Ruiz bautista mari_carmen_hda_tarea_global_ii_comprimido
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HISTORIA DEL ARTE TAREA GLOBAL II MARI CARMEN RUIZ BAUTISTA
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HISTORIA DEL ARTE
TAREA GLOBAL II
MARI CARMEN RUIZ BAUTISTA
EXPOSICIÓN
“DIVERSIDAD ARTÍSTICA”
Las obras elegidas están ordenadas
según el tiempo de creación, siendo la
primera la más antigua.
La sala en la que nos encontramos se
llama “De Al-Ándalus hacia el Barroco”.
Podemos encontrar obras desde la época
hispanomusulmana hasta el barroco.
Elegidas con suma delicadeza, hacen que
este conjunto maravilloso sea digno de las
personas que aman el arte. Este delicado
conjunto hace que la exposición sea
memorable, atraviesa varias épocas y todas
ellas cuentan con una diversidad artística
muy variada.
1. TORRE DEL ORO
Nos encontramos anteuna obra arquitectónicadel siglo XIII. Su autor esdesconocido. Pertenece ala arquitectura islámicaandalusí, másconcretamente a la épocaalmohade. He elegido estaobra porque me pareceuna maravilla, goza deuna sencillez innata. Consolo mirarla nos rememoraa la época de suconstrucción.
Esta torre albarrana se encuentra en la
ciudad de Sevilla. Cuenta con una altura
total de 36 metros. El material de
construcción es el ladrillo para los dos
cuerpos superiores y el sillar de piedra para
el cuerpo inferior. Está compuesta por tres
cuerpos. El primero es un prisma
dodecagonal, fue el primero en ser
construido. El segundo también es un
prisma dodecagonal, fue construido en
segundo lugar. Por último el tercer cuerpo
es cilíndrico y en el final tiene una cúpula.
La mandó a construir el gobernadoralmohade de Sevilla.
El cuerpo inferior
está compuesto en su
interior por bóvedas de
arista unidas por
mortero y en su exterior
podemos ver ventanas de tipo saetero; eneste cuerpo existe la única puerta que hay. Elsegundo cuerpo, está rematado por almenasy merlones, se encuentra decorado por arcosciegos alternados con arcos túmidos y arcoslobulados enmarcados por otros deherradura, todos ellos están decorados conazulejos en tonos azules y blanco.
El tercer y último cuerpo está rematado
por una cúpula semicircular cubierta con
azulejos en tonos dorados. Con el paso de
los años ha servido tanto como para
guardar tesoros, hasta como una vivienda.
En torno a esta torre existe una
anécdota. Esta era que el rey Pedro I
guardaba sus tesoros en esta torre.
Cuando decimos sus tesoros, no solo
corresponde a monedas y joyas, sino como
él decía guardaba su mayor tesoro, a su
amante. Esta torre sirvió de morada para
su amante y cuentan que le puso el nombre
a la torre porque ella quería cubrir la torre
de tonos dorados.
2. ÁBSIDE.
El ábside de la Iglesia de San Clemente
de Tahull. Esta pintura románica del siglo
XIII. Su autor es el Maestro de Tahull. He
elegido esta obra porque de las obras
románicas es la que más me gusta. Admiro
el juego de tonalidades que utilizan que
hacen muy llamativa la obra.
Este fresco de tema
religioso se encontraba
en el ábside de la Iglesia
de San Clemente de
Tahull. En él podemos
apreciar que el que
aparece en el centro es
Cristo, que permanece
sentado y dentro de una
mandorla, aunque su
cabeza sobre pasa la
mandorla. Su ropa está
compuesta por una
túnica y un manto.
Su mano derecha aparece levantada
con la palma hacia el exterior, sus dedos
corazón y meñique permanecen doblados y
los dedos índice, anular y pulgar
permanecen derechos. Sus pies están en
forma de V, muy característica de este
estilo. En su mano izquierda porta un libro
abierto que lo apoya en su rodilla. Al lado
de sus hombros aparece dos símbolos: alfa
y omega que simbolizan que Cristo es el
principio y final de todo.
En la parte superior aparecen dos
ángeles, uno porta un libro y otro porta un
águila, ambos representan a San Mateo y
San Juan respectivamente. En la parte
inferior podemos ver que aparece de
izquierda a derecha: Tomás, Bartolomé,
María que posee un cáliz, Juan, Santiago y
Felipe, todos ellos ataviados con ropas
coloridas. Todas las figuras que aparecen
en la obra carecen de expresividad.
El colorido que utiliza se basa en
amarillo y azul pero también usa el negro
para el contorno de las figuras, aunque en
general los colores son planos. Las
pinceladas son finas, con líneas bien
definidas para diferenciar zonas. No existen
zonas muy luminosas ni muy oscuras,
poseen una armonía en cuanto a luz se
refiere.
En cuanto a esta obraronda una anécdota. Suautor al realizarla cuentaque tras un largo día detrabajo y tras cerrar bienel lugar en el cual laestaba realizando, se fuea su casa a descansar yal volver al siguiente día aterminar la obra encontróque la figura de Cristoestaba terminada y en ellibro habían escrito: “egosum lux mundi” (yo soy laluz del mundo).
Él se extrañó porque al irse la noche
anterior no había dejado terminada la
figura. Extrañado por el suceso, examinó el
lugar con detenimiento pensando que
alguien había entrado, pero se dio cuenta
que las pinturas se las había llevado a su
casa, por lo que no sabía quién ni cómo
terminaron de pintar a Cristo. Por lo que la
figura de Cristo está rodeada por un gran
enigma.
3. EL MATRIMONIO
ARNOLFINI.Esta obra está realizada por Jan van
Eyck en el siglo XV. Pertenece al estilo
gótico. He elegido esta pintura porque me
gusta mucho la manera en la que el
hombre expresa fidelidad y amor a su
mujer. Es una obra muy llamativa que invita
a observarla detenidamente, ya que se
encuentra llena de enigmas.
Esta obraperteneciente a lapintura flamenca delgótico data del año1434. Es un óleo sobretabla. En la obrapodemos observar queaparecen dos personasde diferentes sexos.Estos son el jovenmatrimonio Arnolfini;ambos aparecen depie, en su alcoba. Elmarido aparece conactitud seria, conropajes caroscompuestos por unacapa y un gran
Su mano derecha está levemente
levantada mientras que la izquierda
sostiene la de su esposa.
Ella posee una expresión de timidez, va
ataviada con un vestido verde que es el
color de la fertilidad y un velo blanco, se
puede apreciar que se encuentra en estado
de buena esperanza por su abultado
vientre.
Ambos personajes están en primer
plano. Podemos observar que en la escena
aparece un pequeño perro de color marrón;
él simboliza la fidelidad del matrimonio. En
la lámpara que cuelga del techo, una de las
velas está encendida, lo que simboliza la
llama del amor.
A la izquierda del espejo, encontramos
varios rosarios colgados, simboliza la
oración del matrimonio. El espejo que se
encuentra en la zona central, está
compuesto por un marco que muestra 10
de las 14 escenas del Vía crucis y refleja la
escena del matrimonio; pero si nos
detenemos podemos apreciar que en el
reflejo aparece otra persona más vestida
de azul, posiblemente sea el autor de la
obra.
En la ventana
podemos apreciar que
aparecen algunas
frutas, más
concretamente
naranjas. En ésta
época las naranjas
simbolizaban la
riqueza.
La cama representa el lugar de
nacer y de morir, además los colores
rojizos que la componen simbolizan
la fertilidad. Los zuecos nos acercan
también a conocer más de la obra;
los zuecos del marido son los
blancos, que están cerca del exterior
lo que simboliza que él es el que sale
al mundo exterior, mientras que los
de ella, de color rojo, están cerca de
la cama simbolizando que ella se
encarga del hogar; ambos aparecen
descalzos porque pisar el suelo
descalzos simbolizaba la fertilidad.
Podemos
concluir que la obra
está llena de
pequeños detalles
que nos acercan a
esa época. La obra
goza de luz que
proviene de la
ventana situada en
el lateral izquierdo.
En torno a estaobra giran variasanécdotas. Porejemplo, una de ellaera que el maridoobligó al pintor arealizar la obra con eltema de la fertilidad, élquería que cadaobjeto que aparecieraen ella simbolizara lafertilidad, para quetodos dieran cuentande que él era unhombre fuerte y fértil.Por eso cada objeto ycada color rememoranla fertilidad.
4. GIOCONDA.
Realizada por Leonardo Da Vinci en el
siglo XVI. Perteneciente
al estilo renacentista.
He elegido esta pintura
porque me parece una
de las mejores obras
del renacimiento. Es
una obra sin excentricidades pero con
suma elegancia, por su expresión de
timidez hace captar la atención de todos.
Este óleo propio del renacimiento del
cincuecentto muestra a una dama sentada
en un sillón con el brazo izquierdo sobre el
antebrazo del sillón y la mano derecha
descansa sobre la mano izquierda. Las
dimensiones de la pintura son 77 cm x 53
cm. El retrato de la mujer podemos apreciar
que carece de pestañas y cejas, labios
finos, manos grandes, cabello oscuro, largo
que se posa sobre sus hombros y sonrisa
enigmática.
Su mirada está dirigida hacia el lado
izquierdo. Su rostro posee principalmente
dos importantes rasgos: la comisura de la
boca y las puntas de sus ojos. Aparece
sentada en una galería, ya que en el lateral
izquierdo podemos apreciar el borde de
una columna. Esta mujer es la esposa de
Francesco de Giocondo
La técnica utilizada por el autor es el
sfumato, que consiste en difuminar los
contornos para crear un difuminado y dar
una sensación tridimensional, podemos
apreciar esta técnica en sus ojos y manos,
dando así sensación de volumen. Las
tonalidades usadas son ocres para las
sombras y colores amarillentos para la piel
de la dama; para el paisaje utiliza
tonalidades oscuras en las que predominan
los azules y marrones.
El paisaje que rodea este retrato es
salvaje y agreste, con diversidad de rocas y
un puente con tres arcos, posee una
atmósfera húmeda, todo en tonalidades
azules y verdosas.
Son varias lasincógnitas que rodeana esa pintura. Una deellas es la sonrisa, DaVinci decía que simirabas a la damadirectamente, susonrisa desapareceríay si mirabas a otraspartes de su cuerpovolvería a aparecer.También se hablasobre un posibleembarazo y de ahí lapostura de sus brazospara disimular elestado.
5. INMACULADA DE SOULT.
Realizada por
Bartolomé Esteban
Murillo en el siglo
XVII. Pertenece al
estilo barroco. He
elegido esta obra
barroca porque me
parece que posee
una elegancia
suprema y una
sencillez que la
hacen inigualable.
Este óleo sobre lienzo data del año
1678 tiene como tema la religión. La pintura
podemos observar que representa a la
Virgen en el centro rodeada de pequeños
ángeles. La dimensión del cuadro es 274
cm x 190 cm.
La Virgen podemosapreciar que es morena,bella y con rostro joven ydulce; va vestida con unatúnica blanca y un mantoazul; en posición vertical, seposa sobre una media luna yunas nubes esponjosas quedan la sensación de que estáflotando y parece estarascendiendo al cielo; susmanos están juntas a laaltura del pecho en actitud deplegaria y la cabeza seencuentra levementeladeada con la vista hacia elcielo.
El canon de la Virgen es muy estilizado.
La técnica de luz utilizada es iluminista. El
fondo de la pintura es dorado, con luz
alrededor de la Virgen pero existe un
contraste de luces y sombras. El colorido
es vivo, lleno de matices, tonos cálidos
frente a tonos fríos. Las pinceladas son
sueltas y fluidas. La composición helicoidal
goza de movimiento, con muchas líneas
curvas y diagonales.
En general, esta obra posee muchas de
las características del barroco, como son:
colores variados, contrastes de luces y
sombras, falta de claridad, composición
movida y con abundancia de líneas curvas.
En esta obra encontramos una
anécdota significativa. La obra fue
encargada por Justino de Neve para el
Hospital de los Venerables de Sevilla a
Murillo pero durante la Guerra de la
Independencia, fue robada y trasladada a
Francia por el mariscal Soult. Por eso se le
conoce como la Inmaculada de los
Venerables o de Soult.
6. APOLO Y DAFNE.
Perteneciente al estilo
barroco, esta escultura es
del siglo XVII. Su autor es
Gian Lorenzo Bernini. He
elegido esta obra porque
me parece que las figuras
gozan de una expresividad
muy atrayente. Me gusta la
manera de plasmar el
proceso que están
atravesando las figuras.
Esta escultura data de entre los años
1622 y 1625. Este conjunto escultórico
realizado en mármol, está compuesto por
otros tres conjuntos. Esta obra está
compuesta por dos figuras una femenina y
una masculina, formadas por diferentes
bloques. Representan un momento de
tensión, con mucho movimiento porque el
momento representado es una
transformación.
La figura masculina esApolo, posee unasproporciones clásicas ysus facciones transmitenfuerza, ya que seencuentra luchando pordetener la transformación,su rostro expresa tensióny asombro por lo que estásucediendo; se encuentraapoyado en su piernaderecha, su brazoizquierdo y su piernaizquierda se encuentranextendidos.
La joven es Dafne, que se encuentra en
plena transformación a un árbol. Ella tiene
los brazos levantados
hacia el cielo,
el tronco posee
mucho movimiento
en forma ascendente
y su rostro transmite
horror por la inminente transformación, ella
se encuentra mirando hacia atrás por
encima de sus hombros.
Podemos
observar que del
pelo y de los dedos
empiezan a crecer
ramas y de sus pies
nacen las primeras
raíces. La obra está
realizada en plano-
relieve, la superficie
está muy pulida,
para transmitir así
más sensación de
movimiento.
Como anécdota de estaescultura encontramos el temade la transformación. Seproduce por un mito, quecuenta como Apolo quisocompetir con Eros lanzandoflechas. Eros enfadado lanzóuna flecha de oro para causarel amor inmediato y otraflecha, pero ésta vez de plomo,fue lanzada a Dafne paracausarle que no se enamorasenunca de nadie. Por lo queambos al encontrarse,sintieron sentimientoscontrarios. Esto llevó al padrede Dafne a convertirla enlaurel.
FIN
