Jordi Gallemí 4º E.S.O.

Pinturas Rupestres

�Obra: Conjunto del panel de los bisontes�Localización: Cuevas de Altamira�Año: 15000 años de antigüedad�Técnica: Colorantes naturales, pintura

Define el decorado de esta pared izquierda.Sin el menor asomo de duda, es el ejemplo de

Contexto Histórico: Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.

Sin el menor asomo de duda, es el ejemplo de traducción de la tercera dimensión más característico de este santuario. A fin de obtener una impresión de relieve, se utilizan artificios tales como las "réserves" (Reservas) de los miembros del segundo término, la distorsión de las formas, la elección del soporte, las composiciones simétricas…

Pinturas Rupestres

los

Diseño

una

muestra

de

Grecia. Discóbolo

�Nombre: Discóbolo�Autor: Mirón (490/430 a.C.)�Cronología: 460 a.C.�Estilo: griego clásico severo.�Técnica: copia tallada en mármol del original en bronce.El bronce está trabajado a la cera perdida y presenta policromía a través del uso de diferentes metales: cobre para los labios, plata para los dientes, metales: cobre para los labios, plata para los dientes, etc. El acabado se realiza con el cincel.

El Discóbolo es la obra maestra de Mirón, considerado el artífice del movimiento. Presenta rasgos de frontalidad egipcia: muestra todo el torso al espectador mientras que los brazos y las piernas están de perfil.

Esta época barca desde la Edad Oscura de Grecia ca. 1100 a. C. y la invasión dórica, hasta el año 146 a. C. y la conquista romana de Grecia tras la batalla de Corinto. Se considera generalmente como la cultura seminal que sirvió de base a la civilización occidental. La cultura de Grecia tuvo una poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus territorios de Europa.

Grecia. Discóbolo

Arcos : El movimiento lo generan sobre todo dos arcos imaginarios. Uno va de los

Detalles

todo dos arcos imaginarios. Uno va de los hombros, cabeza y llega hasta el pie levantado; otro va desde la cabeza, por la espalda hasta el otro pie. Son líneas curvas, lo que producen un gran dinamismo.

Arte Romano. Augusto de

prima porta

Obra: Augusto de prima portaAutor: César AugustoTécnica: MármolCronología:20 abril 1863

La escultura de Roma, se desarrolló en toda la zona de influencia romana, con su foco central en la metrópolis, entre los siglos VI a. C.y V. En origen derivado de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico.

Arte Romano. Augusto de

prima porta

En los relieves de la coraza imperial. Todos ellos aluden precisamente a las glorias que el gobierno de Augusto ha deparado a Roma: el triunfo de sus legiones y la Pax romana. Así, en el centro figura el

Detalles

legiones y la Pax romana. Así, en el centro figura el Dios Marte, que se resarce ahora de las derrotas sufridas por ejércitos romanos en época anterior, recibiendo las insignias que un embajador parto le devuelve. A los lados, se muestran dos mujeres sentadas, símbolos de las provincias pacificadas de Hispania y Galia. Completan la decoración de la coraza representaciones del carro del Sol guiado por la Aurora, arriba, y de los dioses romanos Apolo y Diana, abajo, que flanquean a una imagen de la Tierra con el cuerno de la abundancia.

Arte paleocristiano. El buen

pastor

Obra: El buen pastorAutor: AnónimoRepresentación: de las Catacumbas de Priscila.

La representación de escenas bucólicas, especialmente pastoriles era una constante en los cementerios romanos antiguos. Con ella se quería mostrar la tranquilidad, la armonía, la felicidad y la paz que se deseaba para los muertos.4 En ámbito judeocristiano las escenas del pastor, de las ovejas, de los mercenarios

La pintura paleocristiana o latino-cristiana se desarrolló durante el Imperio romano, por lo que puede considerarse cronológicamente dentro de la pintura romana; sin embargo, por su temática y características, supone la iniciación de la pintura medieval.Siendo Roma el centro del cristianismo ya desde los comienzos de la Iglesia es fácil deducir que debía ser romano el arte de que se sirvieron los cristianos en los primero siglos para la manifestación de sus ideales..

del pastor, de las ovejas, de los mercenarios son un tema conocido por la cantidad de alusiones bíblicas a esta imagen.

Arte paleocristiano. El buen

pastorDiseño

de

Arte Románico. Pantocrátor o

Cristo triunfanteObra: PantrocrátorAutor: DesconocidoAño:1123Localización:Iglesia de San ClementeEstilo: Pintura románica

La imagen nos muestra una Teofanía, es decir una manifestación plástica de la Divinidad. En el cuarto de esfera del ábside aparece Cristo en Majestad. Se trata de una figura grandiosa, descomunal, preponderante, circundado por el óvalo de la perfección divina o mandorla mística, impone reverencia y temor.mística, impone reverencia y temor.

La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio.

En la altura intermedia del ábside, entre el Cielo y la Tierra, se presenta el cortejo celestial de los

Arte Románico. Pantocrátor o

Cristo triunfante

Detalles

y la Tierra, se presenta el cortejo celestial de los Apóstoles y la Virgen. Se trata de uno de los frisos más bellos, solemnes y expresivos del Románico, riquísimo en la combinación y matización de los colores, en donde predominan los rojos, azules, blancos, ocres y verdes. Rigurosamente frontales y simétricos, separados entre sí por una escueta arquería, estos personajes son portadores de símbolos de la verdad y de la redención, así la Virgen lleva en sus manos la copa de la sangre redentora de Jesús.

Arte Gótico. Catedral de

Chartres

Nombre:Catedral de chartresAutor: Tras el incendio de la antigua catedral rómanica fue reconstruida y finalizada tanto por los Capetos, dinastia tradicionalmente vinculada a Chartres, como por el cabilo y los gremios locales

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.

La Catedral de la Asunción de Nuestra Señora (en francés: Cathédrale de l'Assompion de Notre-Dame), es una iglesia catedralicia de culto católico romano bajo la advocación de Nuestra Señora, la Virgen María en la ciudad de Chartres, en el departamento de Eure y Loir, en Francia, al noroeste de país, a unos 80 km de la capital estatal, París. Asimismo es la sede de la Diócesis de Chartres, en la Archidiócesis de Tours.

gremios localesAño:1197Estilo: piedra

Arte Gótico. Catedral de

ChartresDetalles

La organización en tres naves es sumamente original para la época, con la central mucho más alta que las laterales. Esta dificultad constructiva se solía solventar levantando sobre las naves laterales una amplia tribuna cuya cubierta compensaba el peso de la bóveda central reforzando la estructura, como sucede en las catedrales de Laon o París.

Renacimiento. La GiocondaObra: la GiocondaAutor: Leonardo da VinciEpoca: RenacimientoAño:1503-1506Técnica: Oleo diluido en aceite esencial (Sfumato

Está pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo , extraordinariamente frágil . Se conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal a prueba de balas (Hay quien afirma que soportaría el impacto de un misil). Leonardo preparó minuciosamente la tabla , con múltiples capas de enlucido.

El Renacimiento Desbloqueo Nuevas Musicas, Artes, Pensamientos Y Con Eso Sus Musicos Artistas Y Filosofos, Todo Empieza Cuando :

Hasta llegar el siglo XVI las diferentes civilizaciones artísticas de Occidente se habían sucedido sin sobresalto. En siglo XV, Gótico y Renacimiento habían vivido uno al lado del otro, en buena forma. Pero, a partir de del siglo XVI, el arteoccidental se dividirá en fuerzas contradictorias que esconden ideologías diferentes.

, con múltiples capas de enlucido.

Renacimiento. La Gioconda

Detalles

La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros de la carne, no podían ser más reales». Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra.

Barroco. La GitanaObra: La gitanaAutor: Frans HalsAño: 1628-1630Época: BarrocoTécnica: Óleo sobre maderaLocalización: Museo del Louvre, París

El cuadro, ejecutado sobre soporte de tabla, corresponde a los años 1628-1630, es decir, a un momento en que el artista se hallaba interesado por el retrato de personajes populares, género que compaginaba con sus obligaciones como pintor de la sociedad burguesa y aristocrática. Se ha contentado Hals con producir un simple retrato, transcribiendo con extremo virtuosismo los rasgos de una con extremo virtuosismo los rasgos de una joven no desprovista de encanto.

La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Frans Hals usa un gesto rápido. La técnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holandés. Estas pinceladas discontinuas y superpuestas

Barroco. La Gitana

Detalles

pinceladas discontinuas y superpuestas anticipan el impresionismo de dos siglos y medio posterior. Esto sirve perfectamente para la representación de gesto, un tanto agridulce de la muchacha.Prescinde Hals, como en la mayoría de sus retratos individuales de fondo paisajístico, si bien aparecen rasgos que podrían aludir a un paisaje rocoso o a un cielo nublado, lo que sugiere que podría ser un retrato ejecutado al aire libre (de plein air).La luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada.

Impresionismo. Soleil LevantObra: Soleil Levant (sol naciente)Autor: Claude MonetAño:1872Época: ImpresionismoTécnica: Oleo sobre lienzoAsunto: Playa, mar i costaLocalización: Museo Marmottan, París

El impresionismo debe su nombre a esta influyente obra de Claude Monet “Impresión, solnaciente”. Se expuso por primera vez en 1874 en una muestra independiente que organizó un grupo de artistas entre los que se contaban Monet, Rendir y Degas. La exposición fue la alternativa al tradicional “Salón” que dependía del Estado y permitió que los artistas se expresaran en estilos radicalmente novedosos.

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia—caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba.

estilos radicalmente novedosos.

Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz.

Impresionismo. Soleil Levant

Detalles

atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros.

Fauvismo. La raya verde

El pintor construye un cuadro mediante al intereacción de planos yuxtapuestos de color subjetivo, sin relación con el de la modelo. No importa el color real, pero tampoco la ubicación espacial o el

Obra: La raya verdeAutor: Henri MatisseAño:1905Técnica: Óleo y témpera sobre lienzoÉpoca: FauvismoLocalización: Museo Real de Bellas Artes

Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.

tampoco la ubicación espacial o el volumen.

Fauvismo. La raya verde

Detalles

La composición de colores del cuadro produjo un especial horror en el Salón de Otoño de los fauvistas en 1905, la gama de colores brillantes no sólo se aplicaban al fondo o a las ropas, sino al rostro, lo que hacía la pintura aún más provocativa.