Revista Acine edición 36 - Noviembre

4 ACINE • NOVIEMBRE • 2014 ACINE • NOVIEMBRE • 2014 5

Últimamente el negocio del cine ha crecido de forma gigantes-ca, no solo a nivel económico sino también a nivel de seguidores. El cine más que un plan de fin de semana se convirtió en un estilo de vida, en cultura, en moda, entre muchas otras.

Esto se debe a las grandes producciones y las grandes adap-taciones que hemos visto año tras año, las cuales van cautivando y van metiendo de lleno al público dentro de las historias, ya el asistente a las salas deja de ser eso, ahora hace parte de la película, hace parte del equipo de marketing, hace parte del equipo de voz a voz, se convierte más que la película en el principal influenciador.

El cine le ha abierto las puertas a muchos nuevos negocios, el merchandising y la cantidad de productos que se venden de los filmes más taquilleras hacen que las películas se vuelvan mucha más que una simple proyección.

Y la Revista Acine no se queda atrás, la revista evoluciona día a día con este espectacular mundo y próximamente tendremos una sorpresa para todos y cada uno de los fanáticos de las principales producciones de cine.

El próximo año, llegará con nuevas sorpresa y nuevas formas de comunicar, ver, y entender el cine. Manténganse conectados con la primera revista de cine comercial en Colombia y podrán ser parte de esta gran evolución.

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ACINE

Y MUCHO MÁS


El dador de recuerdos

DESDE ARGENTINA

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Jonás (Brenton Thwaites) – el personaje bíblico del mismo nombre es solo una coincidencia – es quien tiene esa respuesta, pues él es el nuevo Receptor de Recuerdos, una persona que recibe los recuerdos del anterior Dador de Recuerdos

(Jeff Bridges). Conforme Jonás va recibiendo recuerdos, su inquietud por el saber se acrecienta, pero a la vez todo a su alrededor cambia.

Él no vive en una sociedad donde todo es felicidad, colorido y lleno de vida. Esta utopía post apocalíptica – si, como en casi todos los films actuales – abunda la ausencia de todo tipo de emociones. No existe la envidia, ni el caos. Pero tampoco existe la felicidad o el amor. Parece que todos en esta sociedad, comandados por la Anciana en Jefe (una unidimensional, pero efectiva Meryl Streep) son una especie de zombis, quien a todo tienen que responder con cordialidad y serenidad.

Todo en esta sociedad se lo retrata de una tonalidad grisácea; pues Los Ancianos, las personas más sabias del lugar han eliminado también los colores y controlan el clima a su antojo. Pero ahí es donde Jonás sabe que no es como los demás. Al igual que El Dador, Él puede identificar los colores, puede sentir emociones, e incluso experimentar el amor por primera vez por su amiga Fiona (Odeya Rush).

El film es lento al principio. Pero conforme avanza el metraje, y nos adentramos más a los perfiles psicológicos que la utopía, notamos que esta sociedad armoniosa y zombificada es tan caótica, que nos damos a la idea que está cerca de la distopía. Pensemos por un minuto en una de las secuencias claves del film. Jonás ve como su Padre (Alexander Skarsgård) está matando a un bebe, pues lo consideran “incompatible” para su sociedad. Él supone que sabe lo que hace, pero El Dador le avisa que no es así. Que no tiene idea de lo que está haciendo. Ni su Padre, ni el resto de la sociedad, saben que ese ritual de “Liberación” es la misma sentencia de muerte.

La fotograf ía de Ross Emery, quien ya lo hemos visto en “Wolverine: Inmortal” y “Yo, Frankestein”, logra plasmar un increíble progreso en el manejo de los colores. Desde los colores grises del principio, pasando por tonalidades sepia hasta sufrir un shock de colores vibrantes, quedan patentados con gran acierto en cada fotograma.

Marco Beltrami compuso la banda sonora, que no es avasallante, pero se complementa con las secuencias. Mientras que el director Phillip Noyce ha puesto su impronta al film con secuencias de movimiento lento, patentando ese aire de nostalgia, pero a la vez brindando momentos de tensión.

Desde “Los Juegos del Hambre” hasta “Divergente”, el cine de la última década se ha basado en futuros o sociedades distópica, patentándose un conflicto entre lo bueno para los lideres y lo bueno para el pueblo. “El dador de recuerdos” rompe un poco con esta premisa para darnos la gran interrogante: ¿Qué pasaría si una utopía armoniosa se convierte en una distopía caótica?


4 EDITORIAL5 ACINE DESDE ARGENTINA8 ENTREVISTABEN AFFLECK

12 NOTICIAS/DESTACADOS13 vamos acine COLOMBIANODEFAULT

14 vamos acineBOXTROLLS

15 vamos acineINTERSTELLAR

16-17 EN TELEVISIÓNTHE DIVIDEHALT AND CATCH FIRECONSTANTINESTALKER

18 PORTADA ACINELOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO PARTE 1

20 CARTELERA21 PERFILJEFF DANIELS

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8 15 17

PORTADA

EDICIÓN 36 - NOVIEMBRE DE 2014


18PORTADA

LOS IRRITANTES INSTINTOS HUMANOS

La unanimidad y el consenso, estará muy lejos de los espectadores que vean Relatos Salvajes. Si es por cifras, esta cinta dirigida por Damián Szifron se convirtió recientemente en la película argentina más vista de los últimos 25 años, superando en cantidad de espectadores a la

oscarizada El secreto de sus ojos.

Hasta las personas extremadamente susceptibles, les ha quedado bastante dif ícil retirarse de los teatros, pues el hilo conductor de cada una de las historias, así sean independientes, los lleva a presenciar hasta la última letra de los créditos finales.

Personalmente me gustó y la recomiendo.

En síntesis son 6 cuentos (relatos) que tienen como común denominador la violencia y la desesperación humana ante situaciones medianamente cotidianas.

Su posible realidad y la cercanía a nuestro entorno, hace de Relatos Salvajes un conjunto de situaciones grotescas que caricaturizan al ser humano en su extremo más irritante. Mezcla violencia, suspenso y humor negro, una combinación perfecta que deja la dif ícil tarea de rotular en algún género específico a este film.

En síntesis, el objetivo de una película es entretener, y esta lo ha conseguido con creces, pues en su casi dos horas de proyección, los espectadores pasan por risas, miedo, repudio, pero ante todo por escenas en las que se puede ver reflejado su vecino, su pareja, y por supuesto usted.

Entre líneas y de una manera atrevida y exagerada, cada uno de los episodios deja un mensaje a los espectadores, en donde se quiere enseñar de alguna u otra forma, que todos los actos tienen consecuencias, de la que cada individuo indudablemente es el único responsable.

Sin duda alguna esta película es una apuesta escénica inteligente, que vale la pena repetir y que le da un jalón anímico a la casi siempre poco creativa industria latinoamericana.


“Trabajar con David Fincher, es un sueño hecho realidad”

8 ACINE • NOVIEMBRE • 2014

Ben Affleck


El actor habla de la adaptación fílmica de “Perdida”, la novela best-séller de Gillian Flynn que se ha convertido en un fenómeno literario mundial.

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Director, guionista, actor y dos veces ganador del Óscar Ben Affleck, se estaba preparando para su siguiente proyecto como director cuando surgió la oportunidad de trabajar con David Fincher en Perdida. Admitiendo

que era “un sueño hecho realidad”, Affleck pospuso su producción para tomar el papel de Nick Dunne, un experiodista que se convierte en el principal sospechoso cuando su esposa Amy (Rosamund Pike) desaparece.

¿Cuándo te hiciste consciente de Perdida?Ben Affleck: El libro estaba de moda en

Hollywood. Todo el mundo estaba leyéndolo. Como sabes, Hollywood es la clase de lugar donde hay una cosa y todo el mundo habla de ella, hasta que llega la siguiente. Y así fue con esto. Cuando me enteré de su existencia, lo leí y me gustó mucho. Pensé, ‘Dios, esto sería dif ícil de hacer película’. Luego lo dejé y no volví a pensar en él, hasta que recibí una llamada diciendo, ‘David Fincher quiere hablar contigo de Perdida’. En realidad yo estaba a punto de dirigir otra película, pero la oportunidad de trabajar con Fincher era un sueño hecho realidad. Así que pospuse la otra película que iba a dirigir y Warner fue muy flexible. Tuve la oportunidad de hacer esto, que fue increíble: el que alguien llegue y te ponga tu sueño sobre una charola de plata y te lo entregue. Estuve encantado.

¿Qué pensaste inicialmente sobre el personaje de Nick y la historia en general?

B.A. Sabía que iba a ser un papel engañosamente dif ícil de interpretar por la forma en que la perspectiva del personaje de los espectadores tenía que calibrarse delicadamente. La idea siendo que puedes cambiar tu opinión sobre este tipo conforme va avanzando la historia. Ni David ni yo queríamos hacerlo en una

forma que no fuera realista, o no fuera dramática. Así que tuvimos que afinar detalles. Ésas son las cosas que de cierta forma son las más dif íciles de lograr. Porque todo tiene que ser medio convincente... ‘Ay, tal vez lo hizo...’ ‘Tal vez no lo hizo...’ Ese tipo de cosas. Y si no pones esa duda en la mente del público, la película no funcionará tan bien.

¿Qué discutieron específicamente David y tú?

B.A. Por ejemplo, me dijo, ‘Mira, no puede haber vanidad en esta actuación. Éste es un tipo al que todo mundo trata mal y vemos sus peores facetas’. Me gustó esa idea. Últimamente me ha disgustado la vanidad que puedo ver en las películas porque no se siente realista. Así que le dije, ‘De acuerdo, voy con todo. Vamos a hacerlo’. Quizá con otro director no lo hubiera hecho, pero con David hubiera leído el directorio telefónico si me lo hubiera pedido. Así que nos lanzamos a tratar de hacer un personaje que se sintiera real, con el que te pudieras identificar en términos de su matrimonio y su relación... y que también pudieras creer después que tal vez había matado a su esposa.

¿Uno de los desafíos fue interpretar a alguien que sabe que está siendo observado? Es como si interpretaras a una persona que está interpretando un papel.

B.A. Sí, creo que lo que es muy importante en esto es el tema del juego de roles. Fue muy poderoso y resonante en esta película para mí. La forma en que la prensa te coloca en ciertos papeles: ‘Muy bien, vas a ser el esposo devoto’ o ‘Vas a ser el esposo asesino’ o ‘Vas a ser el traicionero escandaloso’ o lo que sea, convertimos a las personas en arquetipos fácilmente digeribles con los medios. Y por supuesto, también están los juegos de roles que ocurren en las relaciones.


Ya sabes, esperas algo de alguien, ellos esperan algo de ti en una relación conyugal, la esposa fiel, el esposo obediente, y cada vez que te comportas de una forma que no llena esas expectativas, eso causa problemas. Y cuando Nick no se comporta en la forma que se supone que se debe comportar un esposo en duelo, enfurece a la gente que está viéndolo a través de los medios. Eso me pareció muy interesante.

Eres alguien que tiene la experiencia del escrutinio de la prensa.

B.A. Sí, definitivamente he experimentado eso en mi propia vida, tanto en términos de ser caracterizado en formas que me son completamente irreconocibles y también a través de periodos de mi vida donde he decidido, ‘No me importa lo que vaya a pasar, simplemente voy a ser quien realmente soy y dejaré que las cosas caigan por su propio peso’. El ver la respuesta negativa que obtuve con eso fue muy poderoso y me

dije a mí mismo, ‘¿Por qué te importa tanto esto? ¿Por qué está esto engendrando tanta hostilidad?

Así como sobre los medios modernos, ¿crees que la película reflexiona sobre el matrimonio moderno?

B.A. En el fondo, en su raíz, el libro se trata del matrimonio. Así que la película también se trata del matrimonio, aunque al modo de verlo de David. Está ligeramente sesgado. Y el modo de verlo de Gillian es algo perverso. ¡Así que tienes una perversión sobre otra! Pero finalmente creo que la película se trata de la forma en que usamos máscaras inicialmente en una relación para atraer a la persona, para resultarles más atractivos. Para cambiarnos y encajar en las expectativas del otro, para interpretar ese papel. Y luego llega un momento frecuentemente en el matrimonio donde te quitas las máscaras, cierras la puerta y descubres quién eres realmente y quién es el otro realmente. Frecuentemente hay sorpresas en ese


proceso. Creo que ese proceso es el tema central que une todos los demás temas del libro y de la película.

Los dos personajes principales, Amy y Nick, han perdido sus trabajos y se han mudado fuera de la ciudad. Las carreras que los definieron se han evaporado en el mundo moderno. ¿Eso es algo que explora la película?

B.A. Creo que sí. Creo que lo explora como un fondo; la idea de la alienación de la clase media. Es un poco la erosión de la parte de abajo de la clase media. El lento desencanto que llega con el reconocimiento de que ya no es cierto que si haces lo debido y vas a la universidad y sacas buenas calificaciones puedas obtener un trabajo. O la clase de trabajo que quieres. Y luego a medida de que esa promesa estadounidense se desvanece, también lo hace parte de nuestra fibra moral. En ese sentido, hay una conexión que sientes con estas dos personas – que sus mejores partes se han evaporado con sus circunstancias económicas porque han corroído su estima y les han hecho cosas, el tipo de cosas que hacen que seamos nuestros peores yos.

¿Tu experiencia como director ha cambiado tu forma de actuar o tu entendimiento de la actuación?

B.A. Creo que dirigir me ha hecho mejorar mucho como actor. Es una gran cátedra de actuación. Creo que cualquier actor que tenga la oportunidad de dirigir una película, sea grande o sea chica, debe tomarla. La oportunidad de sentarse del otro lado durante el proceso de audición, el proceso de la actuación en el monitor y la oportunidad de editar una actuación son enormemente educativas. Al menos lo fueron para mí – enormemente benéficas en términos de reconocer qué funciona y qué no.

¿Pero es fácil ‘dejar las riendas’ ahora y ser simplemente un actor en un set?

B.A. Sí, y también es valioso reconocer la primacía del director. El director está llevando el barco en una dirección y tú haces tu mejor esfuerzo por atar tu barco al suyo. Eso no significa que no puedas añadirle bengalas – puedes ir a toda mecha, puedes navegar. Quieres ir en la dirección que va el director. A veces es fácil caer en la trampa como actor de cambiar de dirección y agarrar tu propio camino. Eso no funciona. Es la película del director. Con un tipo como David Fincher, es muy fácil amarrarte al mástil y decir ‘De acuerdo, vámonos’. Huracán o mar tranquilo, voy con todo. Creo que es útil ver qué podría hacerse después de una actuación también, si realmente crees en el director.

¿Cómo creaste los lazos y la intimidad que necesitabas con Rosamund? En términos de: el público tiene que creer que ustedes son dos personas que se conocen al derecho y al revés. ¿Pero presumo que no se conocían desde antes?

B.A. Fue dif ícil con Ros por muchas razones en las que no puedo ahondar sin revelar demasiado de la trama. No podemos ir a ese lugar en cierto grado, en términos de lo que estás viendo en flashback y lo veraz que es. Pero eso nos complicó las cosas. Fue dif ícil, porque esa fase de ‘enamoramiento’ estuvo muy truncada. Tenías que lograr mucho en muy poco tiempo – como taquigrafiar. Con David, porque estás filmando tanto, no hay mucho tiempo de sentarte a platicar, conocer a tu verdadero yo y contar historias de tus padres y ese tipo de cosas. Realmente estás ahí sólo para trabajar. Y Ros es algo enigmática, casi ligeramente inaccesible, lo cual me pareció muy bien. Hay una corriente subyacente de alienación en la película, así que tal vez esto puede funcionar para eso. Es más fácil crear calidez y sonrisas y hacer todas esas cosas que asociamos con relaciones felices que sazonarlo con algunas especias de indiferencia y resentimiento. Ya sabes, aborrecimiento... ¡si eso tiene sentido!


POR SI NO SABIASAQUÍ TE LO DECIMOS

LA FRONTERA MÁS CALIENTE

La entrega audiovisual analiza las causas y consecuencias del conflicto armado que ha azotado al oriente colombiano durante los últimos años

La frontera entre Colombia y Venezuela es uno de los lugares más ricos en petróleo a nivel mundial. Sin embargo, esa riqueza ha empobrecido a la población y causado estragos naturales, debido a los conflictos que se han desatado en torno a su explotación. Discovery, en coproducción con Caracol Televisión, estrena el próximo domingo 23 de noviembre a las 11 PM, “COLOMBIA: LA FRONTERA MÁS CALIENTE”, un documental que analiza la problemática que se desarrolla en la frontera.

Ésta producción muestra desde una perspectiva analítica, la convivencia de la población con traficantes, paramilitares, contrabandistas, guerrilla y delincuencia común, grupos que por años han estado detrás del gran botín económico que genera el petróleo. Sólo en los últimos diez años, 30 mil personas han sido asesinadas en la zona debido al conflicto armado.

Los cientos de kilómetros de oleoducto a lo largo de la frontera con Venezuela generan un problema aún más grave: atentados constantes por parte de la guerrilla, que cobran vidas humanas y tienen un gran impacto a nivel natural. El documental analiza también la situación cotidiana que afecta a los departamentos fronterizos: la industria del tráfico de combustible, que ha generado diferencia en los precios de la gasolina y que tiene como resultado la extorsión y persecución policial.

La producción local de MTV Latinoamé-rica, Catfish Colombia, llega con éxito a la pantalla de América Latina al lograr, con sus dos primeros episodios a la posición #2 en el ranking de canales de TV de Paga del mercado colombiano, entre la audiencia de 18-24 años y #3 de 18-34 años [1]. Más de 180 mil perso-nas [2] sintonizaron MTV Latinoamérica para ver los dos episodios de estreno y sus repeti-ciones. Y, durante todo el mes de septiembre, se posicionó en el puesto #5 con la audiencia de 18-24 años en el horario de 6AM-2AM [3]. “Catfish Colombia sigue la exitosa línea de MTV al crear contenidos sólidos de entrete-nimiento con formatos audaces y novedosos que muestran situaciones verdaderas a partir de las relaciones de los millennials a través de las redes sociales e internet,” Comentó María Iregui, Gerente de Marca, SVP de pro-ducción y Programación de MTV. El gran éxito que hemos tenido con este show realizado en Colombia es un reflejo directo de la experien-cia y excelencia creativa de MTV al producir contenidos que logran conectar de un modo sin precedentes con la audiencia millennial.”, agregó.

LO NUEVO

CATFISH COLOMBIA

El estreno de los primeros episodios fue visto por casi medio millón de millennials y se colocó en 2° lugar entre los top shows de TV de Paga en Colombia


DEFAULT

Se estrena en las salas de todo el país la última película del director de “Paraíso Travel”, el colombiano Simón Brand. La cinta es un interesante ejercicio cinematográfico usando como escenario el caso real de un avión de periodistas

que fue secuestrado por piratas somalíes. Gran parte de las imágenes de la película son de archivo recuperadas del día del secuestro, lo cual le da un constante tono documental bastante inquietante que capta la atención del público gracias a la tensión que genera la edición abrupta y los evidentes cambios en la cámara usada en las diferentes escenas. Simón Brand demuestra que tiene un estilo de corte internacional, haciendo un esfuerzo por impregnar un aire del cine de Paul Greengrass (Vuelo 93, Capitán Philips) que por momentos logra generar situaciones con altas dosis de acción. Lo que más destaca a lo largo de la película es la matizada interpretación del actor inglés David Oyelowo, que interpreta a un pirata somalí dispuesto a todo con tal de lograr ser entrevistado por un famoso periodista norteamericano.

La película resulta un buen ejemplo de la alta calidad del cine independiente estadounidense que con poco presupuesto, logra crear producciones de muy alta calidad. Sin embargo, la película inevitablemente recuerda a la cinta “Capitán Philips” estrenada en el 2013 y que logró seis nominaciones a los Premios Óscar® del año pasado, acerca del secuestro de un barco carguero por un grupo de piratas somalíes. Con dos magistrales actuaciones de Tom Hanks y del debutante Barkhad Abdi. La película fue una de las 10 producciones que mejores críticas recibió durante el 2013, con lo cual, al ver esta película de bajo presupuesto con una técnica de grabación y montaje que se asemeja muchísimo a la de las películas de Greengrass, la sensación de que el tema de los piratas somalíes se volvió popular en Hollywood

y que este era el momento perfecto para estrenar la película porque de lo contrario hubiera sido dif ícil encontrar un distribuidor es inevitable. Y comparar los dos personajes centrales de esta cinta y “Capitán Philips” también lo es, y dado que las comparaciones son odiosas, la última entrega del colombiano parece un intento fallido por copiar el inigualable estilo del director inglés. El guión por otro lado se extiende en los momentos de violencia, tensión y drama, que llega un punto en que parece que no va a pasar nada. La escena climática de la película, cuando el antagonista logra su objetivo y consigue ser entrevistado por el periodista se extiende sin mucha profundidad, dejando una sensación de vacío en el espectador. Esto no desmerita el valiente esfuerzo de Brand por estar a la altura de la historia. La película en taquilla mundial solo ha podido recaudar 750.000 dólares hasta el momento y la crítica no ha respondido a la película ni para bien, ni para mal. La famosa página de internet Rotten Tomatoes le dio un puntaje de 55% de popularidad. El que se ha llevado todos los comentarios es Oyelowo y su fuerte presencia en la pantalla. Simón Brand da otro paso, estableciéndose cada vez más como uno de los directores independientes latinos en Estados Unidos más relevantes, logrando que cada vez más estrellas se interesen en sus proyectos y lográndose salir del espectro del género latino e historias típicas de la comunidad hispana como la inmigración y las mulas. Es un film que vale la pena ir a ver si disfruta de los documentales, las situaciones de tensión extrema, la cámara en mano y mucho movimiento.

Para los que no estén asociados con el cine de Greengrass, esta película es un excelente ejemplo para entrar dentro del mundo del docu-drama, donde el hiper-realismo es el eje central de todo.

LOS PIRATAS SOMALÍES VUELVEN A ATACAR


Los Boxtrolls es una película familiar de los creadores de Coraline y ParaNorman, ambas nominadas al Premio de la Academia por Mejor Película de Animación.

LOS BOXTROLLSUNA AVENTURA CUADRADA

Esta nueva película le presenta al público un nuevo tipo de familia: Los Boxtrolls, una comunidad de criaturas fantásticas, estrafalarias y traviesas, que

cariñosamente han criado a un niño humano llamado Huevo (en la voz de Isaac Hempstead Wright de la serie Game of Thrones), desde que era muy pequeño en la maravillosa cueva a la que llaman hogar, construida debajo de las calles empedradas de Quesavilla. Viven una existencia feliz y armoniosa lejos de la sociedad; los sofisticados residentes locales del periodo Victoriano están obsesionados con la riqueza, la clase, y los quesos finos – aunque apestosos –. Lord Camem-bert (Jared Harris de la serie Mad Men), el alcalde de facto, lleva la batuta junto con su élite esnob de amigotes con Sombreros Blancos. Como todos los demás, él cree las historias aterradoras sobre los Boxtrolls que el villano Archibaldo Penelope Hurtado (Ben Kingsley, ganador del Premio de la Academia) ha esparcido por doquier durante más de una década. Resuelto a ser aceptado en el grupo de Sombreros Blancos, Archibaldo Penelope Hurtado encierra al genio inventor y amigo de los Boxtrolls, Heriberto Trubon (Simon Pegg de Star Trek), y encabeza una pandilla conocida como los Sombreros Rojos para capturar a todos los Boxtrolls. Los Sombreros Rojos incluyen al implacable Sr. Mollejas (Tracy Morgan

de 30 Rock), al torpe Sr. Fideos (Richard Ayoade de The IT Crowd), y al impasible Sr. Trucho (Nick Frost de The World’s End).

Mientras mantienen unida a su comunidad bajo tierra, la basura de los humanos se convierte en el tesoro de los Boxtrolls. Los Boxtrolls visten cajas de cartón recicladas, igual que las tortugas portan sus caparazones. El bondadoso grupo de reparadores también revisa contenedores de basura para recolectar trastos mecánicos que transforman en inventos mágicos. Como su familia de Boxtrolls corre cada vez más riesgo por la incomprensión de los ciudadanos de Quesavilla y por la amenazante conspiración de Archibaldo Penelope Hurtado, Huevo debe aventurarse a la superficie, “a la luz”, donde conoce y hace equipo con una niña de también 11 años, la fabulosamente energética Winnie (Elle Fanning de Maleficent), hija de Lord Camem-bert. Juntos, Huevo y Winnie conciben un atrevido plan para salvar a los Boxtrolls de Archibaldo Penelope Hurtado, embarcándose en una aventura con travesuras disparatadas y corazones abiertos que demuestra que los héroes vienen en todas formas y tamaños, incluso rectangulares.


UN VIAJE INTERGALÁCTICO HACIA LO MÁS PROFUNDO DEL CORAZÓN

La anticipada última entrega del visionario director inglés Christopher Nolan, orquestador de la célebre y multimillonaria trilogía de Batman, se estrenó en

las salas de cines de todo el mundo en Noviembre de 2014, arrasando en la taquilla extranjera durante su fin de semana de estreno, sin embargo, la crítica se ha mostrado fría en su recepción a la película. Algunos tachan al director y guionista de copiar las fórmulas narrativas de Gravity de Alfonso Cuarón y El Árbol de la Vida de Terrence Malick y otros simplemente lo critican por ser tan ambicioso en cuanto a la escala de la producción y las ideas que quiere transmitir, pero lo que nadie puede negar es que en el fondo, la base que sostiene la película es muy sencilla: el amor de un padre por su hija donde la idea de un viaje interestelar en un escenario apocalíptico es simplemente una metáfora para afirmar con vehemencia que lo único que va a salvar a los humanos como raza y como individuos es el Amor.

En muchos aspectos, esta producción que sobrepasó la inversión de los doscientos millones de dólares, es una gran obra épica que merece que las audiencias paguen por verla, principalmente porque es una gran experiencia visual y auditiva, que está pensada para ser vivida en un cine. Segundo, porque cuenta con una brillante actuación estelar de Matthew McConaughey y sólidas interpretaciones de Anne Hathaway y Jessica Chastain y tercero, porque es una historia compleja,

con un guión muy bien estructurado, que no deja cabos sueltos, ni cae en la situación anecdótica, sino que avanza de manera fluida sobre la idea general, sin dejar de generar tensión en las situaciones y en las relaciones humanas.

De ningún modo, esta película es sólo un intento desesperado de Nolan por lucrarse a costa de su nombre que es capaz de arrastrar a las masas a las salas de cine; en su último trabajo Christopher Nolan intenta alcanzar lo inalcanzable y comparte ese viaje con el público de una manera muy emocional y eso lo trasciende como artista: su visión. Porque se requiere mucho más que ganas para reinventar el género de superhéroes en el cine como él lo hizo, o para ser el primero en hablar en Hollywood de cine comercial con pretensiones intelectuales y de milimétrica precisión partiendo de una idea original y poder llevarlo a la práctica de manera exitosa.

interstellar


La serie desarrollada en Filadelfia explora temáticas como la moral, la raza y la política a través de un juicio por asesinato controversial.

THE DIVIDE

Veinte años atrás la familia Butler fue atacada en su casa de Filadelfia resultando todos sus miembros brutalmente asesinados, a excepción de la hija más

joven. La violenta muerte de esta familia afroamericana, aparentemente en un crimen racial a manos de dos trabajadores de la construcción (Cris Bauer y Joe Anderson), amenaza con desatar conflictos étnicos latentes en la ciudad. Siendo él mismo descendiente de afroamericanos, Adam Page (Damon Gupton), el fiscal de distrito y una figura política en ascenso, construye su reputación al asegurarse la condena de los dos sospechosos, incluyendo la pena de muerte para uno de ellos. Pero ahora, Christine Rosa (Marin Ireland) una comprometida asistente social que trabaja para la “The Innocence Initiative”, cree que los sospechosos fueron sentenciados incorrectamente y se propone exonerarlos y detener la inminente ejecución.

En su búsqueda por la verdad, Christine descubre nueva evidencia que la enfrenta con Adam. Mientras él hace todo en sus manos para sostener el veredicto y mantener su reputación, su comportamiento impone una tensión creciente sobre su matrimonio con Billie (Nia Long), una abogada corporativa. “The Divide” pone en foco la duda sobre la culpabilidad de dos hombres, así como la clásica lucha entre el bien y el mal, y la oposición entre las ambiciones personales de dos personas muy diferentes en el marco de las intrincadas complejidades del sistema legal y político estadounidense.

La serie, situada en los dinámicos inicios de la industria de las computadoras personales, tiene como productores ejecutivos al galardonado equipo creador de “Breaking Bad”

HALT AND CATCH FIRE

“Halt and Catch Fire” tiene lugar poco después de que IBM tomó control del mercado de las computadoras personales con el lanzamiento de su primer y más

importante prototipo, la IBM PC. Sin embargo, algunos visionarios de la industria han identificado la falla fatal de la IBM PC: su sistema operativo puede ser “descifrado”, código por código, y recreado con mejoras significativas. El mundo de las PC se convierte en un juego para cualquiera y un trío impensado –un hábil vendedor, un ambicioso ingeniero y una joven prodigio de los códigos computacionales– toman riesgos personales y profesionales en la carrera hacia la creación de una nueva computadora que cambiará el mundo tal como lo conocían.

En este drama de ficción, el ex ejecutivo de IBM Joe McMillan (Lee Pace) planea alterar el diseño del emblemático producto de sus antiguos empleadores, para impulsar a su actual compañía, Cardiff Electric, en una nueva carrera para alcanzar la supremacía del mercado. McMillan recluta la ayuda de Gordon Clark (Scoot McNairy), un gran ingeniero que sueña con la creación de un producto revolucionario mientras intenta mantener a su poco comprensiva esposa Donna (Kerry Bishé), y Cameron Howe (Mackenzie Davies) una irascible joven prodigio que pone su futuro en juego para sumarse al proyecto de MacMillan. Con una idea que podría cambiar la cultura de negocios de la entonces llamada Silicon Prairie texana desde sus bases, la tensión surge en el grupo mientras intentan hacerse camino por la delgada línea que divide la visión del fraude, la genialidad del delirio, y la innovación del suicidio de negocios. “Halt and Catch Fire” explora cómo es perseguir algo realmente genial e innovador, sin importar los riesgos.


El cazador de demonios y maestro de lo oculto John Constantine tiene un profuso conocimiento de las artes oscuras y una agudeza a toda prueba, amén de

un carácter dif ícil y mil y un demonios interiores. A pesar

de que su alma ha sido condenada al infierno por toda la eternidad, él pelea para el bando de los buenos, o al menos, solía hacerlo, hasta que una traumática experiencia lo llevó a abandonar su cruzada.

Cuando el balance de poder entre el bien y el mal esté en juego en la Tierra, una serie de inesperados eventos lo traerá nuevamente al ruedo… ¡Prepárense demonios!, pues Constantine hará todo lo que considere necesario para proteger al inocente.

Utilizando todas sus habilidades, conjuros y conocimientos, amén de métodos poco ortodoxos, Constantine dará todo de sí para exterminar a los demonios y fuerzas sobrenaturales que amenazan nuestro mundo, con el fin de confinarlos a donde pertenecen. Luego de eso, quién sabe… quizás todavía haya alguna esperanza para salvar su propia alma…

En “Stalker”, la teniente Davis, protagonizada por Maggie Q (“Nikita”, Misión: Imposible III), es una mujer fuerte y enfocada en su trabajo que fue víctima de acoso en el pasado. El detective Larsen,

interpretado por el ganador del Globo de Oro Dylan McDermott (“American Horror Story”, The Perks of Being a Wallflower), es seguro de sí mismo, tiene una personalidad fuerte y una conducta que lo ha metido en problemas más de una vez. Ambos investigan incidentes relacionados con diferentes tipos de acoso para la unidad de amenazas del Departamento de Policía de Los Ángeles, como el voyerismo, el acoso cibernético y psicológico, así como la fijación romántica; todo mientras tratan los dos de controlar sus propias obsesiones.

La serie obtuvo una recepción de 9.05 millones de televidentes durante su estreno en EE.UU. y logró la posición número uno de su horario por dos semana consecutivas. Producida por Kevin Williamson (“The Vampire Diaries”), “Stalker” también cuenta con la actuación de Mariana Klaveno (“True Blood”), Victor Rasuk (Fifty Shades of Grey) y Elisabeth Röhm (“La Ley y el Orden”).

CONSTANTINE

STALKER


LOS JUEGOS DEL HAMBRE

SINSAJO PARTE 1: Las llamas no se detienen

Podremos ver a Jennifer Lawrence liderar la resistencia frente al capitolio. En el reparto la acompañan Josh Hutcherson, Liam Hemsworh, Julianne Moore y Phillip Seymour Hoffman.

En el desenlace de la trilogía distópica, una malherida e incluso afectada mentalmente Katniss Everdeen, (Jennifer Lawrence) deberá adaptarse a su nueva vida después de que los rebeldes del ‘desaparecido’ Distrito 13

la rescaten de la Arena al final de la 75 edición de los Juegos. Pero Peeta Mellark no corre la misma suerte y, junto a otros tributos como

Johanna Mason y Enobaria, es capturado por el Capitolio, que lo somete a terribles torturas psicológicas, que incluso le hacen dudar de sus verdaderos sentimientos hacia Katniss. Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1, será el tercer largometraje de la trilogía de Los Juegos del Hambre de la escritora estadounidense Suzanne Collins. La película será estrenada a mediados de noviembre de 2014.


Jodie Foster fue considerada para interpretar a Alma Coin.

El fenómeno mundial de Los Juegos del Hambre continúa dejando al mundo ‘en llamas’ con Sinsajo - Parte 1. Esta vez Katniss se encuentra en el Distrito 13 después de haber cambiado los juegos para siempre. Bajo el liderazgo de la presidenta Alma Coin y el apoyo de sus amigos de confianza, Katniss extiende sus alas para salvar a Peeta y luchar por una nación contagiada por su coraje. La película es dirigida por Francis Lawrence, con guión de Danny Strong y Peter Craig, y producida por Color Force en asocio con el productor Jon Kilik. La novela de Sinsajo es la última entrega de la trilogía escrita por Suzanne Collins que cuenta con más de 65 millones de copias impresas en los EE.UU. solamente.

La vida en el Distrito 13 no es tan fácil como Katniss se imaginaba, y mucho menos ahora que le faltan aliados. No puede contar con Finnick Odair muy alterado por el rapto de su prometida Annie Cresta, y tampoco con su mentor Haymitch Abernathy en el que no

puede confiar después de que la engañara ocultándole su plan de rescate. A eso hay que sumarle la dif ícil relación con Alma Coin, presidenta del Distrito 13 que desea por todos los medios convertirla en símbolo de la revolución y valerse de su categoría de Sinsajo para contagiar al resto de los distritos. ¿Es Peeta el mismo de siempre? ¿Será peor la guerra que los Juegos del Hambre?


GUTEN TAG RAMÓN

TONTOS Y MÁS TONTOS 2

CARTA AL NIÑO DIOS

Guten Tag (Buen día), Ramón cuenta la historia de Ramón (Kristyan Ferrer), un joven adolescente que se rehúsa a ser un criminal en el norte de México y prefiere irse a Alemania a buscar a la tía de un amigo que le dará trabajo. Pero nunca encuentra a la tía. Sobrevive en las calles apenas hasta que conoce a Ruth (Ingeborg Schoener), una anciana jubilada. Más allá de la barrera del lenguaje y prejuicios, entablan una maravillosa amistad.

Rubén será capaz de llegar hasta las últimas consecuencias con tal de darle a su hijo, Rubencito, el regalo que pidió en la Carta al Niño Dios. Aunque su exesposa Mireya, el novio de ella, Renzo, y su mejor amigo, el Cura Raúl, duden que el regalo llegue para la noche buena; Rubén hará lo posible para conseguirlo. Así, en medio de su desesperación por el regalo de navidad para su hijo, vivirá la más maravillosa prueba de amor y comprobará que el niño Dios existe donde la magia de los corazones hace posible lo imposible.

País: México / Alemania | Reparto: Krystian Ferrer, Ingeborg Schöner, Héctor Kotsifakis.Director: Jorge Ramírez Suárez | Género: Drama

País: Colombia | Reparto: Antonio Sanin, Damian Maldonado, Diana Angel, Fabio Rubiano, Omar Murillo Director: Juan Camilo Pinzón | Género: Comedia, Familiar

País: Estados Unidos | Reparto: Jim Carrey, Jeff Daniels, Kathleen Turner, Harland Williams, Laurie Holden, Rob Riggle Director: Petery Bobby Farrelly | Género: Comedia

Fecha de estreno:06/11/2014



Han pasado ya veinte años desde que Harry y Lloyd se conocieran y formaran el divertido dúo que nos hizo reír con sus disparatadas ocurrencias, pero ninguno de los dos parece haber madurado. Entre todas las vivencias que han vivido durante todo este tiempo destaca la de la paternidad de uno de ellos. Harry tiene una hija a la que apenas conoce, pero ahora que le han diagnosticado un problema de riñón quiere encontrarlo y pedirle que le done uno de los suyos. Al fin y al cabo, como primogénito suyo que es, seguro que es compatible.


Jeff Daniels nació el 19 de febrero de 1955 en Athens, Georgia pero a temprana edad se trasladó con su familia a Chelsea, localidad ubicada en el estado de Michigan. Estudió durante breve tiempo en la Central Michigan University antes de abandonar el centro

universitario y dar inicio a su carrera como actor teatral participando en la Circle Repertory Theatre Company de Nueva York.

Tras intervenir en episodios de diferentes teleseries, como “Hawaii 5.0”, Daniels debutó en el cine apareciendo en la película “Ragtime” (1981). Dos años antes de este estreno, en 1979, se había casado con su novia del instituto, Kathleen Treado.

Con “La fuerza del cariño” (1983) fue elevando su estatus en Hollywood, confirmándose como protagonista con su tercer film, “La rosa púrpura de El Cairo” (1985), un título de Woody Allen elegido por el propio intérprete de Athens como la película favorita de toda su filmograf ía.

Inspirado por este film, por el cual fue nominado al Globo de Oro, Jeff creó en Chelsea el Purple Rose Theatre.

Los años 80 le convirtieron en estrella cinematográfica a pesar de que él ha querido mantener una posición discreta dentro del mundo más rutilante de Hollywood, del que siempre se ha alejado para residir en la citada población de Chelsea.

En este decenio participó en títulos como “Se acabó el pastel” (1986) de Mike Nichols, “Algo Salvaje” (1986) título de Jonathan Demme por el cual volvió a ser candidato al Globo de Oro, “Días de Radio” (1987), su segunda colaboración con Woody Allen, o “La Casa de Carroll Street” (1988), film dirigido por Peter Yates.

En los años 90 participó en mayor número de producciones, en la que la mayoría no resultaron

tan satisfactorias ni obtuvieron demasiada resonancia, con la salvedad de “Speed:

Máxima Potencia” (1994), “Dos tontos muy tontos” (1994),

“101 dálmatas, más vivos que nunca” (1996) o “Pleasantville” (1998).Krasinski.

Revista Acine edición 36 - Noviembre

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