TÉCNICAS DE PINTURA AL ÓLEO

A un nivel básico, existen dos tipos de pintura al óleo: las obras cuidadosamente concebidas, que se elaboran trabajosa y lentamente con muchas capas sucesivas de pintura y la pintura directa donde la pintura es aplicada libremente utilizando capas gruesas de colores que tapan o modifican lo que haya debajo. La clave de este método es la capacidad de aplicar la pintura rápidamente y con confianza.

También tenemos variedad de modos de ayudarnos a pintar:

- Veladuras. El óleo es un medio excelente para aplicar capas delgadas de pintura transparente, o veladuras. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando dos colores. La pintura debe estar muy diluida con un medio adecuado, quizá trementina.

- Impasto. La pintura espesa, aplicada masivamente con pincel o espátula, se llama impasto. Esta técnica suele emplearse para crear textura y dar al cuadro una calidad tridimensional.

Restregado. Se trata de aplicar pintura de manera irregular para que parte de la capa inferior siga viéndose.

- Húmedo sobre húmedo. Se trata de pintar sobre una capa de pintura aún húmeda, para lograr algún efecto o para fundir los colores unos con otros. Los colores deben estar mezclados con el mismo medio.

- Frotado. Pueden crearse efectos de rica textura irregular con la técnica del frotado. Se aplica al lienzo una mancha de color

y se la cubre con una superficie no absorbente, como papel satinado. Se frota el papel y después se quita con cuidado.

APLICACIÓN DE LOS COLORES

Los colores al óleo son pastosos y aceitosos y vienen en tubos; existe una variada gama de colores siendo los mas importantes el rojo, azul y amarillo de los cuales se pueden obtener mezclas sorprendentes. El blanco es un color muy utilizado, incluso el negro

Los pinceles suelen ser sintéticos aunque se utilizan más los de pelo de cerdo. Y las espátulas también es bueno tenerlas, tanto para mezclar los colores en la paleta como para pintar con ellas.

Se pinta la primera capa bastante diluida, en esencia de trementina (o aguarrás) y las posteriores mezclada con un poco de trementina y aceite de linaza, si es necesario.

El secado es bastante lento, por lo que hay que esperar entre sesión y sesión y, esperar unos cuantos días para que la pintura se seque por completo.

EL CABALLETE

Para poder pintar, es necesario que contemos con una serie de materiales de pintura, uno de ellos sería el caballete. La función principal de un caballete es sujetar firmemente y en una posición adecuada, el lienzo, tabla u otro soporte para pintar. En la pintura al óleo es casi imprescindible.

Los caballetes pueden ser de diferentes formas, materiales y tamaños. Los más comunes son:

El Caballete de trípode: Es el más utilizado. Tienen poco peso, se pueden plegar y guardar. Existen diferentes modelos dependiendo de su tamaño y terminación. Casi todos ellos permiten regular la altura y fijar el lienzo, para que podamos trabajar cómodamente.

El Caballete de estudio: No es el caballete de uso más habitual, lo utilizan los pintores más exigentes. Son mucho más pesados que los de trípode por lo que se utilizan generalmente cuando tenemos un lugar en el que podamos dejarlo fijo. Estos caballetes son mas estables y nos permiten mayor regulación de altura del lienzo. Un caballete de este tipo es una inversión para toda la vida.

El Caballete de campaña: Se llama así porque se utiliza para pintar en espacios abiertos, por lo que es ligero de peso y de tamaño reducido, su principal problema es que es muy inestable.

El Caballete de sobremesa: Existen varios modelos, lo emplean sobre todo las personas que no pueden o no quieren pintar de pie, se apoya en una mesa y puedes llegar al lienzo sentado

LOS DISOLVENTES DEL ÓLEO

En la pintura al óleo se emplean disolventes y aglutinantes: aceites grasos, esencias y resinas que facilitan el secado de los aceites.

Entre los aceites grasos vegetales debe destacarse el de linaza, obtenido de las semillas del lino, es el aceite más secante. También el aceite de nueces, que se consigue por prensado de nueces maduras, y el de adormidera, prensado de las semillas de adormidera blanca.

Las esencias no dejan rastro, ya que evaporan absolutamente y proporcionan delgadas películas de color; entre las de origen vegetal destaca la esencia de trementina.

Por ultimo, las resinas pueden ser duras, como el copal y el ámbar, y blandas entre las que destacan la almáciga o mastix y la dammar.

TIPOS DE PINCELES

1 De punta redonda: este pincel se elabora sólo a partir de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.

2 y 3 Script liners: Se utilizan para pintar líneas largas y delgadas o puntos. Como tienen las cerdas muy largas, sólo pueden manejar pintura muy ligera.

4 Brocha para limpiar o mopa: Se utiliza para matizar y suavizar.

5 Abombado y 6 Abombado grande: Ambos son de pelo de cerda. Los pinceles abombados tienen el borde arquedos creando una particular marca ovalada al final del trazo.

7 Lengua de gato y 8 Lengua de gato grande: Son planos con la punta redondeada. Manejan muy bien la pintura espesa, se utilizan tanto para lograr pequeñas pinceladas, como para cubrir espacios.

9 Cuadrado: o GUSSOW, toma el nombre del pintor alemán, se trata de un pincel plano con un extremo recto. La longitud del pelo y su anchura es similar.

10 Plano y 11 plano ancho: Tienen cerdas más largas que los cuadrados, son más flexibles y pueden hacer líneas moduladas. Son muy fáciles de manejar.

11 Pincel plano en punta: Se usa para hacer detalles.

12 Pincel de abanico: Se utiliza para hacer una transición cromática uniforme. También se utiliza para difuminar.

CUIDADO DE LOS PINCELES

Uno de los instrumentos para crear grandes obras de arte aparte de tu imaginación, son los pinceles, este elemento básico es tan importante como el mismo lienzo, deberemos tener mucho cuidado al limpiarlos para mantenerlos en óptimas condiciones y es importantes conocer que tipo de pincel y de que material deberán estar hecho para darle el efecto que necesitamos en nuestra pintura.

Limpieza y Mantenimiento de los Pinceles de Pelo Natural

Es fundamental mantener húmedo el pincel, con el medio correspondiente a la técnica utilizada, para evitar que la pintura seque y arruine completamente el haz de pelo. Mientras se trabaja evitar dejarlos con la punta hacia abajo para no deformar la punta.

Lavarlos inmediatamente después de haber terminado el trabajo.

Para lavar pinceles utilizados con oleo, remover la mayor cantidad de pigmento con un pedazo de tela o papel absorbente, presionando desde la virola hasta la punta del pelo.

Después, utilizar el disolvente: esencia de trementina o aguarrás en el caso de óleo.

Lavar con jabón neutro y agua tibia hasta eliminar todo rastro de pintura.

Aclararlos con agua limpia y sacudirlos.

IMPORTANTE: Luego del lavado vuelva a formar con los dedos la punta para mantener la forma del pincel. Dejar secar horizontalmente o bien, colocarlos en un recipiente con los pelos hacia arriba, no utilizar secador de pelo ya que dañará las fibras. Una vez secos, guardarlos en el portapinceles.

RECOMENDACIONES

* No es recomendable usar alternativamente un pincel para acuarela y luego para acrílico u oleo ya que el pelo se deteriorara rápidamente.

* No deje los pinceles sumergidos en disolvente por mucho tiempo ya que con el tiempo el mango se deteriorara y se deformara la punta.

* Antes de guardar los pinceles compruebe que el pelo este seco.

* Si conoce de antemano que va a emplear los pinceles al día siguiente o en unas horas, si hace una parada para descansar, es recomendable que guarde los pinceles, incluso sin limpiar, en una bolsa de plástico y la cierre bien, pera evitar que el aire reseque la pintura.

TIPS O CONSEJOS PARA PINTAR AL ÓLEO

1: Es preferible antes de dibujar en el lienzo dibujar en un papel, una vez listo el dibujo lo puede pasar al lienzo así se evita las correcciones que pueden ensuciar el lienzo.

2:La proporción de disolvente ( aceite o trementina) debería ir aumentando subsecuentemente capa tras capa, porque las primeras capas adsorben aceite de

las capas superiores y si las capas superiores secan más rápido que las inferiores entonces la pintura se craquéela.

3: Tratar de evitar el uso de aceite de linaza cuando se pinte colores claros como blanco y celeste por que el aceite tiñe tendencia a amarillear los colores, oleo puro ( sin disolvente) es lo recomendado para los colores claros.

4: Para crear la ilusión de distancia en tus pinturas pinta los colores más lejanos con colores menos intensos y tonos fríos, los objetos más cercanos con colores más cálidos y más intensos.

5:Cuando tú empiezas una pintura al oleo puede tomar un tiempo hasta esperar el secado de la primera capa, podrías empezar la pintura con acrílico, que seca más rápido y te puede ahorrar tiempo y una vez seco el acrílico la pintura al óleo puede ser aplicada.

6: Dibujar algo con las proporciones correctas. Proporción, es simplemente el tamaño de un objeto en relación con otros objetos a su alrededor. La forma más fácil de conseguir una buena proporción es aprender a medir. Algunos artistas sostienen un lápiz o su pincel, así pueden manejar y estimar la distancia de esa manera, mientras que otros utilizan visores con marcas en los lados.

7: Si el óleo con el que estás trabajando tiene mucho aceite, puedes echar óleo sobre papel periódico, cuando este absorba el aceite puedes poner el óleo en tu paleta.

8: Los colores cambian según el fondo sobre el que se está pintado. El color naranja es distinto en un fondo blanco que en uno azul. Una pincelada amarilla sobre un fondo rojo es otra que en uno blanco. Azul sobre amarillo naranja da un tinte mucho más cálido que azul sobre blanco puedes probar en partes de un lienzo aplicando colores cálidos y fríos como base y después aplicando los colores opuestos.

9: Es preferible mezclar el color en cantidad reducida de tal manera que conforme se va pintando, se obtienen pequeñas variaciones en los tonos de los colores deseados.

10: El óleo es un material excelente para aplicar capas transparentes de pintura, también llamadas veladuras. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando los dos colores. La luz que atraviesa la capa transparente y se refleja en el color opaco que hay debajo produce una profundidad y luminosidad especial.

11 Se debe tener en cuenta que las luces y las sombras se diferencian por su tono cálido o frio, si las luces son cálidas entonces las sombras son frías y viceversa.

12: Tome un circulo cromático estándar, ahora vea el color del objeto en su pintura del que usted desea crear una sombra. Encuentra el color más cercano a él en el círculo cromático, ahora, busca directamente a través del circulo cromático el color "complementario" del color que usted está usando.

Mezclar este color complementario que encontró con el color del objeto. Usted notará que aparece un valor ligeramente más oscuro de su color . Puede ajustar el valor al añadir más complementario.

Toma un poco de práctica, pero no es difícil. Puede mezclarlo en la paleta, o incluso directo en el lienzo y ajustar el color.

13: Es preferible empezar a pintar una figura en medios tonos para posteriormente aplicar las sombras y las luces al mismo tiempo para definir la forma y el volumen de la figura.

14: Un aspecto importante de la pintura al oleo es aprender a controlar tus pinceles, sin buen control de los pinceles y técnica, la efectividad como pintor quedara limitada.

15: Cuando tu pintura este terminada espera unas dos semanas y retorna a ella para volver aplicar luces, ya que en la pintura al óleo las luces necesitan más capas que el resto de los colores.

16: Prueba mirando tu pintura a través de un espejo te aseguro que descubrirás detalles y errores que posiblemente no los has visto a simple vista. Usa esta técnica cuando tengas el dibujo terminado, antes de aplicar oleo.

17: Si cometes un error pintando y la pintura está fresca no intentes cubrir con más oleo el error, es preferible retirar el óleo de esa zona con una espátula, y volver a pintar encima.

18: Una manera de trabajar el color piel, es empezar a pintar el cuerpo con un tono verde agrisado dándole volumen , cuando esté terminado y seco se aplica color piel en veladuras para lograr una piel transparente.

19: Si vas a pintar al aire libre sería conveniente que adelantaras la obra con un color general dependiendo si vas a pintar una escena marina o un paisaje, pinta el lienzo con el color predominante, si es una marina podría ser celeste , si es un paisaje podría ser verde.

20: Si estas tratando de hacer una pintura hiperrealista , vas a necesitar una gran variedad de tamaños y tipos de pinceles que hay en el mercado. Es imposible pintar cada aspecto de una pintura hiperrealista sin el pincel exacto necesario para el trabajo.

21: Para aclarar el tono de la piel de una pintura sin volver a empastar, aplica una veladura de color blanco, espera que seque bien por lo menos dos semanas, y vuelve a aplicar las sombras y las luces solo con veladuras , al final veras la piel quedará más clara.

22: Si prefieres conseguir colores sin mezclarlos en la paleta, los puedes conseguir con veladuras (capas transparentes de oleo), por ejemplo sobre un fondo azul le aplicas rojo y conseguirás un violeta, puedes variar el tono de violeta aplicando mas veladuras de rojo, por supuesto que debes tener paciencia con esta técnica ya que cada capa debe estar totalmente seca para aplicar la próxima.

FORMATOS DEL LIENZO

El formato de un cuadro, el tamaño que tiene, es lo que se llama el plano básico, donde se contienen todos los demás elementos visuales. Todo plano tiene unos límites y una forma determinada que va a influir en la propia obra, con unas u otras sensaciones añadidas. Sobretodo por las direcciones visuales que mueven la vista del espectador.

Normalmente determinamos un formato en altura y anchura, con lo que diferenciamos formato vertical, cuadrado y horizontal o apaisado.

Qué tipo de formato debemos elegir para nuestra pintura, está muy relacionado con la intención, expresividad buscada y en resumen, la propia comunicación que llevaremos a cabo.

Analizando estos tipos de formatos, los estándar y más comunes, podemos desarrollar una serie de adjetivos para definirlos y entenderlos.

EL FORMATO VERTICAL

Características o expresiones que sugiere: alto, fuerte, activo, joven, tenso, interactivo, dinámico, alegre, fresco, próximo, positivo, ascendente…

Las verticales predominantes en este formato son un elemento inestable, es fácil que esa vertical pueda moverse igual que hace la figura humana. Verticalidad y movimiento están relacionados.

Además, cuando nos enfrentamos como espectadores a un cuadro vertical, nos resulta es más fácil entablar un diálogo intelectual. Buscar sus significados, intentar comprender a sus personajes. Es un impulso más fuerte que reclama atención. Lo que a veces resultará molesto, según la temática.

Es un formato muy utilizado en el retrato, por la verticalidad que tiene una figura humana activa, y ello además, se relaciona muy bien con nuestro propio formato corporal. Y por esta relación con nosotros, también sirve para escenas excitantes, vivificadoras o misteriosas.

EL FORMATO HORIZONTAL O APAISADO

Características o expresiones que sugiere: bajo, estático, pasivo, viejo, relajado, triste, maduro, lejano, estable, conservador, negativo, descendente…

El horizonte presente en este formato por sus límites superior e inferior generan una estabilidad base. Consideramos que aquello que está tumbado en el suelo permanece quieto, inerte y controlable. Pensamos que las horizontales no son fáciles de poner verticales y ello nos relaja, pues no hay que vigilar un movimiento.

Es un formato ideal para paisajes, pues la propia naturaleza es vista con un horizonte, abajo la estabilidad, arriba el aire, lo que fluye, la imaginación.

Sirve muy bien para generar profundidad. Y también expresiones tranquilas, en paz, e incluso, melancolías y tristezas. Tiene más capacidad dramática, reflexión profunda y meditación espiritual.

EL FORMATO CUADRADO

Características o expresiones que sugiere: neutralidad enérgica, ni fuerte ni débil, activo, expansivo, grande, estable, tranquilo, ascendente, sereno, positivo…

El cuadrado es un formato activo porque no existe una horizontal baja en la cual la vista descansa. Pero tampoco es muy activo porque la vertical es corta y se mantiene estable. Genera expansión hacia sus límites por una parte e

introspección hacia su punto centro, donde la vista acude a descansar. Normalmente en este formato la vista busca puntos de apoyo, se mueve mucho por todo el espacio y fluye durante un tiempo hasta que la tendencia natural hace al ojo acabar en el ángulo inferior izquierdo.

EL FORMATO REDONDO

Igual que el punto, el círculo o la esfera, el formato redondo es equilibrado, expansivo y dinámico al mismo tiempo. Es famoso este formato como elemento zen o espiritual, por la concentración que logra.

EL FORMATO TRIANGULAR.

Contiene líneas direccionales que generan en la vista un movimiento hacia fuera, lo que puede ser perjudicial. Normalmente el triangulo puede servir para activar más, crear juegos visuales y formas relacionadas. El triángulo con la base bien asentada en la horizontal contiene en su punta transversal mucha verticalidad que direcciona hacia arriba, por lo que también puede servir para mensajes espirituales, expresiones agudas y angustiosas o protesta.

FORMATOS CON FORMAS PERSONALIZADAS.

Si estas formas están en relación con el contenido y le dan un sentido pueden potenciar muy bien el propio contenido e incluso se puede crear una armonía visual correcta. La imaginación nos permite crear de otras formas y convertir las paredes en los lienzos finales, con sus consecuentes límites verticales y horizontales.

COLORES Y NOCIONES

Métodos para pintar los hay muchos. Todos valen si se practican con entero conocimiento. La técnica pictórica es más bien sencilla. El que tiene un don natural puede practicarla fácilmente obteniendo buenos resultados.

Conseguir muchos colores con pocos tubos es ideal. No aplique en el lienzo ningún color sin mezclarlo. Se mezcla el color en cantidad muy reducida de tal

manera que continuamente se forman nuevos tonos. Estos tintes difieren siempre de suerte que se obtienen variaciones en la misma paleta de colores.

La pintura se mezcla en el centro de la paleta. Si se necesita otro matiz de color, se pone la nueva pintura al lado de la parte ya mezclada. Entonces se mezcla poco a poco en la dirección de la mixtura ya hecha. Cada vez que se prepara un nuevo tinte, se trabaja dirigiéndose hacia la mixtura anterior. Así se consigue una rica paleta con muchos matices de tonos.

Un lienzo que se empieza pide poca pintura. En efecto, si la capa de imprimación se aplica espesa, no se podría poner otra capa antes de que se secara la primera, lo que haría imposible la continuación del trabajo. Al principio se emplea un pincel plano y ancho de 3 a 7 centímetros de cerda blanca o cerdas de jabalí. El color se diluye con "médium" o esencia de trementina durante la primera capa luego el color se aplica sin diluir, se puede diluir sólo si se usan pinceles finos o y oo. En este caso, se emplea la pintura como tinta, para pintar por ejemplo ramas de árboles, tallos de hierba o heno. Importa también saber que las propiedades de algunas materias colorantes no admiten manipulación errónea.

Así el blanco de zinc no se destiñe, sino tiende a requebrarse. El blanco de titanio al contrario es elástico, pero se da un tinte amarillo. El blanco de titanio pues conviene para el fondo mientras el blanco de zinc es muy apropiado para las capas superiores. La paleta de colores puede limitarse a los siguientes quince colores:

Azul Sèvres

Ultramarino obscuro (azul)

Tierra de sombra tostada (marrón)

Sienna tostada

Amarillo Nápoles

Cadmio naranja

Verde permanente

Blanco

Verde esmeralda

Tierra de Sienna

Amarillo indio

Cadmio rojo obscuro

Sombra natural

Alizarin Crimson

Negro

Coloque la tela siempre a nivel y perpendicularmente y si pinta en la naturaleza no deje nunca la luz del sol sobre la tela. Se pinta siempre en circunstancias medianas, nunca bajo luz radiante. Si pinta un paisaje, la línea del horizonte no debe encontrarse en el medio del cuadro, sino a 1/3 o 2/3 de la tela. Si al contrario aparecen en la obra árboles altos o casas próximas, el horizonte tiene que estar representado más bajo que en la realidad. De encontrarse el horizonte siempre a la altura de los ojos, un árbol o una casa lo dominaría, pero el mismo árbol o la misma casa no parecerían tener más de dos a tres metros de altura con el horizonte puesto alto. Con cielo obscuro, el paisaje debe ser claro y al revés a cielo claro, corresponde paisaje obscuro. Así se obtiene el contraste indispensable para la autenticidad y el rigor del conjunto. Además todo lo que se encuentre en el fondo tiene que ser pintado indeciso –como perfiles vagos- tanto en forma como en color. De tal manera se podrá conseguir perspectiva dentro de un paisaje. El primer plano tiene que formar contraste: una pradera en primer plano puede representarse muy obscura en lo bajo del cuadro con una parte de arriba verde clara. En una palabra: mucho contraste en primer plano, poco en el fondo. Es muy bueno saber que el color cambia según el fondo sobre el que está pintado.

El tinte naranja es radicalmente otro en un fondo blanco que en uno verde. Una pincelada verde dada en fondo rojo es otra que en uno blanco. Azul sobre amarillo naranja da un tinte mucho más caliente que azul sobre blanco. Puede ponerse siempre una capa (el fondo) roja obscura debajo de todo lo que tiene que representarse verde, como árboles y pastos. El fondo de ladrillos y tejas, se puede pintar verde obscuro y el de los cielos amarillo naranja caliente. Se puede conseguir un buen resultado con un color gris hecho de ultramarino azul, tierra de sombra tostada y blanco. Si una obra se percibe algo pesada, sus bordes se pueden rozar delicadamente con gris puesto seco con una brocha de 7 cm. Lo último que se pone son los puntos luminosos (amarillo napolitano, blanco o naranja) que dan vida al cuadro. Insertar una rayita debajo de un puntito luminoso amplía el efecto. Lo importante es que no todo sea realizado en detalle. En efecto, es fácil que poco a poco se haga monótono y aburrido ver cada día un mismo

conjunto de una tapia cuyos ladrillos se elaboraron minuciosamente. Mejor es pintar nítidamente unos ladrillos y esbozar los otros. El mismo espectador completará la imagen y se imaginará ver todos los ladrillos. El pintor debe resistir a la tentación de querer poner inmediatamente en la tela lo que ve. En primer lugar tiene que estudiar la estructura y observar la disposición del sujeto. Pintar en forma relajada y con paciencia es lo mejor.

COLORES, MEZCLAS, COMBINACIONES

La pintura no se podrá aprender jamás memorizando lo que se lee, nada más lejos de la realidad: si quieres llegar a pintar no tendrás más remedio que llevar a la práctica los consejos que recibas, combinando colores y viendo el comportamiento de dichas combinaciones, viendo los diferentes matices que adquirirá un mismo color, etc...

En el estudio de los colores que te ofrezco aquí abajo, encontrarás para cada uno de ellos unas recomendaciones que te serán muy útiles cuando tengas que trabajar con ese color concreto, fíjate bien en ellas y sobre todo procura practicar con ellos para llegar a comprender cómo funciona cada color. Debes tener en cuenta que nadie podrá decirte nunca el comportamiento exacto y el resultado de una mezcla; sólo la práctica te hará conocer cada color.

BLANCO DE TITANIO

(En pintura al óleo existen tres clases de BLANCO: el de plata, el de zinc y el de titanio).

*Blanco de plata: es más opaco, tiene más cubriente y seca más rápido; nos permitirá pintar de una manera más texturizada pero tiene la desventaja de provocar en algunas circunstancias, agrietamientos o cuarteamiento.

*Blanco de zinc: es el más transparente y fluido de los tres, pero tiene un secado muy lento que podría influir en la ejecución de una obra.

*Blanco de titanio: tiene una composición intermedia, que le hace ser más usado que los anteriores.

El blanco es muy usado en cualquier tipo de pintura opaca como el óleo o la témpera pues interviene en una gran parte de las mezclas, es por ello que se

recomiendan que los tubos sean de un tamaño mucho mayor que cualquier otro color.

** AMARILLO CADMIO LIMÓN

(Es el color más claro del grupo de los amarillos, siendo además el AMARILLO BÁSICO PRIMARIO y con una calidad fría, teniendo además una ligera tendencia verdosa).

-Hay que tener en cuenta que es un color opaco que restará transparencia en las mezclas y además tiene un secado bastante lento.

-Al mezclarlo con blanco (para aclararlo) presentará unos tonos muy limitados y bastante apagados.

-Si mezclamos este amarillo con blanco, ocre y rojo podremos obtener una gama muy extensa y bonita de COLORES CARNE.

-Mezclado con los rojos, obtendremos unos naranjas brillantes pero habrá que tener muy controlada la adición del rojo porque es muy fácil pasarse; debemos tener en cuenta que un naranja llevará siempre mucho amarillo y una ínfima parte de rojo.

-Con los azules, el amarillo limón conseguirá una espléndida y luminosa variedad de verdes (claros, brillantes...).

TENER MUY EN CUENTA QUE:

*Al mezclar amarillo (sea limón o de cadmio) con los azules cobalto y ultramar, los verdes resultantes serán "agrisados" por ser los azules en cierto modo complementarios de los amarillos y siguiendo por tanto la norma de que "dos complementarios, al mezclarse entre sí darán negro".

*Como consecuencia de lo anterior, los verdes más auténticos se conseguirán con el amarillo limón mezclado con el azul de Prusia, y con el verde esmeralda.

** AMARILLO CADMIO MEDIO

(Si lo comparamos con el limón, es más oscuro y con un matiz claramente anaranjado; se trata de un color bastante opaco y estable a la luz).

-Para aclararlo deberíamos usar el amarillo limón y el blanco.

-Por su propia naturaleza conferirá un matiz cálido a todas las mezclas --una tendencia anaranjada--.

-Si lo mezclamos con rojos restará brillantez a los naranjas obtenidos, especialmente al ser mezclado con carmín de garanza.

-En las mezclas con azules y con verde esmeralda, comprobaremos que los verdes que obtengamos son mas "parduscos" que con amarillo limón.

TENER MUY EN CUENTA:

*Para "iluminar" usaremos amarillo limón, y para "oscurecer, dorar" el cadmio medio.

*Para lograr verdes claros, brillantes, deberemos usar el limón, mientras que para poder obtener "verdes dorados, vejiga" recurriremos al cadmio medio.

** OCRE AMARILLO

(Este color aunque pertenece al grupo de los amarillos, es un color de tierra).

-Se trata de un color "quebrado" que podríamos obtener a base de mucho amarillo, un poco de carmín y casi nada de azul.

-Es más oscuro que los dos amarillos anteriores y con tendencia claramente dorada.

-Color muy opaco y bastante estable a la luz.Lo podemos aclarar con cualquiera de los amarillos y blanco.

-Como color quebrado que es tendrá tendencia a ensuciar los colores en las mezclas, pero así y todo es indispensable usarlo para poder armonizar el entorno.

-Al mezclarlo con rojo o carmín obtendremos una gama de tierras y sienas que serán de suma importancia en cualquier paleta.

-Con verde esmeralda y azul de Prusia se obtienen verdes "parduscos" pero luminosos, y con azul cobalto y ultramar los verdes serán pardos y agrisados.

** TIERRA SIENA TOSTADA

(Se trata de un color rojo de tierra, y lo calificamos de "quebrado" al que podremos recomponer con amarillo limón y carmín de garanza mezclados casi a partes iguales y muy poquito de azul de Prusia).

-Deduciremos de lo anterior que en cualquier mezcla en que intervenga, aportará su parte de amarillo, de carmín y de azul y en consecuencia los colores obtenidos deberán ser necesariamente también "quebrados".

-Lo podremos aclarar con amarillos, ocre y blanco.

-Si le añadimos blanco con cuidado obtendremos bonitos colores salmón.

-También obtendremos una gran riqueza de grises al meclarlo con verde esmeralda y con azules.

-Al mezclarlo con verde esmeralda (su complementario) dará un "casi negro" muy adecuado para grandes zonas oscuras de vegetación.

TENER MUY EN CUENTA:

*Se pueden obtener grises en una gama muy amplia al mezclarlo con azules y añadiendo algo de blanco, grises que serán necesarios para pintar sombras en aquellas zonas que no sean completamente negras.

** TIERRA SOMBRA TOSTADA

(Como sabemos se trata de un color de tierra, de los más oscuros, y se trata de un color quebrado que podríamos obtener a base de mucho carmín, menos amarillo y un poco de azul).

-Lo podemos aclarar a base de amarillos, el ocre, el rojo y el blanco.

-Es muy transparente y tiende al ennegrecimiento, así que deberíamos usarlo en muy pequeñas cantidades.

-Seca muy rápido y no sería prudente usarlo en capas gruesas

TENER MUY EN CUENTA:

*Al mezclarlo con blanco dá un gris tostado muy particular que deberías estudiar.

*Con amarillo y blanco dará unos particulares verdes oliva amarillentos muy útiles.

*No deberá faltar en la paleta, por cuanto es imprescindible para obtener "negros", y para romper estridencias, siendo el color fabricante de grises por excelencia.

*Pero cuidado, porque usado en forma inexperta puede ser un peligro debido a su poder de agrisarlo todo, pero una vez nos familiaricemos con él será imprescindible.

*Podremos componer con él un NEGRO PERFECTO a base de esta combinación:

Tierra sombra tostada + carmín + azul de Prusia = NEGRO, al que además le podremos dar otra tendencia azulada o morada, sin más que cambiar las cantidades de cada color que interviene en la mezcla.

** ROJO DE CADMIO

(Es un color semitransparente y bastante estable a la luz, y es más claro que el carmín de garanza.-Se puede aclarar con amarillos y blanco).

-Es el color más adecuado cuando queramos representar un rojo claro.

-Es muy característico el rosa que obtendremos cuando lo rebajemos con blanco.

-Con él podremos obtener unos bonitos "rojos teja" mezclándolo con los tierra, ocre y siena, y dará unos perfectos naranjas al mezclarlo con los amarillos.

TENER EN CUENTA:

*En sus mezclas con verdes y azules, el resultado es muy importante para sombrear.

*Se obtendrán violetas y morados en sus mezclas con azules, pero tienen tendencia a ser menos limpios que con carmín de garanza.

** CARMÍN DE GARANZA

(El carmín de garanza puede considerarse uno de los colores primarios (básicos), y es un rojo con tendencia azulada, muy transparente y estable a la luz).

Lo podremos aclarar con amarillos, rojo de cadmio y blanco.Es el más adecuado para representar el rojo oscuro.

Si lo mezclamos con mucho blanco, produce un rosa muy característico limpio y muy luminoso.

Si lo mezclamos con los amarillos dará rojos algo anaranjados, más con el de cadmio.

No deberá faltar en cualquier paleta, como primario que es y por tanto generador de secundarios, terciarios...

Mezclado con amarillos y algo de blanco, producirá una variada gama de "colores carne", cremas y anaranjados.

TENER EN CUENTA:

*Se pueden obtener con él "negros profundos" al mezclarlo con tierra sombra tostada y con verde esmeralda, negros que podremos influenciar dándole una

tendencia al carmín, al verde o al pardo sin más que variar las proporciones en las mezclas.

*Los morados y violetas (en su mezcla con azules y un mínimo de blanco)serán más limpios que con el rojo de cadmio, y serán adecuados para pintar sombras transparentes.

**Mezclando con azul de Prusia obtendremos un violeta "casi negro", causa sin duda de la ley de complementarios (pues el Prusia tiene algo de verde y éste es complementario del carmín).

** VERDE PERMANENTE

(Se le puede definir como un verde claro y luminoso con una tendencia menos azulada que el verde esmeralda.-Color semiopaco con buena resistencia a la luz).

-Lo aclararemos con amarillos, ocre y blanco; al mezclarlo con mucho blanco nos dará un bonito tono verde pastel bastante limpio y vivo.

-Al tener algo de tendencia cálida, es generador de verdes amarillos calientes al mezclarlo con ellos.

-Con ambos rojos generará colores oscuros debido como sabemos a su grado de complementariedad.

-En todas las mezclas con tierras rojizos, se producirán tierras más tostados.

-Y con los azules obtendremos "verde-azules" muy oscuros, sobre todo con el Prusia.

** VERDE ESMERALDA

(Es un verde de tendencia azulada que podremos calificar como "terciario", un verde muy frio y muy transparente.-Podremos comprobar su tendencia azulada al mezclarlo con el blanco).

-Con amarillo limón obtendremos un verde limpio y frío mientras que con el cadmio su tendencia será más cálida.

-Si lo mezclamos con ocre, obtendremos un verde oliva, y con siena tostada el verde será muy oscuro.

-Servirá para oscurecer los rojos, hasta el punto de obtener un negro si queremos.

-Obtendremos un precioso verde al mezclarlo con azul cobalto, mientras que con los otros azules, resultarán verdes oscuros, especialmente con Prusia (también con ultramar).

TENER EN CUENTA:

*Es imprescindible en la paleta, tan necesario como cualquiera de los primarios.

*Obtendremos un verde pálido pero con una gran calidad lumínica si mezclamos verde con blanco y al resultado le añadimos amarillo limón.

*Y podremos obtener cualquier verde imaginable al mezclarlo con azules y blanco en la proporción correcta, añadiendo al resultado uno de los amarillos.

*Es el color ideal para participar en las sombras, tanto claras como oscuras, para hacerlas más transparentes.

*En teoría podría ser el único verde en la paleta, ya que con él podríamos obtener todos los verdes posibles.Claro que para ello hay que dominar la paleta.

** AZUL ULTRAMAR

(Lo podremos incorporar al grupo de los terciarios; es un azul violáceo con tendencia acarminada, bastante transparente y resistente a la luz).

-Es ideal para representar el azul oscuro del cielo, por su tendencia violácea.

-Si lo mezclamos con bastante blanco se obtiene un azul claro caliente y acarminado.

-Fácilmente se deduce que será ideal para pintar sombras opacas, oscuras.

** AZUL COBALTO

(Es el auténtico azul, un azul neutro con tendencia más fría que el ultramar y más cálida que el Prusia.Con mucho blanco obtendremos un azul muy luminoso).

-Sirve para aclarar los otros azules y su potencia de tinte es menos que los otros.

-Con siena y sombra produce unos colores tierra y vino de gran interés.

-Ideal para intervenir en cualquier sombra por su tendencia neutra, haciéndolas luminosas y transparentes.

-Oscurece los rojos, especialmente el garanza.

** AZUL DE PRUSIA

(Es un azul frío con una clara tendencia verdosa, de gran transparencia pero sensible a la luz)

-Es muy potente en tinción, por lo que hay que tener mucho cuidado en su uso y hacer siempre pruebas aparte porque con facilidad estropearemos una mezcla en cuanto nos pasemos lo más mínimo con él, ya no habrá vuelta atrás.

-Es muy característico el azul obtenido en su mezcla con blanco.

-Obtendremos verdes oscuros pero limpios con los amarillos.-Y a medida que añadamos ocre, sienas o sombras el verde será cada vez más profundo pero siempre limpios.

-Y con los rojos obtendremos unos pseudonegros interesantes.

-Podremos decir sin duda que aunque es capaz de invadir cualquier otro color, si lo usamos en su medida justa nos procurará muchas satisfacciones por generar unos matices muy transparentes siempre. En definitiva: nunca abusar de él.

** NEGRO

(Y llegamos al negro, el tan debatido color ¿usarlo?, ¿no usarlo?. Muchos artistas han llegado a desterrarlo de sus paletas y usan como sustituto el Gris de Payne: un gris oscuro muy válido).

-¿Para qué usar el negro si podremos nosotros fabricarnos "nuestro negro" para cada ocasión?.

Fíjate en lo siguiente:

*1/ tierra sombra tostada+carmin garanza+verde esmeralda,

*2/ tierra sombra tostada+carmin garanza+azul de Prusia,

*3/ tierra sombra tostada+azules,

*4/ tierra siena tostada+verdes,

*5/ verde esmeralda+rojos,etc.......

-Todas estas mezclas nos producirán unos negros limpios y óptimos para cada ocasión, por ejemplo la oscuridad verde de un árbol frondoso, no se crea con verde más negro, sería un verde esmeralda con siena tostada, e incluso sombra tostada, e incluso(más oscuro aún) con carmin de garanza y tendríamos un verde oscuro creíble y acorde con el entorno.

Ten siempre en cuenta que en la naturaleza no encontraremos nunca el negro-negro, sino que serán "negros" influenciados por el entorno; se tratará por tanto de ver qué tipo de negro necesitamos en cada ocasión, y crearlo a nuestra medida.

BASTIDOR Y LIENZO

Una forma de explicar cómo armar un bastidor por nuestra cuenta, en vez de ir a comprar uno ya armado y listo para utilizar es la siguiente:

1. En la maderera debemos revisar muy bien los listones de madera, las medidas y tipos de madera para encontrar los más rectos, cosa que después no quede arqueado el bastidor. Se compran los listones de acuerdo al tamaño del bastidor que deseamos.

2. La tela puede ser: mezcla de algodón y rayón imprimado, dril de algodón, lona, lienzo de lino, y tela de algodón y yute. Las más comunes son el lino y la lona.

3. Los listones se cortan para que me queden del tamaño deseado, las esquinas se cortan a 45° para que encastren parejo, se pegan con cola de carpintero y se engrampan o clavan. Si el bastidor es grande se le ponen esquineros y travesaños. También queda la opción de comprarlos ya armados y del tamaño deseado.

4. Ya con el bastidor armado, extender la tela y sobre ésta el marco. Se empieza primero por el centro de un lado, se engrampa luego el lado opuesto para tensar la tela. O sea, Norte y Sur, y después Este y Oeste, y así sucesivamente del centro hacia los costados. No la tense demasiado porque después al curarla se reduce 10% apróx.

5. Se prepara la tela para pintar. Se arma una mezcla de: tiza en polvo, cola y látex. Estos tres en iguales medidas. Calculan más o menos cuánto les parece que van a utilizar, pero no hagan mucho porque si les sobra y no tienen donde utilizarlo, se endurece y no sirve. También se puede pintar la tela con pintura de pared: latex acrílico satinado.

6. Una vez seco, se lija muy suavemente para emparejarlo. El lienzo queda listo para empezar a crear y pintar.

CÓMO DAR TEXTURA AL ÓLEO

Se puede dar textura aplicando con espátula el óleo conforme sale del tubo, pero si se quiere aumentar el texturado se puede experimentar con otros elementos. Veremos algunas ideas:

-Una de las formas más fáciles es mezclar marmolina con pegamento blanco y se aplica con espátula.

-Otros elementos que se pueden revolver con pegamento blanco son: arena de mar, arena de construcción, polvo de ladrillo ese te deja una textura muy buena pues el color que queda si no quieres cubrirlo queda muy bonito.

-El estilo Bauhaus: pega clavos oxidados o alambres sobre la tela o tu soporte.

-El aserrín también es un buen texturizado al igual que las arenas preparadas que ya vienen de color y las venden en tiendas de arte.

-Si buscas texturas mas gruesas o toscas puedes utilizar gesso sin diluir lo venden en tiendas de arte lo aplicas con tu espátula lo puedes mezclar si quieres con tu marmolinas o tierras.

-También existen en las tiendas de arte un texturizado que se llama pasta para modelar y te sirve para hacer relieves ya sea para pintura de oleo o acrílicos.

-Otra forma de texturizar es pintar una base de acrílico y, una vez seca, una capa gruesa de óleos y sobre ella, una bolsa de plástico encima si quedan burbujas de aire o eso no importa despegar la bolsa a los cinco o diez minutos de haberla puesto y veras que se logran unas formas o manchas obviamente unas quedan en el color de base y otras en el color del óleo.

-Hay una pastita muy buena necesitas cera de abeja y agurras pones a derretir la cera baño maría con poquita aguarras con mucho cuidado hay que mover ya bien derretida la cera sacar de fuego y agregar aguarras y mover y mover y calentar y agregar agurras hasta lograr una pasta suave que puedes aplicar con espátula y cuando seque pintar.

-Las esponjas, o cepillos de pelo también texturizan tu pintura.

-También existen rodillos texturados que se pasa por la superficie texturizándola.

-Los hilos pegados también resultan muy interesantes.

-Busca telas con tramas o papeles arrugados al tamaño de tu bastidor el bastidor píntalo de un color de fondo y tu papel o tela mánchalo con otro y después júntalos haciendo un poco de presión.

Como verás, puedes utilizar los materiales más variados y con imaginación lograrás texturas increíbles.

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Pág. LA PINTURA Y TÚ: TÉCNICAS DE PINTURA AL ÓLEO

lapinturaytu.blogspot.com/2011/04/tecnicas-de-pintura-al-oleo.html