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TEMA 8: EL ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA

El Tondo Doni, Miguel Ángel

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Índice :

1. INTRODUCCIÓN 2. EL QUATTROCENTO ITALIANO

2.1. LA ARQUITECTURA: Brunelleschi y Alberti 2.2. LA ESCULTURA: Ghiberti y Donatello 2.3. LA PINTURA: Fra Angelico, Masaccio, Piero Della Francesca y

Boticelli

3. EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITALIA 3.1. LA ARQUITECTURA: Bramante, Miguel Ángel, Vignola y Palladio 3.2. LA ESCULTURA: Miguel Ángel 3.3. LA PINTURA: Leonardo, Rafael, Miguel Ángel. La escuela veneciana.

El manierismo

Detalle del David, Donatello

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1. INTRODUCCIÓN. El Renacimiento es un fenómeno cultural que se desarrolla a comienzos de la Edad Moderna, no sólo en el ámbito de las artes, sino en todas las manifestaciones de la vida y cultura del mundo occidental. En este "renacimiento" influirá una circunstancia: el resurgir de la vieja cultura clásica que, según la tradición, había quedado aniquilada tras la conquista del Imperio romano por los pueblos bárbaros. Gracias a los estudios de Buckhardt y Hauser, sabemos hoy que esta cultura no quedó arrasada por completo, dándose en la Edad Media la preparación del momento adecuado para que emergiera el Renacimiento. El Renacimiento supone la resurrección del viejo concepto antropocentrista que habían tenido los clásicos, frente al teocentrismo que preside todas las manifestaciones medievales. Esta vuelta al hombre generó un nuevo estilo de vida: el humanismo, que constituye la base del ideal renacentista. Por otro lado, se da una enorme valoración de la cultura clásica , a la que se tomó como única fuente posible de inspiración. Humanismo y clasicismo serán por tanto los dos pilares básicos de la cultura del Renacimiento. Las características esenciales del arte renacentista se pueden resumir de la siguiente manera:

1. Ruptura con las formas artísticas medievales . Se pierde el lenguaje artístico del gótico, que será sustituido por las formas clásicas.

2. Sentido profano que domina las artes, lo que no excluye el cultivo del género religioso, pero un aire laico preside todas las manifestaciones artísticas.

3. Sentido académico del nuevo estilo , lo que lleva a un estudio minucioso del arte clásico y a un intento de resucitarlo con toda su grandeza. Sin embargo, aunque hubo un afán de estudio y de imitación, también existió una interpretación de este lenguaje artístico, lo que llevará a los artistas a efectuar nuevas conquistas y descubrimientos. Esta dimensión del arte como INVESTIGACION es fundamental y posibilitó las múltiples conquistas del Renacimiento (estudio del cuerpo humano, su anatomía y proporción, nuevo concepto del espacio, desarrollo de la perspectiva lineal, etc. ).

4. Todavía en el siglo XV el escultor, arquitecto o pintor, generalmente de procedencia modesta, eran aún considerados como simples artesanos. Todo el trabajo se organizaba gremialmente (aprendizaje en talleres, supervisión por parte de un maestro...). Durante el Renacimiento se irá introduciendo un cambio en la valoración del artista por parte de la sociedad. Los artistas se convertirán en seres orgullosos de su condición y ansiosos de que esta fuera valorada a la misma altura que la nobleza de sangre o la riqueza.

El Renacimiento nace en Italia expandiéndose desde allí al resto de Europa. Italia había sido sede del Imperio Romano, cuya cultura no se perderá del todo en época medieval. Poco a poco se iría generando en Italia la cultura humanista protagonizada por Dante, Bocaccio, Petrarca, etc. Respecto a la cronología, el Renacimiento triunfa plenamente en Italia a comienzos del siglo XV. Podemos considerar tres etapas:

� QUATTROCENTO (siglo XV). � CINQUECENTO (siglo XVI). � FASE MANIERISTA (2ª mitad siglo XVI).

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Para el resto de Europa su implantación será más tardía, concentrándose sobre todo en los dos últimos tercios del siglo XVI. En Italia todo el mundo del arte girará en torno a dos ciudades: Florencia en el siglo XV y Roma en el XVI. Dividida la península italiana en pequeños estados, sus dirigentes rivalizarán por convertir sus cortes en esplendorosos centros artísticos y acabarán convirtiéndose en auténticos mecenas del arte . La figura del mecenas, que protegía de forma casi paternal al artista y se enorgullecía de acoger en su corte a los mejores pintores, escultores y arquitectos, es típica de este momento. La lista de grandes mecenas del Renacimiento es muy numerosa: Segismundo Malatesta., la familia Gonzaga, Sforza, Federico de Montefeltro... pero entre todos ellos destaca la familia Médicis, que regirá el destino de la ciudad de Florencia durante casi todo el siglo XV y que alcanzará su máximo esplendor en época de Lorenzo el Magnifico. En Roma serán los Papas los que actúen de mecenas de las artes. De esta forma se redescubre el hombre, el mundo y, sobre todo, la vida, la cual es algo que disfrutar, un regalo. Hay una constante búsqueda de la belleza como última motivación en el proceso de creación artística. 2. EL QUATTROCENTO ITALIANO. 2.1. LA ARQUITECTURA: Brunelleschi y Alberti. Aunque durante algún tiempo se conservan formas góticas, el nuevo estilo supondrá un gran cambio en los elementos constructivos y decorativos. Desaparece el lenguaje arquitectónico gótico (arcos apuntados bóvedas de crucería...) y reaparece el clásico: arco de medio punto, bóveda de cañón y, sobre todo la cúpula, símbolo de la geometría hermosa y de la majestad de Dios, siendo colocada en el punto crucial de los edificios. Vuelve a aparecer también la columna que recupera las proporciones humanas y que sigue los órdenes clásicos. Respecto al espacio, desaparece la concepción medieval basada en la tensión longitudinal hacia el altar mayor (espacio-camino ). Por influencia de los templos clásicos tenderán a predominar las plantas centralizadas (circulares, cruz griega…) como ejemplo supremo de simetría y perfección. Pero aún cuando se hacen plantas longitudinales se procura obtener una unidad espacial, con interiores anchos y desahogados. El Renacimiento utilizará diversos motivos decorativos: almohadillado, medallones, guirnaldas, amorcillos, grutescos (temas animales y vegetales entrelazados). En el interior predomina la decoración a base de grutescos que suelen disponerse a partir de un eje de simetría (decoración de candelabro). El artista que sienta las bases de la nueva arquitectura renacentista es el florentino F. BRUNELLESCHI ( + 1446 ). Es el que abre el capítulo del nuevo estilo con la construcción de la cúpula de Santa María de las Flores, es además quién construye las primeras iglesias renacentistas y quien crea el prototipo de palacio de la época. • LA CÚPULA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA está todavía elevada sobre un gran tambor octogonal a la manera de los cimborrios góticos. Se distingue por la grandeza y elegancia de sus proporciones. La nervadura exterior y el ligero apuntamiento denotan aún las influencias góticas.

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• Las IGLESIAS DE SAN LORENZO Y SANTO ESPÍRITU, suponen la creación de un nuevo tipo de iglesia basada en la basílica cristiana y alejada por completo de los modelos góticos. Sus proporciones son de gran elegancia. Nota característica de Brunelleschi es la colocación de un trozo de entablamento sobre las columnas con lo que se obtiene mayor esbeltez y altura. * La CAPILLA PAZZI es un pequeño recinto funerario construido para esta rica familia de banqueros florentinos. Situada en el interior de un convento franciscano, su pórtico exterior sobre columnas clásicas y el juego de arco y cúpula rememoran el ideal de belleza arquitectónica de época romana. Además en este edificio Brunelleschi juega con el color de los materiales al utilizar la piedra gris para los elementos arquitectónicos y la cal blanca para los muros lo que proporciona claridad a la obra.

• PALACIO PITTI , se considera la obra póstuma de Brunelleschi. Es el primer gran palacio del Renacimiento. Presenta planta rectangular con una impresionante fachada cuyo único elemento decorativo es el almohadillado de los muros. Está concebido como una masa cerrada que tiene pretensiones de muralla. La fachada, tosca y rugosa, recuerda aún el espíritu defensivo-militar.

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L. B. ALBERTI (+ 1472). Fue un teórico e investigador. Gran conocedor de la Antigüedad clásica. Estudió la arquitectura como ciencia de investigación escribiendo un tratado,"De re aedifacatoria” , en el que fundía la sabiduría de los clásicos con los conocimientos renacentistas. Intentó superar el lenguaje de la generación anterior buscando el ritmo, las proporciones, el equilibrio y la coexistencia armoniosa entre los elementos constructivos y los decorativos. • SANTA MARÍA NOVELLA . En este edificio Alberti define un nuevo tipo de fachada de iglesia con una fuerte disciplina geométrica basada en la modulación del cuadrado. Sobre el basamento del cuerpo inferior se alza una fachada con frontón triangular. El uso de volutas sobre las naves laterales para corregir la desproporción que ocasionaba la diferente altura de las naves fue uno de los elementos que mayor fortuna tuvo en el lenguaje arquitectónico de Alberti.

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• IGLESIA DE SAN ANDRÉS DE MANTUA . En ella Alberti quiere rememorar la grandeza de la arquitectura imperial romana. Se inspiró en las termas de Dioclesiano para construir la enorme cubierta con bóveda de cañón.. Dio armonía a las proporciones colosales de la fachada simultaneando el "orden gigante" en las pilastras de las calles laterales con el "orden normal" en las pilastras del arco principal. • PALACIO RUCELLAI . En él se aplicaron por vez primera formas clásicas a la fachada de un palacio. Los sillares almohadillados son más reducidos y los ventanales están rematados por arcos de medio punto. La división tradicional del edificio en franjas horizontales que corresponden a las diferentes plantas, está interrumpida por un sistema vertical de pilastras de órdenes clásicos. Las primeras son dóricas y van seguidas por dos tipos de corintias. 2.2 LA ESCULTURA: Ghiberti y Donatello. Al igual que la arquitectura, el cambio se produce primero en Florencia para extenderse más tarde por el resto de Italia. En la escultura es patente la influencia de la filosofía neoplatónica en aspectos como la espiritualidad, el idealismo, etc. El arte deja de ser patrimonio de la Iglesia y pasa al mundo profano. Así aparecen los retratos de hombres y mujeres y la escultura ecuestre. Dentro de esta línea profana, la escultura narra temas mitológicos e históricos. Hay una clara inspiración en modelos clásicos, pero no se hará una copia de ellos ya que se incorpora la nueva sensibilidad renacentista. Importante es la vuelta a la representación del cuerpo humano desnudo como

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símbolo de belleza y libertad. Es este un arte estético, reposado y quieto. Los materiales más utilizados serán el mármol y el bronce, despreciándose la piedra y la madera. L. GHIBERTI. En 1402 los canónigos de la ciudad de Florencia convocaron un concurso para hacer una de las puertas de bronce del baptisterio de la catedral. El ganador fue Ghiberti. El tema desarrollado en la puerta es el "Sacrificio de Isaac" y presentaba 28 relieves cada uno de ellos enmarcado en una moldura en forma de 4 arcos conopiales enlazados. Más tarde, el cabildo de la catedral le encarga la realización otra puerta con 10 relieves enmarcados en espacios cuadrados. Tiene mayor elegancia y proporción entre los elementos que la anterior: las figuras aparecen en actitudes que denotan una perfecta asimilación y estudio del mundo clásico. Técnicamente su ejecución es perfecta, lográndose un efecto casi pictórico; para ello, el modelado decrece hacia el fondo, donde se colocan como pantalla de fondo árboles o arquitecturas clásicas. El bronce era dorado y su perfección impresionó al mismo Miguel Ángel que les dio el nombre de "Puertas del Paraíso". DONATELLO. Trabajó en la primera mitad del siglo XV. Ayudante de Ghiberti se trasladó muy joven a Roma junto con Brunelleschi para conocer in situ la belleza de los monumentos antiguos que apreciaba como verdaderos tesoros. Representó en sus obras todos los estados de ánimo (melancolía, tristeza, nostalgia...) y todas las edades por las que pasa el hombre. • En el DAVID realiza un prototipo de belleza y estética. Es el primer desnudo completo de bulto redondo desde la Antigüedad. Presenta la belleza ambigua de la adolescencia y técnicamente debemos destacar la suavidad del modelado. Está realizada en bronce y recupera la contraposto de las figuras clásicas. • SAN JORGE es el prototipo del hombre renacentista. Es el héroe victorioso, de cuerpo erguido, mirada serena y pies firmes en el suelo. • EL CONDOTIERO GATAMELATTA, es otra de sus obras más significativas en la que revive la estatua ecuestre como elemento urbanístico creada por Roma. Se inspira en la estatua ecuestre de Marco Aurelio. No presenta un jefe dominador, sino comprensivo y sereno. La estatua está fundida en bronce.

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Entre otros escultores renacentistas podemos destacar a J. DELLA QUERCIA cuyas figuras vigorosas, potentes y monumentales nos anticipan el lenguaje de Miguel Ángel. VERROCHIO, autor de un nuevo tipo de retrato ecuestre, el Condotiero Colleoni , en el que tanto caballo como jinete están representados dotados de una gran arrogancia, nervio y autoridad. Por último LUCCA DE LA ROBBIA, creador de una nueva técnica ( barro cocido y esmaltado ) y autor de numerosas representaciones de vírgenes con niño, acompañados por ángeles, que inspiran belleza y equilibrio. 2.3. LA PINTURA: Fra Angélico, Masaccio, Piero Dell a Francesca y Boticelli. Será también en Florencia donde se den las primeras manifestaciones del nuevo lenguaje pictórico. La pintura va a poner sus ojos en la naturaleza, en la realidad. Va a tener que resolver una serie de problemas técnicos (representación del espacio, volumen, anatomía, expresión...). Todos ellos serán estudiados y, poco a poco, conquistados. Especial preocupación se pondrá en el estudio de la luz y de la perspectiva. La luz, elemento de primer orden en la pintura del Renacimiento, será objeto de continuas investigaciones. La perspectiva, gran obsesión y novedad técnica del Renacimiento, será llevada a sus últimas consecuencias. Se trata pues de una pintura eminentemente experimental. Se mantiene el estilo individual que veíamos en la escultura. Cada pintor manifiesta en su obra su propio temperamento e individualidad. La técnica más utilizada para la pintura mural será el fresco y para la pintura de caballete el temple, que pronto será sustituido por el óleo. FRA ANGÉLICO es el máximo exponente del sentimiento religioso más depurado de este siglo. Para él el arte no es más que un camino para acercar al hombre a Dios. Representa la continuidad con el sentido religioso medieval, aunque sus obras se revisten ya del nuevo espíritu renacentista con un sobrio uso de la perspectiva, de elementos decorativos y arquitectónicos del repertorio clásico. Pinta utilizando colores vivos, intensos. Sus rostros intentan captar la belleza perfecta, espiritual. Entre sus obras podemos destacar LA ANUNCIACIÓN, en ella llaman la atención los colores brillantes y esmaltados que el artista ha utilizado. Es evidente el ideal de belleza suave y delicada que el artista plasma en la obra. La pintura expresa recogimiento e intimidad y al mismo tiempo es patente el estudio de la perspectiva. En el jardín aparece el tema de Adán y Eva tratado por un fraile (aparecen vestidos). Las columnas marcan el eje de simetría de la pintura. MASACCIO es el introductor de los nuevos ideales del arte en la pintura renacentista. Sus figuras manifiestan un dominio de sí mismas y transmiten el ideal de equilibrio renacentista, tanto físico como espiritual. El pintor se ha situado frente a la realidad, una realidad tridimensional, dotada de volumen, alejándose del planismo y superficies doradas propias de la pintura gótica. Masaccio modela las figuras a través de la luz y del color. En el TRIBUTO DE LA MONEDA introduce una nueva forma narrativa. En el cuadro se produce un contraste muy vivo de expresiones (apóstoles sorprendidos y serenidad de Cristo). Se manifiesta un gran equilibrio entre figura humana y espacio ambiental. En esta obra queda patente el intento por conquistar el espacio construcciones urbanas, montañas ). Otro aspecto importante es la individualización de los personajes que presentan caracterizaciones diferentes unos de otros frente al

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esquema repetitivo del gótico. LA TRINIDAD, pintura al fresco realizada en la iglesia florentina de Santa María Nouvella, es la primera pintura conservada en la que se aplica la perspectiva geométrica renacentista. Las figuras se recortan sobre una bóveda acasetonada que crea en el espectador el efecto óptico de la profundidad. Llama la atención la presencia junto a los personajes sagrados, las figuras de los donantes representados a ambos lados de la escena. Esto denota el afán de reafirmar la individualidad que impregna el Renacimiento.

PIERO DELLA FRANCESCA sigue los pasos iniciados por Masaccio perfeccionándolos. Trabajó en Arezzo donde pintará la basílica de S. Francisco, que decora con la Historia de la Vera Cruz , una serie de episodios pintados al fresco extraídos de la Leyenda Dorada. Además de temas sacros retrató a numerosos príncipes y mecenas del Quatrocento ya que deambuló por diversas cortes italianas (Rímini, Ferrara. Roma...). Pero sobre todo trabajó en Urbino al servicio del príncipe Federico de Montefeltro. En su pintura existe una doble preocupación: la luz , como elemento capaz de configurar y dar corporeidad a las figuras y las representaciones arquitectónicas , elementos básicos en la construcción de la perspectiva. En su obra La Virgen de Urbino , el volumen se ha creado a partir de la luz y el color cobrando las figuras una consistencia casi escultórica. Por otro lado, el entramado arquitectónico de fondo, construido con el rigor de la perspectiva, configura un espacio en el que el duque donante, Federico de Montefeltro aparece exaltado en el mismo plano que los santos, la Virgen y los ángeles. BOTICELLI es la personalidad más importante de este periodo. Trabajó en Florencia bajo la protección de Lorenzo de Médicis en la segunda mitad del siglo XV. Es el más perfecto representante de la "pintura de espíritu" del Renacimiento. Sus obras tienen una elegancia y sensibilidad exquisitas. Su dibujo se basa en líneas suaves y ondulantes y los colores que utiliza también destacan por su suavidad. Sus obras expresan el sentimiento de amor a la vida, a la naturaleza y al propio amor. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un carácter moralizante. Sus dos obras más emblemáticas son La Primavera y El Nacimiento de Venus que simbolizan respectivamente "el Amor" y "la Belleza". El Nacimiento de Venus no es, como se creía, una exaltación de la belleza femenina pagana. Más bien supone la correspondencia entre el Nacimiento de Venus -

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diosa de la belleza -, de las aguas marinas y el nacimiento del alma cristiana de las aguas del bautismo. Aquí Boticelli no exalta una belleza física sino espiritual: la desnudez de la diosa es imagen de su pureza y simplicidad. La naturaleza se manifiesta a través de sus elementos (agua, aire y tierra) . En la Primavera , Venus se sitúa en el centro del jardín, donde siempre es primavera. A la derecha las Tres Gracias danzan, mientras Cupido se dispone a lanzar su flecha y Mercurio aparta unas nubes que pueden amenazar el soleado escenario. A su izquierda, Céfiro, el viento de inicios de marzo, pretende alcanzar a la ninfa Cloris que grita y huye, pero de su boca solo surgen flores; a su lado aparece la imagen en la que se ha transformado gracias a la Primavera: ahora Cloris es Flora, exultante y opulenta. También realizó algunas obras de carácter religioso como la Madonna del Magnificat en la que destaca su actitud melancólica o la Piedad que sorprende por su dramático expresionismo propio de las últimas obras del pintor influido por las predicaciones de Savonarola. 3. EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITA LIA. 3.1. LA ARQUITECTURA: Bramante, Miguel Ángel, Vign ola y Palladio. Durante este siglo el centro de la vida política y cultural se traslada de Florencia a Roma, la ciudad que debe a los Papas su esplendor y riqueza. Entre estos Papas van a destacar Julio II y León X que se van a convertir en los grandes mecenas de los artistas del Cinquecento. También Venecia se convertirá en este siglo en un importantísimo núcleo artístico. Durante este siglo podemos distinguir dos fases: a) En la primera mitad predomina el sentimiento clásico de la proporción y el equilibrio. b) En la segunda mitad aparece ya el dinamismo protobarroco: es la llamada "fase manierista". BRAMANTE, marca el paso del siglo XV al XVI. Sigue la línea iniciada por Alberti logrando una mayor monumentalidad y supeditación de lo decorativo a lo arquitectónico. Para él la arquitectura es medida, proporción, orden y masa. En 1499 el Papa Julio II, que trataba de sublimar su papado a través del arte, lo contrata. En Roma Bramante realizará una obra maestra: San Pietro in Montorio . Se trata de un pequeño templo circular, siguiendo la tradición romana. Realizado sobre gradas y coronado por una cúpula típicamente renacentista. La columnata que lo rodea es de estilo dórico. La balaustrada que hay sobre el entablamento le aporta un toque de gracia y luminosidad a todo el edificio. En esta obra se aprecia una gran pureza de volúmenes. Pero su obra maestra es sin duda su proyecto de obra para San Pedro del Vaticano . El piensa en un templo claro, lógico, racional y centralizado (planta de cruz griega), con una gran cúpula dominándolo todo y cuatro cúpulas menores. Los brazos de la cruz terminarían en ábsides y se dispondrían cuatro torres laterales cuya altura superaría a la gran cúpula central. Bramante murió a los ocho años de comenzado el proyecto. MIGUEL ANGEL utilizará en sus obras las típicas soluciones a que había llegado la arquitectura del Quatrocento: monumentalidad, grandiosidad, fuerza y ritmo entre lo decorativo y lo constructivo. En su trayectoria artística trabajará en dos ciudades:

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Florencia, en sus primeros años y Roma. En Florencia encontramos varios edificios diseñados por él: • Capilla funeraria de los Médicis , típica capilla funeraria de planta cuadrada. • Biblioteca Laurenciana , también vinculada a los Médicis. Era una importante institución cultural florentina. Se trata de una gran sala rectangular con una pequeña entrada. A Miguel Ángel se le ocurrió monumentalizar la puerta añadiéndole unos espaciosos peldaños abiertos en abanico con lo cual se agranda ópticamente el espacio. Utilizó también la diferencia cromática entre los elementos arquitectónicos. • Ya en Roma realizó la cúpula del Vaticano que es sin duda una de las manifestaciones más grandes de la arquitectura universal. Miguel Ángel es el continuador del proyecto de Bramante, aunque lo simplifica eliminando las torres y manteniendo las cuatro cúpulas menores junto a la central; sin embargo de ellas solo llegarán a realizarse las dos delanteras. El efecto visual es imponente. Para darle un mayor impulso vertical la cúpula se levanta sobre un enorme tambor circular al que se ha decorado con columnas, ventanas y guirnaldas como si de una fachada se tratase. Sobre las ventanas aparece uno de los motivos decorativos preferidos por M. Ángel: la alternancia de frontones rectos y curvos. PALLADIO pertenece ya a la segunda mitad del siglo XVI y es uno de los principales - representantes del estilo manierista. Es un digno continuador de la arquitectura italiana renacentista: culto, investigador... Escribió un tratado de arquitectura titulado "Los Cuatro Libros de Arquitectura" que fue muy leído y dio enorme difusión a sus ideas arquitectónicas. Su principal aportación a la historia de la arquitectura fue la creación de un módulo conocido como "tramo rítmico palladiano" consistente en apoyar un arco y dos tramos de entablamento sobre columnas de orden normal e inscribir todo esto en un marco con columnas de orden gigante. Construyó numerosos palacios y villas entre los que destaca la VILLA CAPRA ("La Rotonda"), original construcción consistente en un cuadrado cubierto con cúpula, ofreciendo pórticos a los cuatro frentes, los cuales se realizan imitando a los templos romanos, incluso precedidos de escalinatas. En su obra se hace evidente su admiración por la cultura clásica. En su ciudad natal, Vicenza, construye una basílica (Basílica de Vicenza ) en la que idea una fachada de dos plantas - el piso bajo de orden dórico y el alto jónico -, en la que lo más característico es la alternancia arco/dintel, es decir, la utilización del "motivo palladiano" que antes hemos definido. En el Teatro Olímpico de Vicenza resucita el viejo esquema del teatro clásico, readaptándolo al nuevo gusto renacentista. En la decoración aparecen numerosos elementos romanos (estatuas, columnas, hornacinas). A la escena se abren calles en las que Palladio estrecha el final para dar sensación de mayor profundidad, artificio propio del estilo manierista. VIGNOLA, va a establecer en la iglesia del Gesù , encargada por los jesuitas, el modelo de iglesia de la Contrarreforma. Se trata de una iglesia de planta de cruz latina constituida por una única nave, larga y ancha, sin obstáculos, lo que permite la concentración de los fieles. Está cubierta con una enorme bóveda de cañón, lo que favorece la acústica. El crucero se cubre por medio de una gran cúpula que desprende gran luminosidad, atrayendo la atención de los fieles hacia la cabecera. Entre los contrafuertes laterales se abren capillas que se mantienen en penumbra,

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favoreciendo la oración y la comunicación íntima del fiel con Dios. En esta iglesia, cuyo modelo se repetirá en toda Europa, se puede comprobar como la arquitectura se somete por completo a las necesidades de la predicación.

3.2. LA ESCULTURA: Miguel Ángel.

En contraposición al siglo XV y del mismo modo que había ocurrido en la arquitectura, asistimos a un predominio de lo romano frente a lo florentino. En la escultura la delicadeza propia del Quatrocento va a dar paso a una grandiosidad monumental. El relieve plano casi desaparece y deja paso a un claro predominio del bulto redondo en tamaño superior al natural. El escultor más importante de este siglo es, indudablemente, MIGUEL ÁNGEL . Aunque cultivó la arquitectura y pintura, consideraba que la escultura era su autentica vocación. Su obra es difícil de seguir pues en muchas ocasiones deja inacabadas las esculturas. Era un artista de genio inestable. Apasionado y violento, por eso sus figuras están dotadas de una gran capacidad expresiva. Crea un mundo de seres superiores grandes y musculosos. Miguel Ángel fue considerado ya en su época como el prototipo de escultor universal que es capaz de expresar en sus obras casi cualquier concepto, idea o propósito, incluso el más complejo. En su obra podemos apreciar varios periodos: 1. Periodo Juvenil: se desarrolla aún en el Quatrocento, siguiendo la línea marcada por Donatello. De esta época destaca la Madonna de la Escalera , exquisito relieve de carácter pictórico. Ya en Roma realiza la Piedad Vaticana en la que destaca su monumentalidad y el refinado acabado. Sorprende la extrema juventud de la Virgen y la ausencia de dolor en su expresión. Parece que no ha querido representar a la Virgen

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real sino el concepto de virginidad, eterno y sin edad. La composición piramidal de la obra es uno de los esquemas predilectos del Renacimiento. Miguel Ángel esculpe un Cristo proporcionalmente más pequeño que la Virgen para no alterar la geometría del grupo piramidal. 2. Periodo de madurez:

• • David: es un tema típico del Quatrocento pero que Miguel Ángel va a interpretar de forma distinta. Ya no es un muchacho, sino un joven maduro qué nos presenta antes del combate, en el momento de máxima concentración física y psíquica. Cada parte es un prodigio de perfección anatómica. Nunca se ha representado mejor el equilibrio de fuerza en tensión; esto se advierte muy bien en el modelado del brazo derecho, la mano comienza a cerrarse. La estatua está hecha en un solo bloque de mármol de Carrara.

Representa el triunfo de la verdad y la inteligencia sobre la fuerza bruta.

• Sepulcro de los Médicis : en el quiso hacer un homenaje a sus protectores

(Julián y Lorenzo de Médicis). Las figuras sepulcrales aparecen sentadas, según el modelo creado en el primer Renacimiento. Les acompañan cuatro estatuas alegóricas, símbolos de la vida humana y el paso del tiempo. La Aurora está representada como una mujer despertándose; el Día es un joven lleno de vigor, expresando la plenitud de la vida. El viejo decrépito, de carnes fláccidas, es el símbolo decadente de la Tarde; finalmente otra mujer representa la Noche.

• La Tumba de Julio II fue el gran proyecto de Miguel Ángel al que dedico 40 años pero no pudo acabarlo. Del proyecto inicial sólo realizó el Moisés y los esclavos. En el Moisés, Miguel Ángel opta por una composición reposada. El escultor recoge el momento en que Moisés advierte la infidelidad de su pueblo. Los músculos se hinchan y las barbas se encrespan. La ira de Moisés esta presta a estallar pero Miguel Ángel prefiere solo sugerirla. El furor de sus ojos, el vigor de la musculatura y el patetismo de su rostro nos indica la influencia del Laoconte, que fue descubierto por estos años.

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3. Periodo final: viejo y cansado, Miguel Ángel nos muestra en sus obras desilusión y tristeza. Destacan especialmente sus piedades no acabadas. Son figuras donde la carne desaparece y destaca lo etéreo y angustioso. En la Piedad Rondanini se presenta la versión más desesperada del tema de madre e hijo. El esquema de la composición es revolucionariamente nuevo, con una interpretación del tema más psicológica que realista. El hijo, la auténtica razón de la existencia de la madre ¿está sosteniéndola ahora, incluso después de muerto? o ¿es la madre quién mantiene a su hijo en pie en un último esfuerzo desesperado por conservarlo vivo? 3.3. LA PINTURA: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel . La escuela Veneciana. El Manierismo Resueltos los problemas técnicos la pintura italiana del Cinquecento no tiene otra preocupación que la del contenido. Se rinde culto a la belleza, desapareciendo lo anecdótico. Los marcos arquitectónicos se reducen al mínimo. En las composiciones se usan esquemas geométricos sencillos. Roma, convertida en la capital del arte acoge a los principales pintores del momento,

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destacando tres principalmente: LEONARDO DA VINCI, marca el tránsito del siglo XV al XVI. Se forma en la ciudad de Florencia, posteriormente marcha a Milán donde trabaja al servicio de Ludivico el Moro. En 1499, al caer Ludivico, inicia un periodo errante hasta morir en Francia, a donde se había desplazado para trabajar en la corte del rey Francisco I. Representa el arquetipo de hombre renacentista por su afán de saber, experimenta e inventar. Como artista destaca especialmente en la pintura, aunque también fue escultor y estudió arquitectura. Le interesa conocer el cuerpo humano, tanto en sus aspectos externos (anatomía) como en sus aspectos internos (expresión y estudio de caracteres). Los dos principales problemas que se plantea en sus obras son el movimiento y la luz. El problema del movimiento y la composición lo resuelve a base de triángulos (composiciones piramidales ). Su interés por la plasmación de la luz le ha pe prescindir de los contornos precisos, propios del Quatrocento, optando en su lugar por difuminarlos. Por medio de estos suaves contrastes de luces y sombras (sfumatto ), crea la sensación de volumen y dota de un aire enigmático a sus figuras. Sus primeros años transcurren en Florencia donde trabaja en el taller de Verrochio y pinta sus primeras obras. En 1483 es ya recibido en Milán como un genio consagrado. Una de las mejores obras de esta época es la Virgen de las Roc as: de composición piramidal, la Virgen domina el centro del cuadro. La oscura superficie de la roca subraya, por contraste, el esplendor radiante de la Virgen.

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La Santa Cena, es una de las obras cumbre del Renacimiento. Tiene una perfecta armonía compositiva: Cristo ocupa el centro y los apóstoles se agrupan de tres en tres rompiendo con el antiguo esquema de figuras seguidas que mantenía a Judas alejado del resto. Hasta ahora no había aparecido plenamente el aspecto psicológico en la pintura, ahora los personajes reaccionan y manifiestan sentimientos. Las actitudes y gestos están perfectamente encadenados. Las ventanas del fondo no son más que marcos para que destaquen las figuras.

La Gioconda es una pintura fascinante, misteriosa. Es una de las imágenes más difíciles de entender, más ambiguas, con una acentuada imprecisión en la expresión y el sentimiento. En 1510 pinta Santa Ana, la Virgen y el Niño obra en la que vuelve a utilizar la composición piramidal, encadenando perfectamente los movimientos. Hay un esquema diagonal en las miradas de los personajes.

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RAFAEL, fue discípulo del pintor Perugino . Su estilo se encuentra dominado por la proporción, la belleza ideal y la elegancia. En el análisis de su obra podemos distinguir tres etapas: Primera época (1501-1504): se aprecia la influencia de Perugino: sus composiciones son geométricas, gusto por las amplias perspectivas, figuras con suaves movimientos, casi femeninos, rostros redondeados y miradas de ensueño. El ejemplo más característico sería Los Desposorios de la Virgen. Segunda época (1504 - 1508): el pintor se traslada de Urbino a Florencia. Su estilo se modifica por influencia de la pintura de Leonardo. Abundan los efectos de claroscuro. Ejemplos: La Virgen del Gran Duque y la Madonna del Jilguero. Tercera época (1508 - 1520): transcurre en Roma donde es llamado por el Papa Julio II. Allí entra en contacto con Miguel Ángel que modificará su estilo dotándolo de grandiosidad y dinamismo. En esta época Rafael se convertirá en un espléndido decorador al fresco. Su arte de componer alcanza plena madurez. En Roma pintará las Estancias Vaticanas con la colaboración de un amplio taller. Entre ellas destaca la Estancia de la Signatura en la que pinta varias alegorías: la de la Teología ("Disputa del Sacramento ") y la de la Filosofía ("La Escuela de Atenas ") . MIGUEL ÁNGEL , fue ante todo escultor, por eso en su pintura muestra un interés especial por el dibujo, el volumen y la composición. Durante mucho tiempo se consideró que no estaba preocupado por el color en absoluto, pero a la vista de los estudios realizados tras la restauración y limpieza de algunas de sus obras más importantes, se ha demostrado que esto no es del todo cierto. En sus obras suele prescindir del paisaje y centrar toda su atención en las figuras a las que dota de actitudes dominadas por el movimiento y los escorzos violentos. Suelen ser de enormes proporciones y están dotadas de una fuerza titánica: crea montañas de músculos sin ajustarse a la realidad (gigantismo sobrehumano). En estos cuerpos se albergan almas impetuosas dotadas de gran fuerza vital, de manera que fuerza física y moral se equilibran. Su obra maestra es la decoración de la CAPILLA SIXTINA que realizó por encargo del Papa Julio II. La bóveda de la Capilla Sixtina fue pintada por Miguel Angel entre 1508 y 1512. Miguel Ángel imagina la bóveda sostenida por varios arcos transversales apoyados en pilastras sobre las que se disponen pedestales en los que se sientan jóvenes desnudos en variadas y violentas posturas. En los recuadros se representan escenas del Génesis y Antiguo Testamento (creación del hombre, el diluvio universal, la expulsión del paraíso, etc.) y figuras monumentales de profetas y sibilas. En el muro de fondo de la capilla se representa el fresco del JUICIO FINAL pintado posteriormente (1533 - 1540). En él la perfección clásica y el equilibrio observable en el techo cede el paso al desbordamiento dramático y a la violencia pesimista. El entusiasmo por el escorzo alcanza niveles insuperables: las figuras se inclinan, buscan la diagonal, se retuercen sobre sí mismas y los músculos se hinchan. Destaca el arrollador movimiento ascendente de los elegidos que contrasta con el hundimiento en el abismo de los condenados. Cristo irrumpe de forma dramática. Tanto esta como las demás figuras estaban totalmente desnudas lo que originó muchas protestas. Tras el cambio se sensibilidad producido en el Concilio de Trento se ordena a Daniel Volterra que cubriera las excesivas desnudeces de la obra.

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LA ESCUELA VENECIANA: GIORGONE , TIZIANO, VERONÉS Y TINTORETTO. Venecia consigue en el siglo XVI mantener su esplendor y va producir un arte de gran serenidad, equilibrio y sensualidad. Las características más notorias de esta escuela pictórica serían: • Gusto por el lujo y fastuosidad, propio de una sociedad despreocupada, rica y alegre, donde hay una próspera clase comercial-burguesa que se convierte en la principal clientela de los artistas. • Predominio del color sobre el dibujo. Un color expresado en términos puramente venecianos, es decir, cálido, luminoso, suntuoso... con un predominio de las tonalidades rojas, anaranjadas, ocres, etc. El dibujo es secundario. Son las grandes manchas de color las que organizan la composición del cuadro. • Exaltación de la naturaleza. Una naturaleza que es presentada de forma bucólica, apacible, serena y equilibrada. En ocasiones llega a convertirse en la auténtica protagonista del lienzo. • Desarrollo del retrato. • Gusto por la representación del desnudo. GIORGONE es el iniciador de la escuela. Sus obras destacan por la técnica suelta, el sfumatto y la sustitución de la perspectiva geométrica y lineal por otra que nos recuerda ya la perspectiva aérea que culminará en el Barroco. Entre sus obras podemos mencionar La Tempestad y la Venus dormida .

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TIZIANO, es la gran figura de la escuela veneciana. Estudia en el taller de Giorgone y sus primeras obras se confunden con las del maestro. Posteriormente irá independizando su personalidad y su técnica que cada vez se hará más suelta llegando a límites casi impresionistas. Será un artista de prestigio en toda Europa, es el pintor predilecto de Carlos V y Felipe II. Cultivó tanto el cuadro religioso, con un sentido monumental, colorista, solemne y lujoso (Asunción de la Virgen ), como la mitología, en la que crea obras de gran sensualidad, reflejando el modo de vivir alegre y despreocupado de la Venecia de su tiempo. Es un gran intérprete del desnudo femenino (Dánae, La Bacanal ). Como retratista fue el creador de un tipo de retrato cortesano "de aparato", solemne y opulento, donde se unen el profundo análisis psicológico del personaje con la importancia concedida al escenario y a la indumentaria, joyas, etc., como símbolo de la importancia del retratado (retratos de Carlos V, Isabel de Portugal, Felipe II ). Será el modelo de retrato que se seguirá en el Barroco (V. Dyck y Rubens). Otra obra importante es Carlos V en la Batalla de Mülberg , donde realiza un modelo de retrato ecuestre muy repetido también en el futuro (Velázquez) en el que caballo y jinete se disponen en paralelo al espectador. Otros pintores importantes de esta escuela serán Veronés y Tintoretto EL MANIERISMO EN PINTURA: BRONCINO, CORREGIO Y PARM IGIANINO Tradicionalmente se ha considerado el Manierismo como una simple repetición de las formas artísticas de los grandes maestros, estereotipando y amanerando su estilo, de ahí el nombre de Manierismo ("alla maniera di..."). Además se limitaba el Manierismo a la pintura de la segunda mitad del siglo XVI. Sin embargo, actualmente, tras los estudios de diversos investigadores (Arnold Hauser), queda fuera de toda duda que el concepto de Manierismo también es aplicable a las otras artes (arquitectura y escultura), así como a la literatura. Se trata de un estilo muy difícil de definir debido a su complejidad, pues es un arte refinado, de intelectuales. Su aparición tiene mucho que ver con los problemas económicos, políticos y religiosos por los que atraviesa Europa en la segunda mitad del siglo XVI y que hacen que se rompa el ambiente de optimismo y confianza en el humanismo que había caracterizado a la Europa del Renacimiento. En esta situación aparece el estilo manierista que no pretende copiar esa realidad que se observa como confusa y desagradable, sino que se va a deformar de manera caprichosa. El espacio va a ser sometido a la distorsión de las perspectivas infinitas o del ahogo; las proporciones anatómicas van a alterarse, estirando los cuerpos como si fueran elásticos; la luz va a ser tratada de forma irreal, buscando efectos de luz coloreada, unas veces fría como la luna y otras cálidas como un incendio. Se olvida el culto a la belleza clásica y sus componentes básicos tales como la serenidad y el equilibrio, prefiriéndose el desequilibrio, los escorzos que provocan tensión. Los ritmos preferidos son los curvos y ondulantes. Dentro del Manierismo citaremos como pintores más destacados a Broncino, Corregio y Parmigianino .

Jose Claudio Carmona Varona