Revista Much Cine febrero 2015

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Oscar 2015. El triunfo de lo

independiente Por: Gerardo Medina

Los últimos veinte años en la dilatada historia de los Oscar están repletos

de títulos de bajo presupuesto que han acabado por alzarse con la dorada

estatuilla. Desde que el cine independiente despuntara hacia finales de los

80 y principios de los 90, han aparecido propuestas modestas que han

arrasado en los premios de la Academia de Hollywood. “Slumdog Millionaire”,

“Crash”, “En tierra hostil”, “American Beauty”… incluso “El paciente inglés”,

aunque aparente lo contrario, podría considerarse un film de bajo coste,

especialmente si la comparamos con lo que cuesta una película hoy en día.

Pero todas las grandes triunfadoras en los Oscar, disfruten o no de

elevados medios económicos, tienen algo en común: son títulos muy del gusto

de la Academia, grandilocuentes, en muchos casos políticamente correctos,

y con aspecto de haber costado un pastizal.

Por primera vez, los Oscar desprenden aroma a cine independiente. Sólo

algunas pocas excepciones, como “American Sniper” o “Selma”, podrían no

incluirse en ese grupo. Porque este año la gran favorita, “Boyhood”, lo tiene


todo para ser considerado un film outsider. Pequeña, nada grandilocuente,

sincera… La cinta de Richard Linklater es al cine indie lo que “Avatar” al cine

mainstream. Y no está sola. La acompañan “Birdman”, “La teoría del todo”,

“The Imitation Game” o “Whiplash, todas ellas sencillas y modestas. Sin

olvidar a Wes Anderson y su Hotel Budapest, que pese a su lujoso diseño de

producción, vestuario y maquillaje, no deja de ser otra de esas pequeñas

joyas del cine indie de su director.

Sin embargo, pocas veces menos ha significado tanto. Porque estamos

posiblemente ante el año con mayor calidad cinematográfica de la última

década, desde que en 2004 coincidieran la grandeza tolkiana de Peter

Jackson con el mastodóntico relato suburbial de Clint Eastwood en “Mystic

River”. Pero esta vez, en el lado opuesto de la grandeza. ¿Puede ganar una

cinta como “Boyhood”? ¿Se atreverá la Academia a premiar el triunfo del

cine independiente, o tirarán de lo ya conocido y galardonarán a otra

competidora menos arriesgada, más correcta, como las de Ava Duvernay y

Clint Eastwood? El Sindicato de Productores, la antesala del Oscar a mejor

película, ya le ha negado a “Boyhood” el status de mejor cinta de 2014. En su

lugar, otra independiente, “Birdman”, así que todo sigue en su sitio. Es

posible que, por tercera vez consecutiva, mejor película y director no

coincidan, y que premien la odisea de 12 años de Linklater con un Oscar en

esta última categoría.

Son las dos categorías sobre las que planean más dudas. Lo de

interpretación prácticamente está cantado, aunque a Michael Keaton le haya

birlado en el último momento el premio del Sindicato de Actores un tal

Eddie Redmayne. Pero Keaton sigue siendo el favorito de la crítica y la

prensa, al igual que Julianne Moore, J.K. Simmons o Patricia Arquette. Tanto

como los guiones de “Birdman” y “El gran Hotel Budapest”. Tanto como la

fotografía de Emmanuel Lubezki. Tanto como el Oscar a “Ida” o

“Citizenfour” a mejores cintas extranjera y documental, respectivamente, y

más habiendo eliminado a duras competidoras como “Fuerza mayor” o “Life

Itself”.

El tema de las ausencias daría para otro amplio artículo de opinión. Aún nos

rasgamos las vestiduras por la ausencia de “La LEGO película”, o del guión de

“Perdida”, a la vez que echamos de menos mayor presencia de “Foxcatcher”

y “Nightcrawler”, otras dos propuestas pequeñas pero soberbias. Y, por

supuesto, echamos en falta a Jake Gyllenhaal. Aunque ahí están “Relatos

salvajes” y Marion Cotillard para darnos una pequeña alegría.


No merece ya la pena molestarse por las injusticias y los olvidos en unos

premios en los que obviar el talento y la calidad siempre está presente en

beneficio de los que siguen la estricta moralidad que rige la Academia, que

ya sabemos que está compuesta por varones de más de 65 años en su

mayoría. Este año todas son pequeñas, pero grandes. Y sobre todo valientes

y arriesgadas. Gane quien gane entre las favoritas, el cine independiente ya

ha triunfado.


Nominaciones

Oscar 2015


Guión original

o A.G. Iñárritu, N. Giacobone y A. Dinelaris Birdman o Richard Linklater Boyhood o Dan Futterman y E. Max Frye Foxcatcher o Wes Anderson y Hugo Guinnes Gran hotel Budapest

o Dan Gilroy Nightcrawler

Guión adaptado

o Jason Hall El francotirador o Graham Moore The imitation game o Paul Thomas Anderson Puro vicio o Anthony McCarten La teoría del todo

o Damien Chazelle Whiplash

Película documental

o CitizenFour L. Poitras, M. Bonnefoy y D. Wilutzky o Finding Vivian Maier J. Maloof y Ch. Siskel o Last days in Vietnam R. Kennedy y K. McAlester o The salt of the Earth W. Wenders, J. Ribeiro y D. Rosier

o Virunga O. von Einsiedel y J. Natasegar

Corto documental

o Crisis hotline: Veterans press 1 Ellen Goosenberg Kent y Dana Perry

o Joanna Aneta Kopacz o Our curse Tomasz Śliwiński and Maciej Ślesicki o The reaper (La parka) Gabriel Serra Arguello

o White Earth J.Christian Jensen

Montaje

o El francotirador Joel Cox y Gary D. Roach o Boyhood Sandra Adair o Gran hotel Budapest Barney Pilling


o The imitation game William Goldenberg

o Whiplash Tom Cross

Dirección de fotografía

o Birdman Emmanuel Lubezki o Gran hotel Budapest Robert D. Yeoman o Ida Ryszard Lenczewski y Lukasz Zal o Mr. Turner Dick Pope

o Invencible Roger Deakins

Banda sonora original

o Gran hotel Budapest Alexandre Desplat o The imitation game Alexandre Desplat o Interstellar Hans Zimmer o Mr. Turner Gary Yershon

o La teoría del todo Jóhann Jóhannsson

Canción original

o Everything is awesome Lego, la película o Glory Selma o Grateful Beyond the lights o I'm not gonna miss you Glen Campbell... I'll be me

o Lost stars Begin again

Diseño de producción

o Gran hotel Budapest Adam Stockhausen y Anna Pinnock o The imitation game Maria Djurkovic y Tatiana Macdonald o Interstellar Nathan Crowley y Gary Fettis o Into the Woods Dennis Gassner y Anna Pinnock

o Mr. Turner Suzie Davies y Charlotte Watts

Diseño de vestuario

o Gran hotel Budapest Milena Canonero o Puro vicio Mark Bridges


o Into the Woods Colleen Atwood o Maléfica Anna B. Sheppard y Jane Clive

o Mr. Turner Jacqueline Durran

Maquillaje

o Foxcatcher Bill Corso y Dennis Liddiard o Gran hotel Budapest Frances Hannon y Mark Coulier

o Guardianes de la galaxia Elizabeth Yianni-Georgiou y David White

Mezcla de sonido

o El francotirador John Reitz, Gregg Rudloff y Walt Martin o Birdman Jon Taylor, Frank A. Montaño y Thomas Varga o Interstellar Gary A. Rizzo, Gregg Landaker y Mark Weingarten o Invencible Jon Taylor, Frank A. Montaño y David Lee

o Whiplash Craig Mann, Ben Wilkins y Thomas Curley

Edición de sonido

o El francotirador Alan Robert Murray y Bub Asman o Birdman Martin Hernández y Aaron Glascock o El Hobbit Brent Burge y Jason Canovas o Interstellar Richard King

o Invencible Becky Sullivan y Andrew DeCristofaro

Efectos especiales

o Capitán América: El soldado de invierno D. DeLeeuw, R. Earl, B. Grill y D. Sudick

o El amanecer del planeta de los simios J. Letteri, D. Lemmon, D. Barrett y E. Winquist

o Guardianes de la galaxia S.Ceretti, N. Aithadi, J. Fawkner y P. Corbould

o Interstellar P. Franklin, A. Lockley, I. Hunter y S. Fisher

o X-Men: días del futuro pasado R. Stammers, L. Pecora, T. Crosbie y C. Waldbauer


Película de animación

o Big Hero 6Don Hall, Chris Williams y Roy Conli o Los BoxtrollsAnthony Stacchi, Graham Annable y Travis Knight o Cómo entrenar a tu dragón 2Dean DeBlois y Bonnie Arnold o Song of the seaTomm Moore y Paul Young

o El cuento de la princesa KaguyaIsao Takahata y Yoshiaki Nishimura

Cortometraje de ficción

o AyaOded Binnun y Mihal Brezis o Boogaloo and GrahamMichael Lennox y Ronan Blaney o La lampe au beurre de yakHu Wei y Julien Féret o ParvanehTalkhon Hamzavi y Stefan Eichenberger

o The phone callMat Kirkby y James Lucas

Corto de animación

o The bigger pictureDaisy Jacobs y Christopher Hees o The dam keeperRobert Kondo y Dice Tsutsumi o FeastPatrick y Kristina Reed o Me and my moultonTorill Kove

o A single lifeJoris Oprins

Oscar honorífico

Maureen O'Hara, Jean-Claude Carrière, Hayao Miyazaki y Harry Belafonte


¿Quién ganó

los Globos

de Oro?


Mejor película dramática:

Nominadas:

Boyhood (Momentos de una vida)

Selma

The Imitation Game (Descifrando Enigma)

La Teoría del Todo (The Theory of Everything)

Foxcatcher

Ganadora: Boyhood (Momentos de una vida)

Mejor comedia o musical:

Nominadas:

Birdman

El Gran Hotel Budapest (The Grand

Budapest Hotel)

Into the Woods

Pride

St. Vincent

Ganadora: El Gran Hotel Budapest (The

Grand Budapest Hotel)


Mejor dirección:

Nominados:

Wes Anderson por El Gran Hotel Budapest

(The Grand Budapest Hotel)

David Fincher por Perdida (Gone Girl)

Alejandro González Iñárritu por Birdman

Ava DuVernay por Selma

Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)

Ganador: Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)

Mejor actor dramático:

Nominados: Steve Carell por Foxcatcher

Benedict Cumberbatch por The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Jake Gyllenhaal por Nightcrawler

David Oyelowo por Selma

Eddie Redmayne por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)

Ganador: Eddie Redmayne por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)


Mejor actriz dramática:

Nominadas: Jennifer Aniston por Cake

Felicity Jones por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)

Julianne Moore por Siempre Alice (Still Alice)

Rosamund Pike por Perdida (Gone Girl)

Reese Witherspoon por Alma Salvaje (Wild)

Ganadora: Julianne Moore por Siempre Alice (Still Alice)

Mejor actor en comedia o musical:

Nominados: Ralph Fiennes por El Gran Hotel Budapest


Michael Keaton por Birdman

Bill Murray por St. Vincent

Joaquin Phoenix por Vicio Propio (Inherent Vice)

Christopher Waltz por Big Eyes

Ganador: Michael Keaton por Birdman


Mejor actriz en comedia o musical:

Nominadas: Amy Adams por Big Eyes

Emily Blunt por Into the Woods

Helen Mirren por Un Viaje de Diez Metros (The Hundred-Foot Journey)

Julianne Moore por Maps to the Stars

Quvenzhané Wallis por Annie

Ganadora: Amy Adams por Big Eyes


Mejor actor de reparto:

Nominados: Robert Duvall por El Juez (The Judge)

Edward Norton por Birdman

Mark Ruffalo por Foxcatcher

J.K. Simmons por Whiplash

Ethan Hawke por Boyhood (Momentos de una vida)

Ganador: J.K. Simmons por Whiplash

Mejor actriz de reparto:

Nominadas: Patricia Arquette por Boyhood (Momentos de

una vida)

Jessica Chastain por A Most Violent Year

Keira Knightley por The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Emma Stone por Birdman

Meryl Streep por Into the Woods

Ganadora: Patricia Arquette por Boyhood (Momentos de una vida)


Mejor película extranjera:

Nominadas: Turist - Suecia

Gett: The Trial of Viviane Amsalem - Israel

Ida - Polonia

Leviathan - Rusia

Tangerines (Mandarinas) - Estonia

Ganadora: Leviathan - Rusia

Mejor guión:


Nominados: Wes Anderson por El Gran Hotel Budapest


Gillian Flynn por Perdida (Gone Girl)

Alejandro González Iñárritu, Nicolas Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo por Birdman

Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)

Graham Moore por The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Ganador: Alejandro González Iñárritu, Nicolas Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo por Birdman

Mejor banda sonora:

Nominados: Alexandre Desplat por The Imitation Game

(Descifrando Enigma)

Jóhann Jóhannsson por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)

Trent Reznor y Atticus Ross por Perdida (Gone Girl)

Antonio Sánchez por Birdman

Hans Zimmer por Interstellar


Ganador: Jóhann Jóhannsson por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)

Mejor canción:

Nominadas: "Big Eyes" de Big Eyes - Lana Del Rey

"Glory" de Selma - John Legend y Common

"Mercy Is" de Noé (Noah) - Patty Smith y Lenny K

"Opportunity" de Annie

"Yellow Flicker Beat" de Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1 (The Hunger Games: Mockingjay - Part 1) - Lorde

Ganadora: "Glory" de Selma

Mejor película animada:

Nominadas: El Libro de la Vida (The Book of Life)

Los BoxTrolls (The BoxTrolls)

Cómo Entrenar a tu Dragón 2 (How to Train Your Dragon 2)

Big Hero 6

La Lego película (The Lego Movie)

Ganadora: 'Cómo entrenar a tu dragón 2'


Top 10 mejores

películas de 2014

Los Oscar en muchas ocasiones se olvidan de

grandes películas, por este motivo, nuestros

colaboradores han creado una serie de

rankings en los que incluyen bajo su juicio

personal, las mejores películas de 2014.

¿Cuáles son tus preferidas?


TOP 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014

Por Gerardo Medina

(ordenadas de mejor a peor)

1. Enemy de Denis Villeneuve

2. Foxcatcher de Bennett Miller

3. Birdman de Alejandro G. Iñárritu

4. La Venus de las pieles de Roman Polanski

5. La isla mínima de Alberto Rodríguez

6. Nightcrawler de Tony Gilroy

7. Big Bad Wolves de Aharon Keshales y Navot

Papushado

8. La LEGO Película de Phil Lord y Christopher Miller

9. Whiplash de Damien Chazelle

10. El gran Hotel Budapest de Wes Anderson



Por Laura Magaña


1.- Perdida

2.- La Teoría del todo

3.- Capitán América: El Soldado de Invierno.

4.- X-men: Días del Futuro pasado.

5.- Al Filo del mañana

6.- Bajo la misma estrella

7.- Ocho Apellidos Vascos

8.- El amanecer del Planeta de los simios.

9.- Guardianes de la Galaxia

10.- La Isla Mínima



Por Raquel Sanchez


1. Birdman

2. Interestellar

3. El Hobbit: la batalla de los cinco ejercitos

4. Snowpiercer

5. Guardianes de la Galaxia

6. La LEGO película

7. El gran hotel Budapest

8. X-men: días del futuro pasado

9. Agosto

10. Nebraska



Por Carlos Benjamín


1.- Saint Vincent

2.- Interstellar

3.- La Teoría del Todo

4.- Corazones de Acero

5.- Birdman

6.- Al filo del mañana

7.- Invencible (Unbroken)

8.- El Hobbit: La batalla de los 5 ejércitos

9.- Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1

10.- The Purge: Anarchy (The Purge 2)


Estrenos de

Cine

febrero

2015


Título: Bob Esponja: un héroe fuera del agua

Título Original: The SpongeBob Movie: Sponge Out of Water

Género: Animación, Aventuras, Familiar, Comedia

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Paul Tibbitt

Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger

Reparto: Antonio Banderas, Clancy Brown, Tom Kenny, Thomas F.

Wilson, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Mr. Lawrence, Kaitlyn

Ervin, Carolyn Lawrence, Noah Lomax, Jesica Ahlberg, Veronica

Alicino, Sirena Irwin, Lillian Ellen Jones, Chris Conner

Sinopsis:

Bob Esponja, el invertebrado marino famoso en el mundo entero,

desembarca en nuestro mundo para vivir su aventura más súper

heroica hasta la fecha.

Fecha de Estreno: Viernes, 06 de Febrero de 2015


Título: El Destino de Júpiter

Título Original: Jupiter Ascending 3D

Género: Acción, Ciencia Ficción

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Andy Wachowski, Lana Wachowski

Guión: Andy Wachowski, Lana Wachowski

Reparto: Channing Tatum, Mila Kunis, Sean Bean, Gugu Mbatha-

Raw, Douglas Booth, Eddie Redmayne, James D'Arcy, Terry

Gilliam, Tuppence Middleton, Maria Doyle Kennedy, Vanessa

Kirby, Doona Bae, Christina Cole, Tim Pigott-Smith, Kick Gurry

Sinopsis:

Jupiter Jones (Kunis) nació bajo el cielo de la noche, y las

señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Ya

mayor, Jupiter sueña con las estrellas, pero se topa con la fría

realidad de su trabajo como limpiadora de casas y un sin fin de

rupturas problemáticas. Y no empieza a ser consciente del

destino que le estaba aguardando hasta que Caine (Tatum), un

cazador ex militar genéticamente modificado llega a la Tierra

para perseguirla; y es que su firma genética la señala como la

continuación en la cadena de una herencia extraordinaria que

podría alterar el equilibrio de todo el universo.



Título: Foxcatcher

Título Original: Foxcatcher

Género: Biopic, Drama, Thriller, Deportes

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Bennett Miller

Guión: E. Max Frye, Dan Futterman

Reparto: Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna

Miller, Vanessa Redgrave, Anthony Michael Hall, Guy Boyd, Brett

Rice, Jackson Frazer, Samara Lee, Francis J. Murphy III, Jane

Mowder, David Bennett, Lee Perkins, Robert Haramia

Sinopsis:

Sólo, hundido y sin recursos, el ex-campeón olímpico de lucha

libre Mark Schultz (Channing Tatum) es invitado de repente por

el millonario John du Pont (Steve Carell) para viajar a su lujosa

finca y montar juntos un equipo para los Juegos de Seúl 1988.

Mark aprovecha la oportunidad con la intención de salir también

de la sombra de su popular hermano mayor David (Mark Ruffalo),

prominente entrenador y ganador igualmente de la medalla

olímpica.

Pero una vez instalado Mark en el centro de entrenamiento de la

granja “Foxcatcher”, lo que en principio parece una relación de

amistad y respeto mutuo se vuelve algo más oscuro debido a la

personalidad explosiva de DuPont y la presión psicológica que

ejerce contra todos los de su alrededor. Fecha de Estreno:

Viernes, 06 de Febrero de 2015


Título: Red Army

Título Original: Red Army

Género: Documental, Histórica

Nacionalidad: USA, Rusia

Año: 2014

Director: Gabe Polsky

Guión: Gabe Polsky

Reparto: Scotty Bowman, Mark Deakins, Vyacheslav Fetisov,

Anatoli Karpov, Alexei Kasatonov, Ken Kurtis, Felix Nechepore,

Vladimir Pozner, Tatiana Tarasova, Vladislav Tretiak

Sinopsis:

Se adentra en la historia de la Unión Soviética y la dinastía

deportiva más exitosa de la historia: el equipo de Hockey

conocido como El Ejército Rojo. Contada desde la perspectiva de

su capitán Slava Fetisov, la historia narra su transformación de

héroe nacional a enemigo político. Desde la URSS a Rusia, la

película examina cómo el deporte es un reflejo de los

movimientos sociales y culturales y establece un paralelismo

entre el ascenso y la caída del Ejército Rojo de hockey y el de la

Unión Soviética.



Título:

Título Original: The Interview

Género: Comedia

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Evan Goldberg, Seth Rogen

Guión: Evan Goldberg, Seth Rogen, Dan Sterling

Reparto: James Franco, Seth Rogen, Randall Park, Lizzy Caplan,

Diana Bang, Tommy Chang, Charles Rahi Chun, Dominique Lalonde,

Timothy Simons, Steve Chang, Anesha Bailey, Harrison Lee, Ben

Schwartz, Aubrey K. Miller, Mercy Malick

Sinopsis:

En esta alocada comedia de acción Dave Skylark (James Franco)

y su productor Aaron Rapoport (Seth Rogen) dirigen un programa

de TV sensacionalista sobre famosos llamado “Skylark Tonight”.

Cuando descubren que el líder Norcoreano Kim Jong-un es un fan

del programa, organizan una entrevista con él en un intento por

demostrar al mundo lo buen periodistas que son. Pero en el

momento en que Dave y Aaron se están preparando para viajar a

Pyongyang, sus planes sufren un cambio cuando son reclutados

por la CIA para matar a Kim Jong-un.



Título: Cincuenta sombras de Grey

Título Original: Fifty Shades of Grey

Género: Drama, Romance

Nacionalidad: USA

Año: 2013

Director: Sam Taylor-Johnson

Guión: Kelly Marcel

Reparto: Jamie Dornan, Dakota Johnson, Jennifer Ehle, Max

Martini, Marcia Gay Harden, Eloise Mumford, Rita Ora, Luke

Grimes, Callum Keith Rennie, Anthony Konechny, Victor Rasuk,

Dylan Neal, Emily Fonda, Jason Cermak, Julia Dominczak

Sinopsis:

Adaptación de la novela de E.L. James.

Cincuenta sombras de Grey es la esperada adaptación

cinematográfica de la novela del mismo título, que se convirtió en

un auténtico fenómeno global. Desde su publicación, la trilogía

Cincuenta sombras ha sido traducida a 51 idiomas y se han

vendido más de cien millones de ejemplares en formato

tradicional y e-book, convirtiéndose en la serie con más

ejemplares vendidos en menos tiempo en toda la historia de la

literatura.



Título: La Señal

Título Original: The Signal

Género: Ciencia Ficción, Thriller

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: William Eubank

Guión: Carlyle Eubank, William Eubank, David Frigerio

Reparto: Patrick Davidson, Brenton Thwaites, Olivia Cooke, Beau

Knapp, Jeffrey Grover, Laurence Fishburne, Roy Kenny, Timothy

Holmes, Ricardo Campos, Drew Sykes, Lin Shaye, Robert

Longstreet

Sinopsis:

Nic (Brenton Thwaites), Haley (Olivia Cooke) y Jonah (Beau

Knapp) son tres estudiantes universitarios que están

planteándose su futuro. Haley se traslada durante un año y su

abnegado novio Nic, junto con su amigo Jonah, la están ayudando

con la mudanza a la otra punta del país.

Pero su viaje por carretera a través del Suroeste se ve obligado

a dar un rodeo para localizar a un genio informático que ya ha

conseguido colarse en los sistemas del MIT y sacar a la luz fallos

de seguridad. Nic y Jonah han despertado la curiosidad de este


misterioso hacker, y viceversa. Cada vez se van acercando más,

se intercambian provocaciones online y el trío se ve atraído a una

zona aislada. Cae la noche, establecen contacto y de repente

todo se oscurece.

Cuando Nic recobra el conocimiento, se encuentra viviendo una

pesadilla. Sus amigos no aparecen por ninguna parte, pero está

decidido a localizarlos, sea como sea el estado en que puedan

seguir con vida. Su única pista es el hombre que lo está

interrogando meticulosamente, el Dr. Wallace Damon (el

candidato al Óscar, Laurence Fishburne). Damon expresa su

preocupación por la seguridad de Nic, e intenta evaluar el sentido

de la realidad del joven. Mientras se libra una batalla de ingenios

entre ambos, Nic busca un modo de liberarse.



Título: El Francotirador

Título Original: American Sniper

Género: Acción, Biopic

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Clint Eastwood

Guión: Jason Dean Hall

Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman, Kyle

Gallner, Luke Grimes, Sam Jaeger, Brando Eaton, Keir O'Donnell,

Brian Hallisay, Eric Close, Owain Yeoman, Max Charles, Billy

Miller, Eric Ladin, Navid Negahban

Sinopsis:

De la mano del director Clint Eastwood, llega “El Francotirador”,

protagonizada por Bradley Cooper como Chris Kyle, el

francotirador más letal de la historia del ejército de los Estados

Unidos. Pero hay algo más en él aparte de ser un buen tirador.

El marine del grupo de operaciones especiales de la Marina de

Estados Unidos, Chris Kyle, es enviado a Irak con una sola misión:

proteger a sus compañeros de ejército. Su precisión milimétrica

salva incontables vidas en el campo de batalla y, a medida que se

extienden sus valientes hazañas, se gana el apodo de “Leyenda”.

Sin embargo, su reputación también crece detrás de las líneas


enemigas, de manera que ponen precio a su cabeza y se convierte

en objetivo prioritario de los insurgentes. También se está

enfrentando a otra batalla en casa: ser un buen marido y padre

desde el otro lado del mundo.

A pesar del peligro, y del precio que, debido a su actividad, tiene

que pagar su familia en su país, Chris sirve durante cuatro

angustiosas misiones en Irak, personificando el emblema del

credo de los SEAL: “no dejar a ningún hombre atrás”. Pero al

volver a su casa,con su mujer, Taya Renae Kyle (Siena Miller) y

con sus hijos, Chris descubre que lo que no puede dejar atrás es

la guerra.



Título: Ex Machina

Título Original: Ex Machina

Género: Drama, Ciencia Ficción, Thriller

Nacionalidad: USA, Reino Unido

Año: 2014

Director: Alex Garland

Guión: Alex Garland

Reparto: Domhnall Gleeson, Oscar Isaac, Alicia Vikander, Corey

Johnson, Deborah Rosan, Evie Wray, Chelsea Li, Sonoya Mizuno,

Elina Alminas, Ramzan Miah

Sinopsis:

Ex Machina es un intenso thriller psicológico que cuenta la

historia de Caleb, un programador de 24 años que trabaja en una

de las mayores empresas de Internet del mundo. Un día gana un

concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión

privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb

llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que

deberá participar en un experimento tan extraño como

fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia

artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una

preciosa mujer robot.



Título: La mujer de negro: el ángel de la muerte

Título Original: The Woman in Black: Angel of Death

Género: Drama, Thriller, Misterio

Nacionalidad: Reino Unido

Año: 2015

Director: Tom Harper

Guión: Jon Croker

Reparto: Helen McCrory, Jeremy Irvine, Oaklee Pendergast,

Adrian Rawlins, Hayley Joanne Bacon, Leanne Best, Ned

Dennehy, Leilah de Meza, Amelia Pidgeon, Shane Salter, Richard

Banks, Leigh Dent, Jorge Leon Martinez, Phoebe Fox, Jude

Wright

Sinopsis:

Secuela de La Mujer de Negro.

Un grupo de ocho escolares, acompañados por la directora Jean

Hogg (Helen McCrory) y la joven profesora Eve Parkins (Phoebe

Fox), se ven evacuados de Londres durante la Segunda Guerra

Mundial y trasladados a la casi desierta aldea de Crythin Gifford.

Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la

RAF que tiene el mismo destino que ellos, la ruinosa casa Eel

Marsh, situada en una isla conectada a tierra firme únicamente


por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece

con las mareas.

En busca de refugio de los horrores de la guerra, su presencia no

tarda sin embargo en despertar una fuerza malévola que surge

de la oscuridad y lleva décadas rondando esta imponente y

aislada edificación: La mujer de negro.



Las Críticas

de las

candidatas

al Oscar Por Gerardo Medina


‘LA TEORÍA DEL TODO’

La física del amor

Una personalidad tan relevante como Stephen Hawking, una de las mentes más

brillantes y prodigiosas del siglo XX, necesitaba ya un biopic. Incluso más que otros

muchos personajes que han copado este subgénero dramático en los últimos tiempos, y

por qué no decirlo, las ceremonias de entrega de los Oscar de los últimos quince años. Y

por fin ha llegado, con notable y reconocible flema británica, una puesta de largo de

parte de su biografía que trata de recoger los aspectos más llamativos de la misma.


Durante su primera media hora, “La teoría del todo” es un biopic de altura.

Detalla sus logros a la vez que desarrolla, con total veracidad y cercanía, el avance de la

esclerosis lateral amiotrófica, una enfermedad neurodegenerativa que fue condenando

las habilidades motrices de Hawking a vivir a expensas de una silla de ruedas y de un

aparato que traducía sus pensamientos en palabras, mientras su cerebro continuaba

completamente sano e intocable. Primero se te escapan de las manos los objetos más

cotidianos, después tienes dificultad para andar, y por último no puedes hablar ni

moverte, y hasta tragar se convierte en una hazaña peligrosa.

Pero no sólo aborda el problema desde el punto de vista del enfermo, sino que

posteriormente tiene el enorme acierto de mostrar de manera puntual el punto de vista

de quienes tienen que convivir con él, y es aquí donde la cinta hace especial hincapié en

la figura de su esposa, minada psicológica y físicamente ante la situación que vive día a

día. En este sentido, el trabajo de su pareja protagonista, Eddie Redmayne y Felicity

Jones, no podía ser mejor. Él, soberbio y meticuloso a la hora de encarnar a Hawking,

tanto que parece su doble, y ella cargando a sus espaldas con convicción con un

personaje complejo que por algunos de sus actos podría no empatizar con el público.

“La teoría del todo” viene a ser “Una mente maravillosa”, pero versión 2.0. No

alcanza el nivel de ñoñería de la oscarizada película de Ron Howard, ni mucho menos

su nivel de hipocresía, pero repite buena parte de sus esquemas. Es decir, es una versión

edulcorada de la vida de un genio y la relación con su esposa, sometidos ambos al reto

de convivir con una enfermedad dura y feroz. La dirección de James Marsh tiene

destellos de excelente director, como las constantes referencias al trabajo de Hawking

en los pequeños detalles como una mancha de café o la visión de una hoguera a través

de un suéter, pero acaba soterrada por el academicismo y la corrección política de un

producto destinado a llevarse galardones, que prefiere dar rienda suelta al romance y las

emociones antes que a la física pura y dura y a analizar la figura del hombre tras el

genio.

Le falta encontrar ese difícil equilibrio entre amor y ciencia. Lo que queda es un

biopic que no molesta pese a su exceso de sentimentalismo, pero que podría haber dado

algo más que la simple física del amor, esa que unifica lo más importante de la vida, la

que nos permite nuestro mayor legado a la Humanidad.

NOTA: 6 sobre 10


‘Whiplash’

Buen trabajo

Tal y como se cuenta en varias ocasiones en “Whiplash”, si el baterista Jo Jones no

hubiera humillado a Charlie Parker en público lanzándole unos platillos en plena

actuación, no existiría “Bird”. De esa anécdota nació la leyenda, del tesón y esfuerzo

por mejorar se forjó el mito, independientemente de que no fallara ni una sola nota en

aquel momento. El jazz ya no es lo que era, está muriendo, y como dice el personaje del

autoritario Fletcher en el film, los discos que se encuentran en cualquier Starbucks son

buena prueba de ello. Porque no hay dos palabras más dañinas que “Buen trabajo”.

En su segundo trabajo, Damien Chazelle habla precisamente de eso, de reconocer el

talento y exprimirlo al límite, de la perseverancia como único vehículo para alcanzar el

ansiado éxito. Cualquier otro sentimiento puede aplastar el sueño de ser uno de los

grandes. Cualquier atisbo de Humanidad puede hacerte perder el compás. Es de

principio a fin una historia de enseñanza llevada al extremo, de cómo el fin justifica los

medios y cómo estos pueden alentar o desanimar. Es la búsqueda de un nuevo Charlie

Parker y escarba en lo que se esconde en la exigente trastienda de la música, en la que

una sola nota fuera de tempo puede decidir tu futuro.

Chazelle logra una excelente dirección en la que música e imagen van de la mano.

Pocas veces se ve un montaje en el que cada fotograma vibre con cada nota musical

hasta el punto en que lo hace esta película. Logra así un film que es puro ritmo, y que

solamente se relaja y se vuelve ligeramente convencional y previsible a partir de cierto

momento crucial en la trama, para luego remontar en sus últimos minutos, como si de

un trasunto cinematográfico del “Caravan” de Juan Tizon y Duke Ellington se tratase, y

ofrecernos uno de los finales más vibrantes de los últimos tiempos, capaz de exorcizar

al protagonista y al público.

“Whiplash” es un brillante ejercicio de narrativa cinematográfica, en el que Chazelle

además se perfila como un formidable director de actores. Mención especial para el

joven Miles Teller, todo un descubrimiento que tiene la difícil tarea de no languidecer

ante un titán de la interpretación como J.K.Simmons, al que ya iba siendo hora de que le

llegase el reconocimiento que merece. El actor representa la figura absorbente y

dominante que Teller requiere para ser un gran músico, y juntos logran que una

propuesta que es puro ritmo no decaiga prácticamente en ningún momento. Y de la

disciplina militar que impone el personaje de Simmons, del sudor y la sangre que

acaban bañando los platillos, sólo se le puede decir a Chazelle “Buen trabajo”, aunque

esperemos que con ello no se acomode de cara a su próximo trabajo.

NOTA: 8 sobre 10


‘The Imitation Game’

El cerebro computacional

En “El juego de la imitación”, Alan Turing sentaba las bases de lo que debía cumplir un

organismo cibernético inteligente. Un humano a un extremo. Una máquina y otro

humano al otro. El humano debe determinar quién es el humano y quién la máquina. Si

se equivoca, el organismo puede ser catalogado como inteligente. El autor ya esgrimía

entonces lo que hoy en día conocemos como computadoras, y a largo plazo, lo que en el

futuro posiblemente veamos como algo cotidiano, la inteligencia artificial conviviendo

con la humana.

En una escena de “The Imitation Game” –de nuevo un minuto de silencio por los

traductores de los títulos en España-, Turing se sienta al otro extremo de una mesa y

habla a su entrevistador de su experimento mental. Sólo una mente computacional como

la del criptógrafo inglés podía ser capaz de vencer a otra máquina, en este caso una que

ayudara a los ingleses a ganar la guerra contra los escurridizos alemanes. Retraído, poco

experto en relaciones sociales, lógico y matemático. Justo como ese Christopher

destinado a vencer a la máquina Enigma y ganar así la guerra contra los alemanes, un

organismo formado por cables de cobre y bobinas que había nacido como recuerdo de

una persona de vital importancia en la vida del científico. De nuevo, humanos y

máquinas confundiéndose entre sí.

Y no podía ser interpretado por otro actor que no fuera Benedict Cumberbatch, un

intérprete que ha hecho de su rostro de replicante su mejor baza para la actuación. No

hay más que ver la serie “Sherlock”. Él es lo mejor de “The Imitation Game”, una

producción típicamente británica que trata de relatar el triunfo sobre Enigma de un

genio meticuloso y obsesivo. Y a su vez da viajes hacia el futuro, una vez acabada la

guerra, y hacia el pasado, cuando era un niño. Y simultáneamente trata de tocar muchos

más palos como la homosexualidad en la reprimida Inglaterra de mediados de siglo, la

dualidad hombre-máquina o la personalidad y parte de la biografía de su personaje

protagonista.

Lo intenta, porque la película de Morten Tyldum no consigue destacar en ninguna de

sus vertientes narrativas. No pasa de la corrección ni siquiera en su realización, su

guión, su banda sonora, su fotografía… o en sus interpretaciones. Porque que

Cumberbatch se erija como lo mejor de la función no significa que esté sobresaliente.

Todo el reparto está correcto, como el film en sí, incluido él. No hay escenas para el

recuerdo, no hay momentos grandiosos ni mágicos. Es como si una máquina se hubiera

hecho cargo de la dirección y haya eliminado cualquier atisbo de emoción, tanto hacia

el público como a la hora de filmarla. Un juego interesante fruto de un cerebro

computacional, pero que no pasa de ahí, de ser interesante y funcional. Me pregunto si

pasaría el Test de Turing. NOTA: 6 sobre 10


‘Birdman’

De qué hablamos cuando hablamos de amor

Si en la serie de Cartoon Network “Birdman: Attoney at law”, el superhéroe creado por

Hanna-Barbera malvivía como abogado de los antiguos personajes de dibujos animados

de la productora, en su nuevo trabajo Alejandro González Iñárritu presenta a un actor

venido a menos que sigue viviendo a la sombra del héroe alado que le brindó la fama

dos décadas atrás, mientras se embarca en la odisea de adaptar una ambiciosa obra de

Raymond Carver que le permita surcar los cielos del estrellato de nuevo. Aunque su

director ha negado cualquier conexión con estas referencias, no deja de ser llamativo el

no origen de esta película.

Lo que no puede negar es que no es casualidad el haber escogido a Michael Keaton

como protagonista de su historia. En el que es el mejor papel de toda su carrera, Keaton

dibuja una caricatura de sí mismo, de sus tiempos como Batman y su ascenso y caída

como estrella rutilante del séptimo arte. El actor da una de las mejores interpretaciones

del año y se presta al juego del cineasta mexicano, el de ofrecer lo que no vemos tras los

escenarios.

Original, divertida, mágica, brutalmente ácida y arriesgada en una estructura formal que

bien merece desde ya el Oscar a mejor director, montaje y fotografía, pero que también

puede cansar a más de uno u obligarle a buscar posibles fallos, “Birdman o (La

inesperada virtud de la ignorancia)” es un prodigio de narrativa cinematográfica. El

magnífico uso de su banda sonora, su espíritu teatral respaldado por uno de los mejores

repartos del cine reciente –todos, desde Edward Norton hasta Emma Stone, pasando por

Zach Galifianakis y Naomi Watts, están soberbios-, y su guión ágil y mordaz que

disecciona sin miramientos por igual todo lo que sucede entre bambalinas y lo que

rodea al mundo del espectáculo son otros de sus grandes aciertos.

Egos desatados, lazos familiares y conyugales por unir, compañeros de profesión

difíciles, críticos que no necesitan ver una obra para hundirla… Iñárritu dispara dardos

envenenados contra todo lo que se mueve por las humeantes calles de Broadway. Pero

si de algo trata esta joya es del amor. Del amor confundido con la admiración, ése del

que viven esos actores que se meten en la piel de superhéroes de Marvel, o esos

directores embebidos en franquicias taquilleras sin fin. Todo ese éxito acabará un día, y

a partir de entonces, o sigues siendo Birdman o te elevas a los cielos como una leyenda.

NOTA: 9 sobre 10


‘Wild’ (Alma Salvaje) Reese Witherspoon nominada al Oscar

Viaje a ninguna parte

La peregrinación como camino hacia el autodescubrimiento. El cine

ya ha abordado la temática del viaje existencial, el que emprende una

persona en busca de sí misma. Desde “All is Lost” hasta la incomprendida

“La playa”, pasando por una recomendación española, “The Way”, que

tenía el Camino de Santiago como uno de sus grandes protagonistas. Lo

nuevo de Jean Marc Vallée, que hace poco más de un año daba el salto al

cine que disfruta recibiendo premios hollywoodienses con la loable “Dallas

Buyers Club”, va en esa línea argumental.

Para analizar “Wild”, se podría partir de dos líneas que definen al

film y que constituyen sus dos vías principales. En primer lugar, el

buenísimo trabajo que realiza Reese Witherspoon en la que supone, de

lejos, su mejor interpretación desde que ganase el Oscar hace casi una

década, si bien en todo este tiempo se ha preocupado más por hacer caja

que por recordarnos lo buena actriz que es. La intérprete, como su propio

personaje en la ficción, carga con buena parte del peso de la cinta a sus

espaldas, y lo hace con convicción, dejándose la piel por el camino.

Y en segundo lugar, está el viaje de redención personal que su

personaje emprende, una traslación a la pantalla del que emprendió Cheryl

Strayed en la vida real, todo un icono de la literatura estadounidense. Una

travesía por la América inhóspita que para ella supuso dejar atrás su yo

salvaje, ése que venía de una tumultuosa existencia desde una pérdida


familiar irreparable que la llevó a coquetear con las drogas y acostarse con

cualquiera que se encontrase a su paso.

Es precisamente en esta segunda vertiente donde la propuesta de

Vallée no encuentra el sendero correcto hacia su destino, que no debería ser

otro que el de convertirse en una experiencia vital incluso para el

espectador. De hecho, intrigan más los flashbacks que el cineasta disemina

a lo largo del recorrido de su protagonista y el montaje no lineal de los

mismos, que obliga al espectador a ordenarlos mentalmente y rellenar los

huecos que queden por llenar, que el viaje en sí mismo. Su referente directo

e inmediato sería “Into the wild”, donde Sean Penn conseguía a través de

una encomiable poesía visual que la odisea de Christopher McCandless se

volviese emotiva y evocadora para el público. Aquí eso no se consigue, no

hay un ápice de emoción, no existe un solo plano con el que te quedes

maravillado, pese a la acertada dirección del canadiense y el buen hacer de

su actriz protagonista.

El libro de Strayed es todo un referente en la sociedad

norteamericana. Los que lo han leído lo describen como toda una

experiencia vital, como una obra aleccionadora e inspiradora. La

adaptación al cine de sus memorias debía convertirse en una aventura

fascinante y emocionante. “Wild” no es una aventura. Ni siquiera es

fascinante ni emocionante. Es un viaje hacia ninguna parte para acabar con

una vida de miseria. Y si todos los viajes de este tipo van a ser como éste,

es mejor quedarse en casa.

NOTA: 4 sobre 10


ENTREVISTAS

‘La Señal’

Director y

coguionista:

William Eubank


Entrevista con el director y coguionista William Eubank

P: ¿Cómo fue la génesis de este proyecto concreto,

particularmente como película narrativa? Escribiste LA SEÑAL

con otros dos guionistas...

William Eubank: Bueno, mi último filme, “Love”, era un proyecto

más vanguardista. Pero soy un gran fan de “En los límites de la

realidad (La dimensión desconocida - The Twilight Zone)”, de lo

que Rod Serling solía hacer como narrador, y siempre había

querido hacer una de esas, una historia con elementos intangibles

y extraños que te hagan pensar: “¿Qué rayos está pasando?”.

Había estado dándole vueltas al concepto de un individuo que se

ve metido en una situación concreta y extrema, cuya auténtica

naturaleza tendría que descubrir esta persona. Lo que me gusta

de películas como “La fuga de Logan” es que el protagonista

principal es como los espectadores, comparte tu punto de vista;

el público siente una conexión, sobre todo si es un personaje

agradable. También admiro el concepto de Roman Polanski de

estar, en la medida de lo posible, “mirando por encima del

hombro”, de modo que estás descubriendo y reaccionando a lo

que sucede junto con el protagonista principal y la película se

vuelve así más interactiva.


Así que, mientras terminaba de montar “Love”, estuve hablando

con mi amigo David Frigerio y se nos ocurrió la idea de LA

SEÑAL; empezamos a escribir el nuevo guión antes incluso de

terminar el montaje. Además, ¡me apetecía hacer algo que fuera

a ver más gente que “Love”! [Ríe]

P: Y tu hermano, Carlyle Eubank, también empezó a trabajar en

el guión.

WE: Entró a formar parte desde el primer momento. Trabajamos

bien juntos; curiosamente, cuando escribimos, yo tiendo a pensar

de forma más lineal y mi hermano tiende más a lo extravagante

con sus ideas. Es el yin de mi yang.

P: LA SEÑAL explora la estética de las “metodologías

anticuadas”. Desde el principio, hay un contraste entre la

tecnología más avanzada y la menos. Hoy en día, existe la

posibilidad de rastrear a cualquiera a través de un ordenador...

WE: Y también hay alguien trabajando con un bloc de papel y una

pluma, que es algo que se comenta; con ellos, hay un cierto

elemento de rol para el personaje que los utiliza. Me he quedado

enfrascado más de una vez pensando cómo ciertas tecnologías


conducen a otras tecnologías y, aun así, todos podemos vernos

atrapados en la rutina usando siempre las mismas cosas.

P: Al concebir esta película, ¿te inspiró la obra de cualquier otro

director?

WE: Visualmente, creo que sí: aquellos cuya obra veo y pienso:

“Esto es lo que creo que pretende este tipo”. Quería que LA

SEÑAL tuviera un comienzo realista, como la vida misma, para

que luego pudiéramos pasar directamente al tema extraño, con un

estilo lo más parecido posible al de Stanley Kubrick, en el que

todo tiene líneas, es agudo y firme. Más adelante, y no sé cómo

pasó, las cosas se ponen mucho más David Lynch. [Ríe]

P: ¿Hubo alguna otra película de cosecha más reciente de bajo

presupuesto, o de ciencia ficción con pocos medios, que te

sirviera de inspiración? Como “Pi, fe en el caos”, la ópera prima

de Darren Aronofsky, o tal vez “Memento”, de Christopher

Nolan. En lo que se refiere a películas que obligan a pensar al

espectador.

WE: “Pi, fe en el caos” es una película que siempre tengo en

mente, porque me encanta el hecho de que se trate de una

historia para devanarse los sesos que tiene lugar básicamente en


un cuarto. “Memento” es una buena referencia, pero la verdad es

que nunca pensé en ella mientras hacía LA SEÑAL. Tiendo a

pensar mucho en pequeñas producciones de ciencia ficción, como

“Moon”, de Duncan Jones; historias en las que te ves obligado a

crear una trama que empieza en una habitación y luego sale de

allí, haciendo que desaparezcan las paredes porque te preocupa

mucho lo que les pasa a los personajes. LA SEÑAL es distinta en

el sentido de que empieza al aire libre y luego pasa rápidamente a

otro lugar; estamos obligando a los espectadores a estar

retenidos con Nic. El personaje pasa de libertad a encierro.

Pensaba en la cinta de Vincenzo Natali “Cube”, y en cualquier

película que encierra a un personaje en un lugar, sin que entienda

qué está pasando.

P: Bueno, ese camino conduce hasta la obra de un realizador que

ha ejercido una gran influencia en todos los demás desde sus

tiempos: Alfred Hitchcock. Resulta que tuviste a alguien de visita

en tu set de rodaje que había trabajado con él, ¿no?

WE: Sí, me contó que, mientras rodaba, Hitchcock era muy

formal y directo al grano, sabía exactamente lo que quería,

conseguía lo que quería y se marchaba. Me lo contaba un

operador de cámara que estuvo unos días con nosotros y había

sido ayudante de cámara en [la película de Hitchcock de 76] “La


trama”. Hablamos un día mientras comíamos, pero sentí que

pasaba algo antes, porque habíamos filmado un travelling en el

que seguíamos a los personajes y a él se le había ocurrido una

forma muy de la vieja escuela de seguirlos que era más que un

simple travelling. Aunque no acabó en el montaje final de la

película.

P: Hay una serena elegancia en la forma de filmar, que parecía en

formato panorámico.

WE: Sí, la rodamos en [relación de aspecto panorámica] 2:40.

Ninguna otra proporción te permite mirar directamente a los

ojos de un actor; la interpretación puede así brillar. Ayudó con

otras facetas de la película, como los planos de Nuevo México o

conducir por la carretera y que parezca que se te viene encima.

Esta no es más que mi segunda película, así que voy aprendiendo

cosas sobre mí mismo sobre la marcha. Para mí todo tiende a ser

muy visual. Empecé como director de fotografía y siempre me

pareció que esa era la forma de entrar en el bosque de la

realización cinematográfica.

En los primeros planos, creo que los rostros quedan mejor en la

pantalla cuando cortas la barbilla y la parte superior de la

cabeza...


P: Sí, Laurence Fishburne es una actor icónico con una gran

presencia, y a menudo lo bisecas en un rostro y una voz; es

imponente, y aun así tiendes a mostrarlo por encima del cuello en

LA SEÑAL.

WE: Bueno, él sabe cuánto peso aporta su voz a las escenas y

sabe cómo sacar el máximo partido a la más mínima expresión.

Pero, la primera vez que nos reunimos, me preguntó si tenía que

llevar todo el tiempo el traje [protector] de su personaje. Le dije

que sí. Y me respondió: “¿Estás seguro?”. “Sí”. “Entonces, de

acuerdo, me apunto; sólo quería asegurarme”. Me explicó que le

preocupaba cómo a veces se pueden perder los matices de una

interpretación. Le comenté que estaba de acuerdo, pero que, tal

como iba a filmarlo todo, estaría muy cerca de él, ¡probablemente

demasiado tiempo! Le dije que me aseguraría de que sus matices

pudieran verse en pantalla y él confió en mí. Luego, durante el

rodaje, hubo momentos en los que apenas podía ver porque tenía

la cámara pegada a la cara...

Pero estamos hablando de Laurence Fishburne, así que quería que

se le viera bien. Era una elección artística, pero también

necesaria; se combina todo eso y llegamos a su personaje. Una

vez tomadas esas decisiones, entonces tenía que resolver ciertas


cuestiones relacionadas con la grabación del sonido. Pero la

fuerza que aporta tiende a apreciarse por encima de todo lo

demás.

P: ¿Cómo es su proceso?

WE: Le va mucho explorar distintas posibilidades. Lo mismo te

pide probar a hacer algo de otra manera, o añadirle un detalle;

algunas de esas cosas acabaron en el montaje final y otras no. Le

encanta meterse en su personaje, más allá de lo que otros

actores se meterían; no teme arriesgarse con las elecciones de

su persona, así que consigue que funcionen.

No había trabajado nunca con un actor de su talla. Asumió un

riesgo al decir que le encantaba el guión y que quería hacer la

película. Durante el rodaje, se acercaba a mí y me felicitaría por

mi atención al detalle. Que te ofrezca esa confianza... es un tipo

genial.

P: ¿Cómo fue el proceso de selección para el resto de los papeles

del reparto?

WE: Prefiero encontrar actores que ya sean como su personaje

para empezar. Eso me resulta importante. Brenton Thwaites


estaba en Australia trabajando en algo y yo estaba en Nuevo

México... y llegaba media hora tarde a nuestra reunión por Skype.

Pero fue de lo más agradable, y vi un verdadero carácter en él

que quería que Nic tuviera... y, si a Brenton no le hizo gracia que

yo llegara media hora tarde, hizo un trabajo magnífico para

convencerme de que no pasaba nada. Pensé: “¡Ganamos todos!”

[Ríe] Brenton resultó ser muy trabajador, supo dotar a su

personaje exactamente de lo que yo quería transmitir con él en la

pantalla.

P: ¿Esa ventaja de partida con sus personalidades os facilita

interactuar en el set?

WE: Sí, porque, entonces, cada vez que te quedes bloqueado

creativamente, puedes pensar en la persona real que se

encuentra en esa situación; “¿Qué haría Brenton?”. Eso ayuda al

proceso de dirección, porque te estás metiendo en alguien que ya

es así, aunque a veces cuesta convencer al actor de que va a

interpretarse básicamente a sí mismo. Pero creo que aporta una

mayor autenticidad.

P: Aunque ni Olivia Cooke ni él son estadounidenses; él es

australiano y ella es británica.


WE: Sí, y los dos saben disimular bien sus acentos, salvo por

alguna que otra toma suelta en la que a alguien se le escapa. Me

gusta mucho el acento natural de Olivia, pero me pareció que

sería injusto dejar que uno de sus personajes tuviera acento y el

otro no.

P: Has hecho arrastrar mucho a Olivia por los pelos en esta

película...

WE: Oh, ¡supo tomárselo muy bien! He trabajado en rodajes en

los que los actores eran difíciles e interrumpían el proceso antes

de que consiguieras lo que necesitabas. Lo que me gustó de

Brenton, Olivia y Beau Knapp es que siempre sentían que podían

hacerlo mejor y yo también me sentía siempre así... deseando

poder tener más tiempo. Puede parecer [que ha salido] perfecto,

pero, ¿y si no es así?

P: Pero, al hacer una película independiente, las limitaciones de

presupuesto y tiempo obligan a seguir avanzando

constantemente, ¿no es así?

WE: Por supuesto. En LA SEÑAL, teníamos un calendario de

rodaje de 28-29 días. Fuimos ambiciosos para nuestro

presupuesto; por ejemplo, contamos con prostéticos del estudio


de efectos Legacy. Ayudé a diseñar esas piezas; Legacy las creó

e hizo un trabajo sensacional. Entonces, cuando tuvimos que

cumplir [los plazos de tiempo que teníamos en] un día de rodaje

de 12 horas en medio de una tormenta de arena en el desierto,

tuvimos que intentar ver cómo aplicar el maquillaje y los

prostéticos. Me gusta ocuparme de todo personalmente y me

cuesta mucho dejar que lo hagan otros. Después de dos años de

preparación, fue como, “¡Esta es la diana y vas a acertar de

lleno!”.

Cuando te metes a rodar, están pasando tantas cosas a la vez que

necesitas tener tus ideas creativas bien claras desde antes,

cuando tenías tiempo para respirar. Es de esperar que tengas la

parte creativa ya lista, de modo que te puedas ocupar de todo lo

demás que va surgiendo.

P: ¿Qué es lo que te resulta más increíble de poder haber hecho

por fin la película?

WE: Que la hiciéramos en tan poco tiempo. Además del viento y

la lluvia de Nuevo México, o que cerráramos el puente de Taos,

como ya hicieran en “Terminator Salvation”, ¡pero no era una

película de nuestra envergadura!


P: Volviendo al tema de las necesidades de la creatividad y a

planificar por adelantado, ¿trabajar con poco presupuesto te

animó a asumir mayores riesgos, alentó tus ambiciones visuales y

narrativas? ¿O más bien las cohibió? ¿O un poco de ambas?

WE: Al emprender el proyecto, ya conoces los retos creativos,

los encuadres, por ejemplo, con tan poco presupuesto. Pero, lo

primero, se trata de crear algo con lo que la gente se identifique

y tal vez no hayan visto nunca antes, y sea factible con ese

presupuesto. Me implico muy directamente con lo que filmo y la

forma de hacerlo, así que siempre estoy intentando pensar en los

efectos y en cómo hacer las cosas. Hago pruebas de antemano

con pequeñas videocámaras.

Para alguno de los momentos de locos de Jonah [Beau Knapp], mi

hermano Carlyle y yo hicimos muchas pruebas y resolvimos cómo

hacerlo con camas elásticas. El día del rodaje, estábamos allí

montándolo todo.

En segundo lugar, siempre intentas rodearte de la mejor gente

posible. En producciones de bajo presupuesto, si no tienes mucho

dinero para hacer cosas, aún puedes reunir a una buena familia

creativa. En LA SEÑAL, contamos con Mark Rayner como

coordinador de especialistas, que trabajó con Christopher Nolan


en “Origen”; fue una gran suerte poder contar con alguien así

para realizar la planificación conmigo. Eso nos permitió además

contar con Nash Edgerton como especialista –que es, él mismo, un

cineasta de talento– y con Darrin Prescott para encargarse de la

seguridad con el agua, porque es amigo de Mark. Gracias a Mark,

conseguimos a lo mejor de lo mejor.

Es especialmente importante colaborar estrechamente con tu

ayudante de dirección. En LA SEÑAL, Jim Grayford nos

consiguió gran cantidad de auténticos milagros.

Y luego, en el proceso de montaje, se producen toda clase de

cosas interesantes. Nuestro excelente montador, Brian Berdan,

empezó con David Lynch, en “Terciopelo azul” y luego trabajó en

la serie “Twin Peaks”. Brian tiene una sensibilidad distinta de la

mía; en mi primera película, “Love”, me di cuenta de que Brian

tenía otra forma de ver las cosas diferente a la mía. He llegado a

apreciar mucho su perspectiva, su punto de vista nuevo. ¡Sus

aportaciones pueden ser tan fuera de lo corriente!

Tengo unos diarios en los que voy anotando cosas. Todo lo que

hago va a parar a mi diario, incluidos esquemas dibujados de

preplanificación. Cuando se trata de hacer una película, estamos

hablando de dos años de ideas...


P: ¿Hay también dibujos en esos diarios?

WE: Sí, utilizo papel milimetrado. Cuando empiezo a trabajar en

un proyecto, tengo diferentes capas en mente y tengo “diarios

iniciales” que llevo a cuestas conmigo para que no se me olvide

ninguna idea. Cuando entro en la fase de escritura del guión,

suele haber otro diario para ese proceso. Cuando por fin dicen

“vamos a hacer esta película”, voy a comprar el cuaderno grande

de marca Moleskine, exactamente como el del personaje de

Matthew McConaughey en “True Detective”. ¡Sólo que el mío

acaba con mucha mejor pinta! [Ríe] En este es donde hago los

storyboards de la mayor parte de la película, abordo todas las

escenas, me enfrento a la película desde una perspectiva de

rodaje. Lo dibujo todo a lápiz, hago diagramas, anoto mis ideas

sobre los personajes de cada escena. Eso me lleva casi tanto

hacerlo como escribir el guión. Me llevo este diario tan grande al

set de rodaje, donde continúa engordando cada vez más.

P: Así que siempre es un trabajo en curso.

WE: Siempre, sí. Dejo espacio extra en el grande porque sigo

trabajando en él durante el proceso montaje. En LA SEÑAL,

había unas cuantas páginas sobre el tráiler. Allí acaban todo tipo


de cosas; alguien lo pisó, así que dejé la huella...

P: ¿Cómo fue la experiencia de presentar LA SEÑAL como

estreno mundial en Sundance? No era tu primera película pero,

¿crees que había allí cierta sensación de descubrimiento hacia ti,

como cineasta?

WE: La verdad es que solía ir a Sundance. Fui 4-5 veces, como

técnico de cámara, para Panavision; básicamente, me sentaba y

hablaba maravillas de las cámaras digitales. Las primeras, como la

F-900 que se usó en “Collateral”. Veía todas las demás cosas que

pasaban a mi alrededor y soñaba con poder ir. Cuando no estaba

trabajando, iba a ver películas. Mi abuelo vivía en Salt Lake City

por entonces, y me lo llevaba a cenar a costa de Panavision; fue

director de fotografía en la Armada. Solía decirme: “¡Algún día,

irás a ese festival!”. Falleció hace un par de años, así que no llegó

a verme ir por fin. Fue muy especial estar allí, acordándome de

él.

Sundance fue un sueño. Estaba abrumado de verme allí. Me sentí

como si me hubieran dedicado una estrella; si la realización es

una progresión, Sundance es un nivel al que esperas llegar. No sé

si alguno de mis demás filmes volverá a ser una “película de

Sundance”, pero esa experiencia fue increíble, sentir la energía


de toda la gente. Tener ocasión de compartir mi cinta con ellos

fue algo único, y tuvo una gran acogida. Cada pase fue cada vez

mejor. Creo que puse el volumen demasiado bajo en el primer

pase, aunque todo el mundo dijo que fue genial; seguí subiéndolo

en cada proyección posterior. Ver la película con público, fue un

gusto descubrir poco a poco dónde reaccionaban. Las sesiones de

preguntas y respuestas fueron divertidas; la gente se quedaba

boquiabierta al oír hablar a Brenton, porque no sabían que fuera

australiano.

P: ¿Era la primera vez de Brenton en Sundance?

WE: Sí. Y también de Beau. Por desgracia, Olivia no pudo ir.

P: ¿Y os quedáis todos levantados hasta tarde para asistir al

estreno mundial a medianoche?

WE: [Ríe] ¡Sí, no dormimos mucho! Se agotaron las localidades

del pase y el nivel de energía se mantuvo alto en todo momento.

P: ¿Incluso para Brenton, Beau y tú, durante la sesión de

preguntas y respuestas a la 1.40 de la madrugada?

WE: Oh, sí. Hubo algunas preguntas de locos. Había niños


pequeños correteando; ¡no me podía creer que sus padres los

hubieran traído y les permitieran quedarse levantados tan tarde!

P: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

WE: Tengo muchas cosas en mente. Estoy terminando de escribir

un thriller de acción militar con David Frigerio [coguionista de LA

SEÑAL]. También estoy trabajando en una historia de época con

un toque de un 1% de fantasía.

Revista Much Cine febrero 2015

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