Prehistoria

Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para producir sonidos.

En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.

Mundo Antiguo

Egipto y Mesopotamia

La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes. En el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó con instrumentario rico y variado; algunos de los más representativos son el arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio; acompañaban al monarca no solo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la cultura musical occidental.

China

Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está impregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo.

En la antigua China, la posición de los músicos era mucho más baja que la de los pintores, a pesar de esto la música ha sido vista como central para la armonía y longevidad del Estado. Casi todos los emperadores tomaron seriamente la música folclórica, enviando oficiales para recolectar las canciones e inspeccionar la voluntad popular.

En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a todas las representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada momento, con su estética correspondiente.

Grecia y Roma

Originalmente designaba un conjunto de actividades como el teatro, la danza y la poesía recitada. El músico era el poeta y el bailarín tanto como teatral, la rapsodia y el cantante del coro en las tragedias.

Numerosos filósofos como Platón y Aristóteles nos han dejado testimonios de la importancia concedida a la música como medio para despertar emociones y como la práctica educativa.Pitágoras estableció una relación con la matemática y con las proporciones.

A pesar de todo, la música presentaba una ambivalencia respecto a su práctica: durante la Antigüedad, realizar actividades manuales se consideraba propio de las clases bajas, serviles. De este modo tocar un instrumento era un acto que podía resultar deshonroso para la aristocracia.

Edad Media

En la edad media se distinguieron dos tipos de música según su temática:

- La música religiosa: la cual era compuesta para las celebraciones y ritos litúrgicos (monjes)- La música profana: la cual podía estar destinada para ser representada en las cortes

feudales, en las calles, o bien en celebraciones que realizaba el pueblo (trovadores, troveros y goliardos)

Los compositores permanecías en el anonimato y se les consideraba, más bien, conservadores de una tradición. En algunos casos lograban sobresalir, pero sin que su personalidad individual llegase a interesar a la sociedad a la que pertenecían. Lo único conocido de su contexto social es que vivían en sociedades monásticas, dedicados a traducir los textos grecolatinos.

Los clérigos errantes y los estudiantes de vida reprobable que vagabundeaban de localidad en localidad, cantando textos en tono satírico o dedicado al vino y a las mujeres y cantaban generalmente en latín, eran los llamados goliardos.

Los Goliardos, parecen haber sido anarquistas dispuestos a integrarse y aprovecharse de los placeres de la sociedad a la que sólo atacaban cuando se les negaba un sitio en la sociedad. Su sátira social, puramente negativa, no perdonaba a nadie: clero ávido y avaro, caballería brutal e iletrada, campesinos incultos y brutales.

Ya en el siglo XII se comienzan a ver pequeños focos donde comienza a aparecer otra temática que no sea religiosa. El movimiento trovadoresco comenzó en la corte del Duque de Aquitania. Los temas típicos eran el amor cortés, las leyendas épicas de un héroe, o una maldición (en menor medida).

Dentro del mundo de los músicos profanos se clasifican varias clases:

- Trovadores: son aquellos que proceden del sur de Francia y por lo tanto son los pioneros en este género profano.

- Troveros: que procedían del norte de Francia.- Minnesänger: que procedían de Alemania, estos trataban sobre todo temas amorosos.- Juglares: que no componían, solamente se dedicaban a interpretar obras ya compuestas

por trovadores, y estaban peor considerados socialmente que los trovadores.

Los trovadores, personajes mayoritariamente de la nobleza, a menudo a medio camino entre el guerrero y el cortesano, con sus canciones amorosas sobre todo, pero también con sus composiciones de propaganda política, sus debates y, en definitiva, con su visión del mundo, nos muestran el inicio de una historia cultural y política con una variedad que no encontramos en ningún otro documento de la época.

Existe una diferencia entre trovador y juglar, pues el primero era un poeta lírico de condición social elevada, que se acompañaba de una melodía fija y cuyo texto se fijaba por escrito y no se transmitía con variantes, además de que no necesitaba utilizar sus facultades artísticas como medio de vida; mientras que el juglar llevaba una vida ambulante, recitaba con una entonación específica pero no melódica, memorizaba los textos e incluso improvisaba a partir de determinados motivos temáticos.

Es posible que los juglares tuvieran entre su repertorio las creaciones de los trovadores y en cuanto al ámbito instrumental los trovadores prepararon lo que sería la base para la música renacentista.

El hecho de ser trovador suponía un prestigio que hacía que les fuera permitido aconsejar a grandes señores y disfrutar de una confianza que en otras circunstancias no habrían tenido.

El oficio de trovador fue especialmente bien considerado durante el siglo XII, pero ya en el siglo siguiente algunos trovadores se quejaban de la carencia de prestigio y de que no eran acogidos como antes en todas las cortes.

Casi todos estos autores habían estudiado el trívium (gramática, lógica y retórica, que implicaba el conocimiento de las poéticas grecolatinas) y el quadrivium (aritmética, geometría, música y astronomía).

Un juglar era un artista del entretenimiento en la Europa medieval dotado para tocar instrumentos musicales, cantar, contar historias o leyendas.

Se diferenciaban de los trovadores por sus orígenes más humildes, por tener como propósito entretener y no ser autores de sus versos (generalmente eran copias de versos de trovadores arreglados por ellos mismos). Dentro de la primera etapa de la Edad Media, predominaban los juglares épicos (poetas cultos en realidad) que normalmente recitaban tiradas y fragmentos de poesía narrativa o biográfica. A partir de la segunda mitad del siglo XIII y en el siglo XIV predominan más los juglares líricos que recitaban la llamada «poesía cortesana».

Eran meros intérpretes, artistas ambulantes cuyo arte solía incluir la declamación, el canto y la música instrumental

Había tres clases de juglares:

- Unos independientes, con la vida de bohemios, que no vivían en ninguna parte y se los podía encontrar donde había fiestas

- Otros formaban parte del ámbito cortesano y posteriormente fueron los bufones de las comedias.

- Otros estaban a sueldo de ciertos trovadores principales, viajando con ellos, siendo sus mensajeros, precediéndoles o acompañándoles en sus visitas a las Cortes del Rey (Leonor de Aquitania)

Renacimiento

En esta época el músico comienza a buscar algún lugar fijo donde un patrón, normalmente de la nobleza, le pague por componer e interpretar su música.

En la corte el músico debía componer con finalidades lúdicas y para recrear un ambiente agradable durante las fiestas de la nobleza.

En la Iglesia destaca todavía la presencia de la sobriedad y austeridad gregoriana, pero a partir del renacimiento, aparecen músicos como Palestrina, que son contratados fijos, por el Papa o un obispo, para componer música para festividades litúrgicas determinadas o el oficio, como es el ejemplo de la composición de la Misa para el Papa Marcelo.

Durante el Renacimiento, la creciente complejidad técnica de la polifonía, extendida ya por toda Europa y considerada un acompañamiento insustituible de las ceremonias religiosas y políticas desarrolladas en las catedrales y los palacios, exigía un cierto número de profesionales.

Obispos y príncipes deseaban contar con la presencia estable de músicos bien preparados y les pagaban generosamente. Así se crearon en grandes iglesias, catedrales y cortes las llamadas «capillas musicales», formadas por un cierto número de cantores expertos presididos por el maestro de capilla, cargo reservado a los cantores en posesión de las nuevas técnicas y capaces de enseñarlas a los miembros más jóvenes del coro.

Pagados para hacer y enseñar música, los mejores músicos se movían de una capilla a otra, atraídos por las ventajas económicas o por el atractivo de la experiencia artística que se les proponía.

Su técnica musical les permitía gozar de un gran prestigio

La música será solo la compuesta para una ocasión determinada, y el profesional, el compositor artesano, componía siempre música «nueva», sin esperanzas de perdurar.

No podemos evitar destacar la razón de éstos, que no era tanto por alcanzar fama y prestigio, como por conseguir su propio sustento y el de sus familias. Y es que, a pesar de estar mejor considerados de lo que estuvieron en periodos anteriores, seguían teniendo problemas para conseguir sustento.

Entre los clérigos, nobles y reyes de la época, era frecuente “ofrecer” dinero u otras compensaciones a cambio de los servicios de músicos de más o menos prestigio, en sus respectivas cortes.

Sin embargo la profesión de músico ya no solo se limita a la música de un solo género, el compositor puede ya componer para la música religiosa y para la música profana.

Su orgullo profesional se aprecia, por ejemplo, en el modo en que se citaban unos a otros en sus composiciones, a modo de homenaje, formando las curiosas listas de los motetes o elencos de músicos.

Barroco

Casi toda la producción musical y artística está sujeta al gusto y al beneplácito de la nobleza, a cuyo servicio están los músicos con una consideración parecida a la que reciben cocineros o jardineros. Desde esta perspectiva puede entenderse que la profesión musical no se hallara mitificada, como lo está hoy aún, con la aureola romántica que convierte a los grandes compositores en "genios" y a las obras en algo imperecedero e inamovible.

No era la "inspiración" la que guiaba por lo general el trabajo del compositor, sino el interés de satisfacer las exigencias musicales de determinado noble o corte, amoldando su trabajo al tipo de música que este servicio requería. Los compositores se veían limitados, además, por los músicos, cantantes e instrumentistas que compartían con ellos la dedicación al protector del que dependían, debiendo sujetarse a sus limitaciones técnicas.

El destino del músico se encuentra ligado a la corte y a la nobleza, al igual que al clero (antiguas instituciones del Renacimiento)

La formación del músico podía venir de varias fuentes, el Barroco tenía al igual que en el Renacimiento, escuelas donde los músicos podían formarse (instituciones catedralicias y de la corte).

El músico no expresaba sus propios sentimientos sino que buscaba la esencia de la expresión pura.

Clasicismo

Los músicos, ayudados por las nuevas ideas de la ilustración, comenzaban a separarse del patronazgo de la aristocracia y la Iglesia, para independizarse y vivir por su cuenta, esto ayudaría a la proliferación de los teatros que empezarían a cobrar por los espectáculos.

El músico en esta época estaba bien considerado

Gracias al patronazgo de la aristocracia, empezaron a obtener prestigio, fama, dinero, lo que les permitió vivir cómodamente.

En aquella época, ciertos músicos, como otros personajes, sobre todo de la burguesía y, en menor medida, de la aristocracia, solían ingresar en las logias.

El sistema de patronazgo, de paternidad benévola pero sojuzgadora de los nobles sobre los músicos, fue terminando. La burguesía soltaría la mano a los músicos y los dejaría a su libre albedrío de la virtud creadora. La fuerza de trabajo debería ser ofrecida en el mercado melómano, ante los oyentes y lectores de partituras.

Nace una nueva entidad que se ha desarrollado hasta nuestros tiempos, el conservatorio de música, que en esta época comenzarían a funcionar como centros donde se educaban a las nuevas generaciones de compositores e intérpretes.

Los músicos salen mejor formados que en épocas anteriores, sin embargo sigue existiendo la figura del compositor que se dedicaba a ir a domicilio por los hogares de las personas adineradas que querían aprender música.

Mozart sería uno de los ejemplos que inspiraría a Beethoven (férreo en la ideología liberal y napoleónica) a no depender del patronazgo de la iglesia y la aristocracia, a pesar de que en su vida trabajara alguna vez bajo su mecenazgo.

Beethoven sería el primer músico “romántico” considerado marginal, sin ansias de fama que ayudaría a compositores posteriores a trabajar la música simplemente por el arte (parnasianismo).

Romanticismo y movimientos del siglo XIX

El músico pasa de estar al servicio de una corte a ser un profesional independiente, gracias a ejemplos como Beethoven.

El mecenazgo, que la aristocracia poseía, se traslada al mundo de las salas de conciertos. El músico compone para las clases medias.

Comenzamos a distinguir entre dos profesiones de músico: el compositor (definido como un genio) y el intérprete (el cual sólo se dedicaba a seguir las pautas del compositor).

El músico no buscaba ser instructivo ni útil, sólo quería componer por el puro arte.

Los músicos vivían del dinero ganado en conciertos públicos (dónde la burguesía pagaba una tasa y marcaba las pautas de gusto de la creación musical). Esto les permitía vivir con cierta comodidad, al contrario que a Beethoven.

Los intérpretes estaban a la sombra de un compositor y podían ser aficionados o profesionales asalariados.

Vivían habitualmente de los éxitos del compositor y a veces solían convertirse en compositores (Paganini).

En esta época el músico se considera marginal, arisco, sin contacto social, con penurias económicas dependían de su trabajo, pues los compositores románticos cuando estaban en una etapa de angustia existencial o depresiva, no componían.

La finalidad del músico era expresar sus sentimientos (este es un concepto muy moderno que comenzó con Beethoven).

La formación del músico ya no depende de maestros, los cuales iban a sus casas para darles lecciones de instrumentos o teoría musical, sino que los conservatorios alcanzan el estatus y nivel con el que los conocemos actualmente. Un ejemplo es el Conservatorio de Paris, cuyo profesor de piano era el mismísimo Frederick Chopin.

Con la llegada del nacionalismo el músico no solo se centra en los gustos de la burguesía, sino que busca las raíces folclóricas de su propio país, de donde destacan el nacionalismo ruso (el grupo de los cinco y Mussorgsky), finlandés (Sibelius), noruego (Edvard Grieg), el bohemio (Smetana y Dvorak) y el español (Chueca, Sarasate, Barbieri y Arrieta).

Siglo XX

Comienza el movimiento impresionista, donde un artista presenta una escena como en un sueño. En la música se combinan melodías fluidas, acordes y ritmos con orquestaciones profusas para crear impresiones musicales de una escena o idea. Como consecuencia, la música suena muy diferente de las de los compositores de poemas sinfónicos del Romanticismo como Richard Strauss, quien se esforzó en recrear literalmente historias e imágenes a través de sonidos musicales.

El músico de esta época encontrará su centro cultural en los barrios bohemios de París. Uno de los grandes autores impresionistas fue Claude Debussy.

El artista ya no pretende centrarse en las tendencias anteriores sino que rompe con la tradición, como es el ejemplo de la ruptura con la tonalidad.

La vida del músico sufre un cambio drástico. Se empieza a valorar su arte en todos los aspectos como se merece.

Pueden permitirse vivir con comodidad. No tienen ansia de fama ni de dinero.

Componen sin contar con los cánones impuestos a lo largo de la historia.

Estas características perdurarían durante todo el siglo XX, hablando en todo lo referente a la música clásica, más comenzaron a partir de los años 20 otras tendencias musicales como el jazz (buscaban fama, dinero, renombre, etc.)

Durante el siglo XX habrá nuevas corrientes que aprovechen las nuevas tecnologías para modernizar la música, sobre todo con la llegada del cine.

Los músicos actualmente están mejor considerados por la sociedad. Esto es debido a los grandes medios de difusión de la cultura en general (cine, TV, radio, etc.)

Tienen una mayor formación gracias a la mejora del sistema educativo.