Gamarra Ivan

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Trabajo Práctico n°1

de Reflexión artística

I

Guía de lectura

Reflexión artística I

Daniela Olivera

Dirección cinematográfica 3-3

Segundo 24-08-15

1- Mencione los distintos rasgos característicos y definitorios en una

obra de arte según Tatarkiewicz. Relacione las siguientes obras con esta idea. 1. Marcel Duchamp, “Rueda de bicicleta” (1913). 2. Willem de

Kooning “Mujer” (1952). 3. “La Gioconda” (1503) de Leonardo da

Vinci. Reflexione y analice las imágenes.

Según el esteta polaco Wladyslaw Tatarkiewicz (1886-1980), los rasgos característicos y definitorios para que una obra sea considerada arte son los siguientes:

-Producir belleza: idea desarrollada en el Renacimiento, época donde surge la expresión de “bellas artes”, donde se trata que todas las partes de la obra converjan “hacia una belleza única”.

-Representar o reproducir la realidad: derivado del concepto clásico de mímesis (imitación o representación de la naturaleza como fin esencial del arte).

-Crear formas: dotar a la materia de forma, para crear un nuevo concepto de arte. Aristóteles decía que lo único que se exige a una obra es que tenga una forma. Según Tatarkiewicz esta es una de las definiciones más modernas de arte.

-Expresar: el artista utiliza la obra como medio para transmitir sensaciones, emociones e ideas.

-Producir la experiencia estética: el acento se coloca en el receptor, es decir en el espectador que queda como un miembro partícipe de la obra, y puede tener un espectro de percepción muy amplio.

-Producir un choque: involucra al espectador y al efecto que la obra produce en él.

Para sintetizar estas definiciones, Tatarkiewicz enuncia: Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión de un tipo de experiencias que deleiten, emocionen o produzcan un choque. Arte es aquello que proporciona alimento espiritual, es el producto de una actividad humana consciente.

Marcel Duchamp: Rueda de bicicleta (1913)

El concepto de arte, no es universal, ni eterno, cambia según las culturas y los tiempos históricos.

Según las palabras de Peter Burger: “La provocación de Duchamp no sólo

descubre que el mercado de arte, que atribuye más valor a la firma que a las obras sobre la que ésta figura, es una institución cuestionable, sino que hace vacilar el mismo principio del arte en la sociedad burguesa, conforme al cual el individuo es el creador de las obras de arte. Los ready-mades de Duchamps no son obras de arte, son manifestaciones”.

Marcel Duchamp (1887 – 1968) es reconocido por el ready-made, en el cual presentaba objetos manufacturados, simples y cotidianos, los firmaba y presentaba en salas de exposiciones, con el objetivo de probar que el arte es una actitud mental que residía en los espectadores.

Teniendo en cuenta los distintos rasgos característicos que propone Tatarkiewicz, sobre el arte, puedo concluir que la obra de Marcel Duchamp no trata de producir ni representar la realidad, es decir que su obra no presenta la mímesis característica de las obras que se realizaban anteriormente, como en la época del Renacimiento, donde se buscaba la armonía y la divina

proporción. Él se ponía en un lugar de rebeldía, sintiendo un cierto rechazo y provocando a las normas establecidas hasta ese momento. Duchamp construyó una escultura con objetos ya existentes, un banco y una rueda de bicicleta. No presenta una belleza convencional, sino que trata de producir un choque en la percepción del espectador y en la definición que este podía/pueda tener sobre el arte. La obra para mí trata de representar lo irónico, la crítica y la ruptura directa a los paradigmas establecidos, y creo que no trata de buscar un sentido concreto, ni un valor moral o estético.

Willem de Kooning: Mujer I (1952)

“Lo bello no siempre está en las cosas bellas. Asimismo, lo feo, en su mayor dosis de atrocidad, de violencia y destrucción, puede llegar a poseer una cuota tan fuerte de atracción como lo bello”, afirma Elena Oliveras en Estética, la

cuestión del arte.

Willem de Kooning (1904 - 1997), nacido en Holanda y nacionalizado estadounidense, fue uno de los máximos representantes del expresionismo abstracto.

Basándome en los rasgos definitorios y característicos del arte que propone Tatarkiewicz, puedo decir que la producción de belleza y la representación de la realidad no son los elementos que se puedan destacar a primera vista en esta obra. De Kooning justamente huye de todos los parámetros establecidos en cuanto a la forma de pintar y representar el arte. Eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz, y acaba con la jerarquía entre

fondo y figura. Emplea trazos vigorosos, amplios y muy marcados. No crea una forma concreta, crea manchas que desdibujan la figura, las líneas de la imagen se mezclan con el fondo, y no busca implementar la mímesis como parámetro de su obra. Crea un nuevo universo, dando una nueva forma a la mujer, representándola de forma desproporcionada, asimétrica y no figurativa, que en muchos casos puede resultar agresivo y hasta monstruoso y generar desconcierto, repudio y/o aversión. En cuanto a mí, creo que de Kooning fue un innovador en cuanto a la forma de representar el arte y aplicar el color, la obra si bien a primera vista me genera cierto impacto, no me genera ningún disgusto y me parece una obra que aporta originalidad.

Leonado da Vinci: La Gioconda (1503)

Leonardo da Vinci (1452 - 1519) fue uno de los artistas más importantes del Renacimiento. Fue un polímata, entre sus muchas actividades destacaba las de pintor, arquitecto, anatomista, científico, escritor, entre otras cosas.

Una de las obras más famosas y enigmáticas de la historia fue La Gioconda, conocida también como La Mona Lisa. Analizándolo desde los rasgos característicos y representativos que definen el arte que propone Wladyslaw Tatarkiewicz, puedo concluir en que es una obra dotada de belleza y que cumple con las características propias de la época en la que se pintó, el Renacimiento, cumpliendo con la armonía y la divina proporción, todo en el cuadro está perfectamente compuesto. Es una obra que busca representar la realidad, es decir pintar a una dama, cuya identidad hasta el día de hoy se sigue cuestionando. Además conociendo al artista que la pintó podemos saber que fue uno de los artistas y botánicos que más

tiempo dedico el estudio de la anatomía mediante la observación de modelos vivos, animales y cuerpos de personas muertas, en el que estudiaba los músculos, los movimientos y las expresiones faciales, por lo cual en sus obras intenta representar fielmente la realidad mediante colores y formas.

Es una obra que al verla de ninguna manera puede generar rechazo, sino más bien genera equilibrio, tranquilidad y de cierta manera curiosidad, ya que al observar detenidamente la expresividad de esta mujer en apariencia armoniosa, sus gestos, su mirada y su sonrisa nos invitan a cuestionarnos ¿qué esconde esta mujer misteriosa?, ¿qué nos quiere decir su mirada?, ¿qué nos quiere transmitir su sonrisa? Queremos buscar la historia detrás de la pintura.

2- ARTE Y BELLEZA EN LA ANTIGÜEDAD. Desarrolle el concepto de "mimesis". ¿A qué se refiere Platón en "la metáfora del espejo"? En la degradación ontológica del arte, ¿en qué lugar queda el artista? En la idea de Belleza de Platón, ¿qué otros conceptos intervienen? Desarrolle.

-El concepto de mímesis, está ligado íntimamente al arte. En un momento, el sentido fue más profundo que aquello que podría indicar la palabra imitación, pero también puede significar representación. Dentro de la representación teatral, W.K Guthrie señala que, la relación entre un actor y su papel no es exactamente imitación, sino que el actor se mete en el papel, o más bien el papel se introduce dentro del actor, que lo representa con sus palabras y gestos. En cuanto a la pintura la mímesis busca representar un sentido lo más fielmente posible de la naturaleza o de la realidad.

-Platón, en los textos de la República (X), habla de la metáfora del espejo, donde nos dice que lo que produce el espejo son simples fenómenos, su ser no es el ser de verdad, conformes a la realidad. El espejo produce fantasmas que no corresponden a la realidad, el mismo no ofrece nada más que imágenes, es decir creaciones.

-También, Platón ilustra la degradación ontológica del arte a través de tres grados de la realidad, poniendo como ejemplo las tres camas:

El primer grado de realidad: la idea de cama, por la cual la cama es cama, es obra del Demiurgo, del divino artífice del mundo de las ideas.

El segundo grado de realidad: corresponde a la cama sensible que fabrica el artesano, es una copia imperfecta, realidad degradada con respecto al primer grado de realidad.

El tercer grado de realidad: corresponde a la imitación que hace el artista, a la obra que hace representando lo que él percibe y que está materializado, que a su vez es una copia del primer grado de realidad.

Por lo tanto el artista quedaría en el tercer grado de la realidad, según lo que propone Platón con la degradación ontológica.

-Platón escribió en el Banquete, “si hay algo por lo que vale la pena vivir, es por

contemplar la belleza”. El concepto de belleza al que se refiere Platón, y que era dominante en su época, no es el mismo del que podemos hablar nosotros. Para nosotros algo bello, un objeto, una persona, una canción, tiene que ver con las formas, los colores, la melodía de dicho objeto, persona o canción, para nosotros algo bello es lo que da placer y cierto agrado a la vista, al tacto, y a los sentidos en general. Platón entenderá la belleza indisolublemente unida a lo

bueno, a la armonía, a la medida, a lo matemático y a la proporción; “lo bello no

carece de proporción”, “la medida y la proporción son la belleza y la virtud”

decía en su madurez.

Existen las casas hermosas, las mujeres y hombres bellos, pero solamente en un sentido puramente estético. Para Platón, al margen de lo estético, la belleza abarca también la virtud, el bien, la verdad y sobre todo la sabiduría y el conocimiento.

Así que cuando Platón habla de belleza, no se está refiriendo únicamente a aquello que da cierto placer sensorial y que agrada a los sentidos, sino a todo aquello que aporta conocimiento y sabiduría.

3- ARTE Y BELLEZA EN LA EDAD MEDIA.

¿Cuál es la idea y la función del arte en el medioevo? ¿Qué relación tenían con lo artístico, lo creativo, el conocimiento, el simbolismo, la divinidad y lo religioso? El Medioevo fue un larguísimo período que duró aproximadamente del S. V al S. XV, que supuso un medio entre dos épocas muy importantes de la historia: la Antigüedad clásica y el Renacimiento. La Edad Media había sido dominada por la fe Cristiana, se tomó lo religioso como tema único y central de todo tipo de obras y aparece la Santa Inquisición.

En esta época no existía la concepción de arte y artista como las tenemos ahora, los artistas no eran libres en cuanto a representación de sus obras, sino que eran subordinados y trabajaban para la corte, el artista no creaba sus obras a partir de sus propias ideas y las expresaba, sino que tenía que interpretar la biblia y representarla en la obra. El artista no fue considerado una individualidad creadora que imprimía su sello personal a la obra, es decir que, el artista no firmaba, ni era dueño de su arte. La pintura y la escultura no estaban asignadas a un grupo concreto, y en la práctica social, eran tratadas como productos de artesanos, los artistas actuaban dentro de gremios o corporaciones formadas por maestros, oficiales y aprendices de un mismo oficio, que protegían a los trabajadores, surge la idea de comunidad. El arte no era una expresión, sino una construcción. Las ideas eran simbólicas y alegóricas, estaban elaboradas en torno a un profundo sentimiento religioso, Dios se manifestaba en la biblia y en la naturaleza en forma de símbolos, su mensaje debía ser interpretado y el arte así debía representarlo. El hombre medieval vivía en un mundo pleno de significados, de remisiones y de manifestaciones de Dios.

El arte era una forma principal de hacer llegar al pueblo el dogma cristiano, como lo muestran los frescos y vitrales que decoraban las iglesias, además, pretendía enseñar a través de la biblia de los pobres y así generar un acercamiento o contacto entre el pueblo y el mensaje cristiano, había un cierto control de la verdad. En cuanto a lo artístico no había idea de dimensión y perspectiva, eso recién aparece en el Renacimiento. No había propiedad intelectual, ni idea de naturalismo, la creación quedaba en mano de lo divino.

4- NEOCLASICISMO HISTORICO

Ubique temporal y cronológicamente. ¿Qué características propias tiene? ¿Qué semejanzas con la antigüedad clásica? ¿Qué relación con el renacimiento? La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 aproximadamente, y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830. Su impulso inicial no vino de la mano de los artistas sino de los filósofos, los representantes de la Ilustración en Francia. Hombres como Diderot y Voltaire protestaron contra el relajamiento moral del estilo rococó y, por asociación, contra el régimen que lo había engendrado. Reclamaban un arte racional, moral y con principios. Fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración, generando a su vez importantes cambios sociales, políticos y económicos. Junto a la Ilustración, la Revolución francesa y la Revolución industrial influyeron ampliamente en esta nueva forma de expresar el arte. El Neoclasicismo buscaba reflejar la belleza y la perfección formal a partir de la vuelta a las raíces clásicas. Estaba ligado al arte del mundo antiguo, grecorromano, y a aquello que fue considerado como su renacimiento en la cultura humanista de los siglos XV y XVI. Buscaban resucitar los modelos del Arte Antiguo, porque veían en ellos encarnadas la virtud y así lograr la perfección del mundo. Pedían un arte dirigido por la razón y no por el sentimiento, en el que la perfección técnica dominara sobre la improvisación y la imaginación.

La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero como esta es imperfecta se debía escoger de ella lo mejor, sin dar cabida a la fealdad o a la imperfección, se daba prioridad a lo bueno, a lo bello y a la divina proporción, inspirados también en la forma de representación del Renacimiento. Debían ser realistas, pero idealizadas; transmitían seguridad.

Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraban debían ser contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión a la escena, algunos pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones grandilocuentes con los brazos, que todos entendían como parte del mensaje trascendente con el que se quería ennoblecer la escena. Las composiciones eran concebidas de forma geométrica, equilibrada y estática, los movimientos y las posturas eran muy estudiados. No hay temas anecdóticos que distraigan del motivo principal. Todo acontece en primer plano trasmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje. La luz era clara y fría, no se renuncia al claroscuro, porque la luz intensa dirigida permitía aclarar aún más la prioridad compositiva, dejando en penumbra lo más secundario. Predomina el dibujo, la forma, sobre el color. Los colores son pálidos, convencionales, y el dibujo es el objetivo prioritario del pintor. Contornos bien definidos, bellas líneas y cuidado del detalle, buscando cierta semejanza con la realidad, mímesis. Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante o de transmitir valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo. El representante máximo de la pintura neoclásica es el francés Jacques -Louis David. Cultivó la pintura de tema clásico, inspirada en los relieves grecorromanos, de los que copió la simetría, la falta de profundidad y la ordenación en figuras paralelas. Sus obras más famosas son El juramento de los Horacios (1784) La muerte de Marat (1793) o Napoleón cruzando los Alpes (1799) Con Napoleón Bonaparte la pintura se convirtió en un arte al servicio de la propaganda del Imperio y del emperador. Cuando Napoleón llegó al poder, David fue nombrado pintor de Cámara (1804-1816). Respondiendo a la petición de su emperador, se dedicó a la creación de un nuevo estilo imperial, ejemplo perfecto del cual es la Coronación del Emperador (1805-07), en un marco de lujo inherente a la corte.

La muerte de Marat (1783) Napoleón cruzando los Alpes (1799) El juramento de los Horacios (1784) Jean Auguste Dominique Ingres: fue discípulo de David. Su vida artística fue muy larga, sus cuadros son enormes y de gran frialdad. Algunas de sus más afamadas obras son Apoteosis de Homero (1827), Napoleón en su trono imperial (1806) y La gran odalisca (1814). Son algunas de las obras más representativas del movimiento neoclásico.

Apoteosis de Homero (1827) Napoleón en su trono imperial (1806) 5.- ROMANTICISMO HISTORICO Ubique temporal y cronológicamente. ¿Qué características propias tiene? ¿Qué relación con el medio evo? El romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido, que se extendió por toda Europa y posteriormente a América desde 1770 hasta 1870, aproximadamente. Nace como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la ilustración y el clasicismo, dándole prioridad a los sentimientos. En el Romanticismo se practica la libertad de creación frente a los cánones del Neoclasicismo. El Subjetivismo y el individualismo frente a la rigidez de las reglas académicas. Se valoran especialmente la originalidad, la diversidad y la particularidad frente a la unidad de la Ilustración. El Romanticismo se encontraba en la necesidad de explorar nuevos campos: conflictos bélicos, análisis psicológicos, cementerios, bandidos, costumbres populares, viajes y aventuras, suicidio, locura, tempestad, el hombre solo ante la inmensidad. Se da importancia a los sentimientos, a las emociones y a las pasiones amorosas, al sufrimiento, al odio. Se exaltan los sentimientos religiosos, patrióticos y los inspirados en la naturaleza, el paisaje cobra gran interés. Se recrean mundos pasados, principalmente el Medioevo, representando la soledad, la ruina y lo caótico de la época. Se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y el hombre mismo. De todas maneras presenta algunas características comunes entre todos los artistas románticos de la época:

• Predominio del color sobre el dibujo y usar la luz para difuminar las figuras y acentuar los cromatismos. • Dramatismos en las composiciones con gran preocupación por el movimiento y la complejidad compositiva. • Técnica rápida con pinceladas sueltas y pastosas. • Aparición de temas actuales: revoluciones, guerras, desastres. Y sobre todo la gran importancia del tema histórico y del paisaje. Surgen grandes artistas y grandes obras muy representativos del movimiento Romántico: -Eugéne Delacroix (1798 – 1863) Su pintura es colorista y sensual. “La libertad guiando al pueblo” es una de sus principales obras, refleja en ella la insurrección de 1830 que tiene lugar en Paris y que pone fin a la restaurada monarquía borbónica, la Libertad es una figura que recuerda a la Victoria de Samotracia y que lleva en sus manos la bandera tricolor francesa. La escena se organiza de abajo a arriba.

“La libertad guiando al pueblo” (1830) - Jean Francois Millet: buscaba retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre. Su obra más representativa es El Ángelus, la escena muestra a dos campesinos que interrumpen su trabajo en el campo para rezar el Ángelus, la escena recuerda al saludo del ángel a la Virgen María en la Anunciación. Sus caras quedan en sombra, mientras que la luz destaca los gestos y las actitudes, consiguiendo expresar un profundo sentimiento de recogimiento. “El ángelus” (1857 – 1859)

- Caspar David Friedrich: pintor paisajista del romanticismo alemán del Siglo XIX, considerado uno de los artistas alemanes más importante de su generación. Es conocido por sus paisajes, por las nieblas matinales, sus pinturas generalmente representan al hombre frente a paisajes extensos, al hombre frente a la inmensidad de la naturaleza. Su obra más representativa es “Viajero frente a un mar de nubes”, La obra representa a un viajero, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas y viste de negro. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla. “Viajero frente a un mar de nubes” (1817 – 1818) -Francisco de Goya: fue un pintor español, su obra abarca la pintura, el mural, el grabado y el dibujo. Su arte supone el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Una de sus obras más famosas es “El fusilamiento del 3 de mayo”, La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. “El fusilamiento del 3 de mayo” (1813 -1814) Otros artistas destacados del Romanticismo fueron: Théodore Géricault, Theodore Rousseau, Camille Corot, Henri Füssli, Willian Blake, entre otros.

6.- CLASICO / ROMANTICO Desarrolle la interpretación geográfica propuesta por el crítico alemán Wilhelm Worringer a principios del 1900 Para el crítico alemán Wilhem Worringer (1881 – 1965) existe una distinción por áreas geográficas entre lo clásico y lo romántico. Lo clásico es el mundo mediterráneo (cálido y ameno) en donde la relación de los hombres con la naturaleza es clara y positiva, es decir donde la mímesis o representación de la realidad tiene gran influencia y validez, se busca tener una representación objetiva, idealista y moral de la naturaleza. Lo romántico es el mundo nórdico (frío y solitario), en el que la naturaleza es una fuerza misteriosa, con frecuencia hostil, que busca desprenderse de lo moral e idealista, y apreciar el concepto de lo feo y plasmar, entre otras cosas, la miseria, la soledad, la tristeza, la violencia, etc. Se trata de dos concepciones distintas del mundo y de la vida, relacionadas con dos metodologías distintas, como consecuencia de las ideologías propias de la Revolución Francesa y de las conquistas napoleónicas, se va perfilando en las conciencias la idea de unidad, cultural, e incluso política.