó las máquinas, compuso la música, escribió el
libreto y construyó el teatro.”]. Trabajó toda su vida en Roma para las mejores
familias cardenalicias, sobre todo los Borghese. Luis XIV lo invitó a Francia,
regresando pronto a causa de su fracaso en París. Su arquitectura resulta más
clasicista que la de Borromini. Sus decoraciones se basan en la acumulación de
columnas.
- Columnata de la Plaza de San Pedro. Desde la fachada hace salir dos filas de
columnas dobles que se cierran hasta tocar con la elipse que forma la
plaza. Tiene una forma teatral y se le da el sentido de ser los brazos de la
Iglesia, que como madre acoge a sus hijos. Crea un espacio ilusorio al
empujar la fachada hacia el fondo, agrandando las distancias.
- Baldaquino de San Pedro. La basílica se había proyectado en planta central
y al alargar Maderno uno de sus brazos quedó en cruz latina. Para
centrar la atención en el sepulcro del Apóstol, Urbano VIII le encarga a
Bernini un gran Baldaquino en mármol verde y con decoración de
bronce dorado. Cuatro columnas salomónicas de gran altura coronadas
por un chapitel con cúpula sinuosa y abierta y cuatro ángeles en las
esquinas. Sirve de enmarque para la Cátedra de San Pedro,
representación simbólica del Vicariato de Cristo. El movimiento que
alcanza en esta obra no continuará en las siguientes.
Borromini (1599-1667). Es el más claro exponente del lenguaje barroco,
superando a todos en creatividad decorativa. Dispone las plantas más
inverosímiles. Sus portadas son sinuosas y busca constantemente crear efectos
de dinamismo.
- Sant´Ivo alla Sapienza. La fachada solo describe una curva cóncava pero la
planta la elabora superponiendo dos triángulos equiláteros y
disponiendo seis círculos en triángulo. Rompe la racionalidad clásica. Al
exterior desarrolla en espiral el trasdós de la cúpula. Toda la iglesia es
una sucesión de curvas, y contracurvas en planta y alzado.
- San Carlos de las Cuatro Fuentes. El problema que se plantea es el solar,
muy angosto. Achaflana la esquina y alabea la pared para llamar la
atención de los transeúntes. Portada con línea sinuosa.
Otros arquitectos italianos barrocos destacables son Pietro de Cortona y
Guarino Guarini.
Francia
La arquitectura barroca francesa es esencialmente cortesana, destacando los
palacios, para la monarquía o la nobleza. Abunda más la obra civil que la de
carácter religioso. La segunda característica es la existencia de la Academia que
va a “normalizar” todo el arte y es responsable del clasicismo dominante. Las
cúpulas adquieren una gran importancia, dando un aspecto de verticalidad a
los edificios que recuerdan lo barroco. Los palacios estaban formados por un
cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín formando escuadra. Las techumbres
son elevadas abriendo buhardillas. La jardinería alcanza un desarrollo enorme,
dirigiéndose las fachadas hacia el jardín.
Louis Hardouin Mansart (1646-1708). Arquitecto de Luis XIV, sobrino del
también arquitecto Francois Mansart. Realiza numerosas obras para el rey, pero
bajo la estricta vigilancia de Lebrun. Es responsable de una parte del urbanismo
de París como el diseño de la Plaza Vendome.
- Palacio de Versalles. obra iniciada por Levau, siguiendo criterios italianos
y completada por Mansart en un lenguaje más clásico.
- Iglesia de los Inválidos. Fuerte sentido ascensional con el doble tambor de
la cúpula.
España
La estructura va a seguir siendo clásica y las curvas en plantas no son tan
marcadas como en Italia. Esto se suple con una decoración exuberante que
cubre todas las estructuras, que son de materiales pobres como ladrillo y tapial.
Al principio del siglo dominan todavía las formas tardomanieristas herrerianas,
como se puede observar en la Plaza Mayor de Madrid de Gómez de Mora. A
partir del segundo tercio del siglo dominan los Churrigera y Pedro Rivera.
Entre las obras más importantes de Rivera está el Hospicio de Madrid, donde se
puede observar una estructura cuadrada y una disposición totalmente clásica
excepto en la fachada donde concentra toda la decoración y rompe la
estructura. En Galicia el siglo XVII es un siglo constructivo, con un barroco muy
rico. Hay que destacar la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago, obra de
Casas y Novoa, que oculta la fachada románica del templo.
ESCULTURA
Las formas se vuelven más próximas a la naturaleza, es decir, imperfectas,
irregulares y lejos de toda norma. Hay un interés en representar pasiones y
sentimientos extremos. Igual que sucede en la Grecia Antigua, el paso de clásico
a helenístico es dejar el ethos y pasar a pathos. Lo mismo sucede del
Renacimiento al Barroco. Cobran interés lo ascético y lo místico, ampliándose
enormemente el repertorio de temas religiosos. No hay afán de descripción,
sino de despertar los sentimientos del espectador. La figura humana trata de
transparentar el alma. Hay movimiento violento, con ropajes agitados y
predominio de las líneas abiertas y los escorzos. El naturalismo supone el
desarrollo del retrato.
Italia
En Roma se conservaban numerosas copias de esculturas griegas de tiempos
helenísticos que sirven de inspiración al escultor barroco. Hay un cambio en la
disposición de la figura.
Bernini. Es, sin lugar a dudas, el escultor más importante del barroco italiano.
A todo lo dicho anteriormente (apartado de arquitectura) hay que añadir la
calidad que le da al trabajo del mármol, dejando traslucir la vida bajo la
superficie de la piedra. Bernini dispuso de un importante taller, donde él
aportaba las ideas y proyectos. Estudió la colección de esculturas antiguas del
Vaticano. Realiza obras religiosas, numerosos retratos y temas mitológicos.
Trata de representar un momento concreto.
- David. Si observamos el David de Miguel Angel, inspirado en el Apolo
Belvedere, el movimiento está detenido, pero el David de Bernini muestra
al joven en el mismo acto de arrojar la piedra. Transmite la intensa
concentración y el esfuerzo del momento. Aprieta los labios e incluso los
dedos de sus pies se contraen sobre el plinto donde se sitúa.
- Extasis de Santa Teresa. Pretende que la persona arrodillada delante
penetre en la mística experiencia de la santa. En esta obra el efecto
escenográfico está plenamente conseguido. La mística española describe
como un ángel le clava varias veces en el corazón una flecha con punta
flameante, que le produce un intenso dolor a la vez que le deja
consumida por el amor de Dios. Representa a la santa levitando y el
instante en que el ángel desclava la flecha para volverla a clavar.
Otras obras destacadas son Plutón y Perséfone, Apolo y Dafne o las Tumbas papales
de Urbano VIII y Alejandro VII.
Francia
Los escultores franceses nunca se desprenderán del peso clásico que les impone
el academicismo. Notaremos la influencia italiana y en especial la de Bernini. La
principal actividad surge en torno a Versalles, controlado por la Academia. El
gran dictador del arte francés es en esa época Charles Lebrun. Los temas son
fundamentalmente mitológicos y alegóricos, estando en un segundo plano lo
religioso. Los retratos, en especial los bustos, también alcanzan un importante
desarrollo. Los principales autores son Puget, Girardon y Coysevox.
España
La escultura es de las tres artes mayores la más cercana a la devoción popular.
Es fiel reflejo del misticismo religioso que domina el siglo XVII. Se va a
desarrollar una escultura muy distinta a la del resto de Europa, siendo su
característica principal el realismo, acentuado por la expresividad de las figuras
y la teatralidad. Se llega hasta el patetismo. La escultura exenta se centra en las
imágenes de devoción y en lo que llamamos la Imaginería, en referencia a la
agrupación de varias figuras escultóricas. Se emplea la madera policromada
como material, consiguiendo así un mayor realismo y veracidad. La técnica es
la madera tallada, estofada y pintada. Hay que incorporar una serie de
elementos como lágrimas de cristal, dientes de marfil, pelo natural, telas. La
temática religiosa será la más frecuente. Se representan Vírgenes, Santos,
Escenas de Pasión y la muerte de Cristo. Para las procesiones de Semana Santa
se realizan grupos escultóricos completos, siempre referidos a momentos de la
Pasión. A la vez vamos a ver una disminución de la escultura funeraria. En el
retablo predomina el bulto redondo. Imágenes de vestir, donde el cuerpo es
escultura, y se viste con ropas auténticas.
La Escuela castellana tiene su centro en Valladolid. Destaca por su realismo
duro, dramático, trágico. Hay una ausencia de dorados. Las obras más
importantes son los pasos procesionales.
Gregorio Fernández. Es característico su realismo trágico no vulgar. Sus
vestiduras tienen pliegues convencionales, ángulos duros. Hace en cada
escultura un verdadero estudio del cuerpo humano. Tiene un excelente
tratamiento de las carnaciones y da calidad a la materia. Crea tipos
iconográficos como el Cristo yacente y Cristo atado a la columna. Sus retablos
son de gran sobriedad. En los pasos procesionales introduce varias figuras y
destaca la teatralidad. Cristo yacente, destaca tanto en el Pardo como el de
Valladolid. También Cristo crucificado de la luz y Piedad de Valladolid.
La Escuela andaluza cuenta con dos ciudades principales, Sevilla y Granada,
los centros andaluces más poblados en la época. Lo característico es el realismo
sosegado: belleza serena, aspecto triste. Hay una huida de lo trágico. Policromía
muy importante y vestiduras muy importantes con bordados luminosos. El
tema más recurrente es el de la Virgen María.
Martínez Montañés, en Sevilla. Nota predominante en su obra es el clasicismo.
Es el maestro de la elegancia y serenidad. Los ropajes bien plegados y amplios.
Es el creador del tipo iconográfico de la Inmaculada. Cristo de la Clemencia y la
Inmaculada
Alonso Cano en Granada. Arquitecto, escultor y pintor, es la figura principal
del barroco granadino. Va a romper el clasicismo, empleando expresión y
dinamismo. Destaca su tendencia a la forma ovalada y fusiforme (forma de
huso). La expresividad del color es muy importante porque él mismo aplicaba
los colores a sus esculturas. Es un realismo idealizado. Principales obras son la
Virgen de la Oliva y la Inmaculada.
También hay una escuela murciana, con un protagonista indiscutible, Francisco
Salzillo. Es el último representante de la madera policromada. El suyo es un
arte popular, pero sin caer en el idealismo. Su actividad más conocida es la de
construcción de belenes. Entre sus obras destacamos la Oración en el Huerto y el
Prendimiento.
PINTURA
La característica más importante es el naturalismo, junto con el interés por lo
cambiante y efímero. El cuadro barroco prolonga su espacio por los costados, el
fondo o hacia el espectador. Las ordenanzas gremiales comienzan a ser
superadas y ya hay maestros que trabajan al margen de ellas. A la vez el
coleccionismo permite que haya obras sin encargo, que pasan al mercado, sobre
todo en Flandes. En el XVII triunfan los cuadros de género, los bodegones, el
paisaje, la marina. Como continuación del impulso contrarreformista, el XVII es
el gran siglo de las canonizaciones y son muchos los cuadros religiosos donde
se introducen efectos teatrales. Los nuevos santos necesitan la propaganda de
las artes figurativas. A pesar de ello el tema mitológico se mantiene como uno
de los principales. La luz es la gran conquista de la pintura barroca, formando
al condensarse una atmósfera propia para las figuras. El movimiento se
consigue con el naturalismo y las composiciones asimétricas, sobre todo en
diagonal. Predominan las formas abiertas, escorzos violentos, contrastes de luz
y difuminado de las formas.
Italia
En los últimos años del siglo XVI hay una reacción contra el excesivo
amaneramiento de las figuras. Un determinado concepto del bueno gusto ha
favorecido una exagerada idealización del mundo real. Contra esto reaccionará
la pintura con una vuelta al realismo. Los Carracci lo harán inspirándose en la
escultura griega y romana antigua, mientras que Caravaggio reacciona
alejándose de la experiencia clásica. El naturalismo les lleva a representar las
cosas tal como son, aunque sean feas.
Caravaggio. Rechazó los ideales clásicos, aunque aprenda el uso de la luz de los
venecianos. Introduce en sus cuadros religiosos gente corriente. Da una fuerte
luz al primer plano, quedando el asunto entre sombras y empleando esta luz
para modelar las figuras. Las presenta como si gesticularan hacia el espectador.
Sus pinturas fueron acogidas con discrepancias de opinión. Es pintor de
violentos escorzos. Murió joven y sin discípulos, pero influirá mucho sobre sus
contemporáneos.
- Cena de Emaús. Recoge el momento preciso en que los discípulos
reconocen al maestro. La composición tiene una fuerte tensión
conseguida por los gestos de brazos y elementos como el cesto de frutas
al borde de la mesa.
- Vocación de San Mateo. Fluye una tensión psicológica entre Cristo y el
recaudador. La atención se centra en la mano de Cristo. La intensa luz
diagonal acentúa las expresiones faciales y destaca solo los elementos
esenciales. Sugiere el triunfo de la luz sobre las tinieblas espirituales.
- La conversión de San Pablo. El santo se desploma delante del espectador en
un escorzo oblicuo muy atrevido. Incluye en la composición al santo, el
caballo entero y una figura al fondo. La fuerte luz que derriba a Saulo
ilumina toda la escena.
Carracci. Son tres hermanos, de los que el más importante es Annibale. Abren
una vía del barroco distinta a la de Carvaggio, más preocupada de aspectos
decorativo que lumínicos. Tendrán también influencia de Caravaggio.
- Domine, Quo Vadis?. Echa la Cruz hacia delante de forma brusca, y
consigue interesantes contrastes con la luz que viene desde la izquierda.
Las figuras están contenidas en el marco gracias a las arquitecturas.
- Villa Farnesio. Annibale es autor de los frescos del techo del comedor.
Representó una balaustrada sobre la cual se abría el cielo, el tema central
será Baco y Ariadna.
Guido Reni será el más clásico de los seguidores de Annibale Carracci. En
Venecia Canaletto y Tiepolo desarrollan el paisaje barroco.
Francia
Poussin enlaza el estilo clásico del barroco italiano y el estilo barroco francés.
Trabaja en Roma. Al principio todo es movimiento y exuberancia. Al estudiar y
admirar la Roma clásica su obra cambia para ser más tranquila, serena y
controlada. Estructura el espacio de forma matemática. Toma apuntes de
experiencias directas que luego traslada a composiciones inventadas. Pinta
paisajes idealizados, atemporales, donde muestra una tierra visionaria. Sus
paisajes serán seguidos por Claudio de Lorena. Rigaud realiza varios retratos
de Luis XIV donde reduce la dimensión humana en favor de la real.
Flandes español
Se mantendrán los temas religiosos caracterizados por el optimismo e
inclinándose por aspectos placenteros. Los temas costumbristas, bodegones y
fiestas aldeanas revelan una sociedad enriquecida en el comercio de paños.
Rubens. Viaja a Italia donde copia pinturas clásicas de los venecianos y conoce
directamente la obra de los Carracci y Caravaggio. Bajo sus pinceles todo se
hincha y se retuerce, logra ser el pintor más barroco en cuanto a movimiento,
abundancia y desbordamiento de las formas. Los ropajes proporcionan los
colores que van a contrastar con el tratamiento de la piel humana. En Amberes
crea un gran taller donde trabaja con numerosos discípulos. Su declaración de
fe es intensa y enérgica. Casado dos veces, sus pinturas traslucen el optimismo
que le aporta su felicidad. En sus cuadros mitológicos siempre incluyó cuerpos
femeninos desnudos donde los volúmenes insisten en el movimiento de las
figuras. En su retiro campestre pinta paisajes, vigorosos, optimistas y barrocos.
Elige un punto de vista alto y poco natural. Consigue unir plenamente los
italiano y lo flamenco.
- Susana y los viejos (Academia de San Fernando). Mantiene la influencia de
Miguel Angel en los viejos y muestra su barroquismo en la composición
en diagonal, el espacio saturado y los gestos lascivos.
- Las Tres Gracias (Prado). Esta versión la conservó Rubens hasta su
muerte. Representa tres veces el rostro de su segunda esposa Elena
Fourment.
- Retrato ecuestre del duque de Lerma (Prado). Encargo realizado por el
valido de Felipe III cuando Rubens visita Madrid como embajador de
Flandes. Muestra a un personaje desafiante montado a caballo
avanzando hacia el espectador. Se conservan los numerosos dibujos
preparatorios donde se perciben referencias a Tiziano e incluso al Greco.
Van Dyck. El más destacado discípulo de Rubens. Auténtico niño prodigio, su
vida es una muestra constante de éxitos. Del taller de Rubens pasa a Italia para
después convertirse en el primer pintor de Carlos I de Inglaterra. Las notas más
destacadas de su estilo son la perfección del dibujo, la elegancia de los gestos y
un canon un tanto alargado, especialmente apreciable en las manos. Son
importantes sus retratos, deudores, no solo de su maestro Rubens, si no de
Tiziano. De cuerpo entero, busto y dobles enfrentados.
- Retrato de Carlos I de Inglaterra (Louvre). Muestra al rey sorprendido en
un descanso, con gesto altanero y su caballo dando pruebas de
cansancio. Todavía sigue apegado a técnicas rubenianas, en las figuras
de segundo plano, pero introduce un mayor detalle en el dibujo para el
rey.
- Autorretrato con Sir Endimion Porter (Prado). Composición muy poco
frecuente, donde el pintor aparece junto al cliente. Parece que les unía
una sincera amistad y que el vizconde pretendía pasar a la posteridad al
aparecer junto al pintor que el considera mejor de su tiempo.
Holanda
La personalidad de Holanda está muy definida por el mar. El calvinismo
despierta una conciencia profunda sobre las responsabilidades del hombre ante
su destino. En el campo religioso lo más que encontraremos será la emoción
íntima y familiar. Se muestran moradas confortables y muebles delicados,
propios de una sociedad burguesa. En los interiores crean una atmósfera tenue
que une al hombre con su recinto. En el siglo XVII hay un importante comercio
de arte, con marchante expertos y pintores que producen obras no para clientes
particulares sino para el mercado. La abundancia de pintores hace que
descienda el nivel de vida de estos.
Frans Hals. Figura principal de la escuela de Haarlem. Tiene un estilo que se
acerca al impresionismo, con una pincelada suelta y un color vivo. Es un
auténtico creador del retrato colectivo, dando vida a los personajes y
relacionándose unos con otros. Conoció un éxito fulgurante, pero declinó al
final de su vida, debiendo vivir entonces de la caridad de su cofradía.
- Banquete de los oficiales de San Jorge. Obra de juventud donde se deja
influir por la corriente caravagistas de la escuela de Utrecht, con una
paleta amplia y mostrando una alegría desbordada.
- Regentes del asilo de Santa Isabel de Haarlem. Abandona los excesos, limita
su paleta y se somete a una severidad muy propia de la vida puritana
calvinista. Mantiene la relación entre las figuras, el retrato claramente
individualizado y los gestos en caras y manos.
Rembrandt. Apenas salió de Amsterdam y nunca fue a Italia. Rudolf
Wittkower hace un paralelismo entre las vidas y obras de Rubens y Rembrandt,
contemporáneos y absolutamente opuestos, el éxito social frente a las penurias
económicas, la alegría luminosa frente a la sobriedad entre sombras . Su
sentimiento religioso nace de una profunda familiaridad con la Biblia. La
elección de temas es muy personal. Son pinturas para contemplarse en ámbitos
íntimos. En sus últimos años escoge temas de profundo carácter humano.
Debido a su obra como grabador, sus composiciones tendrán mucha influencia
en la pintura de la segunda mitad del XVII.
- La mujer sorprendida en adulterio. Recalca el contraste entre la actuación de
Cristo y la de los fariseos. Su luz unifica las superficies, colocando el
tema más atrás.
- Lección de anatomía del Dr. Tulp. Retrato de grupo para el gremio de
cirujanos de Ámsterdam. El cadáver sobre la mesa introduce un foco de
tensión en la composición dispuesta de forma triangular. La atención de
los médicos varía por grupos, unos siguen detalladamente las
explicaciones mientras otros se distraen con la presencia del espectador.
- Ronda nocturna. En Holanda eran frecuentes las milicias urbanas, así
como los retratos de grupos de la sociedad burguesa. Vemos una
compañía recibiendo del capitán la orden de marcha. Iluminación teatral.
El cuadro fue recortado por sus cuatro lados en 1715 para colocarlo en el
Ayuntamiento de Ámsterdam.
Vermeer. Destacó por sus pinturas de interiores, iluminadas con una ventana
lateral, representando con frecuencia estancias sucesivas representadas con una
precisión matemática. El tema más frecuente es una figura femenina leyendo,
tocando un instrumento o haciendo una labor cotidiana. La escasez de su obra
(se conservan sólo 35 cuadros) hace pensar en que debía ejercer a la vez otra
profesión, aunque otros lo achacan a la minuciosidad con que trabajó.
- El pintor en su taller. La escena se abre con un grueso cortinaje, se ve
primero al pintor de espaldas delante del caballete y al fono, junto a la
ventana, una muchacha con un instrumentos y observando una
partitura. La obra está llena de símbolos que hacen referencia a las
distintas bellas artes.
- Vista de Delft. Considerada por su quietud como una naturaleza muerta
de la ciudad. Es una vista de su ciudad natal. Destacan todos los matices
luminosos que refleja en el amplio cielo y en el agua en absoluta calma.
Representa el escenario donde transcurre toda su vida.
España
Como características generales podemos considerar el predominio de una cierta
intimidad, poco teatral, composición sencilla, temática religiosa principalmente
junto con retratos, temas mitológicos y bodegones, ausencia de sensualidad y
empleo del tenebrismo para expresar valores de piedad. El naturalismo es nota
dominante. Las escuelas principales son Madrid, Sevilla y Valencia, con
numerosos contactos entre ellas. Uno de los iniciadores del tenebrismo es
Francisco Ribalta, que destaca por el tratamiento de los temas místicos. Sienta
escuela en Valencia.
José Ribera se inicia con Ribalta, pero completa su formación en Italia, de
donde no regresará. Instalado en Nápoles aprende de los grandes maestros
italianos, si bien su temperamento artístico es plenamente español. Sus modelos
son personajes degenerados, ancianos, pobres y enfermos. Exagerado
naturalismo. Sus temas son principalmente religiosos, gustando mucho los
santos penitentes.
La escuela sevillana cuenta con muchos pintores de renombre. Vamos a
destacar tan sólo tres, Zurbarán, Murillo y Valdés Leal. En Francisco de
Zurbarán triunfan el claroscuro y el naturalismo. Muestra un gran interés en
mostrar la calidad de las cosas, como podemos observar en sus numerosos
bodegones, compuestos de vegetales y piezas de vajilla. Su pintura busca el
sosiego y huye del movimiento. Son importantes los temas religiosos y los
retratos que hace de frailes. Se convierte en el pintor especializado en
decoración de conventos. Formado en Sevilla, Alonso Cano, viajará por
diversas vicisitudes por toda España. Tendrá un estilo próximo al de su
contemporáneo Velázquez, destacando una técnica admirable. Bartolomé
Esteban Murillo es el pintor más importante de la segunda mitad del XVII. Su
temática es esencialmente religiosa, interpretada con un color deslumbrante y
en un ambiente cotidiano, amable y tierno. En este sentido observamos la
Sagrada Familia del pajarillo. Protagonistas de sus cuadros son la mujer y los
niños. Valdés Leal es un pintor obstinado con el movimiento, el naturalismo y
macabro hasta lo repugnante. Destaca la decoración del Hospital de la Caridad,
donde refleja lo pasajero que son las glorias terrenas.
Diego Velázquez es el gran pintor español del Barroco. Formado en Sevilla,
pasa muy joven a Madrid al servicio de Felipe IV. Realiza dos viajes a Italia. Los
temas principales de sus cuadros son retratos y mitológicos. Es responsable de
la decoración del Salón de Reinos en el Buen Retiro, donde elabora un
programa iconográfico de exaltación de la monarquía que implica a los mejores
pintores de su tiempo. Su estilo evoluciona desde un tenebrismo inicial, para ir
abriendo su paleta y soltando la pincelada. En tiempos de Carlos II destacan
Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello. En Carreño, retratista de corte, se
nota la influencia de Van Dyck. Coello en su Sagrada Forma realiza un gran
montaje escenográfico.
BIBLIOGRAFÍA
ARGAN, Renacimiento y barroco, dos tomos, Madrid, Akal, 1987.
BERCHEZ y GÓMEZ FERRER, Arte del Barroco, Madrid, Historia 16, 1996.
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WITTKOWER, R., Gian Lorenzo Bernini, Madrid, Alianza Forma nº 102, 1990. (1ª
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PÉREZ SÁNCHEZ, A.E., Pintura Barroca en España, 1600-1750, Madrid, Cátedra,
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PORTELA SANDOVAL, Grandes Maestros de la Pintura Barroca Española,
colección Historia Visual del Arte, Barcelona, Vicens-Vives, 1989.
Webs
http://www.wga.hu/ (Página en inglés con numerosas galerías que recogen
imágenes de los pintores y escultores desde el gótico al impresionismo)
http://www.artehistoria.jcyl.es/ (Página con abundantes contenidos de historia
y arte. Contiene vídeos)
http://www.museodelprado.es/ (Página oficial del Museo del Prado de Madrid)