PINTURA GÓTICA Y TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO.pdf

6

1

[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

• PINTURA.

Características Generales.

Nuevos soportes: La sustitución del muro por ventanales en los edificios góticos, reducirá el espacio disponible para la aparición de pintura mural, con lo que adquiere un gran desarrollo la pintura sobre tabla, evolucionando ésta desde el tríptico, al políptico, para desarrollarse, sobre todo desde el siglo XIV, el retablo.

La técnica empleada es el temple, empleando como aglutinante de los pigmentos el huevo. En Italia, se mantiene la tradición de la pintura al fresco. En Flandes, se empieza a utilizar el óleo.

Temas (Iconografía):

o Calvario y Crucifixión de Cristo: En la intención de despertar el fervor

cristiano popular.

o Vida de Cristo y de la Virgen: Humanizados, en el sentido de

apartarlos de la concepción románica de infundir temor o manifestar sufrimiento y dolor.

o Vidas y martirios de Santos: Se multiplican las obras dedicadas a ellos,

debido a considerarlos mediadores y también garantes de la Salvación (Influencia de la obra “La leyenda Aúrea” de Giacoppo della Vorágine, fraile dominico).

o La Naturaleza: comienza a tener un claro protagonismo. Adquiere

significación en la representación del Paraíso (Jardín de flores) y del Infierno (Valles tenebrosos y oscuros).

o Retratos: Personas que aparecen representadas como orantes o

donantes de obras religiosas, y también, retratados a sí mismos como personajes históricos importantes.

Son pinturas naturalistas y cada vez más expresivas, con carácter narrativo y didáctico.

Los fondos dejan de ser planos y dorados para empezar a tener protagonismo, introduciéndose fondos figurativos y paisajes.

6

6

1


4. LA PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO: SIENA Y FLORENCIA.

Es en el siglo XIII (Trecento) cuando en Italia comienza a marcarse la evolución de la Pintura Gótica, dividida en la Escuela Sienesa ( la “maniera greca”, de marcada influencia bizantina) y en la Escuela Florentina, donde aparece la fuerte ruptura y la llamada “maniera latina”. Coincide este cambio con un periodo en literatura llamado el “dolce stil nuovo” (Dante), definidos, tanto Arte como Literatura, por su evolución al naturalismo.

A. ESCUELA DE SIENA.

Mantienen un gusto por el Idealismo en pintura, con formas más elegantes, líneas onduladas y colores preciosistas (importancia de los dorados). Son representantes de esta escuela Duccio di Bonsegna, Simone Martini y los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti.

a. Duccio di Bonsegna (1260-1318): Considerado el gran difusor del estilo Gótico internacional. Mantiene la influencia bizantina, pero introduce en su obra un ritmo lineal ya más occidental, menos rígido, y una importancia del uso del color.

a) La Madonna Rucellai (1285). Galería de los Uffizi, Florencia . Plasma una belleza idealizada en una composición central, presidida por la Virgen con el Niño en el Trono, rodeada de seis ángeles. Fondo dorado; influencia de los iconos bizantinos.

b) Maestá de la Catedral de Siena (1308-1311): Su obra maestra. Hasta el siglo XVI, aparecía en el Altar Mayor. Con unas dimensiones de 2 x 4 metros de ancho, se configura tanto en el anverso como en el reverso, en temple sobre tabla. Presidida por una gran escena central, en la que destaca la Virgen con Niño, rodeada de ángeles y de santos, y en un friso superior, los Apóstoles. El resto de escenas que rodean las imágenes centrales, y las del panel del reverso, se dedican a la Vida de Jesús y la Virgen. En la tabla, una inscripción recuerda a “Santa María madre de Dios, garante de la paz, y protectora de Duccio, su pintor”. Paneles separados, algunos están repartidos por museos fuera de Italia.

b. Simone Martini (1284-1344): El más destacado de la Escuela. Su estilo destaca por el uso que hará del color y por el gusto por líneas delicadas y figuras idealizadas, con característicos rostros ovalados, sintetizando la tradición de los iconos bizantinos con la miniatura.

6

6

1


a) La Maestá del Ayuntamiento de Siena (1315): Fresco en el que se aprecia la influencia de la Maestá de Duccio (su posible maestro), aunque es novedosa la introducción de movimiento en los ángeles y santos, que se acercan o alejan de la imagen central. Destaca también el movimiento del palio (baldaquino) que parece ondularse con el viento.

b) Retrato ecuestre de Guidoricio da Fogliano (1328): Situado enfrente de la Maestá (Palazzo del Comune o Ayuntamiento de Siena). Homenaje a la lucha por la independencia de Siena. Detallismo en el tratamiento de la escena (castillos, vallas, túnica que cubre al Condotiero y al caballo…)

c) La Anunciación (1333): Obra cumbre. Galería de los Uffizi. Preside la escena el Ángel y la Virgen, sobre un delicado fondo dorado. Importancia de la perspectiva conseguida en el pavimento y el espacio entre las figuras. Rematan la misma, San Ansano y Santa Margarita. La estética de sus figuras se pone en relación con los poemas de Petrarca, cuya amada será retratada en otra obra por Martini (aunque no se conserva).

B. LA ESCUELA DE FLORENCIA.

Representante de la “maniera latina” y, relacionándola con la literatura, conectada con el “dolce stil nuovo” (palabras de Dante). El salto se produce cuando se evoluciona desde pinturas que tienden al naturalismo, pero que aún encajan en modelos más tradicionales y planos, para pasar a realizar obras con un alto componente dramático y lírico. En las composiciones, destaca además, el fuerte interés por el color, la luz y la recreación de fondos y la representación de la profundidad.

a. Existen precedentes en la obra de Cimabue, maestro de Giotto, quien fue alabado en el Renacimiento como pionero de esta nueva manera de hacer Arte (Vasari), como podemos observar en su Maestà (1285-1286), en la que se da más atención a los volúmenes de las figuras y al espacio.

6

6

1


b. Giotto di Bondone (1266-1377): Es el mayor representante de la Escuela y el artista por excelencia del llamado Trecento Italiano, siendo la personalidad literaria que le acompaña, Dante. En su obra aparece una ruptura definitiva con el bizantinismo, tendiendo a la representación de la realidad y otorgándole más valor a la materia (volúmenes destacados, figuras que se mueven libremente en su espacio, temas religiosos que se tratan desde el Naturalismo, y no desde el Simbolismo).

a) Frescos de la Basílica de San Francisco de Asís (1298): Serie de veintiocho frescos dedicados a Historias Franciscanas, es decir, a la Vida de San Francisco de Asís, con quien Giotto coincide en ideales (belleza de la Naturaleza). Para su recreación, se basa en una biografía del Santo realizada en este momento. Se habla de la intervención de otros pintores en algunos ciclos de la obra (alumnos de su taller). El conjunto pude dividirse en tres grupos: el primero, de siete obras, referido a la juventud de San Francisco, hasta la aprobación de la Orden Franciscana; el segundo, de catorce obras, referido al desarrollo de la Orden hasta la muerte del Santo; el tercero, los sucesos (milagros, canonización…) ocurridos tras su muerte. Los frescos se enmarcan dentro de formas arquitectónicas y de paisajes realistas, contribuyendo a la recreación de la perspectiva en cada fresco.

Destacan las escenas de San Francisco predicando a los pájaros, en la que aparece el Santo y su gran devoción, los animales, y San Francisco expulsando a los demonios de Arezzo.

b) Frescos de la capilla Scrovegni, Padua (1305): Encargada por Enrico Scrovegni y configurada desde una bóveda de cañón central, supone para muchos autores (Gombrich) la obra ENLACE ENTRE EL ARTE MEDIEVAL Y EL RENACIMIENTO. Son temas bíblicos, donde Giotto pinta “lo que veía”: figuras relacionadas entre sí, situadas en entornos naturalistas (animales, plantas…), en un tratamiento de gran autenticidad y recreación de actitudes y sentimientos, a veces con un gran contenido dramático. Aparece un importante tratamiento de los volúmenes y de la representación espacial. Hay una fuerte sensación de tridimensionalidad, conseguida con la ilusión de profundidad que dan esos fondos en los que se insertan las figuras. En la Capilla, la arquitectura se adapta a cada una de las escenas de pintura, algo excepcional hasta entonces.

Destacan escenas como la Huida a Egipto, el Beso de Judas (destacado por la tensión dramática en cada personaje o el tratamiento plástico del manto que cubre a Judas), o la Adoración de los Reyes, en la que podemos apreciar el detalle de que la Estrella pudo ser la representación del cometa Halley, que pudo verse en el año 1301.

6

6

1


c) Frescos de la Iglesia de la Santa Croce, Florencia (Capilla Bardi y Capilla Peruzzi) (1319-1328): Vidas de San Francisco y los Santos Juanes. Este tipo de capillas se realizaban para honrar las virtudes de los allí enterrados y reconciliarlos con Dios, ya que podían haber hecho fortuna en vida bajo formas “no muy cristianas”. De la obra, destaca la Muerte de San Francisco, cargada de expresividad en cada uno de los rostros representados.

5. LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS DEL SIGLO XV. LOS HERMANOS VAN EYCK, ROGER VAN DER WEYDEN Y EL BOSCO.

Existe un importante debate en torno a la pintura desarrollada en los Países Bajos en el siglo XV, habiendo autores que defienden que CORRESPONDE AL GERMEN DEL RENACIMIENTO y, según otros, no es sino la perfección de la Pintura Gótica, puesto que defendía y representaba los intereses de mercantes y burgueses afincados en las ciudades comerciales de Brujas, Gante, Lovaina…

La burguesía es cliente, junto con Iglesia, Monarquía y Nobleza, demandando obras adecuadas para sus mansiones urbanas. Es por esto que surge con fuerza la pintura de caballete (tabla), sobre la que se aplica la técnica del óleo (aceite como aglutinante del pigmento) y el uso de pinceles muy finos, de ahí el detallismo y la minuciosidad en la técnica.

Se trata de una pintura que responden a una fuerte observación del ser humano y de la Naturaleza, con una recreación minuciosa de los objetos cotidianos que prácticamente invita a poder tocarlos. Hay un importante detallismo (atmósferas, pliegues…) Se obtiene la tercera dimensión gracias al empleo de la perspectiva y a las luces y sombras que refuerzan los volúmenes. Son a menudo espacios pictóricos ilusorios, creados por suelos ajedrezados, vigas… Aparecen también espejos que introducen al espectador en la obra, multiplicando el espacio. Todo dentro de una fuerte simbología, incluso en las pinturas religiosas.

En cuanto a los estos temas religiosos, en Flandes tienen también un tratamiento cotidiano, en interiores acogedores y confortables.

6

6

1


LOS HERMANOS VAN EYCK : JAN (1390-1441) Y HUBERT (1385-1426)

Destacará sobre todo Jan, uno de los pintores más importantes de la Historia del Arte. Es una pintura sobre todo religiosa, pero cargada de símbolos (pintura conceptual), de detalles y de un importante estudio del espacio y la profundidad. Se le atribuye la invención de la pintura al óleo, aunque hay constancia de ser anterior. Destaca, además, la técnica de las “veladuras”, es decir, pintar capas de pintura sobre la pintura aún húmeda, dando importantes matices del color. Jan Van Eyck viajó por toda Europa e influenció a importantes maestros, como Filippo Lippi en Italia.

a) Políptico de la Adoración del Cordero Místico, Iglesia de Bavón. Gante (1426- 1432) Hubert y Jan Van Eyck: Abierto, Cristo entronizado preside la escena, rodeado de la Virgen y San Juan. A los lados, ángeles cantores y músicos, flanqueados por Adán y Eva. Abajo, galerías de reyes, caballeros, santos y profetas, se dirigen hacia la escena central, el Cordero, símbolo de la Eucaristía y el sacrificio de Cristo, que derrama su sangre en un cáliz. Todo son imágenes simbólicas (lirios: virginidad; corona a los pies de Cristo: poder terrenal supeditado al celestial) y llenas de colorido.

Cerrado, el políptico refleja una Anunciación (parece ser obra de Hubert) con el Ángel y la Virgen; sobre ellos, profetas y sibilas (figuras que aparecen ya en el Renacimiento); abajo, el matrimonio donante (Jodocus e Isabel Vijd), adorando a los Santos Juanes. El políptico cerrado refleja tonalidades más grises y cálidas. En el centro aparece el interior de la habitación de la Virgen, convertida en una habitación digna de la burguesía.

b) El Matrimonio Arnolfini (1434) Jan Van Eyck (National Gallery, Londres): Encargo de Giovanni Arnolfini (banquero). Aquí se aprecia aún más ese llamado “realismo simbólico” de Jan Van Eyck. Un simple retrato de pareja que oculta toda una simbología (Para Panofsky, el lenguaje oculto es el gran protagonista del cuadro). En primer lugar, en esta escena de celebración del matrimonio, destaca la perfección conseguida a la hora de retratar sus rostros y la escenografía de la composición, en poses casi hiératicas. El esposo bendice a su mujer, que aparece acariciándose el vientre. Al fondo, un espejo donde se reflejan dos testigos de su boda (uno de ellos es el propio pintor), con escenas de la Pasión de Cristo. Y una inscripción “Jan Van Eyck estuvo aquí”. A partir de aquí, se suceden numerosos objetos cotidianos que refuerzan el sentido de esta “Alegoría del Matrimonio y la Maternidad”.

Él, aparece con la potestad y el mando del hogar; ella, sumisa, se acaricia el vientre manifestando un irreal embarazo; el color verde de su vestido se relaciona con la fecundidad. Las ropas de ambos reflejan su estatus social, así como el mobiliario y algunos objetos provenientes de otros lugares del mundo (Alfombra turca). La

6

6

1


fruta (naranjas) es símbolo de lujo en Flandes, ya que eran importadas del sur. La cama se relaciona con el nacimiento y la muerte y, en este caso, con la continuidad de la estirpe familiar y la consagración del matrimonio.

La posición de los zapatos también es relevante: los de él, cerca de la calle (hace vida pública); los de ella, cerca de la cama (vida privada, ama del hogar). El andar descalzos se puede relacionar con un símbolo de fecundidad.

El espejo convexo es la mejor muestra del detallismo y la minuciosidad de la pintura (cada escena mide 1.5 centímetros). En él se refleja el matrimonio y sus testigos de boda; el significado puede ser el sacrificio de los esposos. El recurso del espejo influenciará a Velázquez en “Las Meninas”. La lámpara, con una sola vela encendida, simboliza el amor y la luz de Cristo. En el cabecero de la cama, Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta (del hogar). El perro entre ellos simboliza la fidelidad entre el matrimonio.

c) Virgen del Canónigo Van der Paele (1436) Jan Van Eyck: Obra en la que el artista hace destacar la figura del donante, arrodillado frente a la Virgen, como un espléndido retrato. En este caso, el clérigo es presentado ante la Virgen por San Jorge y San Donaciano. Uno de los primeros ejemplos del tema “sacra conversazione” (donantes entre la Virgen y el Niño, rodeados de santos). La Virgen y el Niño aparecen fuertemente humanizados. En el trono de la Virgen, aparecen escenas del Antiguo Testamento (contribuyendo a esa minuciosidad). Todo de nuevo es simbólico: San Donaciano porta la Cruz para que no olvidemos que Cristo también está en esa conversación; el manto rojo de la Virgen se refleja en la armadura de San Jorge (“Inmaculada, espejo de Dios”).

d) Virgen del Canciller Rolin (1435) Jan Van Eyck: Aparece el donante retratado y destaca que tiene el mismo tamaño y posición de la Virgen (carácter arrogante y pretencioso del canciller). La perspectiva se consigue desde las baldosas del suelo y ese pórtico abierto al paisaje, dividido en Ciudad Terrenal (Izquierda) y Ciudad Celestial (Derecha), donde además aparece una gran recreación de la atmósfera. Debajo de la ventana, el huerto, en alusión a la virginidad de la Virgen (Huerto cerrado), con símbolos como el Pavo Real (Cristo) y las azucenas (la Virgen). En los capiteles, escenas del Antiguo Testamento (Detallismo, minuciosidad…). Estaba pensado para verse de cerca (colocado en la Capilla del Canciller)

6

6

1


ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464):

Tomará el relevo de los Van Eyck, convirtiéndose en uno de los maestros más importantes del siglo XV. Se especializará en los temas dedicados a la Virgen en la representación del Calvario (Piedad: Virgen con Cristo muerto entre sus brazos). Se recreará en el detalle, en el tratamiento de las ropas, tanto en volumen como en color. Es menos simbólico y conceptual, sometiendo sus figuras a valores más emocionales y fuertemente religiosos, todo bajo un intenso dramatismo. Suelen ser composiciones marcadas por un eje vertical, desde el que se relacionan figuras que aparecen tratadas, por la consecución del volumen y el movimiento, como esculturas.

a) Descendimiento de Cristo y Quinta Angustia de María (1436-1437) Museo del Prado: OBRA CUMBRE EN LA HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL. Es la pieza central de un tríptico dedicado a los ballesteros de Lovaina. Fue comprado por Felipe II a su tía, María de Hungría y desde entonces permanece en España, siendo muy copiado por otros artistas. En el centro, la Cruz ya vacía desde la que desciende el cadáver de Cristo, sostenido por Nicodemo y San José de Arimatea. Se disponen a envolverlo en el sudario y otro personaje, a untarle ungüentos. María Magdalena aparece llorando en la esquina de la composición. La otra escena representa a la Virgen, desmayada (Compassio Mariae), sostenida por San Juan y las Santas Mujeres, una de ellas desconsolada. Una composición medida, basada en la agrupación en torno a los cuerpos de Cristo y la Virgen, en diagonales paralelas, y a la división en dos personas arribas y tres a ambos lados. Toda la obra (diez figuras) aparece sobre fondo dorado y elementos góticos (ballestas a modo de tracerías), contrastando con el naturalismo que aparece en el suelo (elementos paisajísticos). De la obra destaca el importante tratamiento del color (veladuras en los mantos), el detalle (cinturón de María Magdalena), pero sobre todo, el ser un catálogo de rostros que reflejan distintos aspectos del dolor (angustia, resignación, pena, desesperación, incertidumbre…). El símbolo: la calavera a los pies de San Juan, la Muerte, al lado de la que brotan plantas, la esperanza (Resurrección).

DIERIK BOUTS (1415-1475): (“El Viejo”)

a) Tríptico de la Pasión, Capilla Real de Granada (1455): En él observamos una fuerte influencia de Van der Weyden. En la obra destaca la luz, la dedicación al tratamiento del color y la existencia de un punto de fuga al fondo de la escena que contribuye a hablar ya de perspectiva lineal. Tabla central dedicada al Descendimiento, la izquierda a la Crucifixión y la derecha a la Resurrección . Paralelismos entre los cuerpos de Cristo y la Virgen (Compassio Mariae).

6

6

1


HANS MEMLING (1430-1494):

a) Díptico del Descendimiento, Capilla Real de Granada (1492-1494): El díptico es una obra para ser contemplada en privado; se prescinde de los detalles y se sitúan en primer plano a Cristo y la Virgen, presidiendo las escenas del Descendimiento de la cruz y la de la Virgen con María Magdalena, San Juan y las Santas Mujeres. Les une el paisaje del fondo, que no se interrumpe de una tabla a otra.

JEROEN VAN AKEN, EL BOSCO (1450-1516):

Situado en una cronología plenamente renacentista, se movió entre la crisis final de la Edad Media y la nueva época de Maquiavelo, el Descubrimiento de América o las tesis de Erasmo de Rotterdam y Lutero, que arrancarían la Reforma Protestante en 1517. Quizás el humanismo en sus obras le acerca más a posturas renacentistas. En este contexto se forjó una personalidad única, oculta en muchos casos y prácticamente desconocida en otros. Un autor original, que plasma visiones oníricas, simbólicas o satíricas en su obra. Se le supone relacionado con la “Hermandad de la Vida Común”, asociación que fomentaba la meditación y la contemplación, así como la fuerza del espíritu.

Además de esta influencia, la lectura de obras como “La visión de Tondalo ” (Anónimo irlandés) o “El elogio de la locura ” de Erasmo de Rotterdam. Otros autores señalan la influencia que debieron tener las ejecuciones públicas y torturas que se llevaban a cabo en plazas de los Países Bajos.

Todo ello para dar lugar a un estilo que antepone la riqueza de las imágenes a la técnica; obras en las que destaca una crítica a la sociedad, desde la caricatura y la sátira. Aparecen seres fantásticos, mezcla de humanos, animales, vegetales u objetos (en un estilo puramente surrealista), en una tendencia moralizante, de instrucción. No hay una recreación en el estudio del color (como en los primitivos flamencos), sino que su estilo es vivo y suelto, llegando incluso a pintar varios cuadros a la vez. Es un perfecto estudio del dibujo y, de nuevo, el óleo permite ese gran detallismo de sus obras.

a) Mesa de los Pecados Capitales (1485) Museo del Prado: No está fechado por él, como la mayoría de sus obras. Una de las tantas obras que compra Felipe II del Bosco. Se trata de un tablero de mesa, en cuyo centro aparece el “Ojo de Cristo”, situándose él como pupila, junto con la inscripción “Cave, cave, Dus Videt”. En disposición circular (algo original en este momento) se suceden los Siete Pecados Capitales, con inscripciones en latín y ambientados en interiores o exteriores de Flandes. En las esquinas, cuatro pinturas, las Postrimerías, es decir, lo que hay después de la Vida (La Muerte, el Juicio, el Infierno y la Gloria)

6

6

1


b) Extracción de la Piedra de la Locura (1490) Museo del Prado: El cirujano, asistido por otro personaje, operan al enfermo, mientras una anciana, con un libro en la cabeza, observa. La inscripción dice “Maestro, quítame pronto esta piedra. Mi nombre es Lubbert Das”. El enfermo está enfermo de locura, entendida como ignorancia o estupidez, mientras el verdadero loco parece ser el cirujano (con un embudo invertido en la cabeza) y la verdadera ciencia asiste “aburrida”. Para otros, la figura femenina es una monja simbolizando la superstición de la Iglesia y el monje, la embriaguez (fruto del anticlericalismo del Bosco). Encima de la mesa, un tulipán, que alude al beneficio de la estafa por parte del cirujano. Corresponde a una serie de grabados satíricos y alude a una práctica real de la Edad Media.

c) Tríptico del Jardín de las Delicias (1500-1505) Museo del Prado : Obra moralizante, que recrea el principio y el fin humano, organizada en tres escenas (abierto): la de la izquierda, representa a Adán y Eva y la Fuente de la Vida (Paraíso); la de la derecha, el Infierno. En el centro, el Jardín de las Delicias, es decir, los placeres mundanos en alusión al Pecado, efímeros como muestran las flores en su fugaz belleza o la fruta. En este sentido, la pareja que aparece dentro de una burbuja de cristal simboliza lo mismo: lo frágil de la felicidad. Destaca la alusión a la Lujuria, con una fuerte carga erótica, junto con otras de significado más enigmático. Es una obra que muestra un excelente dibujo, un control del claroscuro y el uso de la perspectiva que, aunque bajo un aparente caos, se organiza desde elementos centrales que lo organizan todo.

o Panel izquierdo: Dios, como Jesucristo, le presenta Eva a Adán (curiosa

interpretación). En los animales, no aparece representada la paz ni la tranquilidad del Edén (hay lucha, competencia, supervivencia…). Son “avisos” de lo que va a acontecer después. Aparece el pecado femenino y el masculino. Las rocas y estanques son elementos que, para el Bosco esconden el pecado, viéndolo claramente en la roca con rostro de Satanás. Animales exóticos que pudo obtener de la interpretación de los Bestiarios Medievales. Es la tabla más armónica y ordenada.

o Panel Central: La humanidad ha sucumbido al placer de todo tipo, sobre todo

lujurioso, con frutas y aves símbolos del placer sexual. Formas como conchas, óvalos, esferas… éstas últimas posiblemente relacionadas con la alquimia. Los estanques son turbios, con formas extravangantes como colinas. Es la idea del “Mundo al revés”, con posiciones invertidas, animales gigantes… El ser pecaminoso, además, no tiene sexo diferenciado: en ocasiones no se percibe diferencia entre hombre y mujer, entre relación heterosexual u homosexual. No existe, sin embargo, para el Bosco una condena de este mundo que, en apariencia, es positivo, nos iguala a todos, no hay paso del tiempo… gran

6

6

1


gama cromática, clara y brillante. En la esquina derecha inferior, el único personaje vestido (San Juan Bautista) señala a Eva como la única culpable.

o Panel derecho: En colores más oscuros, aparece un Infierno Musical.

Aparecen humanos sufriendo torturas y símbolos relativos a los pecados originales. Arriba, una ciudad en llamas, recurso muy utilizado en su obra. En el centro, elementos como las orejas y el cuchillo o la gaita parecen aludir a órganos genitales. El cuerpo central, abierto, se presenta junto a un rostro, parece ser el del propio artista. Abajo y sentado, parece ser Satanás con cabeza de rapaz, que se come a los condenados y los defeca en un pozo. En la parte inferior, alusiones al juego, a la pereza… (jugadores que caen con la mesa) y a la derecha, un hombre abraza a un cerdo vestido de monja (lujuria)

o El tríptico cerrado presenta la Esfera Terrestre en el tercer día de creación del

Mundo, sin animales ni personas, sin Sol y sin Luna; por ello, se trata desde un claroscuro (grisalla).

d) Tríptico del Carro de Heno (1500-1516) Museo del Prado: En la tabla izquierda, aparece el Paraíso Terrenal, desde los Ángeles rebeldes y caídos de arriba, hasta la creación de Eva, el Pecado Original y la expulsión del Paraíso. En el centro, el carro de heno, que simboliza la fugacidad de la vida (texto del profeta Isaías: “el heno se seca, la flor se cae”) del que todo el mundo, sea del estamento que sea, quiere coger parte. Se trata de la humanidad arrastrada por el Pecado (“el mundo es como un carro de heno, todo el mundo coge lo que puede”). Para conseguir su objetivo, todo vale, incluso el asesinato. Coronan la escena dos amantes lujuriosos acompañados de músicos y de la lechuza (la herejía). Las clases altas (monarcas, Papas…) lo tienen más fácil para obtener el placer; las clases bajas, deben “pisotearse” unos a otros para poder obtenerlo. Vuelve a ser una actitud moralizante y crítica con la sociedad del momento: riqueza, vanidad…

En la tabla derecha, el Infierno, de nuevo con una ciudad en llamas y lo que parece ser la Torre de Babel. Además, las estancias parecen estar en obras, con lo que nos quiere decir que “ya no caben más pecadores en el Infierno”.

Una nueva obra que proviene directamente del inconsciente y que será fuente de inspiración para artistas contemporáneos (Surrealismo).

Cerrado, el tríptico representa a un ermitaño, un vendedor ambulante que está haciendo “el camino de la vida” y que ha de apartarse de tentaciones (lujuria…).

PINTURA GÓTICA Y TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO.pdf

Documents

Transcript of PINTURA GÓTICA Y TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO.pdf