Pintura Barroca
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PINTURA BARROCA EGG IES M de M
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PINTURA BARROCA
EGG IES M de M
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCA
-Predominio del color sobre el dibujo
- La luz define la forma y la sombra lo que no se ve. La luz es real: ilumina unos objetos y deja otros en penumbra.
- Composición asimétrica y atectónica (sin límite, sin techo: cuando éste existe pintado simula a su vez un cielo abierto. Esto ocurre por ejemplo en las bóvedas pintadas).
- Presenta un espacio no limitado: lo representado excede del marco pictórico. Así lo señalan los escorzos, las diagonales compositivas …)
- Posee gran movimiento: diagonales, contrastes, figuras inestables …
- Es una pintura realista: los personajes, las escenas, los temas, los objetos se extraen de la vida cotidiana y se presentan tal como son: bellos, feos, pobres, tristes. No hay que olvidar que el Barroco discurre en un momento de crisis.
- También existen personajes mitológicos
- Aquellos otros personajes que se intentan ensalzar caso de monarcas, validos o papas también estarán representados.
CARAVAGGIO ( Miguel Angelo Meresi)
-Nació en Bérgamo y aprende de Giotto, Massaccio y Mantegna.
- Pinta las cosas tal como las ve y en los lugares en las que las ve: tabernas, pensiones, en la calle….
- De talante bohemio y visceral estuvo obligado a huir más de una vez del lugar donde trabajaba. No obstante, esto no supuso un freno a su reconocimiento y encargos ya que era reconocido por sus contemporáneos.
- En su obra La Vocación de San Mateo, el tema, Mateo, recaudador de impuestos del Imperio Romano se halla contando monedas y es entonces cuando Cristo acompañado por San Pedro irrumpe y le dice que le siga, se desarrolla en un espacio realista, una taberna, en torno a una mesa. Parece algo instantáneo, que no está preparado. La composición es diagonal, al seguir el rayo de luz diagonal que desde un ventanuco de la derecha ilumina a los personajes. Reparad en los contrastes: zona baja poblada de figuras y alta sin ellas; estudio psicológico de los personajes, individualizados en actitudes. Diferenciar y valorar el tenebrismo,
Caravaggio. Vocación de San Mateo. 1598 -1600 Óleo. Iglesia San Luis de los Franceses. Roma
PETER PAULUS RUBENS (1577 1640)
-Pintor flamenco. Católico. Representa la corriente católica barroca. Pronto viajó a Italia por lo que su hacer tiene influencias d ambos países.
- Influencias flamencas gusto por el detalle y por el realismo. Italianas: la profundidad de atmósfera de Leonardo, monumentalidad y energía de Miguel Ángel y el tratamiento del color influenciado por la escuela veneciana (Tiziano, Tinttoreto, Veronés).
- Fue un pintor que vivió bien: tuvo un taller en el que se formaron pintores de la talla de Van Dyck. Además fue embajador, por lo que vivió en varias ciudades italianas así como en Madrid con Felipe III y IV.
- Iconografía: relatos mitológicos y religiosos principalmente.
- Composición: gusto por las líneas diagonales, dinamismo, juego de curvas y tensión.
- Colores: gran empleo de cálidos. Las figuras en grises y azules. Gran fastuosidad en el color por la influencia veneciana.
- Luz. Influencia de Caravaggio: empleo de recursos para crear un escenario dramático. Pincelada rápida, enérgica, violenta.
- Gusto por el desnudo femenino en temas mitológicos: no captó la psicología de los personajes. Los cuerpos serán de carnes blandas y palpitantes.
- Influencias: influyó en Velázquez y en los grandes pintores del romanticismo.
Autor: Peter Paul Rubens
Comitente: Abad Matthaeus Yraelius
Título: Adoración de los Reyes Magos. 1624
Lugar: Koninklijk Museum Amberes
Técnica: Óleo sobre tabla.
Dimensiones: 448 x 346 cm.
Estilo: Barroco flamenco.
Tema religioso al servicio de la Iglesia
Composición abigarrada, casi piramidal
Técnica: Pincelada suelta, importancia del color, que centra y atrae y de la luz dada a fogonazos
Rubens. La Adoración de los Magos. 1609. Óleo sobre lienzo. 3,46 x 4,88. Barroco flamenco. Museo del Prado.
Autor: Rubens.
Título: Tríptico del Descendimiento.
Cronología: 1612.
Estilo: Barroco flamenco.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Lugar: Catedral de Amberes.
Tema:
Cristo es descendido de la cruz en una escena compositivamente violenta:, en aspa, y abierta. Se desprende un gran dramatismo.
Predominio de curvas, de contrastes, de inestabilidad..Se aprecia lo dramático de la acción. La inestabilidad de los personajes representados incide en ensalzar el dramatismo del tema. La luz también incrementa el dramatismo.
Técnicamente el dramatismo se consigue con el contraste del color: la figura de Cristo, blanca, está rodeada de colores cálidos.
Es una obra que refleja influencias de Miguel Ángel, Caravaggio y ejemplifica lo que fue el barroco de la contrarreforma.
Es una obra en la que están presentes todas las características de la pintura barroca.
Autor: Rubens.
Título: Las Tres Gracias. 1639.
Estilo: Barroco flamenco.
Técnica: Óleo sobre tabla.
Lugar: Museo del Prado.
Tema: Talia, Eufrosine y Anglae, hijas de Zeus y Eurymone representan la belleza que no necesita esconderse.
Técnica: Los colores se han realizado mediante veladulas y adumbración de tonos (con la pintura aún fresca se dan pinceladas en blanco aquí y allá) Así se matizan los colores
Composición: Representa un círculo, pero ondulante, con la línea de sus cuerpos y la floresta superior plana.
Luz: Existen contrastes al presentarse zonas de umbría como recoge Ovidio. Esta umbría y juegos de luces genera cierto misterio que nos recuerda a Giorgone.
Valoración: Rubens además de ser un pintor de la contrarreforma realizó obras mitológicas que le sirvieron para abordar el tema del paisaje, como aparece en este caso, con sus efectos de penumbra y luz y diversas cualidades de la vegetación representada si bien gira en torno a la figura humana.
LAS TRES GRACIAS
1.- Rafael de Urbino. 1504 05
2.- Hans Baldung – Grien. 1539
3.- Boticelli
4.- Nicolás Cordier. 1565 – 1612. Manierismo
5.- Relieve de la antigüedad
Jean - Louis David.
Marte desarmado por Venus y las Tres Gracias.
Pintura Neoclásica.
Beschey, Jacobus Andreas. Las Tres Gracias. Amberes 1710 – 1786. Óleo
sobre tabla. Museo del Prado. Madrid.
REMBRANDT (1606 – 1669) Pintura holandesa.
- Nace en Leyden y se establece en Amberes. Se casó y tuvo un hijo. Pero enviudó y estableció una relación sentimental con la niñera de su hijo. La sociedad puritana en la que vivió no le perdonó y de ahí el fracaso en sus negocios. La muerte de su hijo y de su pareja contribuyeron a unos últimos días de soledad entre la pobreza y la enfermedad.
- Comparte con los flamencos el gusto por el detalle.
- Es buen retratista: recogía las flaquezas y sentimientos humanos. El mismo se retrató varias veces. En los retratos grupales se observa la narración de la historia de la ciudad.
- Las obras religiosas plasman la fe protestante: sentido ético de la vida, íntimo y nunca teatral como el expresado por la Iglesia Católica.
- Manifestó un gran gusto por las calidades de la materia. La sinceridad y la veracidad prevalecen sobre la armonía y belleza clásicas: así, la cara de una anciana, con sus arrugas posee más belleza que una piel tersa anónima.
- Tratamiento de la luz: trata zonas con luz y otras con sombra. Este juego le sirve para delimitar los perfiles y aportar misterio a las escenas. Inspiró a pintores del XVIII y en todos los que dieron importancia al color y a las sombras.
Rembrandt. Lección de anatomía del doctor Tulp. 1632. Óleo lienzo. Barroco holandés. M. La Haya
Tema: retrato de cirujanos en una clase de anatomía.. Hay que destacar: no hay jerarquía de los retratados, como era habitual; se da gran importancia a la acción; no es una clase habitual ya que la disección comenzaba por el abdomen y seguía por la cabeza.
Esquema compositivo piramidal: el doctor levemente separado y con sombrero, tres están atentos a las pinzas y forman un triángulo; 4 miran al doctor o al espectador. Un asistente lleva en el folio los nombres de los retratados. A los pies está el libro de anatomía, base de esta disciplina moderna.
Luz: El cadáver es un foco de luz que ilumina los rostros. Hay una gradación en los cuellos para pasar a la oscuridad.
Contrastes, antagonismos barrocos: dinamismos de las miradas y disposiciones frente al estatismo del muerto; La variedad e individualidad de los personajes y el conjunto; la oscuridad de los cuerpos y el foco blanco del cadáver.
Capta la psicología de los personajes a través de las
expresiones faciales y de la mirada. Se presentan como
personajes ambiciosos ya que la riqueza era un signo de
predestinación
Detallismo que comparte con los flamencos, en las cualidades de la
materia y de las telas.
Rembrandt. La ronda de noche, 1642. Óleo sobre lienzo. Amsterdam. Rijn Museo
Tema: retrato colectivo. Fue encargo de la compañía de arcabuceros de Banning Cocq. Responde a la costumbre de los holandeses del XVII de encargar pinturas para dejarlas expuestas en las sedes sociales.
Lo tradicional era representar a los personajes en una composición horizontal sin que ninguno de ellos sobresaliera. Pero no lo hace así. Capta al grupo como en la instantánea de una fotografía, cuando salen de una callejuela. Ahora los personajes se
Subordinan respecto del grupo y de la instantánea: así el capitán de la compañía y el lugarteniente ocupan el primer plano. Unos personajes son visibles mientras que otros aparecen en penumbra. Esta forma de presentar el tema -todos los retratados habían pagado por igual y varios no eran reconocibles- no gustó a los comitentes.
EL tema se presenta totalmente dinámico, vivaz, rompedor respecto a los modelos de la época y que incorpora elementos de lo cotidiano y callejero, como la representación de la niña, perfectamente iluminada, y que nada tiene que ver con el gremio de los arcabuceros
Capitán de la compañía con banda roja y el lugarteniente. Valorar la luz.
La composición aparentemente es desordenada pero está construida de forma racional en torno a dos ejes medios del rectángulo: A y B. El eje horizontal que sirve para determinar un telón de personajes que sirve de fondo y de apoyo a las dos figuras principales. En primer plano cuatro personajes con trajes característicos que dominan el grupo central.
El eje vertical determina la posición del capitán en negro y con ancho echarpe rojo al lado de la figura más baja del lugarteniente.
Las diagonales de la larga lanza y del asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena.
Finalmente el grupo de la derecha está relacionado con el resto por la lanza.
Yo ya sé que mis obras no tendrán éxito. Gasto más de la mitad de mi tiempo en un problema que hasta ahora nadie ha resuelto, y del cual, que yo sepa, nadie tiene una idea. Rubens es un gran artista, pero ni siquiera sospecha la existencia de la materia cuya expresión es mi afán desde hace muchos años, la luz (…). EL público no entiende nada de mis intentos. Si dentro de cuatro siglos existen cuadros míos, tal vez se dirá: Por lo menos, ese Rembrandt andaba por el camino
Autorretrato, 1634
Autor: :Rembrandt.
Título: El Buey Desollado. 1665.
Técnica: Óleo.
Estilo: Barroco holandés.
Lugar: Museo del Louvre. París.
El tema es un bodegón y le sirve para profundizar en las cualidades de la materia y en el estudio de la luz. Aunque la materia esté arrugada, muerta puede resultar bella.
Está representado con realismo, con crudeza: el color dispuesto de forma táctil hace verosímil la carne de la que gotea en tonos rojos la sangre.
Simbólicamente el tema aludiría a la Prudencia: necesidad de preparase para momentos difíciles en la vida. Puede quizás conectarse con las dificultades económicas del pintor.
Francis Bacon
Figura con carne, 1954
Otros autores como Eugène Delacroix y Chaïm Soutine también lo han representado.
Chaïm Soutine
Buey desollado, 1925
Expresa su admiración por el pintor holandés. Aquí el buey está lleno de sangre y resalta más sobre el fondo azul cobalto de la obra.
El autor estaba muriéndose de una úlcera de estómago. Nuevamente la materia muerta estaría representando algo.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
-La crisis del s. XVII influyó en la pintura: el óleo fue más asequible que las grandes composiciones al fresco; los comitentes, más que nobles e Iglesia fueron cofradías, conventos o iglesias. No obstante, la Corte ejerció un importante mecenazgo.
- Temáticamente se dio un predominio de los temas religiosos: vidas de santos, martirios, penitentes … Pero el retrato fue también importante: fue el vehículo a través del cual nobles y realeza demuestran su alta condición social. El tema mitológico, el de género, bodegón o paisaje así como la pintura de Historia se practicaron en menor medida.
- Fue un arte naturalista: se pintaba la realidad, y ésta es bella y horrenda de ahí las representaciones tiernas, cálidas e ingenuas de niños por ejemplo, y las cruentas y horrorosas o terribles de cadáveres en descomposición.
- Partió del naturalismo – tenebrismo y llegó a alcanzar el misticismo.
- Los numerosos pintores del siglo se pueden distribuir en tres escuelas: la valenciana, la madrileña y la andaluza.
Jusepe de RIBERA (1591 – 1652, Játiva, Valencia)
-Valenciano, de formación incierta, pronto fue a Italia donde transcurrió su vida. Dejaba constancia de su origen: “Il Spagnoletto”.
- Al ser amigo de los virreyes españoles su producción estuvo siempre presente en las grandes colecciones nacionales, como si trabajara en España.
- Como español, su producción artística destacará por la temática religiosa, sobre todo por los martirios, tema propuesto por la Compañía de Jesús.
- La influencia italiana se ve en sus temas mitológicos, en la práctica del grabado y en la influencia de Caravaggio.
- Fue un gran tenebrista, en el que las figuras se recortan violentamente sobre un fondo oscuro. La luz, por el contrario, deja ver el gran colorista que fue.
- La pincelada es pastosa, curva, envolvente. Deja ver además el dominio del dibujo.
- Sus composiciones serán muy cuidadas: teatrales, dramáticas, con diagonales, escorzos y contrastes o desequilibrios entre masas y vacíos, tan propio del Barroco.
- Como buen español gustó del naturalismo: pobres, mendigos, monstruos, enanos, deformes son habituales en su obra.
- Su evolución como pintor: hasta 1635 será tenebrista; de 1635 a 1650 importancia de la luz y de los fondos con paisajes. A partir de 1650, vuelta al tenebrismo.
Ribera. El Martirio de San Felipe. 1639. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado.
El tema es cómo los verdugos levantan a San Felipe a la cruz, ante la intriga de unos y la indiferencia de otros.
Técnica: Pinceladas pastosas. Importancia de los colores: atrae la atención del verdugo de rojo, en escorzo, sobre el resto de marrones y ocres.
Importancia de la luz: deja ver todos los rostros, los que sienten curiosidad e indiferencia. Además la luz modela los contornos de los cuerpos.
Los cuerpos son grandiosos
Composición: A base de líneas diagonales y escorzos. Contrastes. Diferenciación de los verdugos, de los personajes que ven la escena y del santo. Importancia del mástil ya que permite guiar la mirada más allá de la representación.
Gusta más de representar los preparativos que el martirio en sí.
Ribera influyó en otros pintores caso de Zurbarán, Alonso cano o Murillo. Obtuvo fama internacional, siendo miembro de la Academia San Lucas de Roma y condecorado por el Papa Urbano VIII.
Ribera. El Patizambo. 1642. Óleo sobre lienzo. Barroco español. Museo
de Louvre
Se representa a un niño tullido por alguna enfermedad. Es un mendigo. Su sonrisa pícara centra nuestra atención distrayéndonos de la deformidad de su pie. Nos aleja además de su triste condición social.
La figura está de perfil, en contraposto y con el cielo de fondo. Ribera se ha alejado del tenebrismo. En esta obra impera la luminosidad.
Valoración del naturalismo y realismo de la pintura.
Francisco de ZURBARÁN (1598 – 1664)
- Nació en la provincia de Badajoz Se formó artísticamente en Sevilla, y es posible que allí conociera a otros aprendices caso de Velázquez o de Alonso Cano.
- Comenzó con un naturalismo tenebrista para acabar con más luz en sus obras.
- Fue nombrado “Maestro” de Sevilla. Fue sin discusión el pintor monástico del Barroco y el que mejor supo mostrar la espiritualidad monacal que dictaba la Contrarreforma.
- Sus composiciones trascurren casi siempre en interiores. No domina la profundidad y los personajes se disponen en filas paralelas. Se aleja de las diagonales y escorzos del Barroco. Equilibra masas y vacíos. La pincelada es fina.
- Trabajó también el tema del retrato, con santas. Ejemplo Santa Casilda. Los bodegones fue otro de sus temas.
- Estuvo en Madrid en 1633, en la Corte con Felipe IV. Su estancia no fue muy agraciada. Pintó dos obras de historia, una de ellas “Batalla de Cádiz” y Los Trabajos de Hércules. Al año siguiente regresó a Sevilla.
- La crisis económica que atravesó España a mitad del XVII hizo que descendieran mucho los encargos pictóricos.
Autor: ZurbaránTítulo: San Hugo en el refectorio de los cartujos 1655 (?)Comitente: Cartuja de Santa María de las CuevasEstilo: Barroco español Técnica: Óleo sobre lienzo; 2,68 x 3,18Lugar: Museo de Bellas Artes de Sevilla
Tema: San Hugo, con un paje, entra en el refectorio, reprende al hermano prior por no guardar ayuno y convierte la comida en ceniza
Técnica y color: Ha abandonado el tenebrismo para centrarse en el volúmen de los objetos y de las personas, empleando una pincelada fina. Los colores que predominan son los blancos y los grises. Hay colores cálidos en los ropajes de la Virgen y de San Juan adulto del cuadro de la pared. La paleta se completa con malvas y ocres. La luz ayuda al modelado de personas y objetos y aporta cierto aire de misterio a la escena.
.Composición: Rígida y austera. Hay tres planos: San Hugo y su paje; La mesa con los objetos; los monjes con S. Bruno en el centro. El refectorio tiene poca profundidad y los monjes están dispuestos siguiendo la mesa. Sólo la puerta de la derecha se abre al paisaje exterior. Existe una correlación con la pintura de la pared, único elemento decorativo.
Zurbarán ha realizado un auténtico retrato de cada monje: rostros particularizados, reflejan las consecuencias de la cuaresma y la dura vida del cartujo.
Zurbarán refleja aquí las dificultades compositivas: escenas siempre en interiores, poco dominio de la profundidad y personajes colocados en fila. Refleja su seguimiento a la Contrarreforma: reflejo del misticismo. En esta obra conjuga la serenidad mística y la representación de bodegones, algo en lo que también fue maestro.
Aportó a la pintura española la producción de ambientes monásticos. Por ello, sus principales comitentes fueron los conventos y los monasterios.
Los Bodegones:
Reflejan el amor que sentía por los objetos. Aparecen de una forma ordenada y sobresalen las calidades de la materia
Predominan los colores grises y blancos. Son colores simplificados.
Aunque los primeros antecedentes son clásicos, el "bodegón" o "naturaleza muerta" tiene sus orígenes en Europa a mediados del S.XVI, adquiriendo el español pronto personalidad propia, incluyendo indistintamente la pintura de flores, frutas, animales y objetos, casi siempre relacionados con la cocina.
Cuatro objetos están colocados en un mismo plano. La composición parece sencilla a primera vista, pero es bastante compleja ya que la luz no da por igual a todos los objetos. La luz es lateral. Permite diferenciar las distintas calidades de las materias, con sus reflejos y tonalidades. Los objetos emergen desde la oscuridad. He aquí el tenebrismo que caracterizó a buena parte de la obra de Zurbarán.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617 – 1682)
-Originario de una familia numerosa, el último de catorce hermanos, se quedó huérfano con tierna edad y un tío suyo, al ver las dotes que presentaba para el dibujo, le ayudó en su formación.
-. Inmerso en un siglo de crisis y dificultades. Sin embargo, dotó a sus pinturas de una gracia singular: embelleció aquella España en crisis, la humanizó: la pobreza, la miseria, las enfermedades, los niños abandonados … todos eran humanos y tenían atracción, gracia. Practicó mucho el tema costumbrista.
- Los temas religiosos también los humaniza de tal forma que los santos, mártires y los personajes divinos parecen personas cotidianas, del pueblo Fue capaz de aunar el misticismo con lo popular. Esto hizo que sus obras y su figura fueran muy populares.
- Para el pintor todo conducía a Dios: de ahí que lo más sórdido pudiera ser representado sensible, humano, bueno.
- Son famosas sus Inmaculadas, sus cuadros de niños – él amaba los niños-
- Contemporáneo de Velázquez, en un principio estuvo influido por él, pintando cierto aire tenebrista con contrastes de luces y sombras.
Autor: Murillo.
Título: Sagrada familia del pajarito. 1650.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Localización: Museo del Prado
Tema: Todo parece una escena familiar. Sin embargo es un tema religioso. El Niño Jesús y el perrito se comunican con complicidad; San José coge al Niño con ternura, atendiendo a su hijo
como buen padre. La Virgen María, ocupada en el tejer – actividad propiamente femenina- observa y disfruta en ver la escena. Ha hecho un alto en su tarea mientras come una manzana. Sobresale la figura de San José siguiendo los modelos del Concilio de Trento: San José joven. El color es poco variado: ocres, blanco y negro. La luz es plenamente barroca: ilumina los rostros, el perro y al Niño; el resto permanece casi en penumbra. Simbolismo: el pájaro, un gorrión, el más humilde de los pájaros, sólo viene a la tierra por el deseo de Dios. En esta obra costumbrista nos dice Murillo que el Verbo, se ha hecho hombre, aunque aún sea Niño, que tal como dice el gorrión, acepta el sacrificio propuesto por el Padre. El perro, refirma la lealtad.
Autor: Murillo, Bartolomé EstebanTítulo: Niños comiendo uvas y melón 1650 (?)Estilo: Barroco español Técnica: Óleo sobre lienzo; 1,46 x 1,03Lugar:Alte Pinakothek. Munich
Dos muchachos, despreocupados, con harapos, descalzos, en un callejón, comen uvas y melón.
Dibujo preciso, detallismo, naturalismo. El color negro es suavizado con pinceladas verdosas. La paleta se completa con el blanco, negro y una variedad de colores ocres y marrones.
Tema reiterado. Humanización de Murillo. Reflejo de la España y Sevilla del XVII
Niños jugando a los dados Niño espulgándose
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 – 1660)
-Nace en Sevilla. Se forma en el taller de Francisco Pacheco. Se casa con la hija de éste
- Lleva una vida sencilla y tranquila.Tras su primera época sevillana y bajo la protección del conde-duque de Olivares llega a la Corte. Felipe IV será su mecenas.
- No tuvo problemas económicos. Su obra está hecha sin prisa, con abundantes retoques y arrepentimientos. No tuvo premura ni de tiempo ni de dinero. Fue nombrado caballero de la Orden de Santiago
- Etapa sevillana (hasta 1623): Composiciones tenebristas. Colores ocres y cobrizos. Importancia de los objetos (bodegones) y de la caracterización de los personajes. Obras: Vieja friendo huevos; el Aguador de Sevilla …
- Primera etapa en Madrid (1623 -1629) : Se inicia como retratista y trabaja para la Corte. Conoce la obra de autores italianos y realiza temas mitológicos como Los Borrachos. Se va alejando del tenebrismo.
- Primer viaje a Italia (1629 – 1631) Tras el estudio de los grandes maestros italianos cambia su estilo pictórico: abandono del tenebrismo, pintura más fluida, estudio del desnudo y de la perspectiva aérea. Ejemplo: La fragua de Vulcano
:
-Segunda etapa madrileña (1631 – 1649) Muy fructífera y variada temáticamente: Cristo Crucificado; numerosos retratos de la familia real. Inicia la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que ideó Las Lanzas, el Retrato de Felipe IV y el del Príncipe Baltasar Carlos, Retrato del Conde Duque de Olivares; Esopo, Menipo, El niño de Vallecas. Pintura de gran dinamismo, estudio de la perspectiva, detallismo, tratamiento aéreo del paisaje …
- Segundo viaje a Italia (1649 – 1651) Marcha por encargo real para hacerse con obras para la colección de la Corona. Pinta Retrato de Inocencio X, La Villa de Médicis, La Venus del Espejo. Técnica impresionista; introducción del desnudo femenino en la pintura española del Barroco, representando el espejo un mundo de vanitas.
- Periodo final (1651 – 1660) Su pintura alcanza la vaporosidad; tonos rosados y marfil. Pinceladas sueltas que van sugiriendo las formas; dominio de la perspectiva aérea. Pinta retratos. Destaca Las Meninas y su última obra, síntesis de su madurez, Las Hilanderas.
-- La trascendencia de su obra será importantísima: Goya se inspirará en Las Meninas para ejecutar el retrato de La familia de Carlos IV; los impresionistas se interesarán por su técnica pictórica.
Autor: Velázquez.
Título: El Aguador de Sevilla (1620)
Técnica: Óleo sobre lienzo. 2,23 x 2,90.
Localización: Museo del Prado.
Pertenece a su etapa sevillana.
Tenebrismo. Tonos madera.
Gusto por las calidades de los objetos. Hay un bodegón.
Fondo melancólico y una forzada sonrisa que deja ver el espíritu conmovido del pintor frente a la pobreza.
Composición sencilla, ordenada, en tres planos verticales.
Significado de la obra debatido.
Velázquez. El Triunfo de Baco o Los Borrachos. 1628. Museo del Prado.
Los Borrachos o El Triunfo de Baco 1628. Comitente: Felipe IV.
Obra de madurez en la que el tema mitológico y el de género se funden. Primera etapa madrileña.
La pincelada es suelta. Y en el horizonte podemos ver un intento de perspectiva aérea.
Baco corona a uno de los borrachos en honor a sus méritos. Por esto es considerada una obra satírica.
Baco está incluido como una persona más, pero para diferenciarle se le ha dotado de un color más blanquecino. La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda, con Baco, que recuerda la impronta de Caravaggio y la derecha, con los borrachos, más español
Los cacharros de primer plano, bodegón, dan naturalismo
Influencias de Caravaggio (retratos de Baco) , Rubens y Ribera (los borrachines, aire muy español).
Retrato de
Felipe IV
Esta obra pertenece a su primera etapa madrileña en la que realiza
numerosos retratos.
La Fragua de Vulcano. Amberes. 1606. Obra de Antonio Tempesta. Los especialistas piensan que de esta obra se inspiró Velázquez para realizar su
Fragua de Vulcano de 1630.
Apolo
Vulcano
Personajes en expectación
Resplandor del fuego
Espacio abierto
Primer viaje a roma
Felipe IV
Segunda etapa madrileña.
Retratos reales.
También el retrato ecuestre del conde-duque de Olivares.
Inocencio X
Óleo sobre lienzo
1650
Galeria Doria Pamphili. Roma
Segundo viaje a roma
Neofiguración: movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal. El pintor más representativo es el irlandés Francis Bacon, quien retrata la soledad, el horror y la angustia contemporáneas en sus figuras aisladas y deformes. Ejemplo: estudios sobre el retrato del papa Inocencio X, de Velázquez.
FRANCIS BACON
INOCENCIO X
Venus del espejo. 1649 (?). National Gallery. Segundo viaje a Italia.
La familia de Felipe IV (Las Meninas)
Óleo sobre tela. 1656. 318 x 276 cm.
Museo del Prado. Madrid
Retrato de grupo, informal, realizado en una sala del Palacio. Es una pintura cortesana. Parece una fotografía.
No hay acuerdo sobre la significación de la obra.
Se aprecia un movimiento interrumpido de los personajes: algo ajeno a lo que recoge el cuadro les ha frenado en la acción.
Infanta MargaritaVelázquez
Menina María Agustina Sarmiento. Le ofrece agua con un búcaro.
Dama de honor o menina Isabel de Velasco.
Enanos: Mari Bárbola y Nicolás Pertusato.
El plano medio está ocupado por Marcela de Ulloa, dama de honor, y un guardadamas sin identificar
En el fondo, el aposentador de la reina José de Nieto Velázquez.
Reflejados en el espejo: Felipe IV y Mariana de Austria
Meninas de Picasso
Manolo Valdés. Meninas
'Menina'. Manolo Valdés (Serie de aguafuertes y collage)
Dos meninas. Manolo Valdés. Serigrafía
Manolo Valdés.
Meninas
Instalación
Valladolid
La mano que hila
Hilandera central
Rastro de la mano moviendo la rueca
