Natalia Bagnasco

2° Tex C

Turno Vespertino

Bárbara Kruger

BREVE RESEÑA BIOGRÁFICA Y OBRA

Bárbara Kruger, artista conceptual norteamericana, nació el 26 de enero de 1945 en Newark,

Nueva Jersey. Se graduó de Weequahic Hogh School y luego estudió arte y diseño con Diane

Arbus y Marvin Israel en la Escuela de Diseño Parsons de Nueva York. Comenzó trabajando

como diseñadora en la revista Mademoiselle y luego continuó como editora de imágenes en

House and Garden, Aperture y otras publicaciones.

Además de ser artista y diseñadora, Barbara Kruger ha enseñado en diversos lugares tales

como el Instituto de Arte de California, el Instituto de Arte de Chicago y en la Universidad de

California.

Bárbara Kruger siempre ha estado fuertemente vinculada al tema de género y al feminismo, el

cual predomina en su obra.

Sus primeros trabajos como artista comprendieron obras hechas con materiales textiles con

tejidos, hilados, perlas, lentejuelas, plumas y cintas. Estas técnicas de origen decorativo se

asociaban al trabajo manual de las mujeres y en esos años ciertas artistas feministas, como

Kruger, las reivindicaron en el mundo del arte. Luego pasó a trabajar con fotografías en blanco

y negro de exteriores arquitectónicos, a las cuales agregaba texto.

Su trabajo artístico insignia se nota fuertemente influenciado por sus experiencias creativas en

el campo del diseño. Muy influenciada por las ideas de Michel Foucault, Roland Barthes y

Jacques Lacan, comienza a realizar collages estilo agit-prop con documentos fotográficos ya

existentes a los que les agrega textos concisos y frontales en tipografía Futura Bold Oblique en

color blanco sobre fondo rojo. Este texto suele invertir el significado de fondo, cuestionando

temas como el consumismo, el poder, los estereotipos sociales, el papel de la mujer, las

políticas sociales, provocaciones feministas, religión, sexo, etcétera

Descubre que la fotografía es un medio de difusión importante e impactante, al mismo tiempo

que considera que el poder en las relaciones sociales se impone a través de la imagen. Ella

sostiene que la sociedad está controlada por los códigos dictados por los medios de

comunicación, hasta el punto de que las experiencias vividas en ocasiones se reducen a la

imitación de aquellos clichés asentados en nuestra memoria.

Sus obras buscan despertar en el espectador una actitud crítica frente a todos los temas

nombrados, lo cual consigue a través de la utilización de una mínima cantidad de signos y del

excelente manejo del diseño gráfico y la publicidad que adquirió en sus primeros trabajos.

Kruger trabaja con el lenguaje y con los signos mediante técnicas publicitarias y de medios de

comunicación masiva para subvertir la iconografía de la sociedad de consumo, haciendo

cuestionar al espectador sobre el feminismo, el consumismo, la individualidad y el poder. En

este sentido, uno de los aspectos interesantes de su trabajo es que extrae las imágenes sobre

las que trabaja de las revistas que venden las ideas que ella cuestiona. Se apropia de imágenes

en blanco y negro ya existentes de otras épocas, las cuales tiene mucho peso en cuanto a

significado, alterándolas y destruyendo ese significado inicial para crear uno nuevo.

Sus obras poseen tamaño de gigantografía tal como si fueran una verdadera pieza publicitaria,

y suelen aparecen en periódicos, vallas, posters, paseos públicos, e incluso en estaciones de

tren. De esta forma la artista y su crítica se imponen tanto en el espacio público como en el

privado de la persona, planteando preguntas sobre temas que normalmente no se discuten.

El estilo personal de Kruger es directo y cortante y apunta directamente al control patriarcal, al

económico y al cultural. Algunos de sus eslóganes más conocidos son “Your body is a

Battlegroud” (Tu cuerpo es un campo de batalla), “I Shop, Therefore I am” (Compro, luego

existo), “ We don’t need another heroe” (No necesitamos otro héroe). La yuxtaposición de la

imagen con el texto crea una tensión que logra captar la atención y empujar al análisis del

mensaje. El uso de pronombres personales como Tú, Yo, Nosotros, involucra activamente al

espectador en el mensaje. La brevedad del texto elimina lo superfluo, y en cuanto a lo visual,

evita lo difícil para que la gente entienda claramente lo que la obra está transmitiendo.

Teniendo todo esto en cuenta, se ve claramente que el objetivo de su obra es lograr que el

espectador efectivamente reflexione sobre los temas que plantea.

Se encuentra una ironía también en que su obra posee forma de avisos publicitarios, cuando

es la publicidad la que vende y establece los conceptos y las ideas que ella cuestiona en sus

trabajos. De esta forma, logra subvertir la tradicional alianza de la propaganda con la élite

cultural y los poderosos.

LAS 5 CLAVES DE INTERPRETACIÓN DEL ARTE

CONTEMPORANEO

Clave 1:

Fundamentos y procesos de la institución artística:

- Experiencia estética, Autoría, Objeto/obra de arte, Categorías del Lenguaje

- Procesos: desmaterialización, deconstrucción de la autoría y de las categorías del

lenguaje, transformación de la experiencia del arte

La modernidad ha transformado los fundamentos clásicos del arte. La desmaterialización del

arte se refiere al cambio que ha tenido lugar y que se refiere al arte del concepto por sobre el

arte del objeto. El objeto ha dejado de ser lo principal, para darle mayor importancia a la idea y

al concepto que hay detrás del objeto en sí. En cuanto a la deconstrucción de la autoría, el arte

contemporáneo ha significado un cambio importante, ya que ya no se trata de un único autor

cuya firma era aún más importante que la obra, sino que comenzaron a aparecer obras

anónimas o colectivas, que dejan de lado la importancia del artista único, así como también

aparece el arte de apropiación. Este último se refiere a las obras de aquellos artistas que se

apropian de las obras de otros y las reproducen ya sea de manera idéntica o con alteraciones.

En este aspecto también entra el arte interactivo, en el cual el público es coautor de la obra

conjuntamente con el artista. Por otro lado, las antiguas categorías del lenguaje (Pintura,

Escultura, Arquitectura, etcétera) experimentan un giro al comenzar a aparecer nuevas

técnicas que son consideradas arte tales como la Fotografía y el Video Arte. Sobre la

experiencia estética, se puede decir que pasa a diferir de la experiencia racional ante la obra

de arte.

Clave 2:

Carácter performático del arte contemporáneo:

Hipótesis: Toda propuesta artística actual involucra una dimensión performáica.

4 dimensiones del arte performático:

- Celebración plástica

- Encadenamiento histórico

- Contenido

- Transgresión

El performance art es el arte de acción, donde el artista busca una relación más directa con el

espectador, a través de sus acciones en un espacio y tiempo específicos. El performance art

proviene de los Happenings, los Actions, los Fluxus y el Body Art de finales de los años 60.

Todo arte actual tiene una propuesta performática, la cual incluye las 4 dimensiones

anteriormente nombradas. La celebración plástica se refiere al sentido estético, a los aspectos

formales de la performance. En cuanto al encadenamiento histórico, la performance está

vinculada a la historia del arte, no se percibe sin tener en cuenta esta historia. Para

comprenderla, hay que tener en cuenta los antecedentes artísticos, y los códigos en los cuales

esta obra está inserta. El contenido se refiere a lo que expresa la performance, al mensaje que

nos transmite, a la idea que la obra plasma. Toda obra performática también tiene una

dimensión transgresora, rompe con ciertos límites preestablecidos, busca ir más allá.

Clave 3:

Giro minimalista:

- Implosión del objeto

- Protagonismo del espacio, del tiempo y del cuerpo

El giro minimalista tiene lugar en la 2da mitad del siglo XX y se relaciona con lo geométrico, lo

industrial y con la austeridad constructiva y de recursos (“menos es más). El minimalismo se

caracteriza por la implosión del objeto en el sentido de que el mismo como tal desaparece

para dar protagonismo a la idea. Esto plantea un quiebre en el mercado del arte, ya que se

empieza a considerar la idea como más valiosa que el objeto en sí. El valor total de la obra pasa

a ser el concepto, y esto es lo que define al arte conceptual. El objeto puede ser llevado a cabo

por otra persona y no por el autor de la idea (esto está fuertemente relacionado con la

deconstrucción de la autoría anteriormente nombrada). Por otro lado, el espacio, el tiempo y

el cuerpo comienzan a ganar protagonismo y a jugar un papel importante a la hora de

conferirle carácter a la obra como tal. Por ejemplo, en cuanto a espacio, el arte se va fuera del

museo y toma otros ámbitos (vía pública, etcétera, noción de Land Art). La temporalidad gana

protagonismo con el Video, conjugando movimiento y acción mientras que el cuerpo también

lo hace a través del Body Art y la integración del público a la obra de arte.

Clave 4:

La experiencia estética como discontinuidad:

Experiencia estética como aplazamiento de la comprensión (Theodor Adorno)

Categorías temporales de la experiencia estética:

- Tiempo suspendido

- Tiempo asociativo

- Tiempo paradójico

- Concepto de Panestesia

La experiencia estética como conocimiento a través de la sensibilidad, como discontinuidad del

pensamiento racional, se refiere a trascender la posibilidad de razonar sobre lo que estamos

viendo. Esta clave sugiere que no se llega a comprender qué es lo que pasa con esa

experiencia. Tiempo, razón y lenguaje corren el mismo sentido. El tiempo de la experiencia

estética es surrealista, donde el futuro se junta con el pasado y se detiene en la obra.

Clave 5:

La imagen como símbolo:

- La imagen de lo invisible

- Concepto de Simbolon

- Concepto de mitología griega. Platonismo

- Poeta/Profeta

El concepto de simbolon (disco que utilizaban los griegos para sellar la vinculación entre

distintos clanes) ayuda a expresar la idea de la unión entre la imagen y el símbolo, de donde

nace el sentido del arte. Una parte va a remitir a la otra. La imagen representa lo materializado

en el arte, mientras que el significado al cual nos remite la imagen expresa lo específicamente

artístico.

Se puede estudiar el arte como tensión entre lo conocido y lo desconocido, entre el Orden

codificado por los cánones establecidos dentro de la cultura, un orden codificado que todos

conocemos y que lo tenemos incorporado y los que está fuera de esto: el caos, la no cultura, lo

no codificado, la discontinuidad y la irracionalidad. La ruptura que se produce en el paso entre

en “mundo” y otro, es lo que lleva a la innovación y a la originalidad, a la transformación de

esos conceptos establecidos. En el caos se exploran los límites entre el cánon establecido y la

experiencia misma de esos conceptos.

ANÁLISIS DE LA OBRA DE BÁRBARA KRUGER

SEGÚN LAS CLAVES DE INTERPRETACIÓN

Teniendo en cuenta las claves de interpretación del arte contemporáneo nombradas

anteriormente, al analizar la obra de Bárbara Kruger se puede ver como muchos de esos

planteos aparecen claramente, afirmando su calidad de artista conceptual.

En primer lugar, se puede ver como su obra no entra dentro de las antiguas categorías del

lenguaje, ya que utiliza una técnica nueva que es la combinación de fotografías con texto al

estilo collage. Asimismo, aunque hay un objeto material (gigantografías), el concepto es

extremadamente importante en su obra, ya que, aparte de haber “patentado” su estética, el

concepto de la superposición de fotografías que plantean un tema con un texto puesto encima

que nos lleva a criticar ese tema, es algo que es sumamente importante en su obra, al punto

de que todas sus propuestas se basan en esa misma idea. Al ver una foto en blanco y negro

con texto blanco sobre fondo rojo sobre ella, por más que sea de otra persona, vemos la firma

de Bárbara Kruger en esa estética y en ese concepto de llevar al espectador a la crítica y a la

reflexión a través de esa contradicción entre fotografía y texto.

En su obra también se puede encontrar la apropiación, lo que cuestiona el concepto de autoría

antiguo. Bárbara Kruger se apropia de fotografías tomadas por otras personas en otras

épocas, para deconstruir su significado y darle uno nuevo mediante el agregado del texto. Crea

algo con un significado totalmente nuevo a partir de imágenes que tomó otra persona.

Su obra como propuesta performática presenta las 4 dimensiones. Por un lado se ve

claramente la celebración plástica, en una estética muy fuerte y diferencial, en un estilo propio

de componer el mensaje que ha pasado a ser la insignia de esta autora (fotografía en blanco y

negro con palabras en tipografía Futura Bold Oblique en color blanco sobre fondo color rojo,

texto conciso, etcétera). El encadenamiento histórico también está presente, ya que para

entender su obra es necesario saber lo que fue el arte anteriormente, para entender la ironía

de sus mensajes es necesario entender a la fotografía como documento histórico, la fuerza del

texto, el tipo de tipografía sin serifa, el significado del color rojo, etcétera. No se podría

entender plenamente el mensaje que ella quiere transmitir si no se supieran de antemano

todos esos aspectos.

En cuanto al contenido de esa performance, claramente se puede ver el mensaje que la autora

quiere expresar a través de la obra. Es un mensaje conciso, directo y muy fuerte, que llega a

todos por igual, que puede ser entendido por la gran mayoría de las personas y que busca que

aquel que lo lee pueda plantearse a sí mismo lo que está planteando la autora y tomar una

decisión al respecto. Este mensaje está totalmente relacionado con la dimensión de

transgresión ya que toda su obra de por si rompe con varios límites preestablecidos. Desde la

estética y su alejamiento de las categorías antiguas del Arte hasta los temas que trata y la

manera de tratarlos de forma inversa a la publicidad que los vende utilizando el lenguaje de

esa misma publicidad, es una forma de cruzar esos límites a los que estamos acostumbrados.

Temas como el consumo desmedido tratado en “Compro, luego existo”, el papel de la mujer

en la sociedad, que trata en la obra “It's a Small World But Not If You Have to Clean It” (“Es un

mundo pequeño pero no si tienes que limpiarlo”), “We Have Receive Orders Not To Move”

(“Hemos recibido órdenes de no movernos), los estereotipos, la política, el poder, que

aparecen por ejemplo en la obra “Pro-life for the unborn, Pro-death for the born “ (“Pro-vida

para los no nacidos, pro-muerte para los nacidos) con la imagen de George Bush de fondo.

Kruger trata temas que no están en discusión todos los días, sale de la zona de confort y

arremete con mensajes que no van a hacer sentir comodo a todo el mundo.

En cuanto al aspecto minimalista del arte contemporáneo, se nota en su obra la fuerza de la

idea y del concepto a transmitir, si bien el objeto material está presente y juega un papel

importante. Las obras materiales de Bárbara Kruger presentan una austeridad de recursos,

donde menos es más. Gracias a su conocimiento del mundo del diseño gráfico logra transmitir

mensajes e ideas sumamente poderosas solamente mediante una fotografía en blanco y negro

y un texto sumamente conciso, al cual no le falta ni le sobra nada. Solamente con esos

recursos logra resaltar el protagonismo del concepto de la obra, de esa crítica cultural y social

que caracteriza su trabajo. Asimismo, la utilización de fotografías que no son propias afirma el

concepto minimalista y le da incluso mayor importancia a la idea, ya que una parte del objeto

material es hecho por otra persona y no por el artista.

También podemos ver en la obra de Kruger como el espacio comienzo a ganar protagonismo,

confiriéndole otro carácter a la obra. Más allá de algunas muestras, la artista, como se dijo

anteriormente difunde sus trabajos en cartelería de vía pública, portadas de libros y soportes

varios, los cuales le quitan lugar al museo y a la galería de arte. Esta forma de salirse del

espacio establecido para las obras de arte también aparece reflejada en su obra “You invest in

the divinity of the masterpiece” (“Inviertes en la divinidad de la obra de arte”). Al utilizar

características propias de la publicidad en su obra, es razonable la utilización de diferentes

soportes para difundirla. De esta forma también se manifiesta cierta transgresión por parte de

la artista. De igual forma, en "Belief+Doubt," una muestra suya en el Museo Hirshhorn en

Washington, D.C., los salones fueron enteramente cubiertos en paredes techo y piso con sus

trabajos, con textos en letras enormes y blancas en fondos negros y rojos impresos en vinilo

industrial y puestos de forma que envolvían al espectador de manera de convertirla en una

experiencia física del lenguaje. (Adjunto fotos de la muestra al final del trabajo)

En sus trabajos también se puede encontrar la la idea de tiempo suspendido, donde el futuro

se junta con el pasado, donde utilizando imágenes de las revistas americanas de mitad de siglo

XX nos brinda una experiencia estética por demás actual. También es cierto que aparte de la

experiencia estética y del conocimiento a través de la sensibilidad, es necesario que el

espectador también pueda experimentar la obra racionalmente para que efectivamente pueda

reflexionar sobre los temas planteados, que no son menores.

En la obra de Bárbara Kruger se ve claramente e concepto de imagen como símbolo, ya que en

su obra se encuentran dos partes que se unen para darle sentido a la obra como todo. Sus

obras no tendrían el mismo efecto si las imágenes que utiliza las complementara con textos

que no se contradijeran, o si utilizara los textos declarativos con imágenes de fondo que no

aportaran nada. La imagen que veo en su obra me genera determinadas reacciones porque

está acompañado de ese ingrediente irónico, de crítica que me hace pensar en el mensaje

como algo transgresor y complejo. La imagen en sí es el elemento más importante para esta

artista, quien dice que “el panorama de las relaciones sociales está mediado por imágenes”.

Por eso ella como artista busca que esas imágenes que utiliza simbolicen claramente el

concepto que quiere expresar.

El concepto de la obra de Bárbara Kruger es, a mi entender, infinitamente más importante que

la obra en sí. La claridad y la potencia de sus mensajes van mucho más allá de la imagen que

estoy viendo, de esa gráfica que ella diseñó con los mínimos recursos necesarios. En su caso, el

Menos es Más se refleja de manera clarísima y le da toda la razón a ese dicho.

BIBLIOGRAFÍA

RIVERA, SARA, Biblioteca Babab [en línea]

Disponible en: http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm [citado en

29/11/13].

Art History Archive [en línea]

Disponible en: http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/feminist/Barbara-

Kruger.html [citado en 29/11/13].

Wikipedia, La Enciclopedia Libre [en línea]

Disponible en: http://en.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger [citado en 29/11/13].

Wikipedia, The Free Encyclopedia [en línea]

Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger [citado en 29/11/13].

Barbara Kruger [en línea]

Disponible en: http://www.barbarakruger.com/ [citado en 29/11/13].

MILLER, SHAUNA, The Atlantic [en línea]

Disponible en: http://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2012/08/the-

unsettling-text-driven-world-of-barbara-krugers-belief-doubt/261348/ [citado en

29/11/13].