Tema 07- Escultura y Pintura Gótica

MIGUEL CALLEJA: Hª DEL ARTE. TEMA 7: ESCULTURA Y PINTURA GÓTICAS

TEMA: ESCULTURA Y PINTURA EN LA EPOCA GÓTICA (Resumen)

1. LA ESCULTURA GÓTICA 1 1.1. LOS CARACTERES GENERALES 1 1.2. EL EJEMPLO ESPAÑOL 2 • LAS GRANDES PORTADAS DEL SIGLO XIII 2

• EL SIGLO XIV Y EL SIGLO XV 3

2. LA PINTURA GÓTICA 5 2.1. LA PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO 6

• LA ESCUELA FLORENTINA 6 • LA ESCUELA SIENESA 6

2.2. LA PINTURA FLAMENCA 7 2.2.1. LA PINTURA HISPANO-‐FLAMENCA 11 Ya sabes que en el siglo XVI el término gótico se utilizó con un claro carácter despectivo. Hoy se utiliza de una forma mucho más precisa para referirnos a obras con caracteres muy distintos, que reflejan la evolución del mundo europeo entre los últimos años del siglo XII y finales del siglo XV. Estudiaremos en este tema algunas de las más destacadas en escultura y pintura.

1. LA ESCULTURA GÓTICA

1.1. LOS CARACTERES GENERALES

Pese a la variedad de las obras incluidas dentro del estilo, es posible reconocer unos caracteres generales que están en la base de la nueva escultura:

1) En ellas se abandona el esquematismo románico y se hace referencia al mundo real, valorándose la naturaleza y dando una gran importancia a la figura humana (realista y con movimiento). Ello es reflejo de las nuevas ideas dominantes en el seno de la Iglesia: - San Bernardo, citando al profeta Isaías, recordaba que: "Yo os quitaré el corazón de piedra y

os daré uno de carne". - La doctrina franciscana, también las ideas de Sto. Tomás que considera al hombre

compuesto de cuerpo y alma importantes por igual, o la literatura en la que se escriben algunas obras (segunda parte del “Roman de la Rose”, por ejemplo) en las que se valora el cuerpo, la relación física e incluso la búsqueda del placer.

2) Ese naturalismo no supone el rechazo a la belleza (siempre que no sea incompatible con la expresión) que nos deja figuras esbeltas y lleva a tratar con gran cuidado el plegado de los paños.

3) El fuerte carácter expresivo reflejado en el valor dado por los escultores al sentimiento, lo que lleva a una renovación iconográfica: la figura de Cristo sufre (Crucificados y calvarios) y la aparición de una Virgen maternal: bien alegre, bien dolorosa (la Piedad). También es causa de la introducción de la sátira.

4) Dominio del tema religioso (incluso cuando no lo parece, por ej.: retratos funerarios)1 y codificación de los mismos partiendo de nuevas fuentes: Evangelios apócrifos, Leyenda Aurea de J. de la Vorágine (dominico italiano del XIII), libros de poesía o libros de viajes (Marco Polo).

5) Variedad de materiales (piedra, mármol, alabastro, madera y, excepcionalmente, metal) normalmente policromados, buscando realismo.

6) En cuanto al tipo de obras realizadas, un escultor podría recibir distinto tipo de encargos:

1Uno de las pocas excepciones serían las misericordias de las sillerías de coro.


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• Escultura monumental, que completa al edificio, en la que los autores se olvidan progresivamente de la ley de adaptación al marco, como puede observarse en los capiteles de franja continua o en las portadas de claro carácter narrativo, favorecido por la organización del tímpano en registros.

• Escultura exenta:

- El Gótico es el periodo de nacimiento del retablo mueble. Los retablos (del latín “retro tabula” o ‘tabla que se coloca detrás’), es una compleja estructura de madera, alabastro o mármol, que se coloca delante del muro que cierra el ábside y, por tanto, detrás del altar. En él se integran pinturas (dominantes en los primeros momentos), relieves y esculturas que se organizan en divisiones verticales (calles, en número impar, separadas por entrecalles) y horizontales (cuerpos). Sus otras partes son el banco, las entrecalles, el guardapolvo y el ático2. De más sencillo a más complejo, hablaríamos de un “díptico” (con dos hojas), tríptico (con tres) y políptico (piezas más complejas). Cuando se trata del altar de la Capilla Mayor, se conoce con el nombre de “Retablo Mayor”. Estos tuvieron enormes dimensiones en Castilla (Toledo o Sevilla), destacando los realizados por Gil de Siloé en Burgos en la segunda mitad el siglo XV.

- En las sillerías de coro se tallan las tablas de los respaldos, brazos y misericordias..

- Sepulcros con dos tipos de diseño: el adosado (esquema de arco solio) o el de túmulo.

- Púlpitos, destacando especialmente los italianos realizados en mármol.

- Bultos redondos: Donde incluiremos los retratos, escenas religiosas (calvarios, descendimientos, ...) y figuras libres objeto de culto:

- Crucificados (Julia Ara reconoce en Castilla nueve tipos, destacando el que define como "patético": Muerto con la cabeza caída hacia la derecha, cuerpo distorsionado, corona no de rey sino de espinas, brazos en V, no suppedaneum y tres clavos).

Recuerda que esa importancia de la figura patética lleva a la realización , en ocasiones, de figuras con real apariencia de cadáver. En Palencia, el Cristo de las Claras (hacia 1410) sería un ejemplo de esta exageración dramática, no exenta de morbo.

- Vírgenes maternales (la Preñada o Virgen de la Esperanza de León que crea un modelo, la nueva Eva que ofrece al niño una manzana, y la triple Eva).

- Y Piedades (originarias de Alemania en el XIII y normalmente propias de monasterios femeninos. Este tipo de figuras abunda en Castilla en los siglos XIV y XV).

1.2. EL EJEMPLO ESPAÑOL

• LAS GRANDES PORTADAS DEL SIGLO XIII

En los reinos españoles, como en Francia, donde nace el estilo, los principales conjuntos escultóricos se encuentran en las portadas de las catedrales, de claro carácter narrativo, favorecido por la organización del tímpano en registros. En Castilla destacan las realizadas por

2 Esquema de http://cvc.cervantes.es/actcult/art_reli/retablos/glosario.htm


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maestros franceses, procedentes de la Isla de Francia en la 2ª mitad del XIII. Debido a que varios maestros trabajan simultáneamente en la misma obra, se observa cierta falta de homogeneidad:

En la Catedral de Burgos se conservan dos importantes portadas: La Portada del Sarmental, o Puerta Sur, donde se reconoce la mano de varios maestros3 que vuelven a tratar el tema románico del Pantocrátor rodeado por el Tetramorfos, aunque de una manera mucho más naturalista y moderna que en le periodo anterior. Resultan muy llamativas las figuras de las arquivoltas en las que se encuentran conexiones muy claras con figuras de portadas francesas. Entre ellas encontramos a los ancianos del Apocalipsis, reyes, y representaciones de las Artes Liberales (y también de la Medicina) relacionadas muy probablemente con la Escuela Episcopal vinculada a esta catedral. Su importancia fue tan grande que fue imitada en la Catedral de León (Puerta sur) y en la Colegiata de Sasamón (Burgos). Esa portada se completa con la Puerta Norte o de los Apóstoles (también llamada Portada de la Coronería) en la que se continúa la narración del Juicio Final y podemos ver a la Virgen y a S. Juan intercediendo ante Cristo Juez, mientras San Miguel separa a los condenados de los benditos. Finalmente, la Portada occidental (con tres entradas) debido al mal estado de la piedra fue sustituida por la actual en el XVIII.4

En la Catedral de León, donde debieron trabajar varios maestros, destaca la portada del Oeste o principal, presenta temas que insisten en la idea de la Virgen como intercesora5, a la que está dedicada la construcción del edificio. En ellos, se observa la presencia de varios maestros: el del Juicio Final (muy descriptivo), el de las Jambas y el de la Virgen Blanca6. Junto a la entrada, y bajo la mirada de la imagen de Alfonso X, se situaba el “locus apellationis” o lugar en que cuatro jueces (uno representante del rey, otro de la nobleza, otro de la iglesia y otro de la ciudad) daban solución a las disputas de los leoneses. También la Portada de la Virgen del Dado (norte) reviste gran interés. Conserva su policromía, al haberse convertido en lugar de tránsito hacia el claustro, y presenta escenas repetidas en otras portadas europeas, como la Anunciación (que aparece también en Reims, donde se encuentra el llamado “ángel de la sonrisa”, una de las esculturas más famosas del periodo)

Muy importante es la colección de sepulcros del monasterio de las Huelgas (Burgos) que fue panteón real.

• EL SIGLO XIV Y EL SIGLO XV

El siglo XIV nos ha dejado la realización de las portadas aún no acabadas de las catedrales ya existentes, así como la realización de las portadas de las catedrales construidas ahora (Catedral de Palencia). La más importante es la llamada “Portada del Reloj” de la Catedral de Toledo, en la que las escenas de la vida de Cristo (infancia y Pasión) rematadas con la escena de la muerte de la Virgen, se organizan en cuatro franjas o registros. También corresponden a este periodo un elevado número de sepulcros y obras exentas en todos los reinos, con una cada vez mayor expresividad, entre las que destaca la “Virgen Blanca” de la Catedral de Toledo de alabastro blanco policromado en dorado. Esa figura sigue un modelo francés en el que la Virgen, de pie y con un claro contraposto con el que se consigue naturalidad, juega con el Niño que acaricia la cara de su madre.

Pero es en el siglo XV cuando se realizan los más importantes proyectos: sepulcros, sillerías de coro (se inicia la de la Catedral de Toledo, acabada en el XVI) e importantes retablos, como el Retablo Mayor de la Catedral de Toledo, muy tardío. También en este siglo trabajan en tierras de Castilla importantes escultores de origen europeo, es le caso de Alejo de Vahía (muy activo en tierras palentinas) y de Gil de Siloé, el mejor autor de finales de siglo y favorito de la reina Isabel:

§ Alejo de Vahía, probablemente de origen nórdico, tuvo un importante taller en Becerril de Campos del que salieron la “Santa Ana, la Virgen y el Niño" en madera de nogal policromada del Museo de la Catedral o el Cristo Crucificado de la Iglesia de San Francisco. Murió en 1515.

3 Se considera a estos autores de origen francés y se ha denominado al más importante como “Maestro del Beau Dieu” poniéndolo en relación con la Catedral de Amiens, mientras otros autores hablan de la posibilidad de que sea el propio Maestro Enrique. 4 Se la conoce con el nombre de Portada Real, porque era el acceso habitual de los monarcas 5 La portada Occidental está dedicada a Ella: entrada izquierda con temas referidos a su vida, entrada central como elemento intercesor ante el Cristo del Juicio Final y entrada derecha con el tema de la Dormición y ascensión al cielo. En el rosetón aparece la Virgen trono de Dios y rematando el hastial el tema de la Anunciación. En la Portada Norte, vuelve a ser protagonista en el parteluz: Virgen del dado. 6 Que también ha trabajado en Burgos.


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§ Pero, uno de los escultores más importantes del momento es Gil de Siloé, probablemente flamenco, que trabajó en Castilla durante las dos últimas décadas del siglo. Su estilo es recargado, decorativista y muy minucioso, dotado de un extraordinario virtuosismo técnico tanto en el trabajo de la madera como el alabastro. Se trata de uno de los artistas favoritos de la reina Isabel que le encarga el retablo y los sepulcros de sus padres y hermano que debían instalarse en la recién terminada Cartuja de Miraflores (Burgos): § En el sepulcro del Infante don Alfonso (muerto a los 15 años, aunque en la figura

parece mayor realizado en alabastro, se plantea un problema iconográfico: ¿cómo representar vivo a alguien que ya ha muerto, evitando la tradicional posición yacente?. La respuesta es presentarle orando con un diseño que se repitió en el de Juan de Padilla, paje de la reina que murió en la guerra de Granada. Se coloca en el presbiterio de la iglesia en el lado del Evangelio (segundo lugar en importancia) y ha sufrido grandes daños en el cairel y perdiendo figuras importantes, incluso el reclinatorio podría estar girado.

§ El sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal se realiza varias décadas después de la muerte del monarca, pero cuando aún la reina vive. Se coloca cerca de la cabecera y con un enorme tamaño que dificulta las ceremonias de culto. Presenta un original esquema estrellado de 8 puntas, y en el se recurre a todo una serie de elementos simbólicos que realzan el papel de la monarquía, por lo que debió ser mutilado durante el Trienio Liberal, obligando a una restauración posterior durante la cual se realiza de nuevo el rostro del rey.

§ Finalmente el retablo de la Cartuja de Miraflores, de decoración desbordante, es un enorme retablo que prescinde de la tradicional división que has estudiado en cuerpos y calles, creando un esquema a base de círculos inspirado en la miniatura y que recuerda a un tapiz, en el que se utiliza parte del primer oro traído del Nuevo Mundo. En él, Siloé trabaja ayudado por un numeroso taller, por lo que la calidad de las figuras es desigual. La policromía es de Diego de la Cruz, que trabajó siempre con el maestro.


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Este escultor realizó también el "retablo del árbol de Jessé" (catedral Burgos) y el de la Capilla del Condestable, así como otros dos perdidos, pero su importancia ha hecho que se le atribuyan todas las obras valiosas realizadas en Castilla en este siglo sin ninguna prueba, entre ellas, probablemente, la fachada de San Gregorio en Valladolid.

2. LA PINTURA GÓTICA Aunque en pintura la transición del Románico al Gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, podemos fechar las primeras manifestaciones de la pintura gótica en torno al año 1200, es decir, casi 50 años después de los primeros ejemplos de arquitectura y escultura. La época gótica fue un periodo de decadencia de la pintura al fresco, que deja paso a otras técnicas y soportes. No necesaria y carente de grandes muros que recubrir, el fresco se refugia en Italia, y el color hace nacer cientos de tablas, miniaturas y vidrieras, cuyos caracteres varían en función del momento de realización y del origen del autor. Aunque resultan difíciles de caracterizar, diversos autores señalan:

• Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las más escasas pinturas murales.

• El dibujo tiene mucha más importancia que en el periodo anterior. No sólo separa áreas de color, sino que delimita formas y marca modelados.

• La luz contribuye a destacar el volumen de las figuras. En muchas ocasiones no se trata de una luz real y tiene un significado simbólico.

• El color es un elemento clave y con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico.

• Aunque algunos autores colocan a sus figuras en una ambiente luminoso, plano y dorado, una de las grandes aportaciones del nuevo estilo es la preocupación por la perspectiva, colocando a los personajes sobre fondos naturales o urbanos, que no suelen resultar reales todavía.

• Las composiciones suelen ser sencillas, con un eje de simetría que ayuda a distribuir a los personajes, orientados hacia el centro teórico del cuadro.

• En la pintura vemos como se impone progresivamente un naturalismo idealizado y las figuras ganan en expresividad, al igual que en la escultura.

• Domina la temática religiosa, aunque aparece en menor escala también la profana (por ejemplo, algunos retratos). En general podemos hablar de una pintura didáctica y devocional, para lo que, en muchos casos se recurre a la narración (como ya vimos en las portadas).


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Así se reconoce una primera fase que abarca el XIII y parte del XIV en la que se desarrollan el gótico lineal francés (en el que se encuadran muchas de las vidrieras de las grandes catedrales francesas y muchas miniaturas) y el gótico italiano del Ducento y Trecento. En una segunda etapa (finales del XIV y XV) se desarrolla el llamado estilo internacional, resultado de la fusión de caracteres de ambos; y en Flandes, la importante pintura de los primitivos flamencos. Entre todas esas manifestaciones, destacan de manera especial:

2.1. LA PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO En Italia, debido a la tipología de sus edificios, se mantuvo la pintura mural, aunque también se pintó sobre tabla. Se distinguen claramente dos escuelas durante los años finales del siglo XIII y el XIV (Trecento): la escuela de Florencia y la de Siena.

Los pintores de ambas ciudades realizaron grandes conjuntos murales pintados al fresco utilizando la técnica de la sinopia (dibujo previo con rojo de Sinope y progresiva aplicación del color) entre los que destacan los realizados por un artista magnífico: Giotto di Bondone nacido en un pueblecito de la Toscana próximo a Florencia hacia 1266 y principal autor de la ESCUELA FLORENTINA.

• LA ESCUELA FLORENTINA GIOTTO ha sido considerado como arranque de la pintura occidental, al haber creado un estilo personal capaz de conseguir que el espectador se sienta parte implicada en la escena presentada. Tratando de simplificar sus rasgos, deberíamos insistir en:

1) Técnica al fresco, limitada en cuanto al número de colores, que contrastará con la riqueza tonal y detallismo de los pintores sieneses.

2) Punto de vista bajo, procurando que la mirada del espectador caiga dentro de la mitad inferior del cuadro, con lo que el espacio pictórico se convierte en simple prolongación del espacio real en el que el espectador se sitúa.

3) Colocación de las figuras en primer plano, tan tridimensionales y sólidas (figuras-bloque) que ha llegado a hablarse de "esculturas pintadas".

4) Limitada profundidad del escenario en el que esas figuras se agrupan permitiéndonos una captación global de la escena ("de una ojeada" dice H.W.Janson) sin necesidad de una análisis minucioso por fragmentos. El fondo (simplificado paisaje campestre o urbano) es, más que un elemento de fuga, un elemento que cierra ese espacio en el que sus corpóreas figuras se localizan.

5) Expresividad de los rostros, dramatismo en ocasiones, probable aportación del gótico septentrional.

Todos esos rasgos están presentes en los grandes ciclos murales de la Basílica de Asís7, la Capilla de los Scrovegni en Padua (con escenas de la vida de la Virgen y de Jesús) o en la Capilla Bardi en Sta. Croce en Florencia (Vida de San Francisco). Realizó también algunas pinturas sobre tabla y algunos proyectos arquitectónicos, como el campanario de la Catedral de Florencia.

Se trata de un gran innovador, después del que todo ha cambiado, pero también de una figura aislada a la que nadie fue capaz de continuar. Ningún pintor posterior se libró de sus influencias, pero ninguno de ellos puede ser considerado como su heredero, según A. Chastel.

• LA ESCUELA SIENESA La ESCUELA SIENESA, mientras tanto, se caracteriza por una menor preocupación por el espacio y la tridimensionalidad y una gran elegancia en el tratamiento de las figuras, estilizadas (incluso amaneradas) y tratadas con un gran detallismo. Otros rasgos son:

- la importancia de la línea,

- el contraste entre los fondos dorados y los colores simbólicos y llamativos que dota a estas imágenes de un gran contenido poético.

Junto al Duccio, iniciador de la escuela, su gran figura es Simone Martini, autor de un gran fresco (“La Maestá) en el Palacio Comunal, y de “La Anunciación” de los Uffizi, una de las más importantes pinturas góticas.

7 En 1997, algunos críticos sugieren la posibilidad de que alguno de esos frescos no sean atribuibles al Giotto, sino a uno de sus maestros: Pietro Cavallini. También ese es el año en que las pinturas sufren graves daños, consecuencia de una serie de terremotos.


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2.2. LA PINTURA FLAMENCA Es Flandes una región dinámica y activa en el siglo XV, dominada por una burguesía preocupada de aumentar sus riquezas y animada por una mentalidad mucho más realista que la que exista en cualquier otra región europea. Este realismo se refleja en la religión, en la que las principales figuras (Cristo, Virgen,...) son vistas como seres de la época.

Esa burguesía consume una pintura realizada al óleo (de cuya invención se responsabiliza a los hermanos Van Eyck, pero que ya era conocida y que ahora es mejorada con recetas de taller, casi secretas) sobre tabla preparada con estuco y aplicada mediante la técnica de las veladuras (capas finas) sobre dibujo previo (grisalla).

Si eres aficionado a la lectura hay dos novelas que te gustarían y en las que la trama se desarrolla en este periodo y con estos personajes: • SINOUE, Gilbert: “El fugitivo de Brujas” EDICIONES B. 2000 • ANDAHAZI, Federico: “El secreto de los flamencos” ED. DESTINO 2002

Mediante está técnica puede conseguirse: 1) Un examen casi microscópico de la realidad, gracias al empleo de pinceles muy finos y colores

muy diluidos. 2) Plasmación de efectos de luz (reflejos, rayos...) y sombra, así como de calidades. 3) Efecto ilusionista, con la colocación de las figuras en ambientes reales (aire). 4) Utilización de dos puntos de vista a la hora descomponer el cuadro: uno al mismo nivel para las

figuras y uno muy alto para el paisaje que acaba ocupando un área importante en la parte central y baja de la tabla.

Junto a ello son características complementarias. 5) La existencia de un simbolismo oculto, que hay que descifrar. 6) La temática variada (religiosa, género y retratos).

Estas características están presentes a lo largo del siglo XV en una serie de pintores que trabajan en Flandes, agrupados en gremios muy selectivos a la hora de conceder el título de maestro y muy


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exigentes con la calidad de las obras realizadas. Son conocidos como “PRIMITIVOS FLAMENCOS”, entre los que destacan:

• JAN VAN EYCK8 (se le supone un hermano desconocido llamado Humberto, del que casi nada sabemos, pero al que él cita) es el renovador del trabajo al óleo y autor de las piezas más destacadas del momento (recordar el Políptico de San Bavón en Gante). Fue un autor muy conocido en su época, disputado por la nobleza (Duque de Borgoña), la iglesia y la burguesía, se sabe que su fama superó fronteras y que realizó viajes que difunden su forma de hacer por reinos lejanos (Castilla, por ejemplo, por donde pasó formando parte de una embajada camino de Portugal). Preocupado por realizar obras en las que se cree una ilusión de espacio, lo consigue de una manera intuitiva (sin la aplicación de las reglas matemáticas que proponen los italianos), destacando en él sus figuras monumentales e individualizadas, cada una un verdadero retrato. Pintor del detalle, tuvo taller abierto en la Haya y Brujas, y firmó sus obras solamente en los últimos años de vida, lo que provoca algunos problemas de atribución. Entre ellas podemos citar:

• MATRIMONIO ARNOLFINI (TABLA 82 x 60 cm. National Gallery de Londres)

Probablemente realizada para Giovanni Arnolfini y su esposa (procedentes de Lucca y establecidos en Brujas, junto a otros muchos italianos) Obra firmada ("Johannes de Eyck fuit hic 1434", lo que se ha interpretado como testimonio del pintor de que fue testigo de la boda9 a la que se hace referencia. Preocupación por el espacio (el espejo como "trampa óptica"). Para Panofsky o Yarza, representación de la ceremonia del matrimonio. Los elementos simbólicos asi lo indicarían: espejo (sin mácula), vela (presencia de Dios en la ceremonia), fruta (dones que enriquecerán la vida de la pareja), perrito (fidelidad), zapatillas (unión doméstica)....10

• VIRGEN DEL CANONIGO VAN DER PAELE (TABLA 122 X 157. Brujas) Sacra conversación (la Virgen con San Donaciano, patrono de Brujas, y San Jorge, con la intromisión del Canónigo, que aparece humildemente por debajo del nivel de la Virgen y arrodillado), existiendo constancia de quien es cada personaje y de la donación, por un texto en su parte inferior. Escenario románico (cabecera con girola). Los capiteles hacen referencia a la vida sacerdotal y a la vida militar) Elementos simbólicos complicados (El Niño juega con un papagayo, animal que era capaz de decir "Ave" y que se introduce en muchos cuadros de Anunciaciones)

8J. YARZA: "Jan van Eyck" Hª 16 ("El arte y sus creadores") Madrid 1993 9 En Flandes se trataba de una ceremonia civil, sin presencia de un sacerdote, pero si de testigos. En ella los contrayentes se tomaban las manos y hacían juramento de fidelidad al otro. 10 Fíjate si se llegan a rastrear símbolos: el rito decía que la mano que los esposos debían darse era la derecha, pero aquí una de las manos es izquierda. Se piensa que eso podría ser debido a que tal vez se tratara de una boda entre desiguales.


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• VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN (TABLA 66 x 62. Louvre) Personajes de igual tamaño y frente a frente ("insolencia" casi ofensiva del Canciller). Se ha interpretado como un retrato pre-funerario (el Canciller ha sido admitido en el Paraíso) Arquitectura arcaizante (inspirada en el románico, para Yarza). Capiteles con escenas del Génesis: María como nueva Eva. De todas formas dos tonos de fondo diferentes para las dos figuras

• POLÍPTICO DE SAN BAVÓN DE GANTE Es la mayor obra de Van Eyck (385 x 516 con las alas abiertas), firmada y fechada. En ella aparece una inscripción en la que se hace referencia a su hermano Hubert, que pudo realizar las tablas en las que aparece Dios Padre, la Virgen y el Bautista. Fue el encargo del rico comerciante y burgomaestre de Gante (Joos Vijd y su mujer, que aparecen retratados en el exterior) para su capilla en la catedral de Gante. Se mostraba cerado en los días de diario y abierto los domingos y festividades, por lo que casi podría hablarse de dos obras diferentes, y estaba formado por 24 tablas de las que una fue robada en 1934


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ROGIER VAN DER WEYDEN, establecido en Bruselas, representa otra línea de trabajo dentro de unos mismos esquemas técnicos. Frente al carácter intelectual de Van Eyck defiende la necesidad de plasmar la intensidad del sentimiento, frente a la tridimensionalidad es capaz de emplear fondos planos ("Descendimiento" del Prado11) y frente a la tabla de pequeño tamaño realiza, en ocasiones, figuras de tamaño casi natural. No tan alabado por sus contemporáneos, sintonizó mejor con el gusto popular lo que hace que sus planteamientos se difundan de una manera más clara y que sus obras presenten esquemas muy repetidos por autores extranjeros a los que cautivó. Así, su "Piedad" del Prado sirve, de manera no discutible, como referencia a la obra del mismo tema de Fernando Gallego.

11 Posiblemente sea la tabla central de un retablo encargado por los ballesteros de Lovaina (se observan unas pequeñas ballestas en los ángulos superiores recordando dicho encargo). En ella intenta dar una gran sensación de escultura (observa como pinta una tracería falsa de madera en la parte superior que parece crear la idea de que las diez figuras están en un nicho) recortándose los cuerpos sobre un fondo liso. Las figuras son de tamaño natural, con clara referencia al natural en los rostros. En la composición se establece un carácter paralelo entre el cuerpo de Cristo (dolor físico) y María desmayada (dolor espiritual), acentuándose el efecto dramático con un uso agrio del color. Todo ello facilita el contacto con el gusto popular. Acabó formando parte de la colección de Felipe II


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HUGO VAN DER GOES es considerado el tercer gran creador de la pintura flamenca del siglo XV. Hábil “captador” de tipos individuales, a los que integra en sabias composiciones, fue el autor del llamado “Tríptico de la Adoración de los pastores”, comprado por los Medicis florentinos. Su simbolismo, el atractivo de sus figuras, la delicadeza de su color,… impactó en la Florencia del Quattrocento e incluso algunos autores (por ejemplo Ghirlandaio) se inspiran en sus figuras al realizar alguna de sus obras.

Junto a ellos, otros autores (el misterioso Robert Campin, al que se identifica con el Maestro de Flemalle, y se considera maestro de Van der Weyden; Hans Memling, de origen alemán y establecido en Brujas; Petrus Christus y Dieric Bouts, discípulos de Rogier Van der Weyden; …) satisfacen las necesidades artísticas de la región e inundan el mercado europeo de obras de gran categoría.

Su trabajo influyó en toda Europa, no siendo ajenos los reinos españoles a esas influencias, que empiezan a observarse la 2ª mitad del siglo XV y se mantienen hasta la llegada del Renacimiento, bien entrado el siglo siguiente (pintura hispanoflamenca). Así, artistas como Lluis Dalmau en Cataluña, Bartolomé Bermejo en Aragón o, en Castilla, Fernando Gallego y Pedro Berruguete reflejan en sus tablas el conocimiento de las técnicas y características flamencas, que adaptan al gusto peninsular.

2.2.1. LA PINTURA HISPANO-FLAMENCA Las características de la pintura flamenca llegan a los reinos españoles durante la 2ª mitad del siglo XV, manteniéndose hasta la llegada del Renacimiento, bien entrado el siglo siguiente. La llegada de estas características se produce en principio como consecuencia de la importación de obras flamencas

12 o del contrato de artistas extranjeros

13, hechos de los que nos hablan

documentos referidos a las ferias de Medina del Campo. Obras de Van Eyck, Van der Weyden, Memling, ... debieron ser vendidas aquí, y se conoce que la reina Isabel tuvo algunas de ellas en

12El retablo de Los Dolores de María, de comienzos del XVI y que aparece en el trascoro de la Catedral de Palencia, es obra del flamenco Jan Joest de Haarlem, y fue comprado allá por el obispo Rodríguez Fonseca., embajador extraordinario, que aparece retratado en la tabla mayor. 13Es el caso de Juan de Flandes, formado en su tierra y que trabajó en Castilla como pintor de la reina Isabel y, posteriormente, realizador de importantes polípticos. Puedes contemplar sus tablas formando parte del retablo de la Capilla Mayor de nuestra Catedral, donde insiste en el tema de la Pasión y muerte de Cristo. También el retablo de San Lázaro (hoy repartido entre el Prado y Washington fue obra suya). Murió en Palencia en torno al 1519.


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su colección de pintura14

. También se ha documentado un viaje de Jan van Eyck a la península (1428), atreviéndose J.J.Martín González a trazar su itinerario que visitaría Valencia, Portugal y Galicia. Sus rasgos son progresivamente aceptados por artistas peninsulares que, una vez aprendida la técnica al óleo, los modifican de manera lenta para ajustarse a las necesidades y gustos de los clientes castellanos ( en Cataluña la importancia del gótico internacional fue mucho mayor y limitó el desarrollo de este estilo). Así, podemos indicar que: • no se renunció nunca a la técnica al temple, que aparece en algunas ocasiones aunque

complementada con retoques al óleo. Igualmente la paleta se ve reducida (hay un mayor gusto por los ocres y castaños) y no se utilizan colores tan brillantes como en Flandes.

• se rechazó del miniaturismo flamenco, así como de su exagerada preocupación por la perspectiva.

• las obras de pequeño tamaño dejan paso a tablas de formato mucho mayor, con personajes que llegan al tamaño natural y que destacan, en primer plano, por su volumen y monumentalidad

• se sustituyen los tipos físicos norteños por otros mucho más cercanos a los hombres y mujeres del sur, pero sin embargo los paisajes siguen recordando los de aquellas obras importadas (lagos, zonas de bosque, paisajes urbanos de casas con piñones y múltiples torres, ...)

• Para F.Checa15 es una característica muy importante también, la referencia (más que a Van Eyck) a los artistas más expresivos y patéticos (Van der Weyden) perfectamente acordes con la forma de sentir y la tradición peninsular.

Entre los autores más destacados destaca en Cataluña LLUIS DALMAU, autor de la "Verge del Consellers"

16, claramente dependiente de modelos de Van Eyck, conocidos en un viaje realizado

14 años antes a Flandes, o JAUME HUGUET, que pinta para los gremios de Barcelona imágenes de santos. En Castilla son autores destacados FERNANDO GALLEGO, tal vez formado en Flandes, y autor de numerosos retablos de gran éxito entre el pueblo debido a su expresivismo; y PEDRO BERRUGUETE (nacido en 1450 en Paredes de Nava) que, tras una larga estancia en Urbino (donde retrata al propio duque Federico de Montefeltro) vuelve a su tierra y realiza obras en las que no renunció nunca a su formación flamenca ("Anunciación" de la Cartuja de Miraflores, "Decapitación del Bautista" para la iglesia de Sta. Mª del Campo de Burgos, o "Reyes de la Casa de Israel" de la predela del retablo de Paredes de Nava).

14Su padre Juan II donó un tríptico de Van der Weyden a la Cartuja de Miraflores, y ella hace lo mismo con otras obras del pintor a la Capilla Real de Granada. 15Op.. Cit. pag 20 16En 1445 la fecha F.CHECA: "Pintura y escultura del Renacimiento en España 1450/1600" ED CÁTEDRA Madrid 1983

Tema 07- Escultura y Pintura Gótica

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