ISRAEL LÓPEZ

CV

Estudios:

B.A. en Cine y Video. Universidad San Francisco de Quito. 2015.

Premios:

“Esas Putas Asesinas”. Obra de teatro seleccionada para el Show and Tell de la Quatrienal de Diseño Performático y Espacio Escénico de Praga 2015. PQ (Prague Quadrenial) 2015.

“Registro Beckett (9416)” y “Psicosis 4:48”. Premio COCOA 2014 mención especial de artes escénicas por diseño escenográfico. USFQ 2014.

“Máscaras”. Premio COCOA 2013 mejor proyecto de fotografía. USFQ 2013.

Exposiciones y publicaciones:

“Máscaras”. Fotografía “Pixel fixer” 2014 en el container del Pobre Diablo. Quito 2014.

“N/A” (1,2 y 3). Fotográfia. “Pixel fixer” 2013 en el Centro Cultural Itchimbía. Quito 2013.

“El patio de la cárcel”. Fotografía.“El Monociclo” Fanzine. Quito 2013.

Escenografía, Diseño Escénico, Dirección y Dirección de Arte:

“Esas Putas Asesinas”. Diseño de luz y escenografía. “Mitomana Artes Escénicas”. Casa Moujou, Quito 2015.

“E.O.N”. (cortometraje). Dirección de Arte. Quito 2014.

“Cada Vuelta un Pipaso” (Cortometraje). Direccíon. Quito 2014

“Psicosis 4:48”. Diseño de luz, video y Escenografía. Quito 2014.

“Caída (Hemisferio 0)”. Construcción de la escenografía / instalación diseñada por Leni Méndez (Void theater NY). Mitomana Artes Escénicas. Centro de Arte Contemporáneo,

Quito 2014.

“Registro Beckett (9416)”. Diseño de escenografía y luz. Quito 2013.

“Cuando el Sol Deje de Salir (Documental)” . Dirección. Quito 2013.

“Feriado” (Largometrage). Asistencia en escenografía e utilería. Quito/Ibarra 2012.

Otros Estudios:

“Making Puppets talk”. Taller impartido por Jakub Hybler and Robert Smolík,“Handa Gote” (Republica Checa). Praga 2015.

“Max/MSP wizardry for digital Alchemists”. Taller impartido por Daniel Belquer (Brasil). Praga 2015

“There is no Space Without the Body”. Taller impartido por Christopher Roman (US). Praga 2015.

“El actor y eso que hace”. Taller impartido por Felicita Marcelli del Open Program del Work-center of Jerzy Grotowski and Thomas Richards (Italia). Quito 2015.

“Si el teatro existe, es porque no basta la declamación o la oratoria, es porque el vector figural, formal y visual es un elemento no solo necesario sino insustituible. Lo visual no es simplemente anecdótico,

no es simplemente ilustrativo.”

Gaston Breyer. La Escena Presente.

Ficha técnica (Mitomana Artes Escénicas):

Texto Original (Putas Asesinas): Roberto Bolaño

Adaptación y Dirección: Gabriela Ponce

Producción General y Asistencia de Dirección: Pamela Jijón

Escenografía: Israel López, María Téran, María Josefina Viteri

Iluminación y video: Israel López

Diseño de vestuario: María Téran

Diseño de Sonido: Mauricio Proaño, Daniel Bitrán

Maquillaje: María Josefina Viteri

Actores: María Josefina Viteri, María Dolores Ortiz, David Frank.

Seleccionada para el “Show and Tell” en el marco de la Cuatrienal de Diseño Performático y Espacio Escenico de Praga 2015.

Ganadora de los fondos de la Secretaria de Cultura de Quito 2014.

Esas Putas Asesinas

La obra “esas putas asesinas” narra desde una voz femenina la historia de un desencuentro amo-roso. En el relato un hombre está secuestrado dentro del “castillo” de una mujer cuya esencia se plantea en la dualidad princesa/puta. La propuesta escenográfica parte de la representación de este castillo que es también una metáfora de la psiquis traumada de ésta mujer en su doble condición.

En ese momento se cruza una casa, un lugar que ha sido abandonado por años y guarda consigo el aura de una vida domestica que nos pareció consistente con el cuento y nos invitó a replantear el castillo. Los espacios nos hablaban de una domesticidad tradicional con una fuerte presencia femenina, mientras el decorado nos transportaba a un Quito setentero. A un momento históri-co/político clave en Ecuador en el que el boom petrolero llegaba para dar a luz a una nueva clase media que iba adoptando patrones de consumo extranjeros que se permeaban en la idiosincra-sia nacional.

El trabajo de apropiación de la casa nos exigía además una exploración metodológica que nos llevó a incorporar las mingas (forma de colaboración utilizada por los indígenas andinos), como una pauta de trabajo que desembocó en una investigación transdisciplinar horizontal entre varios artistas; y a la reutilización de los objetos que nos brindaba la casa.

Asumimos así, el reto que significa trabajar en un espacio no convencional, en una cuidad que empieza a explorar nuevas posibilidades teatrales. Replantearnos la relación con el espectador, volverlo un principio activo que construya su propia historia mientras recorre la casa junto al actor. Por otro lado, abrir las posibilidades de un espacio/arquitectura como generador de teatralidad. Asumir una postura política/artística basada en la experimentación formal y los riesgos que esta plantea para rebasar las formas hegemónicas y tradicionales de representación. Uno de nuestros desafíos como colectivo.

Ficha técnica:

Texto: Samuel Beckett

Dirección: Gabriela Ponce

Escenografía e iluminación: Israel López

Diseño de vestuario: María Téran

Maquillaje: Candelaria Umaña

Música: Ana Eguiguren

Actores: Ana Eguiguren, Israel Varela, Cristina Pillajo, Diego Barba, Lucía Arteaga, Israel López, Cristina López, Cristina Ortiz.

Ganadora del Premio COCOA 2014, por el diseño escenográfico.

Registro Beckett (9416)

La obra Registro Beckett (9416), se crea a partir de las improvisaciones propuestas por los estu-diantes de la clase de montaje de obra de la USFQ, a partir de una serie de textos cortos de Samuel Beckett. Las propuestas físicas y estéticas de los estudiantes, fueron dando forma a un espacio conjunto en el cual coexistían, los distintos universos de cada obra. La condición de universos paralelos, exigía una división espacial en la cual cada obra pueda mantener una unidad dramática individual, y juntarse a nivel estético con el resto de piezas. Al mismo tiempo la condi-ción cíclica de la dramaturgia de Beckett nos invitaba a plantear una dinámica en la cual cada obra estaría presente en segundo plano durante toda la función, funcionado como complemen-to y escenografía de la obra que asume el protagonismo por momentos a manera de escena.

Paralelamente la dramaturgia de Beckett, la cual se caracteriza por una didascalia muy sugerente a nivel espacial en la cual la luz en varias ocaciones se torna en un elemento definitivo para la creación de ambientes, nos llevaba a plantear un universo gobernado por la entrada y salida de la luz. Los cambios lumínicos ocultaban y evidenciaban los distintos universos en los cuales estos personajes permanecían atrapados en una búsqueda casi existencial. A partir de esto se planteo una escenografía basada en una instalación de tubos fluorescentes, compuesta específicamente para cada universo. La disposición de los tubos debía mantenerse a un nivel minimalista, y al mismo tiempo servir como una abstracción del universo especifico de cada obra.

Como un elemento común en todas las obras cortas se encontró que los personajes vivían presos en una dinámica de incomunicación o incomprensión con el otro. Este elemento sirvió como un punto de partida para encontrar un elemento que uniera los universos a nivel espacial. Se definió el uso de una enredadera de elástico negro (al momento se había definido ya el uso solamente del blanco y negro). Esta enredadera además de servir como una metáfora de la prisión personal, se crea con la necesidad de brindar una nueva calidad a la exploración corporal. Así los actores terminarían de definir sus secuencias físicas en base a las posibilidades yrestricciones que la enredadera provocaba.

Ficha técnica:

Texto: Sarah Kane

Dirección: Gabriela Ponce

Escenografía, iluminación y video: Israel López

Diseño de vestuario: María Téran

Maquillaje: María Emilia Dávila

Diseño de sonido: Emilio Cordero

Actores: Alejandro Álvarez, Melba Andrade, Juan Carlos Calderón, Carolina Cedeño, Gabriela Nuñez, Kathya Orbe, Felipe Oviedo, María José Sarzosa, María Belén Soriano Zamora, Fátima Zaroual.

Ganadora del Premio COCOA 2014, por el diseño escenográfico.

4:48 Psicosis

La obra 4:48 psicosis se crea a partir de la representación libre del texto de la dramaturga inglesa Sarah Kane. Un texto, que se adaptó fragmentado en siete voces femeninas y tres masculinas. En el cual, una mujer, narra con voz poética los pensamientos que se cruzan por su cabeza en torno a su decisión de suicidarse. Se definió el espacio escénico como la representación de un come-dor en el cual ésta mujer desdoblada en siete se servirá su propio cuerpo en una última cena previa a su suicidio.

En esta delirante cena el texto sirvió como soporte para explorar en torno las instituciones menta-les, los procedimientos psiquiátricos y los parámetros de un amor funcional, en fin la cordura. Ésta última se convierte en un parámetro esencial en la obra, puesto que sirve al mismo tiempo como deseo y como parámetro de comparación, mediante el cual una persona puede ser considerado un enfermo mental.

Se definió como una metáfora escénica el uso de una pantalla en la cual se proyectaba una línea, como una metáfora de la línea de vida, una línea que se ha definido como línea recta, sin la admi-sión de una posible desviación de ésta. Así mismo la pantalla se vuelve un personaje más o una extensión de los cuerpos en escena, que por momentos aparecen en pantalla, desfasados, frag-mentados o diluídos, dando forma a un ser que se desprende del cuerpo, como una metáfora de la locura o de la muerte.

Se define también un espacio mínimo, formado únicamente por una larga mesa capaz de trans-formarse en tres, y con el uso exclusivo del color blanco en toda la escenografía. Esta exclusividad del elemento de la mesa nos condujo a incorporar en ella varios elementos escénicos como fuen-tes de iluminación, cuerdas y elásticos en la misma estructura de la mesa. De igual manera nos permitió explorar en cuanto a texturas, dando especial importancia a un diseño de vestuario rígido y muy rico en detalle.

Finalmente como un elemento de cierre se creó un ser emplumado, una criatura al mismo tiempo tierna y perturbante dormida en posición fetal. Un símbolo del ser intimo que será consumido como plato principal de esta última cena.

Ficha tecnica:

Concepto y producción: Leni Méndez, Mariana Pizarro, Gabriela Ponce y Josefina Viteri. Dirección y Diseño Escenográfico: Leni Méndez (Void Theater NY)

Dramaturgia: Gabriela Ponce

Escenografía: Leni Méndez, Israel López, David Flies Actuación: Josefina Viteri, Carolina Cedeño, David Frank y Johana Jara Música y sonido: Ivis Flies Iluminación e instalación sonora: Anatole Wasche Vestuario: Mariana Pizarro

Ganadora de los fondos concursables para artes escenicas del ministerio de cultura del Ecuador. Quito 2014

Caida (Hemisferio 0)

Ficha técnica:

Producción: Michelle Echeverría

Guión y Dirección: Miguel Cármenes

Dirección de Fotografía: Luis Páez

Direccíon de Arte: Israel López

Postproducción y Efectos Especiales: Leonardo Suárez

Diseño de Sonido: Miguel Cármenes

Sinopsis: Año 2064, Isaac, un adolescente de 16 años, vive encerrado y aislado del mundo exterior en su propio hogar, esperando el regreso de sus padres, los cúales luchan en el exterior para erradicar un virus que está acabando con la humanidad. Isaac irá descubirnedo cosas que le harán dudar de quién es el realmente, si ese es en realidad su hogar y cual es su verdadero proposito.

E.O.N

Ficha técnica:

Producción: Gabriela Jaramillo

Guión y Dirección: Israel López

Dirección de Fotografía: Gabriela Garcés

Direccíon de Arte: Ana María Hidalgo

Diseño de Sonido: Emilio Montenegro

Sinopsis: En una noche de reflexión y resaca, Galíndez es forzado a recibir a dos extraños visitantes en su habitación, la mujer y el viejo. Estas dos presencias perturbantes impedirán el descanso de Galíndez que es lo único que él desea para esta noche. Harto de la mirada del viejo Galíndez se levanta para confrontarlo y encontrar así que el viejo ha muerto en algún punto de la noche. Él y sus compañeros de casa deberán sacarlo a la calle, embarcándose en una caminata que le servirá para reflexionar acerca de la fragilidad de la vida cuando se decide vivir al margen de la sociedad normalizada.

Cada Vuelta un Pipaso

Cada Vuelta un Pipaso

Ficha técnica:

Conceptualización, Guión y Dirección: Israel López

Dirección de Fotografía: Gabriela Jaramillo

Diseño de Sonido: Marco Rivera

Sinopsis: ¿Donde residen los recuerdos de una persona que ha perdido la memoria? ¿Cómo se puede entender la identidad de una persona que ya no recuerda? El documental explora a manera de un ensayo visual el concepto de identidad a partir de los recuerdos. Gloria, mi abuela, sufrió del mal de Alzheimer, un proceso largo que termina eliminando a la persona al borrar su memoria. Sin embargo los recuerdos son capaces de evadir la necesidad de una estructura para ser entendidos, son sonidos, son imágenes aisladas, son sensaciones, que sin la necesidad de permanecer en la memoria, transportan al ser por un instante al momento pasado y aunque no se puedan definir por completo son capaces incluso de sobrepasar la muerte.

Cuando el Sol Deje de Salir

Ganadora del Premio COCOA 2013, por mejor proyecto fotográfico.

Máscaras

Obra fotográfica en la cual cada sujeto retratado tuvo la posi-bilidad de crear un maquillaje o una máscara de su rostro refle-jando una version propia de su identidad. La fotografía a su vez consistía en un encuadre básico y despersonalizador, tomando como una metáfora las máscaras mortuorias del renacimiento temprano, usando únicamente una fuente de luz y un encua-dre de escorzo. Sin mucho trabajo de postproducción la obra era impresa y entragada a cada uno de los retratados pidién-doles maquillarse de manera que el retrato sea una imagen de cómo ellos quieren ser vistos. En este acto casi perfomático de pintar se disvirtúa la posición del fotógrafo y el retratado, siendo ambos al mismo tiempo los autores de esta obra. Además se cuestiona los conceptos de identidad estática y se plantea la posibilidad de una personalidad mutable y adquiri-da por voluntad propia.

Ganadora del Premio COCOA 2013, por mejor proyecto fotográfico.

(593) 984448528shaly.lopez@gmail.comColectivo MoujouItalia N31-101 y Vancouver

Israel López Rengifo