UNIDAD 3

FOTOGRAFÍA II Y EL CARTEL.

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OBJETIVOS El objetivo de esta unidad es seguir aprendiendo conceptos sobre fotografía pero

enfocados a la práctica. Además, también se tratará el cartel publicitario como soporte

en el cual la imagen y la fotografía adquiere un papel muy importante.

INTRODUCCIÓN

En el tema anterior hemos visto la esencia de la fotografía (tipos de cámaras y sus

partes). En esta unidad, podremos ver cómo utilizar mejor algunas de las características

de una cámara para producir un mejor mensaje comunicativo.

Además, también veremos uno de los primeros medios de comunicación en

imágenes fueron los carteles, que pronto utilizaron la fotografía dentro de sus

composiciones.

1. COMPOSICIÓN DE UNA FOTOGRAFÍA

Las normas en fotografía están para saltárselas cuando alguien lo crea oportuno. A

pesar de ello, existen unas reglas y elementos a tener en cuenta para conseguir dar

mayor expresividad a una fotografía.

Entre estas normas están las relativas a: la profundidad o perspectiva, el detalle, el

punto de vista, la luz, tamaño y escala, textura, forma, situación... Estos factores forman

un todo en la foto pero no todos deben estar presentes en cada fotografía.

1.1 Encuadre

El encuadre es el espacio que capta el objetivo de una cámara para hacer una

fotografía. Mientras que el ojo humano observa un espacio sin límites, la cámara está

limitada por los cuatro lados del encuadre.

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Imagen extraída de: http://www.estudiosdigitales.com/el-encuadre/

Por lo tanto es necesario elegir el que se quiere incluir y lo que vamos a excluir

desde nuestro marco fotográfico. Es importante tener en cuenta el formato de la foto

(vertical u horizontal) ya que éstos condicionan la imagen. Mientras que un encuadre

horizontal resalta el espacio, el vertical resalta la magnificencia.

Hay que diferenciar entre el encuadre simple

que es cuando únicamente aparece un único

espacio visual.

Y el encuadre compuesto, cuando dentro de ese

primer encuadre hay un segundo espacio visual o

segundo encuadre. Normalmente el segundo encuadre

sirve para aclarar o mostrar un detalle del anterior.

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1.2. Ángulo de la foto

Un motivo puede encuadrarse desde varios ángulos, acercándose o alejándose de

ellos, desde arriba o desde abajo, según la intención del fotógrafo. Los ángulos

utilizados normalmente en fotografía son:

Nivel: Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel de el objeto

tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve para mostrar o describir

algo de forma "natural" u “objetiva ".

Picado. Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el

objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. Debido a la perspectiva que se

produce el motivo se ve disminuido en tamaño. Cuando se utiliza sobre

personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o

humillación.

Contrapicado. Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo

que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara. Debido a la

perspectiva que se genera, el objeto se aprecia agrandado visualmente.

Puede, en algunos casos, connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Cenital. Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba

hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, el

más extremo posible de una toma en picado. Produce una gráfica sin

perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños,

e inusual e interesante si se usa con elementos grandes.

Nadir: Aquella tomada totalmente

desde bajo del objeto que se quiere

fotografiar.

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1.3. La luz 1

La luz es esencial para la fotografía, por ello se ha de buscar el ángulo de

incidencia de la luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar. En

fotografía hay cuatro propiedades de la luz a tener en cuenta:

1. Dirección: En la naturaleza la luz viene de arriba, del sol. Si es un día

soleado y es mediodía el sol está en la parte superior de nosotros y crea una

luz que es fuerte que no es atractiva para la fotografía de retratos. Sin

embargo si es un amanecer o atardecer el sol ofrece su luz de manera

lateral y entonces se convierte en un tipo de luz ideal para retratos y crea

dramatismo en las escenas. La dirección de la luz provoca emociones y

sentimientos. Si la dirección de la luz es de arriba, el cerebro la asocia con

un día soleado, eso nos hace sentir alertas y felices mientras que si no es

evidente la dirección desde arriba eso nos provoca una emoción sombría y

oscura. La luz desde bajo hacia arriba nos parece no natural y produce

imágenes que evocan temor y misterio.

1.Lateral

2.Semilateral

3.Frontal

4.Contracenital

5.Frontal cenital

6.Cenital

2. Intensidad: Lo más importante es entender que se necesita al menos la

intensidad suficiente de luz para capturar una escena con la exposición

correcta.

1 Extraído de: http://www.aprendefotografiadigital.com/afd/2011/01/18/4-cosas-que-todo-fotografo-debe-saber-

acerca-de-la-luz/#axzz4qedVydNa

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3. Calidad de la luz (suavidad o dureza): Esta característica de la luz también

es conocida como luz suave o difusa y luz dura o especular. Podemos

resumir la calidad de la luz en dos 4 reglas básicas:

Cuanta más pequeña sea la fuente de luz, mas especular o dura será

la luz que produce

Cuanto más grande sea la fuente de luz, más suave será

Mientras más cerca la sujeto esta la fuente de luz, más suave esta

será

Mientras más lejos esté la fuente de luz, más dura o especular será

4. Temperatura: Cada fuente de luz produce unos tonos diferentes de luz.

Esos tonos producen sensaciones de calidez o frialdad en las imágenes

tomadas. Por ejemplo, los fluorescentes emiten un color verdoso, las

bombillas de tungsteno iluminan las cosas color naranja, y la luz de la vela lo

hace con un color aún más rojo. El sol produce tonos rojizos mientras que

los días nublados tienden a ser de color azul.

El concepto importante que debes conocer es el siguiente; cuando la

temperatura de la luz en una foto tiende hacia el lado naranja esta produce

en el espectador un sentido cálido, un sentido de calor. Cuando la

temperatura de la luz tiende al lado azulado se provoca un sentido de

frialdad.

La tendencia a temperaturas cálidas son utilizadas en fotos de personas y

retratos porque despiertan un sentido de armonía en ese tipo de foto con el

espectador, una foto por ejemplo de bodas con una temperatura de luz azul

no es igualmente atractiva a una cálida (color naranja suave).

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1.4. El campo fotográfico y los planos

El campo es la profundidad de espacio de nuestra foto.

Teniendo en cuenta esta profundidad de la imagen, podemos colocar

los objetos fotografiados más alejados de nosotros o más cercanos.

Cuando se fotografía un objeto principal acompañado de otros

objetos situados a diferente profundidad de campo, estos últimos

objetos pasan a ocupar un segundo plano de importancia.

1.5. Las líneas

Una de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de

las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura. Las líneas

dominantes deben centrar la atención, no desviarla. Se puede encontrar una línea casi

en cualquier cosa, como en un camino o en una sombra.

Las líneas pueden ser, horizontales,

verticales, curvas u oblicuas. Las líneas

horizontales, suelen expresar armonía y

profundidad, paz y tranquilidad, mientras que

las verticales limitan la profundidad y actúan

como barreras entre la fotografía y la vista, es

decir subrayan la grandiosidad del motivo.

Las líneas curvas y amplias dan una

sensación de belleza y gracia, aportan movimiento a la composición. La vista recorre la

línea de manera pausada y natural. Producen una sensación de paz y tranquilidad. Las

curvas en S, son otra forma de composición bella y armónica, y también una de las más

comunes. La vista sigue suavemente la curva hasta llegar al principal centro de interés,

centro que tenemos que asegurarnos de que exista.

1.5. Las formas. Resaltar el volumen

La imagen fotográfica, es bidimensional, pero la iluminación, el contraste tonal y

cromático resaltan los volúmenes.

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La luz puede allanar o crear fuertes sombras, llegando a fundir formas entre sí. La

forma viene también modificada por el punto de la toma. Un fondo monocromático

contrastante resalta la forma del motivo.

1.6. El pattern

El denominado efecto pattern, consiste en la

repetición de elementos gráficos que a través de un

conjunto y juego de volúmenes, conforman una

imagen armoniosa.

Las repeticiones de formas se encuentran en la

propia naturaleza, animales, árboles, objetos, etc.

Donde también encontramos repetición de elementos pattern, es en el campo de la

arquitectura, en ventanas, tejados, baldosas...

1.7. La textura

En términos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una

superficie. Áspera e irregular o suave y brillante. La textura revelada por una fotografía,

nos dice lo que se sentiría si la superficie se pudiera tocar. La luz, es la clave para

fotografiar la textura. La mejor suele ser oblicua, dependiendo de la calidad de textura.

Las superficies compuestas de muchos detalles iluminan con luz direccional y difusa. La

luz dura en cambio destaca las superficies irregulares. El momento idóneo para realizar

fotografías con texturas interesantes, es el amanecer o al atardecer.

1.8. Congelar el motivo

Efecto panning: Consiste en seguir con la

cámara el motivo en movimiento durante el tiro. El

fondo queda movido. Resulta esencial elegir un

tiempo de obturación que permita expresar la idea

de movimiento.

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2. Las 3 reglas fotográficas básicas

En fotografía existen tres reglas básicas que se deben tener en cuenta para

mejorar nuestras fotografías.

2.1. Ley de horizonte: la primera regla fotográfica

Trazados tres espacios horizontales de igual anchura en el recuadro fotográfico, en

la gran mayoría de las ocasiones, se mejora la imagen si se sitúa el motivo principal

ocupando dos bandas, y la otra banda queda ocupada por el horizonte de la imagen, el

fondo o la zona secundaria.

La amplitud de estos dos espacios dependerá de la mayor o menor importancia de

cada uno de estos. Pueden ser casi iguales, si la relación entre el motivo principal y el

secundario no está desequilibrada en nuestro fotograma, hasta reducirse la zona

secundaria a una pequeña franja, si el motivo principal está muy destacado.

Hay que remarcar que esta regla no se aplica solamente cuando está presente el

horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida

la composición en dos espacios significativamente diferenciados.

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2.2. La ley de la mirada. Segunda regla fotográfica

Según esta ley, toda persona, animal o cosa enmarcada dentro del recuadro

fotográfico debe tener más espacio libre en su parte frontal que en la parte trasera. Es

decir, que delante de su mirada quede espacio libre.

2.3. La regla de los tres tercios. Tercera regla fotográfica

La ley de los tercios nos marca que en el recuadro

fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas

equidistantes verticales y dos horizontales. Donde se

cruzan estas cuatro líneas es donde debe colocarse el

motivo que deseamos resaltar dentro de la

composición.

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Colocando el centro de interés en estos puntos se evita situar el objeto en el centro

de la imagen y que resulte estático.

ATENCIÓN: Esta regla NO quiere decir que el objeto principal deba colocarse

en el cuadro del centro. Colocar el objeto centrado en el cuadro del medio es un gran

error ya que genera una imagen estática, sin proyección ni movimiento. De lo que se

trata es que el objeto principal se encuentre en uno de los puntos en los que se cortan

las líneas para que la vista busque nuevos espacios y otros centros de interés.

ERROR 3ª REGLA BIEN APLICADA

Imagen extraída de: http://www.thewebfoto.com/2-hacer-fotos/214-composicion

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2.4. Otras reglas de composición fotográfica2

a) Identificar el centro de interés. Para destacar aquello que es importante del

resto de elementos que simplemente están ahí.

b) Rellenar el encuadre. Es decir, ocupar la mayor parte del encuadre con ese

elemento principal.

c) Apoyarse en las líneas. Las líneas aportan formas y contornos, además de

dirigir la mirada del espectador de una parte a otra de la foto.

d) Trabajar el flujo. Es decir, tener en cuenta el modo en el que la mirada del

espectador se desplaza de una parte de la foto a otra (las líneas ayudan a esto)

e) La dirección. Tener en cuenta si hay algo en la foto que parezca estar en

movimiento, o apunta hacia algún lado.

f) Tener en cuenta el pattern. Es decir los elementos repetidos ayudan.

g) Los colores siempre dicen algo.

h) Grupos de tres. Parece existir cierta percepción especial por los números

impares en fotografía. Sobre todo por los conjuntos de tres elementos.

i) Espacio negativo. Los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o

negro, deben situarse a un lado.

j) Trabaja las tres dimensiones. Teniendo en cuenta la profundidad de la imagen

para obtener un frente y un fondo.

k) Enmarcado natural. Existen elementos naturales del lugar donde hacemos la

foto que enmarcan el centro de interés.

l) Las curvas en S. Éstas ayudan a transmitir movimiento.

m) No cortar los extremos. Es habitual que en las fotografías de personas las

fotografiemos cortando, en el encuadre, el final de la cabeza o los pies. Esto da

la sensación de poco cuidado.

Para comprender mejor esto, te recomiendo ver esta página web: https://www.dzoom.org.es/reglas-de-composicion-fotografica/

2 Extraído de: https://www.dzoom.org.es/reglas-de-composicion-fotografica/

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3. FUNCIONES DE LAS CÁMARAS3

Las cámaras fotográficas y las de los

teléfonos móviles, tienen programados lo que

se conoce como “modos de escena”, es decir,

diferentes configuraciones de las

características de esa cámara para fotografiar

mejor según la situación en la que te

encuentres: paisajes, retratos, puesta de sol,

etc. Estos modos programados son diferentes

de unas cámaras a otras, dependen del

fabricante.

Algunos de estos modos son:

Modo Retrato: La cámara abre al máximo el diafragma para lograr menor

profundidad de campo y desenfocar el fondo.

Modo Paisaje: La cámara cierra el diafragma dejando la profundidad de

campo al máximo

Modo Deportes: La cámara utiliza el disparo más rápido que posee para

intentar congelar la escena.

Modo Macro: Es similar al Retrato. La cámara abrirá lo mas posible el

diafragma y enfocará lo que está mas cerca. Es necesario mucha luz para

que no salga movida. En las compactas y móviles es muy útil también para

lograr fondos desenfocados.

3 Extraído de: https://www.madboxpc.com/entendiendo-la-fotografia-digital-que-son-los-

modos-de-escena/

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Modo nocturno: La cámara abre el diafragma, el disparo tarda (obturación

baja) y sube la sensibilidad. Es recomendable el uso del trípode ya que al

tardar en cerrar y abrir la obturación, cualquier moviendo se capta.

Playa y nieve: Se indica a la cámara que no tome toda la luz de la escena.

Fuegos Artificiales: Este modo similar al nocturno, deja el obturador mas

tiempo abierto para captar la luz de las explosiones.

4. Intención de la fotografía

A la hora de realizar una fotografía, sus características se modifican según la

intención comunicativa para la que se va a utilizar. Así pues podemos clasificar una foto

según estas intenciones:

Artística. Técnicas como en el arte.

Estética. Utilizando recursos para mejorar la realidad.

Hipertextual. Ayuda a la información.

Gráfica. Presentar la información de forma atractiva.

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Social. Buscar que el receptor se haga eco de un problema.

Semiológica. La imagen es un mensaje

Retórica. Se plantea como un juego para el receptor.

Poética. Llama la atención sobre las formas del

mensaje.

5. FOTOMONTAJE

El fotomontaje consiste en manipular dos fotografías uniéndolas en el proceso de

la toma (doble exposición), en el proceso de revelado o mediante ordenador. Se trata de

manipular la imagen o bien con fines artísticos o de propaganda (publicitaria o política).

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6. EL CARTEL4

El término cartel procedente del italiano cartello que, a su vez, deriva del

latín “carta”, que significa “papel”, refiriéndose explícitamente al soporte mediante el que

se transmite la información. El cartel publicitario es un mensaje visual realizado

gráficamente. Se engloba dentro de los medios de comunicación de masas y posee dos

elementos fundamentales, que son:

• Icónico. Relativo a la imagen que contiene.

• Lingüístico. Perteneciente a los elementos del lenguaje que anuncia.

La cartelería como “uno de los productos que con mayor precisión define la labor

de los diseñadores gráficos”, posee varias funciones:

a) Función informativa. Busca trasladar un determinado mensaje al público.

b) Función persuasiva y retórica. Orientado también a provocar una

determinada respuesta por parte del receptor.

c) Función estética. La eficacia de un cartel está ligada al poder de la imagen

y al vínculo con el público al que se dirige.

d) Función educadora. Es un medio que contribuye al enriquecimiento cultural

al ser un espejo de la sociedad donde esta puede reconocer sus gustos,

intereses, tensiones sociales…

e) Función ambiental o urbanística. El cartel es un elemento que proporciona

carácter y personalidad a los espacios urbanos y configura el paisaje

urbano.

Como características generales del cartel publicitario podemos señalar:

Se ejecuta sobre una superficie bidimensional.

El diseño se realiza con formas muy sencillas, para percibirse rápidamente.

A través del cromatismo, la figuración y de la abstracción podemos

apreciar y percibir la idea que se quiere transmitir.

4 Extraído de: http://cosasvisuales.com/2016/07/29/el-cartel-significado-y-funciones/

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El mensaje lingüístico debe ser lacónico y breve.

Se reproduce en gran número, ya que está destinado a una percepción

masiva. Su principal destino es la calle.

6.1. El texto y la imagen

En el cartel publicitario tiene tanta importancia la imagen (ya sea una fotografía, un

o un dibujo) como el mensaje textual, existiendo una gran conexión entre texto e imagen.

En cuanto al texto, hay que tener en cuenta los siguientes aspectos generales:

El texto materializa a través del eslogan el significado más relevante de la imagen

del cartel.

El texto repite algún elemento o elementos que aparecen en la imagen para

intensificar el verdadero significado del mensaje.

La función del texto es informar, precisando a la imagen.

El texto intensifica un elemento determinado que se quiera destacar de la imagen,

con la intención de atraer la atención del espectador. En este sentido, ayuda a

realzar lo verdaderamente importante de lo accesorio, en cuanto al significado,

indicándonos en qué debemos detener nuestros ojos.

En cuanto a la imagen, en el cartel publicitario aparecen

dos tipos de imágenes, que son:

Imágenes centrales. Constituyen el verdadero

núcleo del cartel.

Imágenes secundarias. Rellenan los espacios

vacíos que quedan alrededor de la imagen central,

reforzando el mensaje.

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6.2. Historia de la cartelería5

Aunque existen datos en la antigua Roma, en otras

civilizaciones o en la Edad Media, que nos indican que se

utilizaba una forma similar para anunciar ciertos eventos,

fue con la aparición de la imprenta de tipos móviles en torno

a 1440 cuando se dio un enorme avance para las artes

gráficas y el nacimiento del cartel publicitario moderno.

Ya en 1798 la litografía fue inventada, pero era

demasiado lenta y costosa para la producción de carteles.

La mayoría de estos eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del

metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de

Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris

con tan sólo tres piedras (generalmente rojas, amarillas y azul).

Fue durante el 1890, cuando en plena Belle Epoque en

Francia, cuando explotó la afición por el cartel. Así, en 1891, el

primer cartel de Toulouse-Lautrec's, "Moulin Rouge", elevó el

estado del cartel a la categoría de arte.

La Primera Guerra Mundial y la

revolución bolchevique

significó un nuevo papel del cartel: la

Propaganda. De hecho, la guerra

supuso la campaña publicitaria más grande hasta la fecha,

desde recaudar dinero, a soldados de reclutamiento y de

alzar esfuerzos voluntarios, a estimular la producción o

provocar ultraje y atrocidades en las líneas enemigas.

América solamente, produjo cerca de 2.500 diseños y

aproximadamente 20 millones de carteles, casi un cartel

para cada 4 ciudadanos en poco más de 2 años.

5 Extraído de: http://www.actuallynotes.com/historia-nacimiento-cartel-publicitario/

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El papel y el aspecto del cartel ha cambiado continuamente durante el último siglo

para resolver las necesidades y los cambios de la sociedad. Aunque su papel es menos

central que hace 100 años, el cartel sigue su evolución en los nuevos, que están

revolucionando la manera de comunicarnos en el siglo XXI.