INTRODUCCIÓN

En el Renacimiento se plantea una discusión fundamental sobre las ciencias. Tradicionalmente se diferenciaba “Artes Liberales”, que no se fundamentan en la práctica, sino en lo intelectual, y artes Mecánicas, que se fundamentan en la Práctica. Sin embargo, Leonardo crea una nueva categoría, dentro de la que situaría la pintura:

“Llamamos mecánica al conocimiento engendrado por la experiencia, y conocimiento científico al que empieza y acaba en el espíritu y finalmente ciencia semimecánica a la que nace de la ciencia y finaliza en la operación manual”

-Porque para Leonardo la pintura es claramente una Ciencia por varios factores Por estar también basada en la experiencia “la madre común de las ciencias y las

artes” Por tener su fundamento en la perspectiva matemática “No puede alcanzar la

perfección sin la operación matemática” Por basarse en el estudio de la naturaleza. Incluso considera a la pintura nieta de la

naturaleza “todas las cosas visibles han sido paridas por naturaleza y de ellas nació la pintura, con que habremos de llamarla nieta de la naturaleza”

Por juzgarse según los criterios del saber: la certeza de las premisas y métodos. Por que su veracidad depende del ojo que es “el órgano sensorial que más

difícilmente se engaña”, pero además verifica sus juicios con la medida, apoyándose en los principios de la geometría..

Por que se produce primero “ en la mente del fabulador” Por que trata aspectos comunes con la filosofía: “”La pintura es filosofía porque

trata del movimiento de los cuerpos” Por que la astrología se puede considerar “hija

de la pintura”

-Pero además, considera que la pintura va más allá que la ciencia al implicar la producción final de una Obra material, lo que le implica “un carácter mucho más noble que el hecho de pensar o que la ciencia”. -En este sentido sitúa a la pintura por encima de las matemáticas “para el estudiante de matemáticas aprender es sólo una cuestión de aplicación pura y simple”, o de la Geometría y la aritmética: “estas dos ciencias se aplican solamente al conocimiento de la cantidad... pero no se preocupan de la cualidad”.-El carácter práctico de Leonardo le hace considerar que considera que las ciencias superiores son las mecánicas, y la pintura lo es:

Este en principio existe en la mente del investigador. Y no puede alcanzar la perfección sin la obra de la mano”

-Esta segunda función de la pintura implica que el artista debe ser además un creador imaginativo”. En esta producción final, el artista llega a poder compararse con Dios y su capacidad creadora:

Msdelos de compás, comunes al pintor y al matemático.

Compás de proyección y figura geométrica. Elementos comunes al pintor y al matemático. Códice Foster I, f. 4r

“Este poder divino que el saber del pintor contiene transforma su espíritu en otro analógico al divino, pues libremente puede crear seres, animales , plantas....”

-Esta función creadora le permite incluso sobrepasar a la naturaleza “en la invención de formas innumerables y continuamente renovadas de animales, hierbas, plantas y paisajes”. Incluso plantea la posibilidad de inventar monstruos, paisajes desconocidos... Pero aún en este caso el artista no debe dar rienda suelta a su imaginación de una forma total., sino que debe partir de formas que existen en la naturaleza, algo en lo que también se anticipa por ejemplo a los estudios que las grandes factorías de dibujos animados, tipo la Disney, realizan cada vez que van a lanzar un personaje nuevo.

“Quiere el artista pintar un monstruo puramente fantástico?. Entonces debe construirlo a partir de miembros observados en los diferentes animales, a falta de los cuales su obra carecería de convicción”

-Porque para Leonardo, la función creativa de la obra nunca puede estar separada de la ciencia. Nunca puede ser un simple proceso mecánico:

“Los que se dedican a la práctica sin ciencia son como marinos que se hacen a la mar sin brújula ni timón “.

-Y si compara la pintura con la ciencia, también lo hace con la Poesía. Realmente se trata de un tema típico de la cultura neoplatónica de Florencia. Y al igual que resalta el valor de la pintura entre las ciencias, también hace lo propio con la Poesía, ya que para él “La pintura es más excelente porque produce imágenes de obras de la naturaleza con más veracidad que el poeta.-Y por último, también realiza esta comparación con la escultura, que considera “no puede emplear el color o la perspectiva aérea o representar cuerpos luminosos o transparentes como las nubes.”..

LA PINTURA Y LOS SENTIDOS

Dentro de su discurso base de señalar la supremacía de la Pintura entre las ciencias, Leonardo se basará en señalar todos los elementos puramente científicos en que esta se basa. Y en este camino empezará por señalar la importancia del conocimiento de los sentidos, y en especial del ojo, como base científica en la que se debe sustentar la pintura.. Veamos cada sentido, en su función relacionada con el arte o la estética El ojo : Es la ventana del alma, es el medio principal por el que la inteligencia puede

apreciar las obras de la naturaleza. Si los historiadores, matemáticos o poetas no hubieran visto los objetos, sus reportajes escritos sobre ellos serian imperfectos.

El oído: escuchando las cosas que el ojo ha visto adquiere más dignidad. El Olfato . Menos importante para el arte, aunque fundamental por ejemplo en la cocina,

considera que se ve forzado por necesidad de recurrir al sentido común. El Tacto : Pasa por los tendones perforados, que se extienden por la piel con infinitas

ramificaciones...y llevan el impulso y la sensación a los miembros. El gusto: Aunque en este momento no le menciona sabemos que para Leonardo es un

sentido importante, que nos permite adquirir el placer de la comida, a la que dedicó su tiempo (durante una temporada dirigió un restaurante) y también parte de sus escritos, a los que nos referimos en otro lugar.

Rayos de luz a través de una rendija angular. , realizado hacia 1490-91 dentro del conjunto de estudios sobre los mecanismos de visión. Manuscrito C. f. 10v

LAS POSIBILIDADES DEL OJO

Para Leonardo el ojo era el sentido más importante ( “ Es el órgano principal” ) por varias razones:

Es el sentido que menos se engaña en su ejercicio porque ve por líneas rectas que componen una pirámide, cuya base descansa en el objeto y cuyo vértice apunta al ojo. En cambio el oído se engaña más porque los sonidos no llegan por líneas rectas.

Es el más importante de los sentidos porque con la visión, como él dice “(...) al alma consuela en su humana cárcel (...)” , es decir, considera el ojo como ventana del alma.” “La ventana del cuerpo humano a través del cual descubre y disfruta de la belleza del mundo”

Por que es imprescindible, según Leonardo, para contemplar la belleza tanto natural como artificial. “En él se refleja la belleza del mundo”. Gracias al ojo “ el entendimiento puede tener la más completa y magnífica visión de las infinitas obras de la naturaleza”

Es la guía del pensamiento: “Guía la reflexión humana para la consideración de las cosas divinas”

Aborda a todo el Universo y permite ejercitar todas las ciencias:

“Es el príncipe de las matemáticas, y las ciencias que en él se fundan son absolutamente ciertas. Ha medido las distancias y la magnitud de las estrellas. Ha descubierto los elementos y su ubicación.. Ha dado a luz a la arquitectura, la perspectiva y el divino arte de la pintura”

LA PINTURA COMO ARTE MÁS IMPORTANTE BASADO EN EL OJO

Leonardo se mostró en contra de considerar a la pintura como un arte manual. Como hemos visto, él quería que fuese considerada una ciencia y los pintores como artistas y no artesanos. Por eso realizó sus famosos parangones o comparaciones entre la pintura y otras artes, destacando que entre todas, la fundamental es la pintura entre otras razones por estar ésta basada en el ojo

LOS ATRIBUTOS DEL OJO QUE ENGLOBAN A LA PINTURASegún Leonardo el ojo es capaz de captar 10 cualidades de los objetos que son

Tinieblas Luz Cuerpo Color Forma

Posición Lejanía Proximidad Movimiento Reposo

La Luz sirve para descubrir las otras nueve y la oscuridad para ocultarlas La pintura abarca el total de las 10 funciones del ojo.

-PECULIARIDADES DEL OJO Y LA VISIÓN HUMANA

Para que un objeto para ser visto adecuadamente tiene que haber un espacio entre este y el ojo más o menos del tamaño de la cara.

Si los dos ojos establecen sobre el objeto la pirámide visual, ese objeto será visto y comprendido por tales ojos sin confusión.

Objetos vistos por un mismo ojo podrán parecer grandes o pequeños.

El ojo percibe las cosas al revés de cómo son en realidad.

Cuando un objeto en movimiento está próximo a otro en reposo, puede que parezca ante nuestros ojos que el objeto estable, se apropia del movimiento del inestable.

1. Intuye el funcionamiento científico del ojo, semejante al de una cámara oscura. Así describe como funcionaría una cámara de este tipo y plantea “ Lo mismo sucede dentro de la pupila”

-A, b, C,D y E serían objetos iluminados por el sol.-OR sería el frente de la cámara oscura, donde está el orificio NM-Supongamos que ST sea el papel que capta los rayos de las imágenes de estos objetos y los vuelve del revés. Porque al ser los rayos rectos, A en el lado derecho se convierte en K en el lado izquierdo y E del izquierdo se convierte en F en el derecho. “ Lo mismo sucede dentro de la pupila”

Todas las imágenes, entran en el ojo siendo vistas al revés, pero cuando penetran en el cristalino vuelven a ser cambiadas y recuperan la posición que tienen en el exterior.

2. También intenta una visión científica de los planos de visión“La necesidad ha dispuesto que todas las imágenes de objetos enfrente del ojo se corten en dos planos. Una de estas intersecciones tiene lugar en la pulipa; la otra en el cristalino. De no ser así el ojo no podría ver un número tan grande de objetos”

3. El ojo retiene las imágenes por algún tiempo. Esto se demuestra porque, el ojo al haber estado expuesto a la luz, ésta se conserva.

RELACIÓN ENTRE EL OJO Y LA LUZ

Leonardo recoge una serie de ideas que resultan en general de aceptación en nuestros días:

Cuanto más luz se refleja en la pupila, más pequeña es esta. Los objetos se ven de menor tamaño al mediodía, por el menor tamaño de la pupila en ese momento. Cuanto menos luz se refleje en la pupila, más grande será esta.

4. Cuando el ojo salga de las tinieblas y mire de súbito un cuerpo celeste, este le parecerá de mayor tamaño, porque en las tinieblas, la pupila está más dilatada y cuánto más dilatada este, las cosas de mayor tamaño. El tamaño de este cuerpo irá disminuyendo según vaya pasando el tiempo.

Cuanto más dilatada este la pupila, más claramente pueden ser vistos los objetos. Al aire libre y en una atmósfera luminosa, el ojo ve las cosas difuminadas. En un lugar oscuro todos los colores parecen de idéntica oscuridad. En un lugar luminoso los colores en nada varían de su esencia. La pintura está hecha como si fuese observada por un solo ojo.

5. Un cuerpo parecerá mayor y más luminoso visto por los dos ojos que por uno.6. Un cuerpo luminoso de forma alargada resultará más circular cuanto más

alejado este. Vistos de cerca, los cuerpos en relieve se asemejan a una perfecta pintura.

7. Si el ojo está al aire libre, en una atmósfera luminosa y ve un paraje sombrío, éste le parecerá más oscuro de lo que es.

8. Cuando el ojo esté en un sitio cuya atmósfera es luminosa y penetre de súbito en algún lugar sombrío, la oscuridad se suaviza.

Ejemplo de Leonardo:

Si miras con tus dos ojos, a y b, el punto c, este punto c te parecerá estar en d, f; pero si lo miras con un solo ojo, g y h, te parecerá estar en m. La pintura jamás contendrá en si misma estos dos aspectos.

COMPARACIONES DE LA PINTURA CON OTRAS ARTES

Siguiendo el ejemplo del Codex Urbina, casi todas las ediciones del Tratado de la Pintura comienzan con este capítulo. Es lo que Melzi denominó “El Parangón”. En general, el hilo conductor de todas las comparaciones es la supremacía del ojo sobre los demás sentidos.

COMPARACION DE LA PINTURA CON LA POESIA

Los principales argumentos comparativos de Leonardo sobre estas dos disciplinas son:

La pintura dispone sus asuntos en signos imaginarios, estos exceden en el ojo, el cual recibe sus imágenes como realidad.. La poesía ignora las cosas que no alcanzan la conciencia a través del órgano visivo, como la pintura.

La pintura conmueve con mayor destreza a los sentidos que la poesía. El pintor moverá a risa pero no a llanto.

La poesía es para los ciegos y la pintura para los sordos, mayor es la pintura porque da placer a un sentido más noble.

La poesía puede crear un sentimiento en las personas con descripciones imaginativas, la pintura puede hacerlo en mayor proporción poniendo esas mismas cosas delante de la vista.

En la pintura solo falta el alma de las cosas fingidas, en cada cuerpo aparece íntegramente representada.

La poesía describe y expresa la perspectiva de formas, el pintor representa de tal forma que aparezcan con luces y sombras.

Difícil seria para la poesía describir todos los movimientos, todo lo cual la pintura, concluida con brevedad y verdad te pone ante los ojos todo lo que quiere decir.

La poesía es la ciencia que actúa con acierto en los ciegos y la pintura cumple el mismo cometido con los sordos. Pero la pintura sirve al mejor de los sentidos.

La pintura es superior a la poseía aunque por no saber los pintores hacer valer su razón, al no hablar, se quedo por un tiempo sin abogados, en cambio la poesía aboca en las palabras.

La pintura representa con mayor verdad las obras que el poeta, son mucho más dignas las obras de la naturaleza que las palabras. El pintor accede antes a las obras de la naturaleza.

La poesía consigue describir con sus palabras, formas, hechos y lugares, el pintor es capaz de hacer las exactas imágenes de esas mismas formas.

Mientras la pintura comprende todas las formas de la naturaleza, la poesía solo tiene sus nombres, que no son universales como las formas.

Si la poesía comprende la filosofía moral la pintura comprende la filosofía natural. La poesía lo que la mente piensa y la pintura lo que la mente piensa tal como se refleja en los sentimientos.

La pintura es poesía que se ve y no se oye y la poesía es pintura que se oye y no se ve. La poesía evoca una perfecta belleza enunciando sucesivamente cada una de sus partes de

las que la pintura se compone la dicha armonía. La pintura se presenta sin demora y tanto placer concede al más noble sentido, sin embargo

el poeta ofrece las mismas cosas al sentido común por vía del oído. La poesía satisface menos porque hay menos gente que sabe leer al porcentaje de los que

ven.

La pintura presenta en un instante la esencia del objeto en la facultad visual. La poesía narra el asunto por medio de un sentido menos digno que la vista, transmite a la sensibilidad la

representación de las cosas nombradas con mayor confusión y demora que el ojo (verdadero mediador entre la sensibilidad y el objeto).

La pintura imitada suple al original lo que no podrá hacer el poeta en sus obras, cual sus palabras describen las partes de tal belleza.

La divinidad de la ciencia de la pintura considera las obras limitadas por su superficie, por las líneas que son términos de los cuerpos; ella ha inventado los caracteres de que se sirven las distintas lenguas.

EL POETA Y EL PINTOR

El poeta lo que quiere describir lo expresa sucesivamente en cambio, el pintor lo hace de una sola vez.

El poeta imagina la poesía en la cual finge las mismas cosas que el pintor realiza en sus trabajos.

El verdadero oficio del poeta consiste en fingir las palabras correspondientes al sentido del oído, en todo lo demás el pintor sobrepasa al poeta.

Mayor desproporción existe entre la variedad de la poesía y aquella otra de la pintura. El pintor hará infinidad de cosas que las palabras ni siquiera podrán nombrar.

Todo lo que en el universo es presencia o ficción será primero en la mente del pintor y después en sus manos. Aquellas cosas hacen de la pintura una proporción armónica.

Decía: “en fingir dichos aventaja la poesía a la pintura, pero en fingir hechos aventaja la pintura a la poesía” Los hechos son asunto del ojo y los dichos del oído.

El ojo es la principal vía para que el sentido común pueda considerar las obras de la naturaleza, el oído es la segunda contar las cosas que el ojo ya vio.

El poeta narra una historia con la pintura de su pluma y el pintor la hará con su pincel más deleitoso.

Decía: “la palabra que designa al hombre varia según las naciones pero la forma no varia sino con la muerte.

Los poetas dicen que la poesía es más eterna, a esto los pintores contestan que mas lo son las obras de un calderero, la pintura puede hacerse muchos más duraderos pintando sobre cobre con colores vítreos.

Todas las bellezas fingidas por el poeta siendo sus partes dichas sucesivamente carece de la memoria de armonía.

El poeta no puede describir la belleza con la misma premura con que una belleza pintada es concebida.

El poeta dice que supera al pintor porque hace discurrir a los hombres acerca de ficciones que fingen cosas que no existen, en cambio el pintor dice que su pintura hace su propio oficio y el poeta no, porque si quiere hablar o persuadir es el oficio del orador.

El poeta dice que su ciencia es invención y medida, es la simple sustancia de la poesía, invención de asuntos y medida de los versos. El pintor le contradice diciendo que la ciencia de la pintura tiene las mismas obligaciones de invención y medida.

El poeta describe una cosa con tan hermosos versos, el pintor replica a esto que el también es poeta, si el poeta puede inducir a los hombres a amar el pintor tiene poder para esto y mas.

Cuando el poeta describe la fealdad o la belleza miembro a miembro y en tiempos distintos el pintor lo hace ver completo y en un instante.

El poeta no puede construir la imagen real de los miembros, de que un todo se compone.

La obra del poeta podría ser comparada a un hermoso rostro que no fuera mostrado por partes sino en la divina proporción de los miembros.

El verdadero oficio del poeta no es otro que reunir cosas robadas de otras ciencias.

COMPARACION DE LA PINTURA CON LA MÚSICA

La belleza resulta un armónico concierto que alcanza al ojo en un instante la cual la música al oído.

La música ha de ser llamada hermana de la pintura porque ella depende del oído que es el segundo sentido después del ojo.

Si la pintura es mecánica porque se utilizan las manos en la música se utiliza la boca. La pintura que al satisfacer el sentido de la vista es más noble que la música que solo

satisface al del oído. Cosa más noble es la que mas permanece en el tiempo, en este caso la pintura permanece

más que la música, esta nace y se desvanece. La pintura permanece y tiene la apariencia de ser una realidad viva, aunque se limite a una

sola dimensión, al contrario que la música. La cosa que mas excelencia tiene es la de mayor universalidad y variedad, la pintura

contiene de todas las formas, existan o no en la naturaleza. En la pintura se hacen simulacros de los dioses, proporciona retratos a los amantes, muestra

las bellezas del tiempo y la naturaleza. La música constituye en tiempo armónico las suaves melodías para varias voces; pero el

poeta esta privado de la armónica discreción de las voces. Si se dice que las ciencias de la mente no son mecánicas, la pintura es de la mente, así como

la geometría y la música considera las proporciones de las cantidades continuas y la aritmética de las discontinuas; la pintura considera la luz, las sombras, etc.

El músico afirma que su arte es igual a la del pintor por ser un conjunto compuesto de muchas partes, son cadenas armoniosas que están en continuo nacer y desaparecer. El pintor contesta que el cuerpo humano no causa placer a través de ritmos armoniosos, ni se compone de cadenas que nacen y mueren, sino que su obra dura muchos años.

Dice el músico que su ciencia debe ser equiparada a la del pintor porque compone un cuerpo de muchos miembros a esto el pintor replica que el cuerpo compuesto por humanos

miembros no pone su placer en tiempos armónicos.

Líneas de música escritas por Leonardo Se encopntraban al lado de un dibujo de matracas circulares, ( un tipo de instrumento musical) por lo que se ha deducido que debieron ser concebidas para ellas; para ser repetidas una vez detrás de otra mientras las matracas se mantuvieran en movimiento.

COMPARACION DE LA PINTURA CON LA ESCULTURA

La escultura es muy digna pero es ejecutada con menor excelencia e ingenio puesto que en dos asuntos principales la perspectiva, las sombras y las luces la escultura es ayudada por la naturaleza.

La escultura no es ciencia, sino arte muy mecánica, porque por ella su artífice suda y se fatiga, y solo le basta conocer las simples medidas de los miembros, la naturaleza del movimiento y el reposo.

La pintura en una superficie plana a fuerza de ciencia, muestra grandísimas campiñas con lejanos horizontes.

La diferencia entre la pintura y la escultura es que el escultor concluye sus obras con mayor fatiga de cuerpo y el pintor con mayor fatiga de mente.

El escultor realiza su obra aplicando la fuerza de sus brazos y de su martillo, al pintor le sucede lo contrario. Solo pulsa el levísimo pincel empapado en colores.

El escultor pretende llevar a buen término sus obras, de trazar gran número de líneas cada figura redonda.

Estos contornos deberán ser establecidos según la conveniencia del alto y bajo relieve, lo que solo podrá hacer el escultor sin error si a un lado se retira para ver la obra de perfil.

El escultor, que ha de quitar piedra del bloque allí donde quiera ejecutar el relieve de esos mismos músculos.

Por mas que algunos digan que esto fatiga la mente del escultor, no a de ser sino fatiga corporal.

El escultor dice que si se quita demasiado mármol, no puede como el pintor, añadir más la respuesta a esto es que si fuese perfecta habría quitado, según su conocimiento de las medidas.

El pintor lleva a término sus obras con la concurrencia de diez distintos discursos: la luz, las tinieblas, el color, el cuerpo, la figura, la posición, la lejanía, la proximidad, el movimiento y el reposo.

El escultor no se cuida de la luz o de las sombras puesto que la naturaleza las engendra por si misma en sus estatuas, de color nada; ni por la lejanía ni la proximidad.

1. Se considera que la escultura es mas eterna, no tiene los estragos del calor, el frió, la humedad, el fuego..... A esto la respuesta de Leonardo es que noo por ello es mayor la dignidad del escultor, puesto que una tal resistencia nace de la materia, no del artífice. La pintura podría alcanzar tal dignidad si pintando con colores vítreos sobre metales o barros cocidos pintásemos.

La pintura emula a la escultura en eternidad, pero en belleza la sobrepasa incomparablemente, porque en ella se combinan las dos perspectivas.

El escultor hace una figura en bulto redondo y no prevé infinitos puntos de vista, sino dos tan solo: el anterior y el posterior. En cambio el bajo relieve requiere mayor especulación que la escultura de bulto redondo y casi se equipara a la pintura en grandeza especulativa.

El pintor aprende mucho antes la escultura que no el escultor la pintura, el bajo relieve no requiere tanta fatiga corporal como el bulto redondo, aunque si mayor investigación, pues ha de considerar la proporción de las distancias existentes entre el primer plano de los cuerpos y el segundo ...

Las obras del escultor no valdrán nada si en ellas la luz no esta dispuesta como en el lugar en el que fueron llevadas a cabo.

Estudio para el monumento Trivulzio. :1511:Royal Library, Windsor Castle

La luz en cambio no le importa tanto al pintor, el cual, tras haber dispuesto las distintas partes de su obra, ha de atender a dos grandísimas leyes de la naturaleza, las dos perspectivas, y aun tercero y grandísimo discurso, el claroscuro de luces y de sombras. Todo ello ignora el escultor.

La escultura exige una determinada luz, la pintura la lleva consigo, tiene luz y sombras propias.

La luz y las sombras son cuestión importante para la escultura, y en este punto la naturaleza da al escultor socorro del relieve. El pintor sitúa la luz y la sombra allí donde razonablemente serian situadas por la naturaleza.

El escultor no puede distinguirse por la natural variedad de los colores; a la pintura ninguno le falta.

Las perspectivas de los escultores no parecen verdaderas; las de los pintores pueden alcanzar cien millas de profundidad.

Los escultores no se sirven de la perspectiva aérea; no pueden representar los cuerpos transparentes, ni los cuerpos luminosos, ni los rayos reflejos, ni los cuerpos bruñidos, así espejos y semejantes superficies pulimentadas ...

La escultura tiene a su favor ser mas resistente al paso del tiempo, aunque la pintura sobre cobre, recubierta de esmalte blanco y pintada con colores de esmalte puesto al horno y cocido, será igual de

resistente o más. El escultor si comete un error es más difícil remediarlo. Es más difícil remediar el ingenio del

maestro que ha perpetrado tales errores, que remediar la obra que ha frustrado. Si el escultor trabaja con barro o cera podrá quitar o poner a su placer y luego, ya la obra

concluida, colar el bronce con holgura. La pintura sobre cobre, que se puede corregir, es semejante a la escultura en bronce, la cual

también se puede corregir cuando es en cera; y si esta escultura de bronce es duradera, eternísima es la pintura en cobre y esmalte.

La pintura es más bella, fantástica y copiosa, y la escultura más duradera la escultura muestra con poca fatiga lo que en la pintura parece cosa de milagro.

La pintura es hermoseada por infinitas especulaciones de las que la escultura no se sirve. A través de vidrios papeles o velos transparentes, contemplan las obras de la naturaleza y las

dibujan sobre esas superficies translucidas; las perfilan luego añadiendo según las leyes de proporciones, y las rellenan de claroscuro, señalando la posición, intensidad y forma de las sombras y luces. Se sirven de estos procedimientos para ahorrarse fatiga.

Estudio para el monumento Trivulzio27,5 x 20 cm..-508-11  :Royal Library, Windsor Castle  

La pintura requiere mayor discurso y artificio y es arte de mayor maravilla que la escultura, porque la mente del artista esta obligada a transmutarse en la mente de la naturaleza para servir de interprete entre esta y el arte y comentar con ella las causas de las manifestaciones de sus leyes.

El arte de la pintura comprende y encierra en si todas las cosas visibles, lo que no podrá hacer la escultura en su miseria.

La pintura finge las cosas transparentes, y el escultor te muestra la forma de los objetos naturales sin su artificio; el pintor te sugiere las distancias variando el color del aire interpuesto entre los objetos y el ojo.

El escultor dice que el bajorrelieve es una especie de pintura; en lo que al dibujo se refiere, pues ciertamente participa de la perspectiva; en lo que se refiere a las sombras y las luces, yerra tanto si es considerado pintura o escultura.

A la escultura le falta la belleza de los colores y su perspectiva; le falta perspectiva y confusión de limites de las cosas que están lejos del ojo. (Ejemplo: no podrá conseguir que se aprecien los límites que hay entre las cosas.

La pintura requiere mas discurso mental y mayor artificio que la escultura. Un cuerpo rotundo rodeado de aire y vestido de una superficie oscura y clara, cual los restantes cuerpos naturales. Todo su artificio es dirigido por dos maestros, la naturaleza y el hombre.

Si la obra del escultor no socorriera con sombras más o menos oscuras y con luces más o menos claras, resultaría toda de un uniforme color. La naturaleza viene en auxilio de la perspectiva, contribuyendo con sus escorzos a que la superficie musculosa de los cuerpos varíe según los distintos puntos de vista.

El escultor responde a esto: " si tales músculos no hiciera, la naturaleza no me los escorzaría", el pintor dice que sin la ayuda del claroscuro el escultor no podría modelar los músculos, puesto que no podría verlos, pero el escultor no esta de acuerdo en esto diciendo que es el que engendra el claroscuro al esculpir el material pero el pintor dice que es la naturaleza quien provoca las sombras.

El escultor dice que hará un bajorrelieve para mostrar, por medio de la perspectiva, lo que no existe en acto, pero la perspectiva forma parte de la pintura y que en tal caso el escultor se tornaría al pintor ...

Si el escultor quita mas mármol del que debe no puede rectificar su error, a lo que responden diciendo los pintores que si quita demasiado no es maestro, puesto que llamase

maestro a aquel que tiene un seguro conocimiento de su arte. El escultor dice que trabajando el mármol se descubren roturas que son del propio bloque.

Si esto fuera así seria como si aun pintor se le rompe o se le daña la tabla en que pinta. El escultor no podrá hacer una escultura sin hacer infinitas, por culpa de los infinitos

perfiles que las cantidades tienen. Pero, los infinitos perfiles de la tal figura se reducen a dos medias figuras: una posterior y una anterior. Si están bien proporcionadas compondrán reunidas una figura rotunda, y si todas sus partes tienen un justo relieve corresponderán por si mismas.

El claroscuro y la sombra son engendradas por el pintor con grandísima especulación, auxiliándose de las mismas cantidades, cualidades y proporciones con que la naturaleza auxilia a la escultura.

El pintor ha de hacer suya esa ciencia a fuerza del ingenio.

Estudios para la fundición del Monumento ecuestre de Francesco Sforza.. Realizado hacia 1490-92- Col. Windsor12349r

El escultor dirá que sus obras son mas duraderas que las del pintor, pero esta ha de ser virtud de la materia, que no del escultor que la esculpe, y si el pintor pinta con esmalte sobre barro cocido, tal obra será mas duradera que la escultura.

Si la escultura recibe la luz de abajo arriba parecerá cosa deforme y extraña; no así la pintura, que contiene en si

misma todas sus partes. La pintura parece sobresalir del muro o de cualesquiera superficies y engañe así a las

mentes más sutiles. Si el material labrado no estuviese revestido de luces y sombras, causadas estas por la

interposición de protuberancias de músculos y huesos, el escultor no seria capaz de percibir el progreso continuo de su trabajo.

refuerzos que sujetan el molde para el caballo. Los consejos de Leonardo eran: Si desea hacer moldes sencillos rápidamente, hágalos en una caja de arena de río humedecida con vinagre.

Una vez hecho el molde sobre el caballo, deberá hacer el grosor del metal con arcilla.

Estas piezas pertenecen al molde de la cabeza y el cuello del caballo, junto con su armazón y sus hierros (…)

DIFERENCIAS FUNDAMENTALES Como una especie de resumen de todo lo anterior, Leonardo plantea 3 diferencias fundamentales entre ambas ciencias: Las obras del escultor aparecen tal

como son, el pintor ha de estudiar la ciencia de las sombras, compañeras de la luz, mas no el escultor, pues la naturaleza auxilia a sus obras, sin luz son todas de un mismo color, pero una vez iluminadas son de variados colores: el claro y el oscuro.

La segunda gran ciencia que el pintor requiere entraña una sutil investigación, las sombras y las luces según sus cabales cualidades. En las obras del escultor es la naturaleza quien por si misma se encarga de situarlas.

La perspectiva, la investigación e invención sutilísimas de los estudios matemáticos, las cual hace que por medio de líneas parezca remoto lo que esta próximo y grande lo que es pequeño. La escultura es auxiliada en

este punto por la naturaleza, que actúa al margen de la invención del propio escultor.

En este sentido, Leonardo expresa una especie de deberes del pintor que serían: Ser capaz de explicar la causas existentes bajo las apariencias de sus leyes y la manera como

el parecido de los objetos que rodean al ojo se encuentra la verdadera imagen. Notar la diferencia:

Entre varios objetos de igual tamaño que aparecerán al ojo con mayores Entre colores iguales que parecerán unos mas oscuros y otros mas claros. Entre objetos que colocados todos a la misma altura parezcan algunos mas altos. Entre objetos semejantes siendo colocador a diversas distancias.

Por último, plantea la cuestión de cual necesita mas destreza y dificultad. En este

sentido plantea cuatro argumentos fundamentales1. Una estatua depende de ciertas luces, principalmente de las que la iluminan desde arriba, mientras que un cuadro lleva consigo su propia luz.2. El escultor no puede marcar las diferencias entre los diversos colores de los objetos. El pintor no deja de hacerlo en cada detalle.3. Las líneas de perspectiva de los escultores no parecen reales. Las del pintor pueden dar la apariencia.4. La perspectiva aérea esta fuera del campo de trabajo de los escultores; no pueden representar cuerpos transparentes, luminosos, reflejos o cuerpos relucientes.

Sus comparaciones entre disciplinas quizás nos expliquen el hecho de mezclar datos de todo tipo en sus páginas. En esta del Manuscrito del Vuelo de los Pájaros, podemos encontrar incluso una especie de autorretrato del autor.

DISCURSIONES ENTRE EL PINTOR Y EL ESCULTOR

El arte del escultor es de mayor fatiga corporal que el pintor, ya que, es un arte más mecánico y que menor fatiga mental requiere. El escultor solo quita, el pintor siempre pone.

El escultor busca las líneas que dan forma a la materia esculpida; el pintor estas mismas líneas y otras para las sombras, la luz, el color y el escorzo, cosas en las que la naturaleza auxilia al escultor, engendrando por si mismo la sombra, la luz y la perspectiva.

Cuando el escultor conoce las tareas del pintor, el mismo es pintor, y cuando no las conoce, es un simple escultor. El pintor, ha de conocer la escultura, esto es, la naturalidad del relieve, el cual engendra el claroscuro y el escorzo.

COMPARACION ENTRE MUSICA, PINTURA Y POESIA

Una vez abordadas los parangones como binomios, Leonardo se plantea también la comparación entre las tres disciplinas, estableciendo como principales argumentos los siguientes: La representación de la figura humana por parte del poeta y del pintor existe la misma

diferencia que entre conjuntos desunidos y unidos. El poeta al describir la belleza o la fealdad de cualquier figura lo puede mostrar

sucesivamente, pero el pintor lo hace de una sola vez. La forma del poeta puede compararse a la del músico.

Las representaciones son incapaces de reproducir la belleza de proporciones armónicas a base de una división armónica del tiempo.

El músico al poner sus suaves melodías en espacios rítmicos de tiempos, las compone en varias voces, el poeta en cambio se ve privado de esa diferencia armónica de voces.

El pintor en sus composiciones armónicas no puede decir cosas a distinto tiempo y están dispuestas a reaccionar a la vez. Por estas razones el poeta esta en una categoría inferior al pintor y mucho inferior a la del músico en la de las invisibles.

El poeta sabe expresar y describir la perspectiva de formas, el pintor las representa de tal forma que aparezcan mas vivas con luces y sombras.

El poeta no puede conseguir con su pluma lo que el pintor con su pincel. El poeta comunica sus conocimientos por medio del oído, el pintor por medio de la vista.

El poeta queda muy rezagado del pintor en todo lo que concierne a la figuración de las cosas y del músico en todo lo que concierne a la figuración de cosas invisibles. Pero el poeta recurre a la ayuda de otras ciencias.

LA PRACTICA DE LA PINTURA

Leonardo se planteó también la labor de a aconsejar y a dar una serie de pautas a los aprendices de pintura para llegar a ser grandes pintores, pero con una norma común: la Universalidad. Veamos algunas de estas ideas.

LAS CUESTIONES TÉCNICAS

Leonardo comienza por señalar lo que él considera deberían ser una especie de primeros pasos:

-Se ha de aprender en, primer lugar, la perspectiva. -Después de dominar la perspectiva las medidas de los cuerpos. -Con un buen maestro comenzar a trabajar la composición y después acudir a confirmar

lo aprendido a la naturaleza. “Son mejores obras aquellas que mayor semejanza guarda con lo que imita que las que modifican las obras de la naturaleza pretendiendo que sea la naturaleza la que se equivoca por no ser como ellos la perciben.”

-Observar detenidamente las obras de distintos maestros. -Comenzar a poner en práctica el arte de cada uno, copiando primero los dibujos de

buenos maestros y después realizando dibujos propios. En este caso recomienda:-No dibujar de memoria, sino al natural, con una percepción directa de lo que se vaya a dibujar.-Después, del dibujo ya hecho se debe sacar el relieve.

COMO Y CUANDO TRABAJAR: Leonardo recomienda para trabajar las habitaciones o salas pequeñas que concentran la

mente, ya que considera que las grandes distraen. Además opina que es falsa la afirmación de que los pintores no deben trabajar los días festivos. Por otro lado, considera que en las ciudades no se puede contemplar los lugares hermosos de la tierra por eso es conveniente haber visto alguna vez las maravillas del campo como selvas, ríos, mares. .

En cuanto a las distintas épocas del año, Leonardo considera que para copiar la naturaleza es mejor aprovechar el verano. Luego en invierno se pueden estudiar las cosas preparadas durante el verano. También se debe aprovechar el verano para tomar notas al tiempo que se pasea de objetos de la naturaleza, y conductas de los hombre cuando ríen lloran... Recomienda tomar notas en un cuaderno que se lleve a tinta, cambiando a menudo de cuaderno para que los dibujos no se borren. Piensa que las actividades son tan infinitamente variadas en la memoria es incapaz de retenerlas.

REGLAS DE LA PINTURAPara Leonardo, las reglas tienen como finalidad el adquirir un criterio apropiado y libre

y es la base de un conocimiento claro. Así pues las reglas son capaces de descubrir lo proporcionado, los colores ... Veamos algunas: Saber matemáticas. El pintor tiene que acostumbrar su mano a copiar dibujos copiando dibujos de buenos

maestros. Hay que empezar por los detalles de las cosas y no pasar al segundo aspecto hasta que se

halla terminado el primero ...

Después se tiene que acostumbrar a hacer el relieve. Hay que distinguir entre las luces oscuras y las claras y saber a la vez donde se juntan entre si.

Hay que apreciar la dirección que toman los perfiles, apreciar sin dificultad las líneas curvas y su dirección.

Para dibujar un cuerpo hay que conocer la anatomía: tener conocimiento de la situación de los tendones, nervios y músculos, para poder representar correctamente los accidentes musculares del cuerpo según la postura que este adopte.

Luego se compone el cuadro; recomienda hacer una especie de composición previa “ “Más tarde se pondrán allí calles, plazas y campiñas, sucintamente anotadas y sugeridas por medio de líneas; así para un rostro se trazará un O y para un brazo una línea recta o plegada, y cosas semejantes para las piernas y el tronco”

Es importante ir despacio “ Hay que adquirir antes diligencia que presteza”. -Con todo, lo mejor será la observación directa del natural, incluso antes que copiar a

Maestros: “ si puedes acudir a la fuente, no eches mano de la vasija Si cuando esta resolviendo un problema se presenta otro, debes considerar el mas grave y

resolverlo y cuando este resuelto todo ir a por el menos complejo.

Una vez que el pintor ha sido enseñado a hacer estas cosas sin problemas es cuando poco a poco se adquirirá rapidez en la realización. Además, sobre la cuestión de si trabajar solo o en compañía, Leonardo recomienda: :

-Trabajar solo para la labor mental: “Ha de ser solitario cuando esté empeñado en especulaciones y consideraciones”

-Acompañado para el dibujo “Se ha de preferir dibujar en compañía”. Por 3 motivos.-Si no se es demasiado bueno se sentirá vergüenza, lo que estimula el estudio-El deseo de recibir alabanzas, hará al pintor mejorar-Se podrá aprender del dibujo de los demás.

Así pues, y a modo de resumen, podemos decir que Leonardo considera aceptable basarse en obras de grandes pintores al principio, pero a la vez ser insiste en la necesidad de ser original un pintor creará cuadros de escaso mérito si toma como modelos cuadros ajenos.. Por que si todos los pintores hicieran eso la pintura iría a peor. En este sentido, Leonardo menciona a “Los romanos por ejemplo tomaron como ejemplo a sus antecesores empobreciendo su pintura a la vez. Esto llegó a su fin cuando apareció Giotto”

TRUCOS Y OTRAS RECOMENDACIONES PRÁCTICAS

Además señala una serie de pasos o necesidades imprescindibles como por ejemplo:1. Por la noche se ha de memorizar todo lo estudiado y trabajado durante el día.2. En invierno debe aprovechar para repasar lo que se hizo en verano. Por ejemplo

conviene ensayar con los desnudos que se hicieron en verano, practicando con ellos y memorizándolos.

3. Para realizar el desnudos en verano, el pintor, debe elegir un hombre que no tenga inconveniente en mostrarse y de buen comportamiento.

4. Un pintor tiene que ser universal, trabajar todos los temas de la pintura. Para ello, ha de ser capaz de representar, por su arte, todas las formas de la naturaleza.

“Porque harta indignidad hay en hacer una cosa bien y otra mal”5. En las historias los personajes deben ser diferentes en complexión, edad, tinte,

actitud, corpulencia y flaqueza. Y han de variar las ropas y colores en función de lo que requiera la composición. “peca gravemente el pintor que hace rostros semejantes”

6. La condición de la luz: Leonardo considera conveniente:

Prospectógrafo de Leonardo- Realizado hacia 1480 C:A. f. 5r

Una luz grande y alta, y no excesivamente intensa, hará resaltar buenos detalles de los cuerpos.

Para dibujar al natural la luz ha de venir del Norte, por que no varíe. Si la luz recibes desde mediodía, mantén la ventana cubierta con un paño. La altura de la luz ha de estar dispuesta de forma que todo el cuerpo proyecte

en el suelo una sombra tan alta como su longitud. En general defiende la luz media: la excesiva luz resulta cruda, la excesiva

oscuridad no deja ver. La mediocre es buena” Además recomienda no usar ventanas pequeñas que provoquen diferencias entre luces y sombras.

7. El afán de superación: Leonardo considera imprescindible tener afán de superación: “Triste discípulo es quien no aventaja a su Maestro”

8. Al pintar se ha de sostener en la mano un hilo de plomo, porque así se pueden ver las posiciones relativas de los cuerpos. Además recomienda establecer una línea principal en el cuadro.

“Cuando dibujes procura establecer una línea principal, que habrás de observar luego a lo largo del cuerpo que dibujas; todo cuerpo depende de la dirección de la línea principal”

Además establece otros trucos para componer en perspectiva, por ejemplo: Truco para dibujar un lugar con corrección: Con un vidrio del tamaño de medio folio

colócalo con firmeza ante tus ojos, entre el ojo y lo que vas a dibujar. Te sitúas a una distancia de 2/3 de braza del vidrio y fija la cabeza con un instrumento. Cierra el ojo, y con un pincel o lápiz graso traza sobre el vidrio lo que allí aparece; cálcalo sobre un papel y transpórtalo a otro mejor para pintarlo, cuidando la perspectiva aérea

Truco para aprender la correcta disposición de las figuras: Para la correcta poses de las figuras puedes fabricarte un bastidor o telar cuadriculado con hilos y colócalo entre tus ojos y el desnudo que dibujes. Trazarás esos cuadrados que ves con ligereza sobre el papel. Se coloca una bolita de cera en un lugar cualquiera para que sirva de punto de referencia.

La puedes colocar donde se juntan las clavículas o en las vértebras del cuello si está de espaldas. Esos hilos te indicarán como se disponen las partes del cuerpo en cada movimiento. Pero has de mantener siempre perpendicular la red. Los cuadrados que traces serán proporcionalmente menores dependiendo de la reducción que quieras hacer de la figura.. Después, recuerda que has de servirte de la regla de proporción entre los miembros como te la mostró la red, y tendrá tres brazos y media de altura y tres de anchura, y

estará a siete brazas de ti y a una del desnudo.

Grabado de Durero, 1525: “dibujo en perspectiva de una mujer”. Coincide con la recomendación y el prospectógrafo de Leonardo

Leonardo llama a esta lámina “cuerpo nacido de la perspectiva de Leonardo da Vinci, discípulo de la experiencia”- Fue realizada hacia 1490 y se encuentra en el Códice atlántico- f. 520r

Sobre los Escorzos, en general los desaconseja en figuras aisladas y los recomienda en composiciones: “Hazlos de toda suerte y a tu conveniencia, cuanto más en batallas donde necesariamente han de aparecer innumerables torsiones y flexiones”

Sobre Perfiles de los Dibujos: Los desaconseja: ( defiende el sfumato) “No deslindes tus figuras de su campo, por medio de trazos muy acusados”

También aporta trucos para hacer que las figuras parezcan mayor es de lo que son . Por ejemplo como pintar una figura en una pared de doce brazas, que parezca alcanzar veinticuatro brazas de altura.:

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Dibujos y diseño general con escorzos realizados por Leonardo para la Batalla de Anghiari

Traza en la pared mr la mitad inferior de la figura que quieres representar; a continuación sitúa la otra mitad de la figura en la bóveda mn. Para esto hay que dibujar primero sobre el pavimento de una sala el muro y la bóveda donde ha de ir la figura; traza tras ese muro, la figura de perfil, y del tamaño que te apetezca, y tira todas las líneas hacia el punto f. según se corten las líneas sobre la pared mn, finge las figuras sobre el muro que la pared simula y así se obtienen todas sus alturas y resaltes. La anchura o grosor que encuentres en el muro mr debes trazar con su forma justa, porque cuando retroceda el muro, la figura menguará por sí misma

Método para estimular la imaginación.:-Observando manchas de un muro sucio o construido con piedras de distinto tipo. Con esto podremos observar paisajes, batallas, figuras agitadas y rostros de extraño aspecto.

La selección de caras hermosas: Para Leonardo es importante dar un aire agradable a las figuras. Hay que seleccionar caras que a vista de otros parezcan bonitas Con frecuencia los modelos del maestro se parecen a si mismo, por lo que un pintor poco agraciado va a elegir caras mas bellas que él ,pero esto no quiere decir que sea la apropiada.. Puede que el resto de las gentes no las consideren suficientemente hermosas.

¿Cómo elegir una buena luz para los rostros? Leonardo mantiene que si se tiene un patio que se pueda cubrir con una lona de lino, la luz será buena. Cuando se desee retratar a alguien, ha de hacerse con mal tiempo o al caer la tarde, procurando que el retratado permanezca con la espalda apoyada en uno de los muros de dicho patio. Los muros, del patio, han de ser negros y con un alero pequeño que se proyecte sobre esos muros. El recinto ha de ser de 10 brazas de anchura, 20 de longitud y 10 de altura. Y debe estar cubierto por un velamen para cuando el sol ser fuerte.

¿Cómo juzgar una obra?.- Considera que los errores se reconocen más fácilmente de obras ajenas que en las propias. Para que no nos ocurra esto, Leonardo, nos da una serie de consejos:

-Ser un gran maestro en perspectiva. -Tener un gran conocimiento de las proporciones del hombre y otros animales. -Ser un buen arquitecto, en cuanto a la forma de los edificios.

También nos aporta algún consejo para reconocer los errores de nuestra obra: -Tener un espejo, porque al contemplar en él la obra, la cual, vista al revés, parecerá de mano de otro maestro. “Los fallos de los cuadros se observan mejor en obras ajenas. por eso al pintar deberíamos tener cerca un espejo plano para ver el cuadro a la inversa y así parecerá que es un cuadro ajeno. de esta manera será mas fácil darnos cuenta de los propios fallos” -Otra posibilidad es hacer que el original se refleje en el espejo y compararlo con la obra. -También conviene levantarse y tomar un descanso, de cuando en cuando para relajarse, y al volver estas en mejores condiciones de juzgarlo. Incluso Es bueno contemplar el cuadro desde cierta distancia para percibir la falta de armonía, proporción en los bordes y los colores de los objetos. Además insiste en la

Dos de sus muchos dibujos de rostros bellos de mujer

importancia de tener en cuenta la opinión de los demás sentido cuando se está pintando algo, sean pintores o no lo que la observan, porque, de todas formas, conocerán la forma de la figura y podrá indicar si tiene algún defecto. No obstante recomienda sopesar si el censor tiene razones para la censura. No obstante, plantea que hay que tener en cuenta que en las pequeñas cosas los errores son menos perceptibles que en las grandes.

¿Cómo ayudarnos de la memoria? Cuando un pintor quiera saber si una cosa que trabajó, la recuerda perfectamente, Leonardo, nos aconseja que procedamos de la siguiente manera: “Cuando hayas dibujado un cuadro repetidas veces y te parezca que ya está bien memorizado, intenta dibujarlo sin modelo. Para eso haz un calco del modelo sobre un cristal pulido y plano y poner sobre él el que dibujaste sin modelo. Entonces podrás ver dónde no coincide el calco con tu dibujo. Estos errores se te quedarán memorizados en la memoria y otra vez te andarás con más cuidado con ellos.”. El calco, también se puede hacer con un fino pergamino de cabrito, muy aceitado y puesto después a secar.

Tres vistas de la misma cabeza, realizado hacia 1500 – Turín – Biblioteca Reale

Repertorios de narices- Ilustración para un texto del Tratado de la Pintura ( copiado del extraviado Libro A – 1508-1510- Códice Vaticano Urbinate – 1270 – f. 108v

MATERIALES DEL PINTOR

Como hombre educado en un taller, dedica mucho tiempo a buscar y perfeccionar nuevos pigmentos y barnices. Por eso escribió diversas recetas que encontramos recogidas en el en Códice Atlántico, sobre todo en lo que se refiere a fórmulas de barniz y mezclas de colores.

COMO HACER PUNTAS PARA COLOREAR EN SECO: Fijando el color molido en piedra caliente con un poco de cera disuelta en agua destilada mezclada con albayalde.

GRAFITO: Disuelto en vino y en vinagre o aguardiente, y luego mezclado con cola dulce

DIBUJAR EN NEGRO CON SALIVA: Con polvo de agallas de encina y de vitriolo, y extiéndelo sobre un papel como si se tratara de barniz.

EL COLOR VERDE: Mezclando el verde con betún para las sombras más oscuras; para las mas claras, verde y ocre, y verde y amarillo si fueran más luminosas.

EL COLOR AZUL: Como el aguardiente absorbe todos los colores, recomienda echar azulina y así se obtendrá el azul.

EL COLOR ROJO: Recomienda tomar rubíes de rocas nuevas o granates y mézclalos al punto.

EL COLOR AMARILLO: Propone disolver rejalgar u oropimente, en agua fuerte.

EL COLOR BLANCO: Aconseja poner el blanco en una cazuela, dejándolo dos días al sol y al sereno.

ÓLEO: Para hacer óleo propone utilizar semillas de mostaza, mezclando las semillas desmenuzadas con aceite de linaza y poniéndolo todo bajo la prensa.

- Para Despojar al óleo de su olor: recomienda tomar diez bocales de óleo fuerte, y echarlos en una tinaja , señalando en ésta la altura que alcance entonces se deberá ;añadir un bocal de vinagre y hacerlo hervir.- Restituir colores al óleo ya secos: tenerlos una noche a remojo en pasta de jabón y mezclarlos a ésta.

SOMBRAS NEGRO Y OCRE: Recomienda tomar la sombra y mezclarla con la carnación descrita, añadiendo una pizca de amarillo y una pizca de verde y algunas veces laca.

APLICACIÓN DE LOS COLORES A LAS TELAS: C onsidera conveniente darle a la tela una sutil mano de cola y déjala secar antes de dibujar encima.

PROPORCIONES DEL COLOR: Considera que una onza de negro con una onza de blanco nos da un determinado grado de oscuridad.

TABLAS: Nos describe los diferentes pasos:

1. Prepararlas para pintar: la madera ha de ser de ciprés, Se debe embadurnar de almáciga y trementina blanca destilada dos veces, y disponer después en un bastidor, de forma que pueda dilatarse y contraerse en conformidad.

2. Como ponerlas derechas: Considera que la plancha sacada del árbol que mira al septentrión, es la que menos alabea y mejor conserva su natural forma plana.

3. Tablas que nunca se pliegan por si solas: Insiste en que para que la tabla cortada se conserve derecha, es conveniente serrarla a lo largo , volviendo ambas mitades en sentido contrario.

BARNIZ: Aconseja tomar ciprés y destilarlo, vertiendo entonces el extracto en una redoma grande, con tanta agua que parezca ámbar.

COMO BATIR VINO BLANCO Y HACERLO ROJO: Recomienda pulverizar agallas y déjalas ocho días en vino blanco, Además habría que disolver vitriolo en agua y déjala reposar y aclarar. Después habría que filtrarlo bien, y cuando se haya vertido con esa agua el vino blanco, se obtendrá rojo.

FUEGO: Incluso señala a modo de receta lo que nunca habría que hacer pues se puede provocar un incendio. En este sentido, señala una serie de pasos en este caso a no seguir:o Perfumar la sala con una espesa humareda de incienso o de una sustancia odorífera.o Luego soplar.o Arrojar el barniz en polvo entre tales vapores o Entrar en dicha sala con una antorcha encendida.o Todo se inflamara en un instante.