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MEMORIA DEL PROYECTO DE CREACIÓN : “D ESEOS”

0. Tema/Título.

1. Objetivos.

2. Marco teórico o conceptual.

3. Metodología.

4. Contenido: motivo o asunto.

5. Cuestiones estéticas o formales.

6. Técnica o técnicas a utilizar.

7. Medio de destino final de la imagen creada.

8. Presupuesto.

9. Bibliografía.

10. Memoria final.

Alexei Díez Rodríguez

Miguel Ángel Andrés Reyes

Enrique Millán Fuentes-Guerra

Grupo A

Asignatura: Fotografía Artística y Publicitaria

Curso académico: 2010-2011

3º Comunicación Audiovisual

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0. Tema / Título

Al igual que hicimos en nuestras anteriores practicas (“pasos-ventanas” y “tentaciones”) hemos querido denominar a nuestro proyecto final con un título simple y sencillo, que a la vez signifique todo lo que pretendemos representar y defina bien nuestras intenciones. De ahí que finalmente nos hayamos decidido por este título, “Deseos”. A veces no nos conformamos con lo que tenemos, con dónde nos encontramos, con lo que somos, queremos otra cosa. Ese cambio, esa otra cosa que queremos, que deseamos, ese algo es lo que hemos querido representar en nuestras fotografías del proyecto final. Nuestra manera de ser inconformista, nos lleva a una búsqueda constante de otros momentos, cosas o lugares. En nuestras fotografías hemos trabajado en concreto los deseos de llegar a ser alguien importante, encontrarte en tu lugar favorito o tener una persona a tu lado. Mediante la fotografía se pueden llegar a mostrar emociones, actitudes, intenciones, etc. De esta manera, la fotografía puede llegar a revelar hasta algo tan íntimo e interior como la acción de desear, algo que se encuentra en lo profundo de la persona. Raoul Hausmann declaraba en su manifiesto: “La visión, cuando es creativa, es la configuración de las tensiones y distensiones de las relaciones esenciales de un cuerpo, sea este hombre, animal, planta, piedra, máquina, parte o entidad, grande o pequeño: nunca es el centro fría y mecánicamente visto”.

Como decía Hausmann actualmente consideramos simultaneamente el conjunto y el detalle, la composición y el fragmento de la obra, son cosas que tenemos que tener en cuenta a la hora de interpretar lo que se nos muestra.

1. Objetivos

Desde un primer momento optamos por la idea de “fotografiar” la actualidad. Existen varios temas que representan la sociedad actual en la que nos encontramos hoy en día, crisis, continuos avances tecnológicos, política, etc. Finalmente nos centramos en un tema de igual actualidad como es la juventud. Pensamos en las diferentes propuestas que nos ofrecía un tema tan amplio como este, nuestra visión ante el futuro que nos espera, qué nos preocupa, en qué pensamos, qué queremos… Con este razonamiento buscamos afrontar los objetivos comunes y específicos de nuestra propuesta.

1. Comunes

− Conocer los presupuestos estéticos de las prácticas fotográficas contemporáneas.

− Identificar las relaciones entre arte y fotografía, así como las estrategias utilizadas por los fotógrafos en la construcción de sus imágenes y las consecuencias formales de aplicar o estar incluidos en un determinado contexto cultural y estético en el que rigen estos presupuestos estéticos.

− Descubrir, en el proceso de investigación / documentación, las teorías que están en la base de los presupuestos estéticos en las imágenes de los

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autores elegidos como referente y, especialmente, en la imagen final del proyecto de creación y cómo podemos identificar su aplicación en ellos.

− Aplicar una metodología específica en la búsqueda de ideas y formas de expresar esta idea que faciliten el proceso de creación de un proyecto fotográfico.

− Conocer los procesos de desarrollo de un proyecto fotográfico y los requisitos necesarios para llevarlo a cabo, incluida la relación con laboratorios y sus criterios de trabajo.

2. Específicos

− Realizar mediante la fotografía una crítica social al mundo actual y a la situación a la que nos lleva.

− Mostrar, de manera implícita o explícita, los deseos, aspiraciones y miedos de los jóvenes del siglo XXI.

2. Marco teórico o conceptual

La práctica de la apropiación se ha convertido en una parte fundamental de muchas actividades culturales creativas y forman parte de una larga tradición bien documentada en la Historia del Arte.

A principios de los años 80 del pasado siglo se empezó a hablar del término “Appropiation Art”, se entremezclaban imágenes de obras de autores del barroco como Velázquez y Rubens serigrafiadas junto a un gran número de imágenes de la actualidad social y política de aquellos años. Lejos de ser una particularidad del arte contemporáneo, en acto de apropiación es en realidad un componente del proceso creador.

Dentro de la gran diversidad de modos de apropiación se encuentra el fotomontaje, tendremos también en cuenta este modo de apropiación a la hora de crear nuestra obra.

A lo largo de la historia se han ido sucediendo una serie de movimientos, vanguardias, corrientes filosóficas, literarias, artísticas, generalmente los autores siempre trataron de mostrar en sus obras sus emociones, sus visiones o lo que vivían durante su periodo, basándose en la sociedad y momentos por los que pasaba su vida (ej: Goya representa en su cuadro de Los fusilamientos del 3 de mayo la guerra civil que acontecía en España). Por lo cual podemos decir que los autores casi siempre han ligado sus obras al presente en el que se encontraban. La obra de arte como artefacto que se distingue de los demás objetos fabricados por su valor de “objeto de pensamiento” (expresión de Hannah Anrendt). Bien podríamos habernos basado en una teoría anterior perteneciente a alguna otra época, movimiento, corriente vanguardista, pero como ya se ha dicho antes, hemos querido abordar este proyecto desde un tema actual que vivimos los jóvenes día a día. Por ello al igual que los autores quisieron mostrar en sus obras temas que vivían, nosotros también hemos querido representar algo por lo que estamos pasando.

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De esta forma no nos ceñimos específicamente a una teoría, creamos nuestro propio marco teórico o conceptual ya que tratamos una nueva idea que consideramos creada a partir de unas bases, otras prácticas trabajadas, una visión del día a día, etc.

3. Metodología

Es mediante la sucesión de trabajos y pruebas como hemos construido nuestra

propia metodología, recopilando experiencia, documentación y nuevas ideas; juntando esto es como acabamos elaborando nuestro proyecto. Podríamos decir que este último proyecto se ha basado en una estrategia de investigación ya que esta creada a partir de la recogida de varios pasos. El primer paso fue la lectura de bibliografía específica para documentarnos y crear unas ideas y conceptos que nos motivaran el pensamiento. Esto dió lugar a una actitud crítica, que nos llevaría a la decisión de abordar en nuestro proyecto algún tema de relevancia actual y poder dar así nuestro punto de vista. El segundo paso fue la revisión de imágenes de los autores elegidos, esta vez buscando analizar y clasificar estas según nuestro enfoque crítico. También visualizamos imágenes de la web para pulir y enfocar nuestra persepectiva. Estas son algunas de las imágenes que abrieron el debate entre nosotros y nos permitieron crear y pulir el tema final de nuestro proyecto.

Tras realizar algunas pruebas de edición para observar el efecto que se creaba con

este tipo de fotografía, ya con un espejo como referencia, procedimos a analizar el pensamiento juvenil para cerrar los puntos de vista que abordaríamos sobre el concepto de los deseos.

De Magritte utilizamos anteriormente la manzana verde como elemento propio de su pintura, de Rodney recogimos su paraguas negro, son objetos o elementos que plasmamos en nuestra segunda práctica. Ahora hemos recurrido a un elemento nuevo y propio como es el espejo. Con este objeto creamos una fotografía en la que mediante su utilización y un montaje lograremos obtener el resultado de lo

que pretendemos representar. En definitiva podríamos decir que tal y como Magritte carga de simbolismo y de significado en su pintura a una manzana verde nosotros hemos visto en el espejo, una forma o una vía para llegar a reproducir nuestra idea.

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4.- Contenido: motivo o asunto

Nuestro punto de partida para el proyecto de creación fue el Surrealismo como

movimiento artístico, la pintura de Magritte y la fotografía de Rodney Smith. Así,

observando la obra de estos dos artistas buscamos elementos que nos permitieran

desarrollar de manera personal la idea o tema escogido. Elegimos el espejo.

La RAE nos proporciona la siguiente definición de espejo: "Tabla de cristal azogado por

la parte posterior para que se reflejen en él los objetos que tenga delante". Joseph

Kosuth definía cualquier propuesta artística como una propuesta analítica que no

posee valor de información fuera del contexto artístico, y añade

que "una obra de arte es una presentación de la intención de

artista, es decir que si el artista declara que esta obra de arte es

arte, esto significa que es una definición de arte". Entendemos

esto como que cada obra artística realiza su propia definición de

los elementos que en ella vemos. Pues bien, Magritte

descontextualiza el espejo y no lo utiliza para reflejar los objetos

que se sitúan por delante de este, sino que a través de él nos

ofrece otra perspectiva diferente del mismo cuadro.

Con este proceso se abren multitud de significados y funciones que se pueden atribuir

al espejo. Este nos permitirá introducir en nuestra fotografía el contenido de los

deseos. Mediante los deseos representamos nuestras fantasías, sucesos o imágenes en

el mundo onírico, un mundo que no se puede mostrar por ser propio y personal de

cada uno.

Respecto a este último término se configura la organización de nuestra fotografía.

La presentación consta de tres fotografías de tres sujetos diferentes. El motivo de esto

es otorgarle un carácter aún más personal y propio, de manera que si tres personas

formamos el grupo de trabajo, la mejor manera de representar nuestros sueños es con

tres fotografías diferentes.

5.- Cuestiones estéticas o formales

Surrealismo - Magritte

Contexto histórico

A finales del siglo XIX, los progresos técnicos, la evolución y desarrollo de la

economía y el avance de las ciencias, forjaron una sociedad occidental firme e

inmutable en la idea del progreso de la ciencia como elemento imprescindible de un

desarrollo humano que parecía ilimitado e incuestionable.

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Sin embargo, las teorías de algunos pensadores y científicos como Nietzche, Einstein y

Freud pusieron en cuestión las directrices del progreso basado en un desarrollo

incontrolado de la técnica, otorgando la validez a principios éticos y morales no

cuestionados hasta el momento y a la importancia de la parte no racional de la

persona. La llegada de estas nuevas formas de pensamiento supuso una ruptura de la

confianza y la seguridad de las hasta aquel momento optimistas sociedades de

Occidente.

Los malos presagios que auguraban que el desarrollo de la tecnología no tenía por qué

ir necesariamente ligado al progreso y bienestar se confirmaron con la llegada del siglo

XX, durante el estallido de una espantosa guerra que sembró el horror y la muerte por

todo el continente europeo, convirtiéndose en la I Guerra Mundial.

Tras la guerra, nació un mundo distinto:

-Por un lado, la URSS, Italia y Alemania vieron nacer y desarrollarse filosofías y

políticas que dieron lugar al establecimiento de regímenes autoritarios.

-Por otro, el sistema capitalista, basado en la iniciativa privada y la inhibición

del Estado en la economía, entró en profunda crisis con sus secuelas de paro y

miseria.

-Por último, el sistema democrático sufrió un cierto desprestigio al ser incapaz

de garantizar seguridad y bienestar.

Todos estos profundos cambios no fueron ajenos al mundo del arte. A partir de

entonces, el artista, por aquellas fechas considerado racionalista, academicista y

confiado, dejó su lugar a otro con inquietudes distintas, más escéptico y receloso ante

un porvenir incierto e inquietante. El nuevo artista reniega de la misión que hasta ese

momento realizaban sus colegas: la de plasmar la realidad. Lo que le interesa, por el

contrario, es trasladar a sus lienzos o a la piedra sus inquietudes, su visión del mundo,

sus sueños. En definitiva, el artista dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para

convertirse en un creador. Aunque surgieron movimientos de índole diversa, todos

tenían un denominador común: la convicción de que el arte debía encontrar nuevos

caminos, liberarse de normas y formalismos pasados y de ser el resultado de las

vivencias e inquietudes de cada autor. A estos movimientos se les conoce como

vanguardias del siglo XX. Uno de ellos es el que aquí se trata, el surrealismo.

¿Qué es el surrealismo?

El surrealismo es una tendencia artística que surge entre los años 1920 y 1930. En

su estructura está presente el pensamiento del poeta y crítico francés André Breton.

El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como

en literatura la protesta contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el

dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora,

pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El surrealismo es el

deseo de expresar el mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del

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que pocos conocemos. Los artistas buscaron su inspiración no en la realidad, sino en

sus sueños y fantasías.

Es importante señalar que la aparición del psicoanálisis, creado por el psicólogo

alemán Sigmund Freud, influenció enormemente el desarrollo de esta técnica artística,

ya que pone un especial énfasis en el inconsciente del hombre. El artista ya no se

conformaba con ir a la estructura de las cosas o del movimiento; querían descubrir y

mostrar la realidad que se esconde debajo de la conciencia. Este proceso da lugar a

imágenes tomadas tanto de lo real como del mundo onírico, en el que no existe

contradicción entre pasado y presente, entre pasado y futuro, ni tampoco entre lo real

y lo imaginario, ya que todo se confunde.

El mundo surrealista se puede definir como caótico, absurdo e irracional. Es como la

exteriorización de lo interior, sin control racional y sin obstáculos morales o estéticos,

porque la realidad no sirve para poner de manifiesto este nuevo sentido del arte. En

las obras surrealistas están presentes las experiencias pasadas y los objetos vistos con

anterioridad por los autores, cambiados y reagrupados después de un largo periodo de

inmersión en el inconsciente. Es por esta razón que el surrealismo es uno de los

géneros del arte más difíciles de entender, porque la subjetividad es lo que hace

posible la creación del artista.

El dibujo es importante con el fin de exponer los sueños con claridad, los detalles son

un elemento más de la obra. Los colores se mezclan en sus más variadas formas, pero

lo principal es el detalle de los dibujos y la manera irracional en que éstos se colocan

en el espacio, creando una belleza plástica innegable.

En las técnicas de creación artística se encontraba muy presente el automatismo, que

significaba para los surrealistas el mecanismo por el que las ideas y las asociaciones de

imágenes surgían al exterior a través de la palabra, la escritura o la imagen de manera

rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Así

aparecieron el collage, los fotomontajes y el frottage (procedimiento por el cual se

pasa un lápiz sobre el lienzo extendido sobre una superficie rugosa), cuyos resultados

eran la aparición de un conjunto de imágenes yuxtapuestas, en apariencia faltas de

sentido.

Magritte (1898-1976)

Magritte nació en la pequeña localidad belga de Lessines, en la región del Hainaut,

pero su infancia transcurrió en distintos lugares a los que fue trasladándose la familia.

René Magritte dotó al surrealismo de un estilo con una gran carga conceptual que

investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas

denotan. Es uno de los surrealistas más claramente simbolistas, cuestionando la

realidad pictórica. Pone en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

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Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y

momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas,

esculturas, ambientes externos e internos.

Rodney Smith

Rodney Smith estudió fotografía en la Universidad de Yale en los años 70 del bajo

la tutela del célebre Walker Evans. A lo largo de su trayectoria profesional ha

desarrollado una amplia y variada labor como fotógrafo y también como docente. En la

actualidad enseña fotografía en la ciudad norteamericana de Santa Fe, Nuevo México.

Está considerado internacionalmente como uno de los mejores practicantes

contemporáneos de la fotografía en blanco y negro, aunque también trabaja en color.

La crítica ha subrayado el carácter surrealista y onírico de muchas de sus fotografías.

Su estilo es sofisticado, a menudo con un toque de Magritte,

y sus composiciones se basan en el clásico mundo de la

simetría y el equilibrio. La práctica de su fotografía es

sencilla, realizada con un trípode y un par de cámaras, con la

ambientación que proporciona la luz natural.

Hoy en día, Smith se puede incluir entre los fotógrafos de

arte, publicidad y moda más importantes de Nueva York. De su valía como fotógrafo

profesional dan buena prueba una trayectoria en la que hay que recordar que ha

hecho trabajos para empresas como American Express, BMW, Starbucks, Merril Lynch;

para entidades como la Bolsa o el ballet de Nueva York. También ha realizado

fotografías para revistas como “The New York Times Magazine”, “Vanity Fair” o

“Esquire” y para marcas de moda como Ralph Lauren.

6.- Técnica o técnicas a utilizar:

El formato de trabajo es la fotografía digital.

El tipo de cámara que vamos a usar es un a réflex digital Canon EOS 350D, de 8

Megapíxels y un objetivo Canon de 18-55 mm. Para la realización de las fotografías

hemos usado un trípode SLIK U9800 para conseguir además que tanto la fotografía de

fondo como la usada para incluir dentro del marco del espejo concuerden.

Con el programa de edición digital Adobe Photoshop se le realizarán los ajustes de

niveles, tonalidad y contraste que sean oportunos. Además se utilizará para crear el

efecto deseado mediante el montaje de dos fotografías utilizando la herramienta de

máscara de capas. El uso que hemos hecho del Photoshop es quizá algo excesivo, ya

que desvirtúa completamente el sentido original, pero le da el sentido exacto que

nosotros queremos mostrar. Respecto a este uso cada vez más relacionado del uso del

ordenador con la cámara habló Joan Fontcuberta en su libro “El beso de judas”, que

afirmó que “Aunque no estemos hablando todavía de imagen totalmente sintética, el

binomio ordenador + fotografía, en lo que supone de postproducción […] involucra

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factores demasiado decisivos para mantener indemnes nuestras convicciones”. Así

como afirmaba “El uso de software de tratamiento de la imagen […] su divulgación y

asimilación entre un público profano terminaría con el mito de la objetividad

fotográfica”, una afirmación también discutible por nuestra parte, pero que

consideramos interesante respecto a la elaboración de nuestro trabajo.

La salida de la imagen final se realizará a una resolución de 240ppp y con un tamaño

en papel mate de 30x40cm.

7.- Medio de destino final de la imagen creada

El medio de destino tiene un objetivo meramente didáctico, es decir, está hecho

para ser entregado y posteriormente evaluado por la profesora. Si las fotografías

cumplen los objetivos propuestos para la práctica y obtienen una buena valoración por

parte de la profesora, pueden ser expuestos en la Galería Central de la Facultad de

Ciencias de la Comunicación.

8. Presupuesto

Hemos hecho 3 impresiones de las imágenes de 30x40 (3 imágenes), cada una a 6,25€,

por lo que el total de las copias sería de 56,25.

A eso hay que sumarle el total de la impresión del tríptico (20x30), la hoja de contacto

(20x30) y las imágenes desechadas, en este caso 3, que se imprimen a 10x15. Todo

esto se quedaría en un total de 12, 55€.

9. Bibliografía:

Hemos utilizado la bibliografía específica para aclarar, comprender y descubrir

conceptos relacionados con la fotografía. Además, hemos utilizado herramientas de

búsqueda como lo es Google.com, así como la enciclopedia Wikipedia.es, para buscar

información específica sobre los artistas en los que nos basamos.

BENJAMIN, WALTER. SOBRE LA FOTOGRAFÍA. PRE-TEXTOS, 2008.

DUBOIS, PHILIPPE. EL ACTO FOTOGRÁFICO. DE LA REPRESENTACIÓN A LA RECEPCIÓN. PAIDÓS

COMUNICACIÓN, 2002.

CHEVRIER, JEAN-FRANÇOISE. LA FOTOGRAFÍA ENTRE LAS BELLAS ARTES Y LOS MEDIOS DE

COMUNICACIÓN. GG, 2007.

BAQUÉ, DOMINIQUE. LA FOTOGRAFÍA PLÁSTICA. GUSTAVO GILI, 2003.

WALLIS, BRIAN (ED.). ARTE DESPUÉS DE LA MODERNIDAD. NUEVOS PLANTEAMIENTOS EN TORNO A

LA REPRESENTACIÓN. AKAL / ARTE CONTEMPORÁNEO, 2001.

H.D. BUCHLOH, “PROCEDIMIENTOS ALEGÓRICOS: APROPIACIÓN Y MONTAJE EN EL ARTE

CONTEMPORÁNEO”. GLORIA PICADO / JORGE RIBALATA (ED.). GUSTAVO GILI. 2003.

BERGER, JOHN. MODOS DE VER. GUSTAVO GILI, 2000.

FONTCUBERTA, JOAN. EL BESO DE JUDAS. FOTOGRAFÍA Y VERDAD. GUSTAVO GILI,1997.

Hemos utilizado también el libro “Fotografía digital de alta calidad”, de Jose María

Mellado. La edición es del 2010 y de la editorial Artual.

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10. Memoria final.

Nuestro trabajo “Deseos” muestra tres fotografías de tres personas diferentes.

Como global del trabajo, hemos querido enfocarlo desde varias perspectivas, con

diferentes visiones pero con un mismo resultado; la introspección de la persona en sí

misma. Como primer punto comenzamos debatiendo sobre la corriente actual basada

en mostrar, enseñar y comentar lo que pensamos en cada momento ante los demás.

Esta corriente viene dada fundamentalmente por el auge que hay hoy en día de las

redes sociales, y cómo han influido sobremanera en nuestras vidas. Cada vez más

tenemos la necesidad de mostrar nuestros sentimientos sobre algo o hacia algo y que

los demás lo vean. Es algo parecido a un diario público en el que los demás también

pueden participar y opinar. Imágenes como esta nos aparecen muchas veces a lo largo

del día, y nos llevan a participar en una vida común y social basada en muchas

pequeñas vidas que la conforman.

Y la pregunta que nos hicimos fue, ¿Qué es lo que verdaderamente pensamos?, ¿es

sólo un pensamiento pasajero y meramente anecdótico o es un sentimiento que nos

influye en los actos diarios? ¿Acaso nuestros pensamientos, nuestras dudas, nuestros

sentimientos no nos conllevan a hacer unos actos u otros? Eso es precisamente lo que

nos condujo a llevar a cabo esta temática con fotografías. Creemos que se trata de un

tema de gran actualidad, pero a la vez desde un punto de vista social muy interesante.

Pensemos que con la gran instantaneidad y velocidad con la que podemos conectarnos

a una red social y expresar nuestras opiniones, hay veces que no hacemos sino

desvalorizar o banalizar nuestros pensamientos, como algo pasajero y poco relevante.

Comenzamos el trabajo pensando en tomar fotografías de un modelo con un

espejo, éste contendría a su vez la misma imagen, y así sucesivamente, efectuando un

modelo de “puesta en abismo”. Pensábamos que era una manera interesante de

mostrar el interior de una persona, es decir, de hacer una metáfora sobre cómo esa

persona se ve a sí misma. Aun así, esta idea pronto la dejamos de lado porque no nos

pareció que representara muy bien la idea del trabajo.

De este modo, aprovechamos la idea del espejo, pero más que asociarlo a la idea

de un reflejo exterior, asociarlo a la idea de un reflejo interior, algo que queremos

mostrar, como ya hemos mencionado en el punto 4. De esta manera introducimos el

elemento surrealista en nuestra foto, que utilizamos para impactar en la primera vista

al espectador, atrapándolo en la fotografía a la vez que se plantea si lo que está viendo

puede ser real o no.

A la hora de trabajar y de la toma de las fotografías hemos querido respetar

algunas pautas de la fotografía de Rodney Smith. La iluminación, por ejemplo, con la

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que hemos trabajado ha sido siempre natural. Ubicamos al sujeto y la composición a

un lado u otro del espacio respecto a la ventana, de forma que la luz incide en este en

diferentes direcciones para poder así crear la atmósfera deseada.

En la primera fotografía podemos observar a dos personas tumbadas en una cama.

Con esta foto queremos mostrar la soledad, es decir, el deseo

del modelo masculino, que se encuentra solo en la cama, de

mostrar su sentimiento interior en ese preciso momento.

Decimos preciso porque es algo que puede verse

interrumpido en cualquier momento, que se tenga que

levantar de la cama o que piense en otra cosa. Es ese preciso

momento cuando siente que necesita a otra persona en su

vida, en ese momento de despertar en la cama y sentir que

estás acompañado. La mirada hacia el foco de luz potencia

más ese sentimiento de reflexión o pensamiento. No sabemos si tiene una relación con

esa chica o tan sólo la desea; quizás ni siquiera la conozca. Aunque esto último no nos

interesa.

En la segunda fotografía queremos mostrar el deseo también, pero esta vez por el

devenir. Se trata de enfocarlo desde una perspectiva de

futuro, de nuestra preocupación sobre nuestra vida después

de la juventud y la irresponsabilidad. En este caso queremos

verlo desde el hecho de que la persona está pensando en el

deseo de crecer y llegar a ser algo más. Dar un paso adelante

en definitiva. Con el hecho de usar chaqueta queremos

representar la formalidad y el carácter austero con el que la

juventud identifica a “los adultos”. Es así como la fotografía

muestra un deseo, un sueño, de llegar a ser el adulto

idealizado, con dinero y estabilidad, típicamente

estereotipado.

Continuamos con el uso de la mirada al vacío como algo que le da continuidad a la

foto, algo que por un lado muestra que el personaje está pensando, imaginando, pero

a la vez le implica cierto movimiento a la foto. Las sombras que se crean sobre el fondo

también tienen un valor determinado, ya que al coincidir con las del espejo le dan

mayor continuidad al efecto.

Con la última fotografía queremos reafirmar el hecho de

la instantaneidad. Podría responder a las expresiones

comúnmente utilizadas "tengo la cabeza en otro sitio" o "no

se dónde tengo la cabeza". Es ese momento en el que nos

encontramos haciendo algo rutinario, algo que hacemos

todos los días, y de lo que queremos escapar. En este caso

reflejamos el pensamiento de libertad, de huida de lo

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monótono. El hecho de que la cabeza de la persona se encuentre descolocada no es

sino una metáfora de que está pensando en otra cosa, está buscando un sitio donde

hallarse a sí misma. La mirada de la persona a su vez mira al sitio donde debería

encontrarse su cabeza, lo que refuerza la idea de reflexión interior o de introspección.

Tanto el sofá como el mando de la televisión potencian ese sentimiento de rutina.