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TERCERO MEDIO 2017

SISTEMA EDUCACIONAL LIAHONA

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DEPARTAMENTO DE MUSICA

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1 unidad ⇒ Comportamiento e interacción del hombre con

el medio

Música de raíz folclórica latinoamericana, trova y nueva canción chilena,

práctica vocal e instrumental, evaluación: interpretación instrumental

Practica 1 / lectoescritura musical

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Contenido: Música de raíz folclórica latinoamericana

FOLK= PUEBLO, GENTE

LORE= CONOCIMIENTO, SABER

Es el conocimiento o saber de un pueblo determinado; gastronomía, juegos, terminologías, historias, mitos, leyendas, poesías, declamaciones, costumbres y tradiciones. Posee como característica principal su conocimiento y dominio que proviene del comentario informal traspasado de generación en generación. En el caso de la música, podríamos decir que, la música folclórica son todas aquellas canciones y melodías que forman parte de la cultura de un país, cuando hablamos de folclor nos dirigimos al origen, a lo antiguo, a la tradición. Cuando el folclore es sacado de su contexto y de su tradición ya no es folclore puro, por ejemplo; una tonada en la ciudad no está en su contexto, menos si es tocada por un profesional o un estudiante, ahí empezamos a hablar de fusión y de raíz folclórica.

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Contenido: Música de la nueva trova y la Nueva canción

chilena

El origen de la palabra trovar tiene por significado inventar o crear. Los trovadores fueron músicos y poetas medievales que componían sus obras y las interpretaban en las cortes señoriales de Europa, en especial al sur de Francia entre los siglos XII y XIV. En sus canciones plasmaron su visión del mundo, fueron los portadores de noticias y opiniones respecto a los temas contingentes de la época.

La nueva trova es un fenómeno desarrollado posterior a la revolución cubana de la década de los ’50, en donde la ideología política es complementada con la canción de la trova, y se basa principalmente en un compositor y cantante acompañado de una guitarra acústica. La temática lírica se basa en el amor y la reivindicación social. Sus más grandes representantes son Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, cuya importante obra sigue influenciando a músicos

actuales como Chinoy, Manuel García y Nano Stern. La nueva trova toma el nombre debido a la similitud de este personaje portavoz que no canta por cantar, sino con un fin de comunicar y expresarse en diversos planos.

Por otra parte la temática, la contingencia y la efervescencia social de la época, dio paso a uno de los fenómenos culturales más importantesde nuestro país: La Nueva Canción Chilena, movimiento musical surgido y desarrollado en Chile entre los años 1960 y 1973, el cual tuvo una gran relevancia en el ámbito de la música de raíz folclórica chilena y latinoamericana, tanto así que en el año 1969 dio origen al Primer festival de la nueva canción chilena, que pretendía recopilar las expresiones musicales de un grupo de artistas, y siempre contrastándose a la composicion musical folclórica de la

epoca (Nicanor Molinare, Clara Solovera, Luis Bahamonde,etc) y de los intérpretes (Duo Rey Silva, Los cuatro cuartos, Los Huasos quincheros, etc). Esta música se caracterizaba

por su sencilla textura armónica apoyados en la tonada y la cueca. La organologia se limita a la guitarra, acordeón, arpas y en algunos casos un tratamiento vocal homofónico. La lírica se limita a las situaciones rurales, donde la naturaleza y el sentido patriotico gravitaban fuertemente mezclandose a veces con la simpatia y el humor. (Mi banderita chilena, Chile lindo, Si vas para Chile, etc).

En contraste a esto, la Nueva Canción Chilena se presenta en la escena artística evidenciando: mayor textura armónica, utilización de disonancias y amplitud timbrística; en el aspecto lírico, las tematicas implican un mayor compromiso ideológico y social, la tematica amorosa integra aspectos poetico filosoficos profundos, los arreglos vocales pasan de la homofonía a la polifonía e instala a grandes referentes solistas (Violeta Parra, Víctor Jara, Patricio Manns), vocales (Quilapayún) e instrumentales (Inti-­­Illimani). La efervescencia por éste fenomeno llevo a que nuestro folclore fuese investigado, recopilado y puesto en valor, reivindicando tanto los ritmos folcloricos latinoamericanos como la poesia popular campesina de nuestro pais. La Nueva Canción Chilena fue un motor que llego a aliarse con el resto de latinoamerica en pos del “sueño latinoamericano” en el aspecto artístico y cultural hasta que en 1973, producto del golpe militar y las restricciones que implicó, terminó por debilitar el movimiento producto del exilio de los artistas y del temor de la ciudadania al verse ligada a la musica y al movimiento de la Nueva Cancion Chilena.

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2 unidad ⇒ El hombre en constante proceso de cambio

Géneros y movimientos destacados del siglo XX, el espiritual, blues y el jazz.

Practica 1 / lectoescritura musical

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Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El espiritual

La música en el siglo XX se vió altamente influenciado por los golpes sociales y cambios históricos que vivió el mundo. Muchos de los generos y estilos musicales de hoy, deben su génesis a que otros movimientos musicales de principios de siglo, cambiaran los parametros estéticos y se atrevieran a innovar musicalmente. El rock, el hip-­­hop, el funk y muchos otros, deben su origen a la influencia africana en norteamérica y el mundo. Los fenómenos musicales mencionados anteriormente y que siguen vigentes con fuerza en nuestros dias, son producto de propuestas contraculturales altamente influenciados por su contexto histórico social, cuyos mas grandes estandartes son el punk y el hip-­­hop, en donde se evidencia el descontento ante la desigualdad social y la necesidad de expresión por parte de las “clases” sociales más afectadas.

Ésta gran influencia, significó el quiebre de los parámetros estéticos y sociales, llevando a una apertura en la multiculturalidad de la sociedad, igualdad de género y puesta en valor de varios aspectos relacionados a la cultura popular. A pesar de que, en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley y, en zonas como Georgia, se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos; los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto en la Plaza del Congo en

Nueva Orleans, Memphis, Kansas, Dallas o San Luis, usando instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo o rituales. La característica principal es su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de

técnicas de música de llamada y respuesta, pero estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz. Los estamentos eclesiásticos también intentaron controlar la música de los esclavos, obligándolos a cantar salmos e himnos para "convertirlos" a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Ala Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: "Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces. El resultado: el jazz. El espiritual deriva de la expresión canto espiritual. El término "canción espiritual" ya era de uso frecuente en la comunidad cristiana, tanto blanca como negra. A lo largo del siglo XVIII, el "espiritual" era utilizado como un sustantivo que significaba, "persona espiritual" o "cosa espiritual". A través de la religion y la fé, los esclavos negros tuvieron la posibilidad de estar un paso mas cerca de la libertad y alabar a Dios libremente, llevando a evidenciar las enormes capacidades musicales, e influyendo en el hecho de que los negros dejaran de ser considerados animales. Poco a poco, el fantasma de la esclavitud comienza a apaciguarse y logran expresarse musicalmente, fuera de la iglesia.

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Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Blues

El blues se reconoce como la primera expresión musical negra fuera de la iglesia. La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act(1798) de George Colman.

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W.C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo, con melancolia representada de una manera muy expresiva.

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente. En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete. Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la

exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. La mas grande herencia del blues a la musica popular contemporánea es la necesidad de la época por amplificar la guitarra. Así nace la guitarra eléctrica, de manera artesanal al inicio y mas elaborada posteriormente, con fabricantes como Gibson y Leo Fender, creadores de los mas icónicos modelos de guitarras. Ademas, de la mano del Blues y el desarrollo de habilidades musicales mas elaboradas, llevó a que se gestara un nuevo estilo que junto al Blues, han influenciado fuertemente a la música popular actual: El Jazz.

El Jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con

la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de

Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música

africana y del concepto musical de los Afroamericanos.

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practica

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Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Jazz

Como características principales, diferenciaremos tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea: ----Un ritmo especial conocido como swing.

---El papel de la improvisación.Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

Por otra parte, un gran rasgo identitario y que se le debe reconocer al jazz, es el uso de instrumentos que antes eran exclusivos de la orquesta clasica; El clarinete, la familia de los saxofones y los bronces. Además el contrabajo utilizando la tecnica del pizzicato (sin arco), el que dará paso al bajo eléctrico, y la consolidación del uso de la guitarra eléctrica.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la

música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista.

La identidad musical del jazz es una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo. Cumple además diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda). Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo. En ocasiones se ha mostrado

como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes

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3 UNIDAD : El rock . Origen , desarrollo y trascendencia

Hoy es algo muy cotidiano y normal conocer opiniones iguales, similares o distintas a las nuestras. También lo es saber que éstas vienen de distintos tipos de personas. Sin embargo, no siempre ha sido así. La libertad de expresión ha sido algo que NO recibimos gratis. Es un Derecho Humano, que en algunas regiones costó mucho alcanzar. Esto tiene mucho que ver con el nacimiento y vida del rock. ¿Por qué? Porque el rock es expresión. Es expresión de rechazo al sistema pre establecido… al establishment. Es una expresión que costó mucho hacer valer porque representaba a estratos sociales considerados de poca monta… de poco valor.

¿Qué cosas desaparecerían de

mi vida cotidiana si no tuviese

libertad de expresión?

El rock se atrevió a nacer usando elementos de un género musical que eran muy propio de los artistas postergados: el blues y el Jazz.

El Blues… de quien obtuvo la secuencia armónica y el espíritu melancólico y expresivo de sus letras

y melodías.

El scat… de quien obtuvo la posibilidad de experimentar formas de expresión vocal jamás usadas

en la música tradicional.

La improvisación instrumental… de quien obtuvo la posibilidad de crear nuevos sonidos y técnicas

frente a los nuevos recursos electrónicos disponibles.

La síncopa… de quien obtuvo la riqueza rítmica que necesitaba una “música conflictiva” para ser

agradable de escuchar.

El riff… de quien obtuvo una técnica sencilla y efectista para ser utilizada como acompañamiento

en el instrumento propio del nuevo estilo: la guitarra.

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Practica 1 / lectoescritura musical

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-----------------------------------El RIFF--------------------------------- Contenido: E

Es una frase musical que se repite y que actúa como acompañamiento para una línea melódica en el rock. Para muchas obras, es la característica principal, o bien podríamos decir, “la personalidad” de la canción, por lo que su nivel de creatividad y técnica de composición ha adquirido mucha importancia. Su diferencia con el “solo” es en cuanto a que éste último si bien destaca el sonido y la presencia de un instrumento, no se repite. Pudiendo, incluso, no existir en una canción.

Video 1 y 2 “Roll over Beethoven” Versión Schuck Berry 1955 (autor de la canción). Nótese la actitud fría y desconcertada del público ante esta aparente “falta de respeto” de la RACE MUSIC (rock primitivo) para con el músico clásico. El riff acompaña durante casi toda la canción y se convierte en parte del solo. Luego “Roll over Beethoven” Versión Beatles 1964 . Uso del mismo Riff de hace 9 años.

Tipos de Riff:

El riff basado en acordes. Este tipo de riff se base en un acorde base, con el cual únicamente se crea el riff. El truco consiste en el ritmo y el ambiente lo que logra un efecto único. En realidad podría decirse que el riff esta basado en el ritmo. Se pueden lograr muchísimos efectos jugando con el ritmo del rasgado, los silencios y el palm mute (silenciando las cuerdas).

Riff basados en progresiones de acordes. Una de las formas más clásicas de armar riff, consiste en utilizar como base una progresión de acordes. Aquí el truco consiste en la distancia, la armonía, el ritmo y la acentuación y duración de los acordes. La gran mayoría de las bandas de rock utilizan esta clase de riff. El truco consiste en dar con una progresión que sumada a un ritmo propio crean su propio riff.

Video 3 y 4: Un buen ejemplo del primero es el clásico "Faith" , y del segundo, "Smoke on the water" de Deep Purple. .

Riff basado en melodías. Quizás es el tipo de riff más difícil de lograr debido a su riqueza y atractivo debe estar perfectamente equilibrado con el del resto de la canción.

Video 5 y 6 “Satisfaction” de los Rolling Stone y 6 “Come together” de John Lennon

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Cada ser humano, actualmente, tiene a su disposición un medio de expresividad que comunica ideas y valores que lo representa en gran medida; religión, social, científico, novelístico, medio ambientalista, medicinal, etc.

El Rock significó un canal abierto para comunicar las ideas y manifestarse de manera diferente. Con el paso del tiempo adquirió caracteristicas propias, expresando nuevas y más profundas problemáticas, naciendo un tipo de rock diferente cada vez. El elemento más importante de toda esta “revolución” es que la nueva expresión ya había nacido y llegaba a este mundo para quedarse. La forma aparentemente liviana de cada una de estas formas de rock esconde todo un mundo de nuevas propuestas, puntos de vista y fórmulas para crear. Como obra humana que es, decae periódicamente, pero renace nuevamente en otro ciclo distinto, con distintas características, con distinta vida… con distinta muerte.

Algunos de los primeros géneros:

BLUES ROCK: Es uno de los géneros más antiguos y sus principales gestores eran músicos de raza negra. En él está muy destacada la forma BLUES y las variaciones instrumentales son a muy pequeña escala. Las letras, la coreografía, los sonidos y las frases rítmicas eran mucho más agresivas que las de las creaciones de sus colegas blancos. Su mensaje anti stablishment estaba dirigido específicamente a la disciplina de los padres de la post guerra y a las duras represiones racistas.

Video 7: Recordemos como es un BLUES Video 8 : El blues rock

BEAT ROCK: La industria de equipos de amplificación de voz y de guitarras aun no fabricaban productos de gran potencia y calidad , ya que muy pocos creían en el futuro del nuevo tipo de música. Eso significó que las formas de cantar y de tocar los instrumentos se tornaran más “golpeadas” (Beat). Además, no era el caso de una revolución que involucrase solo a la música, ya que también abarcó a nuevas propuestas literarias, cinematográficas, vestuario, incluso políticas, a quienes se les consideró como parte del nuevo movimiento “BEAT” por lo atrevidas, sofisticadas y “golpeadoras”.

Video 9: La generación Beat Rock

HEAVY METAL: Este período nace después que todos los etéreos ideales del Flower Power y de las revoluciones políticas cayeran intoxicadas por las drogas duras y por las balas. La realidad se gestaba con dureza en la juventud y ya las cosas no estaban para banderas y manifestaciones pacifistas. Las tiranías militares en América y África y la guerra del Viet-­­Nam estaba ahí y pocos podían contra ellas. Entonces la industria puso lo suyo: enormes y poderosos equipos amplificadores, robustos parlantes, sofisticados efectos para guitarras y bajos, modernos y versátiles estudios de grabaciones, enormes baterías. Todo tenía que ser “pesado”… todo tenía que ser “poderoso”… ya que así era la única forma de ser escuchado.

Video 10: Led Zeppelin (1969)

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3 unidad ⇒ El rock y sus origenes

THE DOORS / LIGHT MY FIRE

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BLACK SABATH / IRON MAN

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IRON MAIDEN / EMPIRE OF THE CLOUDS

IRON MAIDEN /EMPIRES OF THE CLOUD

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4 unidad ⇒ PERCUSION.

Música para percusión, Edgar Varese.dúos, rítmica compleja.

Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.

La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.

Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el tambor y la batería.

Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.

La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.

Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el tambor y la batería.

Edgar Varese / IONIZACION. Ionización cuenta la expansión y la variación de las células rítmicas musicales, y el título se refiere a la ionización de las moléculas. "yo no estaba influenciado por los compositores tanto como por los objetos naturales y los fenómenos físicos." Varese también reconoció la influencia de los artistas futuristas italianos Luigi Russolo y Filippo Tommaso Marinetti en la composición de esta obra. [3]

Tanto Chou Wen-Chung [4] y Jean-Charles François [5] han analizado la estructura y timbre características de ionización en detalle. András Wilheim ha señalado que sólo los últimos 17 compases de ionización incluyen tonos musicales del "sistema tonal tradicional", donde los cinco acordes sucesivos contienen los 12 tonos de la escala cromática . [6]

Frank Zappa a menudo afirma que ionización lo inspiró a seguir una carrera en la música. Era, por cierto, el primer álbum que Frank Zappa compro. Jack Skurnick , director de EMS

Grabaciones , produjo las primeras grabaciones de la posguerra de Varese; esta pieza aparece en el primer LP Varese, el EMS 401: Obras completas de Edgar Varèse, Volumen 1. La ionización también había sido el primer trabajo por Varèse para ser registrada en la década de 1930, realizado por Nicolas Slonimsky y emitidos en 78rpm Columbia 4095m. [7] [8] Octandre también fue grabado y emitido en discos de 78 rpm en la década de 1930, posteriores completa (Nueva Música Grabaciones Trimestral 1411) y como un extracto (3er movimiento, Columbia DB1791 en el Volumen V de su Historia de la Música). [8]

Practica 1 / lectoescritura musical

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osCrea tu obra de percusión para dúo

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5 unidad ⇒ Música que traspasa las fronteras.

El tango orígenes, Piazzolla, Carlos Gardel. Repertorio.

Practica 1 / lectoescritura musical

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El TANGO es un género musical de Argentina y Uruguay, nacido de la fusión cultural entre

inmigrantes europeos (españoles e italianos, principalmente), descendientes de esclavos africanos, y nativos de la región del Río de la Plata. En esencia, es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana («arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje biológico y cultural de la población rioplatense pre‐inmigración y a la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó completamente las sociedades a partir de las últimas décadas del siglo XIX.

Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, siendo las más características el cuarteto de guitarras, el dúo de guitarra y bandoneón, el trío de bandoneón, piano y contrabajo, así como la orquesta típica o el sexteto.

El TANGO EN CHILE

Desde las primeras décadas del siglo XX se bailó el tango tanto en la capital chilena, Santiago, como ―especialmente― en el puerto de Valparaíso, donde aún se desarrolla la afición por el baile arrabalero. Subsisten algunas academias, programas radiales y festivales donde se reúnen los tangueros. Entre los cantantes y compositores chilenos de tango se destaca la figura de Chito Faró, autor de la famosísima «Si vas para Chile» y de más de50 tangos.

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PIAZZOLLA. Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 -­­ Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino. Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-­­1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.

Libertango es tanto un disco como una canción del compositor y músico de tango ítalo-­­argentino Astor Piazzolla, publicado por primera vez en 1974 en Milán, y re versionado por muchos artistas diferentes. Su título es una palabra compuesta por los términos "libertad"

y "tango", presumiblemente como bandera de la libertad creativa que buscaba Piazzola al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango clásico.

El tango ha sido utilizado como banda sonora de múltiples películas (12 monos) y ha evocado escenas en la gran pantalla (Baile de Al Pacino “Perfume de mujer”).

El famoso cantante de tango Carlos Gardel trabajó en diversas películas haciendo alarde de su prestigiosa voz. Es conocido como la voz del tango clásico. Su nacionalidad aún se encuentra en disputa.

Investiga acerca de Carlos Gardel y presenta tus conclusiones y fundamentos para defender su nacionalidad. Además trae audio mp3 de sus canciones más conocidas y contrástalas con las de Piazzolla para que puedas crear tu propia definición de tango clásico y moderno. (Gardel v/s Piazzolla).

LIBERTANGO melodía parte A

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Libertango.

Esta obra es una de las más conocidas y versionadas del compositor argentino A. Piazzolla. Existen versiones para conjunto tradicional de tango, es decir, Piano, contrabajo y Bandoneón, así como otras más modernas ejecutadas por el mismísimo compositor en las que incluye instrumentos tales como el bajo eléctrico, guitarra eléctrica, sintetizadores, batería y flauta traversa. En YouTube también podrás encontrar otras adaptaciones como por ejemplo para cuarteto de guitarras, versión electrónica, metal e incluso reggae. Libertango es una pieza formalmente simple compuesta por un “verso” A y un “coro” modulante B. Armónicamente se mantiene en lam en A y en el coro hace unos guiños a rem con la aparición del sib y uno que otro acorde de paso.

Disfruta de esta pieza y juega creando tu propia versión inventando zonas de improvisación y

tuttis orquestales donde “todos” toquen el unísono el motivo o “riff” principal. Pásenla ¡bien!

4/4 Am -­­%-­­ B7/A -­­%-­­ Bdism(add4)/A -­­%-­­ Am-­­%-­­ Am/G -­­ %-­­ F#dism7-­­%-­­ Fdism-­­%-­­E-­­%-­­

LIBERTANGO armonía parte A

LIBERTANGO melodía y armonía parte B

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(motivo o riff principal)

LIBERTANGO OSTINATO A

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POR UNA CABEZA

Por una cabeza de un noble potrillo

que justo en la raya afloja al llegar y

que al regresar parece decir:

No olvides, hermano, vos sabés, no hay que jugar...

Por una cabeza, metejón de un día,

de aquella coqueta y risueña mujer

que al jurar sonriendo, el amor que esta mintiendo

quema en una hoguera todo mi querer.

Por una cabeza

todas las locuras su

boca que besa borra

la tristeza, calma la

amargura.

Por una cabeza si

ella me olvida

qué importa perderme,

mil veces la vida para

que vivir...

Cuantos desengaños, por una cabeza,

yo juré mil veces no vuelvo a insistir

pero si un mirar me hiere al pasar,

su boca de fuego, otra vez, quiero besar.

Basta de carreras, se acabó la timba,

un final reñido yo no vuelvo a ver,

pero si algún pingo llega a ser fija el domingo, yo me juego entero, qué le voy a hacer.

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5 unidad ⇒ Música que traspasa las fronteras

/ EVALUACION /

Nota:

-HOJA DE APUNTES-

_____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ _____________________________________________ ______________

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Unidad 6 ⇒ Una canción para septiembre

CANCION Y HAYNO, VUELVO Y SAMBALANDO

Practica 1 / lectoescritura musical

a)Ejercicios rítmicos:

1

2

b) lectura musical: Escala de Do mayor.

c)

1.-­­

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ZONA CENTRO: Es la zona más poblada del país y en la cual se conservan con mayor fuerza, las costumbres y tradiciones de la Madre Patria. Las favorables condiciones climáticas y geográficas que ofrece esta región para el desarrollo de la agricultura y la ganadería, decidieron a los españoles tomarla como el principal lugar de colonización del país. De este modo, la fusión que se produjo entre la música proveniente del viejo mundo con los elementos autóctonos, dio como resultado el surgimiento de la música criolla, expresión musical que tiene sus más típicos exponentes en el huaso y en el campesino. Las características más sobresalientes de esta música son:

1. La marcada influencia española en los cantos y bailes. 2. Empleo de los modos y escalas mayores y menores. (explicar a los alumnos los modos) 3. Ritmos ágiles con predominio del compás de 6/8. 4. Uso preferente, en el acompañamiento musical, de instrumentos cordófonos, notándose

la ausencia de los aerófonos.

PRINCIPALES DANZAS Y CANCIONES:

Cueca, tonada, villancico, parabién, esquinazo, pregón.

Cueca y tonadas: ritmo característico de la zona central, a primera vista muy parecidas, pero difieren en estructura siendo la cueca formalmente más estricta por su necesidad de respetar las

partes del baile. La gran diferencia entre la cueca y la tonada es que la segunda no se baila.

Villancicos o Tonadas al Niño: Son cantos navideños que se cantan delante del pesebre y en que los personajes bíblicos son nombrados según el lenguaje del pueblo: "Doña Mariquita", "Señora María", "Ño José", "Niño Manuelito", etc.

Parabienes: Son cantos de saludo a los novios o recién casados.

Esquinazos: Cantos destinados a saludar a personas o acontecimientos importantes. Toma su

nombre de la antigua costumbre de ser cantados desde las esquinas.

Pregones: Cantos de los vendedores populares para llamar Y SA la atención del público acerca de

las "bondades" de sus mercancías.

Existe una enorme cantidad de especies danzables, muchas de ellas ya desaparecidas o en vías de extinción. Entre las que gozaron de gran popularidad en el pasado figuran: el Cuando, el Aire, el Cielito, la Sajuriana, la Perdiz, el Pericón y la Resfalosa, algunas de las cuales llegaron a nuestro país con el Ejército Libertador en 1817.

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6 unidad ⇒ una canción para septiembre / EVALUACION /

-HOJA DE APUNTES-

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7 unidad ⇒ Adaptación y Transformación Introducción a la música y sonidos publicitarios

Practica 1 / lectoescritura musical

a)Ejercicios rítmicos:

1

b)lectura musical :Escala de Do mayor.

c)dictado rítmico.

1.-­­

2.-­­

d) Dictado Melódico (re-­­mi-­­sol-­­la-­­do).

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Contenido: El Jingle

"jingle" es una pieza de música o canción que se usa para acompañar los anuncios de publicidad, tanto en radio como en televisión, aunque sobre todo en este último. Sus principales características son:

-­­ corta duración: de modo que quede grabado en la memoria de aquellos que lo escuchan, el cual es su objetivo.

-­­ fáciles de recordar: es mucho más sencillo recordar un texto o mensaje con una melodía incorporada.

-­­ ser persuasivos: deben ser pegajosos y con una melodía de acuerdo al mensaje que se quiere entregar (alegre, triste, sensual, etc.)

-­­ la brevedad: La brevedad hace que los escuchemos enteros.

Ayudan a crear un "clima" especial con las marcas. Es decir, si el "jingle" gusta genera una relación especial entre quienes lo escuchan y la marca. Lo comentan y lo cantan, permitiendo reforzar los aspectos positivos de la misma y ayudando a reforzar su imagen de marca.

Para crear un buen "jingle" es necesario desarrollar una adecuada estrategia publicitaria donde el mensaje de la campaña vaya acorde con la letra de la canción, permitiendo a los auditores relacionarla con la marca o producto y hacerse una imagen de la misma sin la necesidad de visualizarla. Una buena combinación de música y estribillo pegadizos y un adecuado slogan ayudarán a alcanzar el éxito deseado.

Como ejemplo, recordemos algunos de los jingles publicitarios más famosos de todos los tiempos ¿Quién no se acuerda de estos pequeños motivos musicales? :

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Tipos de jingle

Jingle Publicitario.-­­ Pieza musical cantada, de 20, 30, o 40 segundos de duración. Puede ir acompañado de un remate locutado y el cierre de un coro vocal que acentúe la melodía propuesta inicialmente.

Jingle para Radio.-­­ Es puntual, Generalmente tiene espacios para entradas o inserts de locución. Puede tener una duración de entre 10 y 60 segundos. Puede tener reducciones en tiempo. Utilizado para identificar Emisoras radiales, Canales de TV., programas, o separadores para secciones dentro de programas

Jingle para Televisión.-­­ Similar al anterior pero para Televisión. Generalmente sincronizan imágenes con la letra contenidas en el jingle. Generalmente tiene espacios para entradas o inserts en locucion.

Jingle Identificador o Audio símbolo.-­­ Pieza musical de muy corta duración y arreglos vocales corales armónicos y definidos. Generalmente no excede los 5 a 10 segundos, y dada su corta duración es utilizado en repetidas oportunidades para identificar marcas, servicios, patrocinios, programas o emisoras. También lo conocemos como “Jingle ID” o “Logo”.

¿Qué tan importantes son los denominados “jingles”?

Los jingles son muy importantes porque ya que forman parte esencial de la construcción del formato radiofónico: también sintetizan el estilo y el alma de la emisora. Por todas estas razones, la creación de los jingles es confiada a profesionales y es fruto de estrategias de mercado y creatividades distintas.

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Practica 2 / Futuras fuentes laborales y de estudio.

Contenido: Aplicación de la música en la publicidad

Practica 2 / lectoescritura musical

a)Ejerciciosrítmicos:

1

2

b)lectura musical :Escala de Do mayor.

c)dictado rítmico.

1.-­­

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Aplicación de la música en la publicidad El trabajo de la música en la publicidad no es otro que el de conducir al potencial consumidor a través de las etapas del modelo AIDA, es decir, crear una música que sea capaz de captar la Atención, despertar el Interés, generar el Deseo y conducir a la Acción.

Existen diferentes formas musicales en la publicidad:

La música original, compuesta especialmente para la campaña. La música preexistente, escogida y adaptada para la campaña, previa negociación y pago de derechos.

Puede además estar en diferentes planos:

Como base para acompañar el mensaje. Como protagonista, que es el caso de los Jingles que escuchamos mayormente en las radios donde la música y el texto se unen y la música queda grabada en nuestra mente con asociación a la marca.

La música y la persuasión:

Cuando lanzamos un mensaje publicitario a la comunidad; uno de los factores que miden su éxito es el recuerdo, ya que con él, viene el posicionamiento tan deseado por las marcas. Es por eso, que a la hora de construir ese mensaje y su estrategia para llegar al consumidor, tenga en cuenta que en la música encontrará a uno de sus más fuertes aliados. Y por último, tenga en cuenta que si "una imagen vale más que mil palabras, agréguele música, y valdrá más de un millón".

La función principal de la música en un anuncio es fijar el recuerdo, mediante repetición inconsciente de melodías pegadizas.

Desarrollo técnico

En la ambientación musical nos vemos abocados a tener que extraer, a captar de un fragmento musical su sentido expresivo. Podemos reconocer el sentido anímico y el sentido imitativo de cualquier música que escuchemos.

El sentido anímico es aquel que nos afecta emocionalmente al escuchar un fragmento musical. La tristeza, la melancolía, el humor,... son sentimientos humanos que la música puede expresar por medio de la melodía, ritmo, timbre, armonía y forma.

El sentido imitativo proporciona relevancia a acción, humorismo, calma, energía, grandiosidad, naturaleza, belleza, nobleza, colorido...

Según lo que predomine en cada fragmento musical, se produce una sensación del oyente:

La tesitura aguda y la tonalidad mayor nos producen la sensación de claridad lo que relacionamos con expresiones agradables. La menor la relacionamos con expresiones de aflicción. Los sonidos de tesitura grave, en modo mayor, producen sensacion de tranquilidad, paciencia, deseo, honor, orgullo... y en modo menor turbación, temor, desaliento, sospecha, cansancio... Los sonidos extremos (subgrave y sobreagudo) con armonía atonal producen sensación de terror, pesadumbre, maldad.

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Contenido: el opening y ending musical

OPENING

El opening es un método usado en películas o programas de televisión para presentar su título, reparto principal o los miembros de producción, usando recursos visuales y auditivos. No debe ser confundida con los créditos de apertura que generalmente no son más que una serie de texto superpuesto.

Desde la invención del cinematógrafo se usaban simples tarjetas con títulos para dar paso a las presentaciones de películas mudas con el objeto de identificar tanto el título de la película como la productora involucrada en ella, así como para señalar el comienzo y final de la película. En el cine mudo esas tarjetas eran usadas para comunicar diálogos y narración y es en esos momentos cuando podemos ver las primeras secuencias de apertura propiamente dichas, siendo bastante literalmente una serie de tarjetas mostradas al comienzo de la película. La llegada del sonido no alteró apenas esta convención excepto por el hecho de que ahora las tarjetas estaban acompañadas de música.

Televisión En general las secuencias de apertura de televisión marcan en algún momento el programa con algún logo tipográfico. Alrededor de este elemento principal se puedan incorporar fragmentos de momentos destacados de anteriores episodios o mostrar al presentador o reparto principal. El acompañamiento musical puede ser instrumental o una canción que ayude a situar el tono del programa. En las series, como la secuencia de apertura se prepara al comienzo de las mismas, normalmente suele incluir escenas de episodios anteriores ya filmados cuando se prepara la secuencia. Aunque la secuencia de apertura puede ser modificada durante el transcurso de la serie para incorporar nuevos

fragmentos de "momentos estelares" de otros episodios, tiende a permanecer igual en cada temporada.

Tanta es la fuerza de una secuencia de apertura a la hora de expresar el concepto de un programa que a veces puede ser el primer elemento que un productor tome como blanco para lograr renovar un programa entre temporadas.

Algunos programas han mostrado diferentes secuencias y bandas sonoras durante su emisión, mientras que en contraste, los programas que mantienen su popularidad por largo tiempo han mantenido sus secuencias de apertura durante décadas con sólo pequeñas variaciones. Por el contrario, mantener la secuencia de apertura original puede permitir la posibilidad de cambiar varios elementos en el programa sin perder la identidad del mismo en pantalla.

Otras variaciones incluyen cambiar sólo la banda sonora pero manteniendo las mismas imágenes o viceversa.

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“ROCKY LA PELICULA”

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EL ENDINGEl tema de cierre de una serie de televisión es una canción que se emite a la

conclusión de cada episodio de la serie, junto con imágenes que hacen referencia a la misma o a sus personajes.

Características de un ending El ending como el opening es un tema acortado adaptado a los tiempos de la televisión. No suele durar más de un minuto y medio, a pesar de que el tema original suele durar entre tres o cuatro minutos. La emisión del ending normalmente, aunque no necesariamente, incluye imágenes que hacen referencia al anime a la que pertenece. Su abreviación es conocida por las letras ED.

Los ending es que generalmente son de corte melancólico, canciones románticas o lentas; quizá con la intención de que los oyentes melancolicen con el capítulo finalizado, aunque algunos son también muy movidos. Esta misma mayoría, trata sobre temas que tienen que ver con el amor.

El negocio del ending

El ending al igual que el opening ha tomado gran importancia para una serie tanto a nivel comercial, como económico. Una serie de éxito puede sacar provecho de su conocida música para sacar al mercado el

ending como single, por ejemplo, que de hecho ya lo hacen así, convirtiéndose en un negocio redondo. Dicho CD suele venir con una versión remix de la dicha canción. Por otra parte, al poder escucharla en la radio o ver los vídeos de sus autores, se logra la relación que se pretende: recordar la serie de anime. Hay que mencionar también que estos dos mercados en Japón mueven millones de yenes al año. Además, el ending junto con el opening, puede ser el punto de partida para muchos cantantes o grupos noveles que prestan sus temas para ser expuestos en las series, las cuales se emiten a nivel nacional, por lo tanto, es en sí una plataforma ideal para los nuevos músicos y una forma camuflada de que los grupos conocidos mantengan su fama.

¡Cuál es tu ending

favorito y por qué?

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Villancicos

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Principios Básicos de la teoría musical,

La música es el arte de ordenar los sonidos con cierta intencionalidad artística fundante.

Estos (sonidos) pueden ser representados mediante el uso de símbolos.

El pentagrama es el soporte esencial de los símbolos musicales y está formado por cinco líneas

horizontales y cuatro espacios en los que se escriben las notas que son “regidas” por una llave o

clave.

La llave o clave de Sol se utiliza generalmente para los sonidos agudos y comienza en la segunda

línea.

Nombre de las Líneas en Clave

de Sol

Memorización de notas

Para poder leer la música es

imprescindible saber de

forma rápida la nota que

corresponde a cada espacio y

línea del pentagrama.

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La escala de Do es la más fácil; posee 7 notas o “grados” a los que se les pueden anteponer las

alteraciones sostenidos (#) o bemoles (b).

He aquí la escala de Do, sus grados y relación con las notas del piano.

`

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La flauta

En el siguiente diagrama se representa cada una de las digitaciones necesarias para el uso en clase. El gráfico muestra la misma ubicación y orden de las notas del piano comenzando en el Do central que equivale a la primera posición de la flauta (con todos los hoyos tapados) hasta el la` (agudo) pasando por todas las alteraciones (# y b). Además se relaciona con el piano y el pentagrama.

Do# re# fa# sol# la# do#´ re#´ fa#´ sol#´

Reb mib solb lab sib reb´ mib´ solb´ lab´

Do Re Mi Fa Sol La Si Do´ Re´ Mi´ Fa´ Sol´ La´

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La Guitarra.

La guitarra es uno de los instrumentos más queridos y difundidos a través del mundo. Por

la propia experiencia, esto se debe a la gran versatilidad de interpretación que posee ya sea como

instrumento solista o acompañante y, porque no decirlo, a su valor y comodidad de tamaño.

Desde un punto de vista funcional pedagógico comenzaremos entendiendo la guitarra como

instrumento esencialmente acompañante de la voz, es por ello que es necesario conocer el

método más difundido de lectura armónica o de acordes: la clave americana.

Clave americana

DO RE MI FA SOL LA SI DO

C D E F G A B C

Para designar un acorde mayor basta colocar la letra que lo designa en mayúscula. En

el caso de los menores se debe agregar una “m” minúscula:

Ejemplo: C = Do Mayor

Cm = Do menor

En algunos casos también se puede indicar la nota que debe sonar en el bajo:

Ejemplo: C/G = Do Mayor con bajo en Sol

Am/G # = La menor con bajo en Sol #

También las notas agregadas:

Ejemplo: E7 = Mi con séptima.

D9 = Re con novena

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En este gráfico podrás encontrar todas las notas de la guitarra.

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Mis Acordes de Guitarra.

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EL PIANO Y EL METALÓFONO.

Ahora que comprendemos lo que respecta a la lectura, tanto en llave de sol como de fa, daremos

paso a los primeros ejercicios de digitación esenciales para iniciar un buen camino en el estudio

del piano. En el caso del Metalófono, la lectura se hace de la misma manera que en el piano y

posee igual distribución de las notas. Se recomienda uso intercalado de baquetas.

Piano Digitación (Dedaje)

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EL BAJO

En una Banda de cualquier tipo, existen dos instrumentos esenciales cuya función es la de

mantener el pulso firme y claro. La batería y el bajo. Normalmente el bajo va de la mano del

bombo, y además de marcar los pulsos da el sustento armónico.

Escala Diatónica de Do M

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BATERÍA O PERCUSIONES

La Escritura de la batería puede cambiar, pero generalmente funciona de la siguiente manera.

Leeremos “como si fuera” una partitura en clave de sol. Donde la “x”, ubicada en el espacio del sol

agudo, representa al hit –hat cerrado, la figura en el espacio de do agudo, la caja; y el fa, el

bombo. Esta es la base 1, es la más sencilla en 4/4 y sirve para acompañar casi cualquier tema.

Base

1

La

base

2 es

un claro ejemplo de acompañamiento básico en ritmo ternario, en este caso 12/8. Esta base sirve

especialmente para cierto tipo de baladas bluseras.

Base 2

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Anexo:

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