introducciÓn a la historiade la mÚsica

colegio la inmaculada. pp. franciscanos

tercero de la e.s.o.

cartagena. curso académico 2004/2005.

introducciÓn.

la historia de la música comenzó en el mismo instante en que el hombre primitivo descubrió que podía cantar o producir sonidos golpeando unos objetos contra otros o soplando a través de la cavidad de los huesos de los animales. pero no vamos a tratar aquí de estas tempranas manifestaciones de la necesidad humana de la música. la historia de la música de nuestra propia cultura occidental puede tratarse partiendo de las culturas en las que la nuestra tuvo su origen: la judía, la griega, la romana. sabemos por la biblia que la música ocupaba una parte muy importante en la vida del pueblo judío. en la biblia encontramos importantes referencias a los instrumentos musicales, al canto, a los compositores - el rey david es uno de los más célebres compositores judíos y los salmos su obra más destacada -. lo mismo podemos decir de la importancia de la música en grecia y roma, sobre todo en el teatro con sus coros y en las celebraciones, fueran religiosas o profanas, con la danza y el baile - podemos recordar como fiestas características las bacanales, celebradas en honor de baco o dionysios.

pero la historia de la música propiamente dicha comienza alrededor del siglo vi cuando el repertorio tradicional del canto eclesiástico, que solía transmitirse oralmente, empezó a ponerse por escrito y a codificarse. luego toda la música escrita en esta época - siglo vi - era música eclesiástica, ya que los monjes de los monasterios eran casi las únicas personas que sabían leer y escribir. aunque no debemos ignorar que también la música existía en las cortes y en los palacios de los nobles. pero es con la música eclesiástica con la que hemos de comenzar y la que necesitamos comprender. la música procedente de las grandes catedrales góticas y de los antiguos monasterios de europa y conservada en los soberbios códices miniados concebidos como

lujosos regalos para papas, reyes y príncipes.

nota: el origen de las notas musicales, tal como han llegado hasta nosotros, se atribuye al monje italiano guido d´arezzo (990-1050), quien las tomó del principio de un himno latino en honor a san juan bautista dejándolas establecidas como do, re, mi, fa, sol, la, si.

1. el canto gregoriano.

la primera manifestación musical en la iglesia medieval fue el canto llano, conocido también como canto gregoriano por haber sido el papa gregorio i (590-604) el que ordenó recopilarlos, clasificarlos y utilizarlos en todas las iglesias de la cristiandad. en todo el mundo cristiano, el elemento más importante de la liturgia - conjunto de ritos sagrados que la iglesia realiza para la alabanza divina - era y es la santa misa, memoria sagrada de la Última cena del señor. la misa se celebraba en latín, lengua de las gentes del medioevo. por eso, el canto gregoriano es todo en latín y hace referencia a las distintas celebraciones litúrgicas de la cristiandad: navidad, semana santa, pascua de resurrección, pentecostés, fiestas del señor, de la virgen y de los santos. el canto gregoriano fue tan venerado como punto fijo de referencia musical, que ha llegado a constituir la base de la mayor parte de la música religiosa que se compuso en europa durante los periodos medieval y renacentista.

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2. la canciÓn profana.

junto al canto gregoriano, nos encontramos también en la edad media con la llamada canción profana, cultivada por los juglares que viajaban por las cortes feudales de europa. según las épocas y lugares, se les denominaba de diferentes formas - goliardos, juglares, trovadores, bardos, minnesinnger, meistersinnger, etc.-, pero todos tenían en común un mismo cometido: ensalzar el amor cortés mediante la música y la letra. ¿qué es el amor cortés? consiste en una concepción de la mujer como belleza inalcanzable, a la que idolatraban y cantaban en sus canciones. los más conocidos de todos

son los trovadores que florecieron principalmente en provenza (sur de francia) y que cantaban en lengua vernácula y no en latín.

3. la mÚsica medieval en espaÑa.

la fama de la música provenzal llegó a españa en el siglo xii, concretamente a la corte castellano-leonesa, gracias al influjo de los monjes

franceses. en dicha corte comenzaron a componerse obras en este estilo musical. entre ellas, la más importante es la colección de las cantigas de santa maría, compuestas por el rey alfonso x el sabio (1221-1284) en la segunda mitad del siglo xiii. el tema de las cantigas recoge una serie de milagros realizados por la virgen en honor de sus devotos. sigue una tradición religiosa de moda desde el siglo xi. para componer esta obra, el rey alfonso el sabio se sirvió de varias colecciones de milagros, tradiciones orales y sucesos reales acaecidos en su corte. la finalidad de estas colecciones era didáctica, es decir, ofrecer unos modelos de comportamiento para la vida de los cristianos sirviéndose de los ejemplos dados por los milagros. entre ellos abundan los que tratan de la protección de maría para con los caballeros cristianos que luchaban contra los hijos de la media luna o musulmanes.

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4. la primera polifonÍa.

tanto el gregoriano como la canción profana son música monofónica, es decir, música de un solo sonido o de una sola línea melódica. la polifonía es, por el contrario, la música compuesta por varias líneas melódicas o varios sonidos o varias voces. la forma más importante de la polifonía es el motete, composición musical, de carácter sagrado o profano, para varias voces solas, es decir, sin acompañamiento de ningún instrumento, que cantaban temas sagrados o profanos, según fueran de un tipo o de otro.

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5. la mÚsica en el renacimiento.

el periodo tradicionalmente conocido como renacimiento se extiende aproximadamente desde la mitad del siglo xv hasta los últimos años del siglo

xvi. supuso una vuelta a los clásicos grecolatinos y a sus valores: de ahí la idea de hacer renacer la civilización grecorromana. la base de este movimiento estuvo en el humanismo, corriente que trató de poner el hombre en el centro de todas las cosas, basándose en el principio de que el hombre es la medida de todas las cosas. de aquí se derivan unas consecuencias importantes para la música, pues esta ya no será predominantemente religiosa, sino que se ocupará de temas humanos, paganos, mitológicos, etc., como veremos más adelante. otro factor importantísimo para el desarrollo de la música fue la reforma protestante iniciada por martín lutero (1483-1566), quien consideraba la música como

parte indispensable del culto divino. lutero se dio cuenta de que la participación de la gente sencilla en los cultos religiosos aumentaría si se le permitiera participar en los servicios religiosos de una manera activa, en vez de escuchar pasivamente el canto en latín como se hacía hasta entonces. además, ya en el siglo xv había desaparecido el latín como lengua viva o hablada. lutero estableció un repertorio de himnos o corales, llamados así porque estaban concebidos para ser cantados a coro o en coros por los fieles, e inspirados muchas veces en conocidos cantos populares alemanes que resultaban familiares a sus seguidores. introdujo como lengua de dichos corales la lengua alemana, que era la que hablaban sus seguidores, llamados luteranos o protestantes. la reforma protestante obligó a la iglesia católica a reaccionar. esta reacción se llamó contrarreforma. su momento más importante fue durante la celebración del concilio de trento (1545-1563). en dicho concilio se tomaron medidas para repristinar el canto eclesiástico. el resultado fue una música llena de fervor, de contenido emocional y de sentimiento místico, como veremos al tratar de la música renacentista en italia y españa. por último, otro elemento que contribuyó eficazmente a la propagación de la música y a su desarrollo fue la invención de la imprenta a mediados del siglo xv. gracias a ella, se imprimieron muchos libros musicales. el impresor más famoso es el veneciano ottaviano petrucci, quien, junto con sus discípulos, imprimió música de todas las clases: polifonía religiosa y profana, música instrumental, libros de himnos y colecciones de salmos. la primera música impresa lo fue en el año de 1501, en venecia, por el antedicho ottaviano petrucci.

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6. la mÚsica italiana del renacimiento.

entre los compositores italianos de música religiosa en la época del concilio de trento se encuentra giovanni pierluigi da palestrina (ca. 1525-1594). su música ha sido tradicionalmente reverenciada y considerada como la cima de la polifonía del siglo xvi. adoptó el nombre del lugar donde nació, palestrina, pequeña villa cerca de roma, y su vida entera estuvo dedicada al servicio de las iglesias más importantes de la ciudad eterna: santa maría la mayor, san juan de letrán y san pedro del vaticano. palestrina debió su temprano éxito al obispo de su ciudad natal, el cardenal giovanni maría del monte, quien tras ser elegido papa con el nombre de julio iii, pidió al compositor que lo acompañara a roma. palestrina nunca disfrutó del mismo favor al servicio de los papas siguientes, mas parece que siempre estuvo cómodamente situado a la cabeza de una u otra sección de la capilla papal. con poco más de treinta años se había ganado una extraordinaria reputación como compositor y director musical. recibió por ello numerosas ofertas para trabajar en otros lugares, por ejemplo, en viena y mantua, pero no quiso abandonar nunca roma. en la ciudad eterna fue maestro de música de la cappella giulia, cantor de la capilla sixtina, maestro de capilla en san juan de letrán y en santa maría la mayor, etc. contrajo matrimonio con lucrecia gori, a la que perdió, junto a varios parientes, durante la epidemia de peste que azotó la ciudad de roma entre los años de 1572-1580. contrajo segundas nupcias con virginia dormoli en 1581. murió en roma el 2 de febrero de 1594.compuso toda clase de música conocida hasta entonces: música vocal sacra, música vocal profana, motetes, madrigales, himnos, etc. pero su composición más famosa es la misa en honor del papa marcelo - missa papae marcelli - .

otras dos figuras importantes del renacimiento italiano son los venecianos andrea gabrieli y su sobrino giovanni gabrieli. andrea fue maestro de capilla de la basílica de san marcos, centro religioso y musical de la ciudad de los canales. por las características arquitectónicas que ofrece la basílica, dividía a sus músicos y cantantes en grupos, situándolos en diferentes galerías para que la música llegara al oyente desde distintas direcciones. esta técnica de los cori spezzati - coros partidos - no era exclusiva de san marcos de venecia, pero allí se desarrolló especialmente como respuesta al diseño de la misma, al amor veneciano por lo grandioso y la genio de andrea gabrieli. su sobrino giovanni gabrieli fue el primero que utilizó la palabra concierto al publicar, en 1587, un volumen con el título de concerti y que contenía música religiosa, madrigales y otras obras compuestas por él mismo y por su tío andrea.

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7. la mÚsica del renacimiento en espaÑa.

los cuatro pilares que sostienen el edificio de la música española del renacimiento son, sin menoscabo ni olvido de otros músicos menores, juan del enzina, cristóbal de morales, francisco guerrero y tomás luis de vitoria. el primer compositor español del renacimiento a quien conviene propiamente dicho título es a la figura de juan del enzina o de la encina (1468-1529). fue nacido en salamanca. su padre era zapatero de profesión y consiguió para varios de sus numerosos hijos que estudiaran una carrera. juan estudió leyes y latín en la universidad salmantina. obtuvo después el cargo de director de espectáculos en la corte del duque de alba. completó posteriormente su formación musical en italia, donde estuvo al servicio papal. se ordenó sacerdote, peregrinó a jerusalén y fijó finalmente su residencia en león, donde murió. sus restos descansan en el coro de la catedral de salamanca. juan del enzina es un prototipo de hombre renacentista: músico, poeta, escritor, autor teatral, con influjo posterior muy grande que llegó hasta lope de vega. como músico, que es lo que nos interesa, compuso obras polifónicas de dos clases: villancicos y romances. cristóbal de morales (ca. 1500-1553) es el más destacado compositor español de comienzos del siglo xvi. su estancia en roma durante diez años (desde 1535 a 1545) le granjearon el respeto y la fama de sus contemporáneos. fue también miembro musical de la capilla papal. de entre sus composiciones destacamos sus motetes, como el emendemus in melius (enmendémonos para mejor), de carácter penitencial, compuesto para el miércoles de ceniza. francisco guerrero (1528-1599), también célebre compositor de polifonía sacra, trabajó en diversas ciudades españolas hasta que se trasladó a roma en 1574. su obra, como la de morales, se compone de motetes sagrados, entre los que destacamos el que sirve de alabanza a la eucaristía y que lleva por título pan divino, gracioso, sacrosanto... pero el compositor renacentista español más importante de todo el siglo xvi fue tomás luis de victoria o de vitoria (ca. 1548-1611). fue también el compositor más importante de la escuela romana después de palestrina. nació en Ávila, de niño cantó en el coro de la catedral abulense y, cuando mudó la voz, fue a roma a estudiar en el colegio germánico, una institución de los jesuitas fundada por san ignacio de loyola. permaneció en la ciudad eterna cerca de 20 años, desempeñando cargos en varias iglesias e

instituciones religiosas. ordenado sacerdote, regresó a españa, estableciéndose en madrid, primero como compositor y organista de la emperatriz maría, para cuyos funerales escribió una famosísima misa de requiem. acabó sus días retirado de la corte como capellán de un convento. sus composiciones son exclusivamente sacras. por el aire que respiran de misticismo, fervor y religiosidad, algunos críticos consideran su obra como el más fiel reflejo del ambiente de la contrarreforma en españa. compuso misas, 18 composiciones del magnificat, pasiones, responsorios, lamentaciones y unos 50 motetes, cuyos dos más famosos son el ave maria y el o vos omnes, ambos en honor de la virgen. audiciones:

segunda parte: la mÚsica barroca

introducciÓn. páginas 108-116 del libro.

se entiende por época barroca el periodo comprendido entre 1600 y 1750 aproximadamente, y, en la historia de la música, el periodo que comienza con monteverdi y finaliza con las grandes figuras de bach y haendel.las características que presenta la música barroca frente a la del renacimiento son radicalmente distintas. la suave polifonía renacentista, marcada por el paso unísono de las voces, fueran éstas tres, cuatro o cinco, contrasta con la nueva música barroca. esta se distingue de la música renacentista por las siguientes características:• el contraste, que consiste en la oposición fuerte/suave o piano, presto o

rápido/lento, sólo/tutti o todos.• presencia constante del continuo, que solía ser normalmente un clave o

un órgano. la misión del continuo consistía en aportar al conjunto de la composición el ritmo y la armonía necesarios. (algo semejante a lo que en la música moderna desempeña la batería).

• abandono de la polifonía y predominio de los instrumentos. es decir, no se concibe ya la música como armonía de voces, sino que se acompañan las voces con instrumentos.

• cultivo del concierto, consistente en una composición musical dividida en tres partes - allegro, lento o adagio, presto - para instrumentos solos.

• creación de nuevas formas musicales desconocidas hasta entonces, como la ópera, oratorios, cantatas, etc., que veremos más adelante.

• concepción del órgano como instrumento solista, principalmente en el centro y norte de europa, sobre todo en las regiones que estaban bajo el influjo de la reforma protestante.

• importancia de los mecenazgos o patrocinadores de la música (algo parecido a los modernos sponsor). la rivalidad por acoger a los mejores artistas era proverbial entre las cortes, las ciudades, los papas, los obispos, etc. algo de esto veremos más adelante al tratar de la vida de bach, haendel y otros compositores.

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4. monteverdi y los orÍgenes de la Ópera.

una de las primeras creaciones del barroco fue la ópera y, aunque las primeras óperas fueron escritas por peri y caccini, el verdadero creador de la misma fue el italiano claudio monteverdi. nacido en cremona el 15 de mayo de 1567, ciudad de la región de lombardía, en el norte de italia, y principal centro del mundo en la fabricación de violines, entre los que destacan los stradivarius, verdaderas joyas instrumentales, desempeñó el oficio de instrumentista y, posteriormente, el de maestro de capilla en la corte de los gonzaga de mantua (italia), cargos que ocupó desde 1591 hasta 1608 en que abandonó la corte a causa de una depresión por la muerte de su esposa claudia. el año de 1607 fue de capital importancia para su vida: escribió y representó en mantua su ópera orfeo. el argumento de la misma se basa en el mito griego clásico de orfeo y eurídice (explicación). el orfeo de monteverdi no es sólo la ópera más antigua, sino la más representada hasta hoy en día en todos los teatros de ópera del mundo. a ella le seguirán otras dos óperas más, el retorno de ulises a la patria y la coronación de popea, basadas también en temas clásicos.tras unos años en su ciudad natal de cremona, tratando de curarse de la depresión antedicha, obtuvo el cargo de maestro de capilla de la basílica de san marcos de venecia. allí publicó sus dos últimos libros de madrigales (el séptimo y el octavo) y prosiguió componiendo óperas. en 1630-1631 la peste se adueñó de venecia obligándole a abandonar sus actividades musicales. al año siguiente, en 1632, tomó los hábitos como religioso. murió en venecia el 29 de noviembre de 1643.

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5. otros compositores barrocos italianos.

girolamo frescobaldi. fue considerado “un gigante entre los organistas”. desde 1608 hasta su muerte en 1643 desempeñó el oficio de organista en la basílica de san pedro de roma, donde transcurrió toda su vida. tuvo una reputación sin igual. por su habilidad y agilidad de ejecutante mereció todos los elogios además de ser considerado modelo para los compositores e intérpretes de su tiempo. cavalli. considerado el sucesor natural de monteverdi, de quien fue discípulo en la basílica de san marcos de venecia y a quien sucedió en el mismo cargo, llegó a ser el compositor de ópera más destacado de venecia y de italia. milán, florencia, nápoles y otras ciudades se disputaban la representación de sus obras. fue incluso invitado a francia para montar óperas en parís con motivo de las bodas de luis xiv. carissimi. nacido en roma, fue primero cantor del coro infantil y luego organista de la catedral de tívoli, a las afueras de roma. siendo maestro de capilla del colegio jesuita, comenzó a componer oratorios para ser representados ante la comunidad del oratorio de la santa cruz. dichos oratorios relatan historias bíblicas, por ejemplo las de jefté y el juicio de salomón, con un cantante distinto desempeñando el papel de cada personaje y un narrador para contar la historia. la importancia de caríssimi radica en haber aplicado los nuevos métodos barrocos al oratorio y por haber hecho de él un género dramático que podía ser representado tanto en los teatros como en las iglesias. su influencia fue grande y duradera, extendiéndose tanto a alemania como a francia (donde charpentier fue probablemente alumno suyo) e inglaterra, en donde, posteriormente, haendel imitaría sus técnicas.

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3. la mÚsica barroca en centroeuropa.

heinrich schütz (1585-1672). si hay en europa un compositor comparable a monteverdi, éste es el alemán heinrich schütz. nació en sajonia en 1585 y era hijo de un posadero. cuando tenía 13 años, el landgrave moritz, gobernante de hesse-kassel, se hospedó en su casa y, oyendo cantar al niño, le pidió al padre que se lo dejara para llevárselo al coro de su corte de kassel; posteriormente schütz estudió leyes en la universidad y luego su mecenas le brindó la oportunidad de marchar a italia para estudiar con giovanni gabrieli. allí fue en 1609, llegando a ser el discípulo predilecto de gabrieli, quien, antes de morir, le dejó como recuerdo su anillo de oro de desposado. regresó a alemania en 1613 y trabajó al principio en la corte de su protector, en kassel. Éste lo “prestó” después al más poderoso gobernante de sajonia, el elector johann georg de dresde donde recibió el nombramiento de kapellmeister - maestro de capilla -. su trabajo consistía en componer música para las principales ceremonias de la corte, fueran religiosas o profanas, y en supervisar la labor musical de la corte más poderosa de la alemania protestante.en dresde permaneció el resto de su vida, aunque pasó algunas temporadas fuera: venecia, copenhague y otras cortes alemanas. su vida, sin embargo, no fue feliz. en el terreno personal perdió a su mujer después de seis años de matrimonio y sus dos hijas murieron antes que él. en el ámbito profesional encontró graves dificultades debido al empobrecimiento de la corte de dresde por la guerra de los treinta años; muchos músicos fueron despedidos, y los que quedaron no recibían paga alguna, por lo que apenas podían malvivir e ir tirando. intentó establecerse en dinamarca, pero el elector no accedió a sus deseos de marchar. sus condiciones de trabajo resultaban lamentables, por lo que intentó una y otra vez retirarse, cosa que no consiguió hasta los 70 años. en 1670 encargó a uno de sus discípulos un motete para su propio funeral, cosa que harían posteriormente bach y mozart. murió dos años después, en 1672.la importancia musical de schütz se debe a haber sido el compositor de las dos primeras óperas alemanas: dafne y orfeo, ambas perdidas hoy. compuso también salmos, motetes, sinfonías sacras, pequeños conciertos sacros y creó obras para las festividades religiosas mayores, como composiciones sobre la navidad y la pasión.

dietrich buxtehude (ca. 1637-1707) es el más completo compositor de música para teclado, órgano sobre todo. trabajó en el norte de alemania, aunque él mismo se consideraba danés por sus ocho años de organista en helsingor (el elsinore del hamlet de shakespeare). fue también organista de la iglesia de santa maría, en la ciudad alemana de lübeck. allí puso de moda la antigua costumbre de dar conciertos públicos en la iglesia, los famosos abendmusik, “música vespertina”. cuando bach estaba en arnstadt recorría muchas millas a pie para escuchar algunos de ellos, y en particular los de buxtehude al órgano.johann pachelbel (1653-1706), conocido como autor del famosísimo canon, fue también un renombrado organista. con sus composiciones corales para dicho instrumento ejerció una considerable influencia en la música posterior, sobre todo en juan sebastián bach, cuya ciudad natal de eisenach visitó pachelbel poco tiempo antes de nacer bach.

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6. la mÚsica barroca en inglaterra.

henry purcell (1659-1695) pertenece a esa escasa estirpe de compositores de gran talento, como mozart y schubert, que desarrollaron su arte rápidamente y murieron muy jóvenes. con sus breves 36 años de vida sigue siendo el más grande compositor inglés de todos los tiempos. se formó primero como cantor de la capilla real de londres; a los 8 años compuso su primera obra, a los 15 fue encargado de afinar el órgano de la abadía de westminster, a los 18 fue compositor de la banda real, y a los 20 ocupó el cargo de organista de westminster. compuso obras de todo género, entre las que destacan su ópera dido y eneas, antífonas sacras para los divinos oficios, música de cámara, teatral, piezas para teclado, canciones, etc.

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7. la mÚsica barroca en francia.

las conexiones entre francia e italia fueron muy fuertes históricamente. dos reyes franceses habían desposado a dos damas italianas de la nobilísima familia de los médici florentinos, llevando consigo a parís muchos artistas italianos. esto hizo que la música italiana cautivara rápidamente el gusto francés. precisamente fue un italiano el que llevó a cabo esta tarea: giovanni battista lully.jean-baptiste lully (florencia 1632-parís 1687). era hijo de un molinero florentino; sin haber cumplido los 14 años marchó a francia para trabajar como servidor de una dama de la corte. allí adaptó su nombre italiano al francés, siendo conocido desde entonces como jean baptiste lully. llegó a ser un habilidoso violinista, guitarrista, clavecinista y bailarín. y fueron sus dotes para esta última actividad artística las que le llevaron a relacionarse con el joven rey luis xiv. su fama se propagó rápidamente, ascendiendo de un puesto a otro hasta llegar a ser músico de la familia real. aunque en honor a la verdad conviene decir que lully alcanzó su alta posición debido más a su astuta manipulación - como buen italiano - que a sus habilidades musicales. su absolutismo musical era parejo al absolutismo político de su rey. entre sus composiciones destacamos las escritas para ballet, motetes, Óperas, música coral sacra, sonatas, etc.marc-antoine charpentier (ca. 1648-1704), que estudió en italia, llevó a francia el estilo del oratorio dramático y compuso numerosas misas, motetes y otras obras religiosas, entre las que destaca su famosísimo te deum, uno de cuyos movimientos ha sido elegido como sintonía musical para las conexiones televisivas de eurovisión. françois couperin (1668-1733). nació en parís de una familia de organistas y clavecinistas. cuando tenía 25 años ocupó el cargo de organista real. como compositor destacó sobre todo en creaciones para clavecín, además de componer para órgano, música de cámara y música vocal sacra.jean philippe rameau (1683-1764). nacido en dijon, la capital de borgoña, comenzó de joven su carrera de organista y teórico musical, ocupando cargos en diversas ciudades, entre ellas parís, donde adquirió fama de pensador original y polémico. se preocupó más de las teorías musicales que de la composición. no obstante, nos ha dejado óperas, entre las que destacan las indias galantes y cástor y pólux; también música para teclado, de cámara, motetes y cantatas.

tercera parte. los grandes compositores barrocos

antonio vivaldi - johann sebastian bach - georg friedrich haendel

antonio vivaldi

1.- vida. nació en venecia en 1678 y murió en viena en 1741. hijo de giovanni battista vivaldi y de camilla galicchio. los orígenes de su familia hay que buscarlos en brescia. entre los antecesores del músico abundaron los marinos - de ahí que acabaran asentándose en venecia - y también los galeotes, piratas y bandidos. toda la familia vivaldi, por parte paterna, tenía el pelo rojo (en italiano rosso) o azafranado, por lo que se les conocía por el apodo de los rossi (los rojos). por eso vivaldi, siendo ya sacerdote y músico célebre, era conocido como il prete rosso = el cura rojo debido al color de su pelo.

de su padre, consumado violinista, heredó el amor a la música. desempeñó las tareas de maestro de capilla del famosísimo ospedale della pietà= hospital de la piedad. era dicho hospital una institución benéfica donde se acogía a los niños expósitos, se les educaba y se les enseñaba música como un medio para ganarse la vida cuando fueran mayores. con estos niños desarrolló vivaldi toda su actividad musical, ya que eran músicos consumados hasta el punto de ser conocidos más por el instrumento que tocaban que por su nombre propio.

toda su vida la pasó en venecia, excepción hecha de una breve estancia en ferrara, de la que le quedó un amargo recuerdo, ya que aquí le acusaron de dedicarse por entero a la música y olvidarse de sus obligaciones sacerdotales, como por ejemplo el no celebrar misa. así que volvió a venecia y allí siguió viviendo.

ganó enormes sumas de dinero con sus composiciones, pero las gastaba con la misma facilidad con que las ganaba - obras de caridad, empresario musical, fiestas, etc. -, llegando a verse en la pobreza más absoluta al final de sus días venecianos.

marchó a austria en busca de fortuna a principios del año 1741 y se instaló en viena, la capital, donde triunfó ante el emperador carlos vi. pero la pobreza de la que no pudo o no supo salir, su crónica enfermedad de asma y el abandono en que se vio le llevaron a la muerte. murió en viena el 28 de julio de 1741 en medio de la más absoluta pobreza, en casa de la familia satler, unos amigos que lo habían acogido por caridad al ver la pobreza y la miseria en que estaba sumido.

2.- obras. la obra de vivaldi es ingente en calidad y en cantidad. compuso cientos de obras instrumentales, siendo el concerto la más característica de sus composiciones. las características del concerto vivaldiano son: división en tres partes, normalmente repartidas en un inicio o allegro, seguido de un adagio o lento, para acabar con un vivace o rápido moviento al final.

entre sus composiciones más destacadas, conviene recordar l’estro armonico, que agrupa 12 conciertos para diversas combinaciones de instrumentos de cuerda; la stravaganza, publicados cuatro años después de l’estro y que contiene otros 12 conciertos para orquesta de cuerda. aunque su obra más divulgada ha sido il cimento dell’armonia e dell’invenzione = el cimiento o fundamento de la armonía y de la invención, donde se encuentran los cuatro conciertos dedicados a las estaciones del año, es decir, le quattro stagioni. en todo el conjunto de il cimento vivaldi recurre a la imitación de la naturaleza, creando una música descriptiva inspirada en textos literarios que le han merecido una fama inmortal. las cuatro estaciones son una descripción de escenas de la naturaleza y de las actividades humanas en cada una de las estaciones del año: primavera, verano, otoño e invierno que veremos más detenidamente en las páginas siguientes.

compuso también infinidad de obras de carácter religioso: misas, corales, cantos, etc. de esta ingente producción destacamos su magnificat - canto de acción de gracias a dios que la virgen maría entonó cuando fue a visitar a su prima santa isabel, la madre de san juan bautista, poco después de recibir el anuncio de que iba a ser madre de jesús por boca del arcángel san gabriel, tal como nos lo cuenta el evangelista san lucas -, un te deum - himno de alabanza a dios -, una salve regina - la oración cristiana de la salve -, y su más famoso oratorio juditha triumphans - judit triunfante, sobre la famosa heroína bíblica judit y su triunfo sobre holofernes.

compuso también óperas, obras orquestales, música de cámara, obras

vocales y corales - misas, salmos, motetes, oratorios, etc -, que han hecho de vivaldi uno de los músicos más prolíficos y fecundos de todos los tiempos.

audiciones:

johann sebastian bach

1.- vida. el más grande músico, junto con wolfgang amadeus mozart, de todos los tiempos, nació en eisenach, pequeña ciudad de la región alemana de turingia, el 21 de marzo de 1685 y fue bautizado dos días después en la iglesia de san jorge, la histórica y famosa georgenkirche. eisenach es una ciudad con profundas raíces y tradiciones históricas, políticas y culturales. baste recordar, como celebración, sus torneos poéticos y musicales de la edad media, los célebres sängerkrigen de los minnesänger = los maestros cantores, uno de los cuales fue cantado por wagner en su tannhäuser; como acontecimiento político, recordamos las nupcias de santa isabel de hungría, quien, en la misma georgenkirche donde fue bautizado bach, se había desposado en 1221 con el landgrave de turingia ludwig iv e, igualmente como hecho político, conviene recordar la constitución como ducado independiente de la ciudad de eisenach tras la desmembración del ducado de weimar. la pequeña ciudad estaba dominada por un imponente castillo medieval, alzado en la más alta de las colinas que la rodean; y muy cerca de ella se encuentra el famosísimo castillo de wartburg, el que fue testigo de la vida penitencial y caritativa de santa isabel de hungría y de los torneos de tannhäuser

pero para las personas profundamente religiosas, como bach y toda su familia, la ciudad tenía otras características más importantes: eisenach estaba íntimamente ligada a lutero y su reforma religiosa, el luteranismo o protestantismo. en eisenach había estudiado lutero, en la escuela de latín anexa a la georgenkirchen, entre 1498 y 1501; en eisenach se había refugiado en mayo de 1521 después de la gravísima ruptura de la dieta de worms a raíz de su cuestión de la autoridad de la sagrada escritura; en eisenach predicó lutero el 3 de mayo de 1521, violando la expresa prohibición del emperador carlos v o carlos i de españa, con lo que se metió en un camino sin posibilidad de retorno: el de la reforma luterana; en eisenach, concretamente en su castillo, se dedicó lutero, entre 1521 y 1522, a la traducción de la biblia al alemán y a la formación de los cantos de la

reforma, la nueva música religiosa, que alcanzaría su máxima perfección en bach; finalmente, muy cerca de eisenach, en el histórico castillo de wartburg, lutero se despojó de su hábito de religioso agustino, rompiendo así definitivamente con la iglesia católica.

con respecto a su vida, conviene decir que bach pertenecía a la más formidable estirpe de músicos que jamás haya existido. una familia tan numerosa, con tantas ramificaciones y repeticiones de nombres, hasta el punto de que los especialistas han tenido que dar un número correlativo a sus miembros para poder aclararse en esta intrincada red.

fue el octavo hijo del matrimonio formado por johann ambrosius bach y maría elisabeth lämmerhirt. nació el 21 de marzo de 1685 en el actual número 5 de la calle luthergasse. en casa de los bach se respiraba una profunda fe religiosa, una piedad intensa y un gran amor por la música. poco antes de nacer johann sebastian, su ciudad natal había vivido una experiencia que dejó profunda huella en el ambiente musical de la ciudad y que influiría grandemente en nuestro músico: eisenach había hospedado a johann pachelbel (1635-1706), el autor del famosísimo canon.

bach fue inscrito en la lateinschule = escuela de latín, en la que estudiaban niños cuyos padres deseaban para ellos una formación superior; los demás iban a la deutschschule = escuela de alemán. el director de la escuela de latín era el kantor de la georgenkirche, que por aquellos años era andreas christian dedekind. entre las obligaciones de los alumnos estaba la de cantar en las funciones litúrgicas de los domingos y fiestas en dicha iglesia. aparte, claro está, del horario de estudios, que era muy dilatado.

del párrafo anterior se deduce que bach tuvo una doble formación musical: en la escuela, bajo la dirección del kantor y, en casa, con las enseñanzas de su padre joahnn ambrosius y de su tío johann christoph. de su padre aprendió el arte del violín, en el que muy pronto sobresaldría; de su tío aprendió a tocar y amar el órgano, a conocer y apreciar la música de frescobaldi y sobre todo la de pachelbel.

cuando bach acababa de cumplir los nueve años murió su madre. de los ocho hermanos que fueron ya habían muerto cuatro, ya que la mortalidad infantil era entonces cosa harto frecuente; el mayor de los vivos, johann christoph estaba ya colocado; los tres restantes - maría salomé, johann jacob y johann sebastian - vivían en la casa paterna. ante la necesidad de dar una madre a

los dos pequeños, johann ambrosius optó por contraer nuevo matrimonio seis meses después de quedar viudo. y lo hizo con bárbara margaretha keul, viuda y con una hija, christiana maría, de nueve años. pero a los tres meses de la celebración de este matrimonio, el 20 de febrero de 1695, murió el padre de los bach, johann ambrosius, dejando a la familia en una situación crítica. pero el hermano mayor de los bach, johann christoph, que había sido alumno de pachelbel en erfurt y ahora era organista de la michaeliskirche = iglesia de san miguel de ohrdruf, se hizo cargo de los dos hermanos menores y se convirtió en un segundo padre para johann sebastian. allí permaneció hasta que acabó sus estudios en 1700 - equivalentes a nuestro bachillerato -, aprendiendo de su hermano los secretos del órgano y cantando en el coro de la iglesia.

luneburgo.- marchó después a luneburgo - lüneburg - a perfeccionar sus conocimientos de órgano, dando origen a sus primeras composiciones para órgano: corales sobre todo. aquí obtuvo un puesto como violinista ocasional en la corte de los duques de lüneburg, familiarizándose con el estilo francés de las suites, ouvertures, etc., y en el que luego escribiría sus magistrales composiciones de köthen.

weimar.- pasó posteriormente a lo que sería su primera etapa en weimar, donde trabajó como violinista en la corte del duque de weimar, pero su vocación no era la de ser un simple violinista, por lo que pronto abandonó la corte y marchó a arnstadt en busca de una plaza de organista en la neukirche = iglesia nueva.

arnstadt.- en este oficio lo encontramos en 1703 y aquí duró hasta 1706, en el que unos problemas burocráticos con el ayuntamiento de la ciudad le obligaron a abandonarla.

mÜhlhausen.- pasó posteriormente - en 1706 - a mühlhausen, como organista de la parroquia de san blas, una de las dos iglesias que había en la ciudad. la otra era la marienkirche = iglesia de la virgen maría. aquí encontró trabajo, un sueldo altísimo para lo que se ganaba en su tiempo y, sobre todo, el amor de su prima maría bárbara, con la que contrajo matrimonio en 1707. la felicidad de su hogar se vino abajo por una disputa entre los dos pastores de ambas iglesias, disputa que dividió a la población, y que hizo que bach tuviera que abandonar su cargo y la ciudad al tomar partido por el pastor de la marienkirche, rival de su superior de san blas.

weimar (2ª etapa). en 1708 marcha de nuevo desde mühlhausen a weimar, donde el duque wilhelm ernst - guillermo ernesto - le ofreció el doble cargo de hoforganist = maestro de Órgano y kammermusicus = director de la música de cámara o maestro de la orquesta de cámara de palacio. empieza así su segunda etapa de weimar. aquí permanecería hasta 1717, aquí le nacieron sus cinco primeros hijos - de los veinte que tuvo en sus dos matrimonios - y aquí vieron la luz sus primeras cantatas, obras que seguiría componiendo a lo largo de su vida.

las dificultades que surgieron entre la profunda fe luterana de bach y el pietismo extravagante del duque hicieron que bach, sin consultar con el duque, se buscara otro lugar donde desempeñar su trabajo musical. al enterarse el duque de que quería macharse, le negó el permiso de salida de sus territorios y lo metió en la cárcel. la prisión duró cuatro semanas hasta que, con ánimo enojado, el duque le concedió licencia para marcharse, cosa que hizo en el año de 1717.

kÖthen.- en köthen, bach y su familia percibían un sueldo muy superior al de weimar, lo que les sirvió para llevar una vida casi principesca al no faltarles de nada. tenía casa, buen sueldo, el trabajo que le gustaba, etc., ¿qué más podía pedir? aquí pasó bach una de las etapas más felices de su existencia, hasta el punto de querer vivir en köthen el resto de sus días. también aquí se encontró con un príncipe, leopoldo, y una corte amantes de la música profana, pero enemigos de cualquier clase de música sagrada. ¿por qué motivos? la corte de köthen había abrazado la fe calvinista, aunque el pueblo seguía siendo luterano. la fe calvinista prohibía los cantos y la música en las celebraciones sagradas. así que bach se encontró con una tarea hasta ahora desconocida para él: la de componer e interpretar música profana, dejando de lado la música religiosa. esta sería la causa principal de que, tras unos años felicísimos en köthen, bach comenzara a sentirse insatisfecho, ya que por su profunda religiosidad, por su formación musical y quizá por su mismo temperamento, era, y se sentía, músico de iglesia y organista por encima de todo. no obstante, aquí brotaron algunas de sus mejores obras profanas, entre ellas sus seis conciertos de brandeburgo, música de cámara para instrumentos solistas, sonatas varias, conciertos para violín, las dos suites instrumentales: suite francesa y suite inglesa y, sobre todo, su música para clave, destacando, en este apartado, las tres grandes colecciones didácticas, de las cuales señalamos el clave bien temperado y el pequeño libro para ana magdalena bach. ¿quién era esta ana magdalena?

ana magdalena bach.- fue su segunda esposa, ya que el 7 de julio de 1720 había fallecido su prima y primera esposa maría bárbara, de la que tuvo siete hijos. al morir maría bárbara, bach se quedó con cuatro niños pequeños: la mayor tenía 12 años y el más pequeño no llegaba a los 5. por eso, a pesar del dolor por el tránsito de su primera esposa, pensó en buscar una nueva ‘madre’ para sus hijos y un apoyo para él mismo en la vida. johann sebastian y ana magdalena se prometieron en septiembre de 1721, contrayendo matrimonio unos meses después, el 3 de diciembre del mismo año, en la casa que bach tenía en köthen con el fin de evitar conflictos entre las dos iglesias de la ciudad, la luterana y la calvinista. como dijimos anteriormente, bach echaba de menos en köthen la música religiosa, a pesar de las ventajas materiales que le ofrecía la corte. la ocasión de encontrar un lugar propicio para su vocación de organista y compositor religioso se le presentó bach al quedar vacante el puesto de kantor de la iglesia de santo tomás de leipzig - la thomaskirche -, por la muerte de su titular johann kuhnau. el ayuntamiento de la ciudad sacó a concurso la plaza vacante. a esta convocatoria se presentaron siete aspirantes, entre ellos telemann, quien fue el elegido. pero telemann renunció a la plaza. esto obligó a las autoridades de leipzig a hacer una nueva convocatoria en la que, con algún que otro problema y ciertas dificultades, la plaza fue otorgada a bach.

la iglesia de santo tomÁs (thomaskirche) de leipzig.- el 5 de mayo de 1723 se le comunica a bach el nombramiento como kantor de la iglesia de santo tomás de leipzig, tomando posesión el 15 del mismo mes. la iglesia, del siglo xiii, formaba parte del antiguo convento de los padres agustinos. a raíz de la reforma luterana, el ayuntamiento de la ciudad se incautó del convento, de la iglesia y demás edificios anejos, entre ellos una escuela privada regida por los agustinos, la famosísima thomasschule. lo mismo pasó con la iglesia de san nicolás. ambas iglesias, la de santo tomás y la de san nicolás, eran las más importantes de leipzig en la época de bach.las obligaciones de bach como kantor eran de dos tipos: enseñar a los alumnos de la thomasschule y componer y dirigir la música en las iglesias de santo tomás y san nicolás. el sueldo era muy superior al de köthen, aunque en la práctica parecía menor, ya que la vida en una gran ciudad como leipzig era mucho más cara que en la pequeña köthen. sin embargo, bach contaba con otras entradas de dinero por la asistencia a bautizos, bodas, funerales, música en la universidad, colectas para la escuela, etc. además, poseía casa

gratis. de aquí que no sólo viviera desahogadamente a pesar de su numerosísima familia - había tenido trece hijos más de su matrimonio con ana magdalena, aunque de los veinte nacidos sólo sobrevivieron doce -, sino que, a su muerte, dejó a sus hijos una herencia bastante copiosa. debido a su edad avanzada, tuvo algunos problemas con los niños de la thomasschule, a los que tenía que enseñar música, latín y el catecismo. los alumnos, bastante desinteresados en aprender dichas materias, le apodaban “la vieja peluca” o simplemente “el peluca”, lo que provocaba la irritación y la desesperación en el maestro. pero por encima de todo estaban las alegrías que bach encontraba en su propia casa, con su familia, en la composición y dirección musical para la iglesia de santo tomás. eran numerosísimos los músicos que iban a visitarle, para quienes las puertas de su casa estaban siempre abiertas y la mesa preparada. de todas las cortes solicitaban su presencia. el rey de polonia lo nombró compositor de corte. el embajador ruso, kayserling, le pidió una composición para combatir el insomnio de su protegido teófilo goldberg, naciendo así las famosísimas variaciones goldberg. federico el grande de prusia lo invitó a berlín, donde fue objeto de los más grandes honores. en suma, estaba en la cúspide de su fama. todos querían escuchar a bach, tenerlo a su vera, invitarlo a inspeccionar o inaugurar órganos: ciudades, nobles, príncipes, reyes, etc. bach no sólo vivió en leipzig la mitad de su vida creadora, sino que allí produjo lo mejor de su obra. a esta etapa pertenecen obras claves como las dos pasiones: la pasión según san juan y la pasión según san mateo; también el magnificat, el oratorio de navidad, la misa en si menor, el concerto italiano, las ya nombradas variaciones goldberg, además de obras para órgano, entre las que se encuentran las conocidísimas tocatas y fugas, destacando por su celebridad la tocata y fuga en re menor.

decadencia y muerte.- sin embargo, tanta felicidad se vio turbada por una enfermedad progresiva de la vista que le llevaron a la ceguera total. creyendo que podía curarse de la misma - parece que se trataba de unas cataratas muy avanzadas - se puso en manos del famoso cirujano inglés jhon taylor, de quien se contaban maravillas y que pasaba una temporada en leipzig. al quitarse las vendas unos días después de la operación, desgraciadamente veía menos que antes. taylor dijo que se imponía una segunda operación, que el músico soportó con paciencia ejemplar. el resultado fue peor todavía: quedó ciego. además, lo trataron con medicinas de efectos muy dolorosos y con sangrías que debilitaron su hasta entonces robusta salud. aunque todo ello lo vivió como lo que fue: un profundo creyente, un hombre de grandísima fe y un santo varón. bach nunca temió a

la muerte, ya que la veía como el momento de reunirse con el señor. por ello vivió las últimas semanas de su vida con plena lucidez y una gran paz interior. su esposa ana magdalena nos ha narrado con detalle los últimos momentos de la vida de bach. pocos días antes de morir, llamó repentinamente a su yerno christoph altkinol y le pidió que escribiera una música que quería dictarle. se trataba del coral para órgano ante tu trono me presento, un coral que bach había trabajado en varias ocasiones y que, en estos instantes supremos, adquirió un valor excepcional y muy significativo. pero dejemos hablar a su esposa y oigamos lo que ella misma nos cuenta con todo detalle: “… al cabo de un rato oí su voz apagada que me llamaba: ‘¡magdalena, querida, acércate!’. al oír el tono tembloroso de su voz me volví como si me hubiera atravesado una flecha. christoph (altkinol) había salido y me precipité sobre su lecho. con los ojos muy abiertos miraba hacia mí ¡y me veía! ¡sus ojos, apagados por el esfuerzo y el dolor, se habían vuelto a abrir y tenían un brillo doloroso!. fue el último regalo que le hizo dios: devolverle la vista poco antes de su fin. volvió a ver el sol, vio a sus hijos y me vio a mí y al nietecito que le tenía lieschen y que llevaba su nombre. yo le acerqué una magnífica rosa roja y su mirada se posó en el brillante color: ‘¡magnífica! - dijo -; donde ahora voy veré colores más hermosos y oiré la música que hasta ahora sólo hemos podido soñar. ¡y mis ojos verán al mismísimo señor!’.“estaba inmóvil, tenía mi mano en la suya y parecía estar viendo la imagen con que había soñado toda su vida, la del altísimo, al que había servido con su música.“pero cada vez se veía más claro que se acercaba su fin. ‘¡tocad un poco de música!’, dijo, mientras nos arrodillábamos junto a su lecho. ‘cantadme una hermosa canción sobre la muerte, que ha llegado mi hora’. yo vacilé un instante, no sabiendo qué música escoger para aquellos oídos que pronto oirían la música celeste. pero dios me inspiró y empecé a cantar el coral todos los hombres tienen que morir, para el cual había escrito él un preludio en mi cuadernito de órgano. los demás me siguieron y cantamos a cuatro voces. mientras cantábamos se esparció una expresión de paz por el rostro de sebastian. parecía que se había alejado de las miserias de este mundo. “un martes por la tarde, a las ocho y cuarto del 28 de julio de 1750, falleció. tenía sesenta y cinco años. el viernes por la mañana lo enterramos en el cementerio de san juan de leipzig. desde el púlpito, el pastor pronunció estas palabras: ‘ se ha dormido dulcemente en el señor el muy inteligente y muy honorable johann sebastian bach, compositor de su majestad el rey de

polonia y del príncipe elector de sajonia, maestro de capilla del príncipe de köthen y kantor de la escuela e iglesia de santo tomás de leipzig. siguiendo la costumbre cristiana, ha sido enterrado su inanimado cuerpo’.“pero, con mucha más intensidad que las palabras del pastor, oía en mi corazón el coral que sebastian había escrito en su lecho de muerte: ante tu trono me presento”.

de esta manera aconteció el tránsito a la casa de dios de una de las cumbres mayores, si no la mayor, de la historia de la música; de uno de los creyentes más grandes por su fe cristiana; de un músico que puso como lema de todas sus composiciones ‘sólo al dios altísimo la gloria; al prójimo para que pueda instruirse con él’; de un hombre santo y bueno al que se le conoce con el nombre de johann sebastian bach.

audiciones:

georg friedrich haendel

vida.- georg friedrich haendel (o händel) nació en la ciudad sajona de halle en 1685, el mismo año en que nacieron j. s. bach y el italiano domenico scarlatti, con quien le unió una larga y fructífera amistad. su familia era acomodada aunque carente de la tradición musical que hemos visto en la familia bach.los pocos datos que tenemos de su infancia nos muestran a un niño obstinado en aprender el arte de la música a pesar de la oposición paterna. su padre, georg haendel, de profesión barbero-cirujano, casó en segundas nupcias con dorothea taust, veintiocho años más joven que él. de esta unión nacieron tres hijos: el músico haendel y dos hijas. la fe luterana que se profesaba en el hogar de los haendel, el conocimiento de la biblia y el respeto por las tradiciones, crearon un clima acogedor y familiar - que nos atreveríamos a llamar burgués - en el que creció g. f. haendel, rodeado del cariño de un padre ya anciano y de una madre por la que sintió toda su vida un gran respeto.en una visita que el padre hizo al duque de sajonia, este oyó tocar al hijo y le recomendó al padre que no desperdiciara sus cualidades musicales. al regresar a casa, haendel asistió a las lecciones que impartía el organista de la

marienkirche, aunque el padre confiaba en que más adelante su hijo se interesaría más por la carrera de leyes - derecho, diríamos hoy - y las ventajas halagüeñas que conllevaba que no por ser organista en una iglesia cualquiera.a los 11 años, con ocasión de un viaje a berlín para conocer la corte de federico iii, se ganó hasta tal punto el aplauso y la admiración de todos por su dominio del teclado, que el rey rogó a su padre que lo dejara bajo su protección para proporcionarle una formación musical adecuada. el padre se opuso, contrariando profundamente a su hijo, y regresaron de nuevo a halle. poco después murió el padre. acabadas su formación humanística y musical en halle, se trasladó a hamburgo, centro operístico de la alemania barroca. en esta ciudad entabló una fructífera amistad con johann mattheson, quien lo introdujo en los círculos culturales de la ciudad. esta amistad juvenil llevó a ambos a lübeck, en la que el anciano maestro dietrich buxtehude iba a dejar su puesto de organista en la marienkirche y buscaba un sustituto que reuniera dos condiciones: a) que fuera un experto en el arte del órgano y b) que estuviera dispuesto a casarse con su ya no joven hija. al enterarse de las condiciones, ambos pusieron pies en polvorosa. vuelto a hamburgo, ingresó como músico en la Ópera, lo que le daría un conocimiento directo y excepcional de este arte. escribió su primera ópera, almira, y una pasión según san juan, acogidas con bastante éxito. pero la quiebra del empresario del teatro de la Ópera hamburguesa le dio la oportunidad para aceptar la invitación de gastón de médicis, hermano del gran duque de toscana, para viajar con él a italia.

viaje a italia.- llegó a florencia en 1706 y se sintió decepcionado al ver la indiferencia musical de los florentinos, a pesar de tener en la corte a un músico como alessandro scarlatti, padre del que sería después su gran amigo domenico scarlatti. en 1707 se marchó a roma y se dedicó al estudio de los compositores italianos de moda: benedetto marcello, giacomo carissimi y los dos gabrielli, andrea y giovanni. entró en los círculos musicales romanos. el cardenal colonna le encargó algunas obras en honor de la virgen y el cardenal ottoboni, que se había rodeado de músicos de la talla de domenico scarlatti y arcangelo corelli, lo acogió en sus veladas musicales de los miércoles, para las que compuso algunas obras. pero sintiendo la necesidad de escribir obras de mayor envergadura se trasladó de nuevo a florencia. en 1708 marchó a nápoles con su amigo domenico scarlatti, donde fue acogido con grandes honores. aquí escribió su ópera bufa agrippina que sería estrenada en el teatro de san juan crisóstomo de venecia en 1709 y que le valió el reconocimiento internacional.

vuelta a alemania.- cuando todo parecía indicar que haendel permanecería para siempre en la ciudad de los canales, recibió la tentadora oferta de ocupar la plaza de maestro de capilla de la corte de hannover, abandonando italia en dirección a alemania (hannover) en 1710. la estancia en italia, a donde volvería nueve años más tarde en busca de cantantes para sus óperas, fue de gran importancia en el aprendizaje musical del caro sassone = el querido sajón o alemán. como muy bien se dice, haendel ya no compondría jamás como lo había hecho antes de ese viaje.

primer viaje a londres.- en el contrato que firmó con la corte de hannover introdujo una cláusula que le permitía disfrutar de un permiso de 12 meses. ¿tuvo la intuición de lo que le iba a suceder? no lo sabemos. lo que sí sabemos es que, pocos meses más tarde de la firma del contrato, a finales de 1710, haendel marchó para londres, ciudad abierta a las corrientes musicales que llegaban de italia y con una frenética actividad musical propia del furor que caracteriza a los nuevos ricos. precedido de una gran fama que había llegado incluso a los oídos de la reina ana, estrenó, a las pocas semanas de su llegada, en febrero de 1711, su ópera rinaldo en el king’s theatre. el éxito de la representación lo catapultó a la fama definitiva y le granjeó el aprecio de la ciudad que pronto sería la suya para el resto de sus días.

vuelta a hannover .-volvió a hannover a cumplir con los deberes de su oficio. pero ante la imposibilidad de representar su rinaldo a causa de la inactividad del teatro local, y debido a la atracción cada día más fuerte que sentía por londres, en 1712 pidió de nuevo licencia para trasladarse a la capital británica, donde se instaló definitivamente para el resto de sus días.

londres para siempre.- apenas vuelto a londres, se firmó la paz de utrecht (1713) dando así fin a la guerra de sucesión a la corona española que había enfrentado desde los primeros años del siglo a franceses y españoles contra ingleses, prusianos, austriacos y portugueses. con este motivo, la reina ana encargó a haendel, pese a su condición de extranjero, una composición para conmemorar la firma de dicha paz de utrecht. haendel compuso el te deum ‘utrecht’ y el jubilate ‘utrecht’, cantados el 7 de julio de 1713 en la catedral de san pablo de londres. estas composiciones fueron el primer gran éxito cortesano que confirmaron la categoría musical de haendel.pero un acontecimiento inesperado vino a oscurecer la recién adquirida fama: la repentina muerte de la reina ana en 1714 hizo que subiera al trono

de inglaterra el príncipe alemán georg ludwig de hannover, al que haendel había dejado plantado con su marcha a londres. este subió al trono con el nombre de jorge i. los primeros encuentros entre el nuevo rey y el músico no fueron muy agradables. pero la ocasión de restablecer la paz entre el monarca y el compositor se presentó en el año de 1717. el rey quiso dar una fiesta sobre el río támesis con motivo de su aniversario. pidió a haendel que compusiera la música. así nació la water music = música acuática. haendel ocupó un barco de la city company, acompañado de 50 instrumentistas. en otros iban el rey jorge i y los invitados. la música amenizó la fiesta tanto a la ida como a la vuelta. y fue tal éxito alcanzado, que hubo de ser repetida varias veces a requerimiento del rey. treinta años más tarde, a petición del sucesor, el rey jorge ii, haendel volvería a escribir otra composición con motivo de firmarse la paz de aquisgrán (1749) que daba por finalizada la guerra de sucesión a la corona austriaca. y aunque inglaterra no salió bien librada de la situación, se quiso celebrar adecuadamente la firma de la paz. para ello se preparó un castillo de fuegos artificiales al aire libre con una música apropiada para la ocasión. así nació la fireworks music = música para los reales fuegos artificiales, obra que se hizo tan popular como la water music. baste recordar que antes del estreno oficial se efectuó un ensayo general de la orquesta en los jardines de vauxhall que convocó a unos 12.000 espectadores. ambas son dos de las piezas más celebradas del compositor alemán.en 1719 haendel ocupó el cargo de director de la royal academy of music, sociedad creada para ofrecer representaciones operísticas en el king’s theatre. los éxitos alcanzados lo consagraron como el músico más grande de inglaterra. sin embargo, una pelea en el escenario entre las sopranos italianas francesca la parmigiana y faustina bordoni, quienes llegaron a las manos ante la atónita mirada del público y del mismísimo príncipe de gales, hicieron tambalearse los cimientos de la royal academy que quedó herida de muerte hasta 1728 en que fue disuelta.ante esta situación, haendel se retiró de la escena para recuperar fuerzas y reconsiderar la situación. con johann jakob heidegger marchó a italia en busca de voces para la ópera. en italia fue acogido con entusiasmo por todos los círculos musicales, sabedores de sus éxitos londinenses. después marchó a su halle natal para visitar a su madre, que, ciega como después lo sería su hijo, estaba viviendo sus últimos días.tras diversos desengaños en londres que le hicieron abandonar la ópera, haendel marchó en 1741 a irlanda, donde, en abril de 1742 y en el new music hall de dublín, estrenó el mesías, su oratorio más célebre y que se ofreció como concierto benéfico a favor de presos y enfermos de diversos

hospitales. como ya vimos en vivaldi, encontramos de nuevo aquí la relación entre la música y los asilos y hospitales, que tan fecunda ha sido a lo largo de la historia. en londres tuvo dificultades para estrenarlo con su título original, por lo que tuvo que cambiarlo por el de sacred drama. pero fue tal el entusiasmo que suscitó que, al iniciarse los primeros compases del aleluya, el rey y toda la corte se pusieron de pie para escucharlo. desde entonces es de obligado cumplimiento en inglaterra escuchar de pie el aleluya. la audición de el mesías impresionó hasta tal punto a joseph haydn en su viaje a londres que le inspiró sus dos grandes oratorios, la creación y las estaciones, como veremos más adelante.enfermo de los ojos, su ceguera había ido progresando lamentablemente, a pesar de la constante atención de los mejores especialistas ingleses. poco después de 1751 quedaría definitivamente ciego, desgracia que también afectó los últimos momentos de johann sebastian bach. en 1759 asistió a una audición de el mesías en el covent garden y poco después, concretamente el 14 de abril de 1759, moría a la edad de 74 años.obras.- aparte las señaladas anteriormente en su biografía, la obra de haendel es ingente en calidad y cantidad. compuso infinidad de óperas, basadas en acontecimientos históricos para expresar las pasiones humanas a través de figuras legendarias o mitológicas; costumbre que arranca del orfeo de monteverdi. entre las óperas más conocidas citamos: rinaldo, con un argumento basado en las cruzadas; il pastor fido, de contenido pastoril; giulio cesare in egitto, sobre la historia romana y las relaciones entre césar y cleopatra; serse (o jerjes, en español), sobre el poderío persa en tiempos de ciro. a serse pertenece el famosísimo largo o larghetto, un aria de la primera escena del primer acto, una bella melodía hecha de lentos ascensos y descensos en escala y que comienza con las palabras de ombra mai fu. compuso también una serie de obras corales conocidas como anthems e inspiradas en los salmos bíblicos, otras obras corales para orquesta y voces, como el te deum ‘utrecht’, ya señalado anteriormente, la oda para el día de santa cecilia, etc., música instrumental, obras para clave, de las que destacamos el passaccaglia o pasacalles en castellano, obras de cámara, composiciones para orquesta, entre las que destacan sus famosos concerti grossi, especialmente los doce concerti grossi del opus 6 que son los que hoy gozan de un mayor prestigio entre el público por ser un resumen de los valores del compositor de halle; oratorios, entre los que enumeramos israel en egipto (sobre la venta de josé por sus hermanos y su llegada a egipto hasta alcanzar la cima de su poder con el cargo de administrador del faraón, tal como la cuenta el libro del génesis), saúl (sobre este personaje bíblico y

sus luchas con el rey david) y el ya comentado el mesías. para órgano compuso también unos conocidísimos conciertos para órgano y orquesta, ejecutados en los entreactos de las representaciones de ópera o de los oratorios, y que son una delicia de música para cualquier oyente por la variedad de temas, sencillez de melodía, riqueza expresiva y el permanente diálogo entre el órgano y la orquesta, etc., etc. en resumen, haendel, como bach y vivaldi, forma parte de esa tríada sagrada que fundamentó la música del barroco y sentó las bases para una posterior evolución en los siglos venideros, siglos que dieron figuras como haydn, mozart, beethoven, que no hubieran llegado a ser lo que fueron sin tener a sus espaldas el legado musical de estos tres compositores barrocos.

audiciones:

cuarta parte: el clasicismo

se entiende por clasicismo el periodo que va desde la primera mitad del siglo xviii (1750) hasta la primera treintena del siglo xix (1830). en este tiempo se sientan las bases de lo que se conocería después como siglo de las luces, ilustración, siècle des lumieres, aufklärung, secolo dei lumi, etc.

la música deja poco a poco de ser propiedad exclusiva de la iglesia y de los mecenas, es decir, va perdiendo su orientación sagrada o religiosa, y va disminuyendo paulatinamente la protección de los príncipes sobre los compositores. se vuelve cosmopolita, a saber, se populariza gracias al nacimiento de lo que hoy llamaríamos público. hasta ahora se había ejecutado en lugares muy restringidos: capillas, iglesias, catedrales, palacios, etc. con el clasicismo la música se populariza: se dan conciertos públicos en parís, leipzig - los famosísimos conciertos de la gewandhaus - , viena, berlín, etc.; florecen las sociedades musicales, se inauguran salas de conciertos, como la inaugurada en dublín en 1742 - el new music hall - y donde haendel estrenó el mesías (cfr. página 24), etc. la música se hace más simple y sencilla, dejando de lado los arabescos y complicaciones propias del barroco. en suma, la música del clasicismo es una música más popular, sencilla, inteligible y placentera para todos; el término que mejor le conviene

es el de música galante: exquisita, uniforme, fácil, civilizada y elegante. son numerosos los músicos que representan esta nueva tendencia. nosotros, sin olvidarnos de quienes son considerados como el puente o la transición desde el barroco al clasicismo, nos detendremos en las dos figuras más representativas de este periodo: franz joseph haydn y wolfgang amadeus mozart.

sin embargo, no conviene olvidarse de que el puente o la transición entre el barroco y el clasicismo lo realizaron varios compositores, entre los que destacan, por encima de todos, los cuatro hijos de johann sebastian bach. Éstos son:

8. wilhelm friedemann bach (1710-1784). fue el mayor de todos y fue un virtuoso de los instrumentos de teclado. sobresalió en la música de clave, en la música de órgano y en la creación de la sinfonía. su padre le dedicó el pequeño libro para órgano y el pequeño libro de clave. fue uno de los primeros compositores que intentó vivir como artista independiente y vendió directamente a los editores sus partituras musicales. algunos de sus motivos musicales los emplearía después mozart en su requiem.

9. carl philipp emanuel bach (1714-1788). fue llamado el bach de hamburgo por haber desarrollado toda su tarea musical en la ciudad hanseática. en efecto, en la ciudad báltica sucedió a teleman - que era su padrino - como kantor y director de música de las principales iglesias de hamburgo, ciudad a la que dedicó muchas energías para organizar conciertos públicos. cuando el príncipe heredero de prusia fue coronado emperador con el nombre de federico ii, lo llevó consigo y lo nombró kapellmeister, maestro de capilla, de la corte imperial.

10. johann christoph friedrich bach (1735-1782). llamado el bach de bückeburg, ha sido inexplicablemente olvidado, a pesar de tener un arte profundo y equilibrado y de que sus numerosas sinfonías son de una notable perfección formal. a diferencia de sus hermanos, fue un músico tradicional y de inspiración popular. su obra más destacada es el oratorio la infancia de jesús (die kindheit jesu).

11. johann christian bach (1735-1782). es el más joven de los hijos de johann sebastian bach. fue conocido como el bach de milán y también como el bach de londres. al morir su padre él tenía quince años y completó sus estudios musicales con su hermano carl philipp emanuel (el que aparece en el número 2 de este apartado). a los 19 años marchó a italia. allí entabló amistad con el célebre compositor franciscano el padre martini, de quien fue su alumno en bolonia. el padre martini,

aparte de las enseñanzas musicales, lo instruyó también en las verdades de la fe católica - ¡no olvidemos que toda la familia bach era de fe protestante! - y se bautizó como católico en la iglesia de san francisco de bolonia. fue director de un conservatorio musical en milán, de donde proviene el apelativo de el bach de milán.pasó después a londres, donde fue nombrado maestro de música de la reina de inglaterra, puesto vacante tras la muerte de haendel. fue maestro directo de mozart durante la estancia de éste en londres. se le considera el representante más significativo del estilo musical galante. fundó también una de las primeras organizaciones de conciertos públicos, que divulgó sus composiciones. esta estancia le granjeó el sobrenombre de el bach de londres.

franz joseph haydn (1732-1809)

nació el 31 de marzo de 1732 en rohrau, pequeño pueblo situado en una región pantanosa fronteriza entre austria y hungría. fue el segundo hijo de una familia de doce hermanos - de los que sólo sobrevivieron seis, tres de ellos dedicados a la música: franz joseph, nuestro músico, johann michael y johann evangelist -, más su padre matthias haydn y su madre anne marie koller.

su padre, a pesar de no tener nociones musicales, tocaba el arpa y el pequeño joseph le solía acompañar cantando. viendo la hermosa voz de su hijo, sus padres pensaron que ésta podría servirle para valerse en la vida. por este motivo lo confiaron a su tío matthias franck que vivía en la cercana ciudad de hainburg. a la edad de 6 años joseph haydn dejó rohrau donde ya no volvería a vivir jamás.

en hainburg aprendió a leer, escribir, recitar el catecismo, cantar y tocar casi todos los instrumentos de viento, cuerda y percusión. pero a los dos años de su estancia en hainburg sucedió un acontecimiento que le cambiaría su vida

para siempre: karl georg reuter, maestro de capilla de la catedral de san esteban de viena, se detuvo en hainburg con ocasión de una gira en busca de nuevas voces para el coro de la catedral. allí conoció las cualidades del infante joseph haydn y se lo llevó con él a viena.

haydn en viena.

a la capital del imperio austro-húngaro llegó con 8 años y allí residió los veinte siguientes, entrando así a formar parte del selectísimo grupo de los niños cantores de viena. fueron unos años felices en todos los sentidos, de vida en la corte imperial, de agasajos y honores; su hermano michael se unió a él unos años después para formar parte de dicho coro de niños cantores de san esteban de viena... pero una desgracia natural torció el rumbo de los acontecimientos: al llegar a la pubertad, con 15 años recién cumplidos, se le cambió la voz... y haydn fue despedido del coro en una húmeda tarde de noviembre de 1749, vagando solo y sin dinero por las calles de viena.

haydn expulsado de los “pueri cantores”.

nunca pensó en volver a rohrau, su villa natal; pero, en su inconsciencia juvenil, sí pensó en hacer un disparate que le devolviera a su antigua condición de cantor. el disparate fue que se quiso castrar, cosa corriente en su época, ya que los castrati gozaban de privilegios en los mejores coros y cortes de la época. avisado su padre de los deseos del niño, acudió a viena, lo llevó con él a rohrau y lo encerró en una buhardilla de la casa hasta que se le quitara aquella tentación. durante su forzado encierro haydn se dedicó a estudiar partituras, a tocar en un viejo clavicordio las obras de carl philipp emanuel bach, uno de los muchos hijos de johann sebastian bach, y a componer música. este intento de disparate hizo que se perdiera un cantor, pero, a la vez, que se descubriera uno de los más grandes compositores de todos los tiempos.

vuelta a viena.

volvió a viena en busca de la gloria, encontrando alojamiento en casa de un peluquero llamado johann peter keller, de cuya hija menor, therese, se enamoró. desgraciadamente para haydn, therese entró en una orden religiosa. luego encontró empleo como kapellmeister - maestro de capilla - del conde morzin, para quien compuso sus primeras sinfonías. en el contrato que éste le hizo una de las cláusulas decía que no podía casarse. pero haydn, que no

sentía ninguna atracción ni por la vida religiosa ni tampoco por la soltería, se enamoró de maria anna, hermana de therese, su novia anterior. la boda tuvo lugar en la catedral de san esteban de viena, el 26 de noviembre de 1760. el conde morzin montó en cólera y reaccionó intempestivamente despidiéndolo de su trabajo.

al servicio de la casa esterházy. haydn no tardó en encontrar trabajo: el príncipe paul anton esterházy le ofreció, el 1 de mayo de 1761, el cargo de kappellmeister - maestro de capilla - de su corte, quedando así unido a la familia esterházy para el resto de sus días. la residencia principal de la familia era el palacio de eisenstadt (kismarton, en húngaro), situada a 50 kms. al suroeste de viena. allí se estableció haydn y allí escribió para el príncipe tres sinfonías - la nº 6 (le matin), la nº 7 (le midi) y la nº 8 (le soir) -. la muerte prematura de paul anton esterházy, en marzo de 1762, hizo que le sucediera su hermano nikolaus esterházy, quien hizo su entrada solemne en eisenstadt el 17 de mayo de 1762. las ceremonias organizadas para tal ocasión permitieron a haydn apreciar y saborear el fasto, el lujo, los banquetes y los festejos a los que tan dada era esta familia, considerada la más rica del imperio austro-húngaro.

haydn en esterháza.

al príncipe nikolaus esterházy se le quedó pequeño el palacio de eisenstadt y mandó construir otro nuevo y más grande, con una gran cascada frente al edificio central, 1076 habitaciones, una sala de ópera con capacidad para 400 plazas, un teatro de marionetas en forma de gruta, un biblioteca, una pinacoteca, salones de bailes, etc. el coste de la obra ascendió a 13 millones de florines. el palacio encerraba tanta magnificencia que sus contemporáneos no dudaron en compararlo con el de versalles. el nombre que recibió fue el de palacio de esterháza. durante más de veinte años, conciertos, óperas, representaciones teatrales, fiestas, fuegos artificiales, banquetes, etc., se sucedieron ininterrumpidamente, sobre todo en verano, puesto que el príncipe esterházy y su séquito pasaban el invierno en viena. haydn, durante su estancia en esterháza, no se limitó sólo a dirigir los conciertos musicales y las representaciones operísticas, sino que también compuso sinfonías y conciertos para la orquesta de palacio. pero no todo fue paz en el palacio. las envidias y las riñas entre los músicos estaban a la orden

del día. haydn se empeñaba en poner paz entre ellos, pero en algunos momentos le resultó imposible. por ejemplo, cuando el flautista franz nigal, en un día de asueto, disparó su escopeta de caza sobre unos pájaros que sobrevolaban el tejado de un pabellón del palacio y el pabellón ardió por completo, quedando reducido a cenizas. fue inmediatamente despedido; o el caso de la riña entre el violoncelista franz xaver marteau y el flautista pohl en una taberna de eisenstadt, en el trancurso de la cual pohl perdió un ojo; o también la violenta querella que enfrentó a los dos violoncelistas ignaz küfell y joseph weigl. estas grescas entre los músicos movieron al príncipe a castigarlos a todos con la prohibición de no salir del castillo de esterháza. muchos, que eran casados, no podían ver a sus esposas ni hijos. en estas circunstancias hay que situar el famoso episodio de la composición de la sinfonía nº 45, “los adioses”. de ello han circulado muchas versiones, pero la de griesinger parace ser la más cercana a la realidad: “entre los músicos del príncipe esterházy se encontraban jóvenes recién casados y padres con hijos, quienes, durante el verano, mientras duraba la estancia del príncipe en esterháza, se veían obligados a abandonar a sus esposas en eisenstadt. aquel año, por las riñas entre ellos, el príncipe decidió prolongar su estancia en palacio varias semanas más y les prohibió salir del mismo. los músicos, consternados por la medida, se dirigieron a haydn para que intercediera y les ayudara a salir de aquella situación. haydn tuvo la idea de componer una sinfonía en el transcurso de la cual los instrumentos enmudecieran unos tras otro. esta sinfonía fue interpretada en presencia del príncipe. haydn recomendó a cada uno de los músicos que, una vez terminada su parte en la obra, apagaran su vela y salieran con el instrumento bajo el brazo. el príncipe y todos los presentes comprendieron inmediatamente el significado. al día siguiente, el príncipe concedió a todos los músicos la libertad de poder salir de esterháza para que pudieran ver a sus esposas e hijos”. este fue el origen de la conocidísima sinfonía número 45, conocida con el sobrenombre de “sinfonía de los adioses”.

la estancia en esterháza le sirvió a haydn para componer infinidad de obras que mandaba al exterior: viena, parís y, sobre todo, londres fueron su principales receptores. de esta manera, sin haber salido nunca de su país natal, haydn se convirtió en uno de los músicos más famosos de la europa de su tiempo, lo que hizo que le llovieran encargos de nuevas obras. entre estos encargos, merece destacarse uno que le llegó de españa. d. josé saluz de santamaría, marqués de valde-Íñigo y canónigo de la santa cueva de cádiz, pidió a haydn la composición de una obra para coro y orquesta basada en las siete palabras de cristo en la cruz. la obra fue terminada en el invierno de

1786/1787 y se estrenó en viena el 26 de marzo de 1787 y en cádiz el viernes santo de aquel mismo año. además de esta época creadora en esterháza, haydn también viajaba a viena cada vez que el príncipe se desplazaba allí. en uno de estos viajes, probablemente a finales de 1784, conoció a mozart, quien le cautivó por su talento musical. “os lo dice ante dios un hombre honesto - escribía en una carta a leopoldo mozart, padre de mozart -: vuestro hijo es el compositor más grande que jamás yo haya conocido, personalmente o de nombre. posee gusto y una gran sabiduría para componer”. a partir de este momento, el sentimiento de aprecio recíproco creció entre ambos compositores. haydn reconquista la libertad.

la muerte del príncipe nikolaus esterházy le liberó de sus compromisos con la casa esterházy y haydn quedó libre para marchar a viena. inmediatamente le llegaron invitaciones de todas partes. cuando iba a aceptar la del rey de nápoles (italia), un extranjero se personó en su casa y le dijo: “soy salomom de londres y vengo a buscarle. mañana firmaremos un contrato”. la oferta consistía en un viaje a londres y la dotación de 300 libras por una ópera, 300 por seis nuevas sinfonías, 200 por los derechos de autor, 200 por su participación en veinte conciertos y 200 como garantía de un concierto en su honor. además salomom depositó en fianza de 1.500 florines en un banco vienés. así fue como, a sus cincuenta y ocho años, haydn abandonó por primera vez su país natal, desembarcando en el puerto de dover el 1 de enero y llegando a londres el día 2 de enero de 1791.

en una carta, fechada el 8 de enero de 1791, escribe: “el primer día del año, después de la misa, subí a bordo a las 7.30 de la mañana y llegué sano y salvo a dover a las 5 de la tarde... la mayoría de los pasajeros se encontraban indispuestos y ofrecían un aspecto fantasmagórico... mi llegada ha causado una gran sensación... todo el mundo desea conocerme... mi alojamiento es confortable, pero caro... ayer, en un gran concierto, me llevaron a través de toda la sala hasta la primera fila, frente a la orquesta, y allí me examinaron como si fuera un bicho raro y me dirigieron infinidad de elogios en inglés... todo esto resulta halagador para mí, pero hay momentos en los que desearía poder volar algún tiempo hasta viena para poder trabajar en calma, pues el ruido de los comerciantes en las calles es absolutamente insoportable”.

el contenido de esta carta da una idea de lo que debía ser para haydn, tras tantos años de reclusión en esterháza, la vida en londres: recepciones,

agasajos, invitaciones, conciertos como primera figura, contacto permanente con la flor y nata de la aristocracia inglesa, audiencias con el rey jorge iv, etc. en londres compuso unas serie de sinfonías conocidas con el sobrenombre de sinfonías de londres. su fama era tan grande, que la universidad de oxford le otorgó el grado de doctor honoris causa en música. con este motivo, se organizaron tres conciertos en oxford los días 6, 7 y 8 de julio de 1792. el día 7 se estrenó la sinfonía nº 92, que desde entonces pasó a llamarse sinfonía oxford. tras los fastos oxonienses, haydn, cumplidos sus compromisos con salomom, abandonó londres e inglaterra y regresó a viena. a su paso por bonn, le fue presentado un joven músico de 21 años, que tocaba en la orquesta del príncipe elector de colonia (köln). este joven se llamaba ludwig van beethoven. tras este encuentro, se decidió que beethoven fuera a viena para recibir lecciones del gran maestro joseph haydn. desde bon, haydn se dirigió a frankfurt, donde el príncipe esterházy paul anton asistía a las fiestas de la coronación del emperador francisco ii y llegó a viena con el séquito del príncipe el 24 de julio de 1792.

de nuevo en viena.

en viena recobró la tranquilidad que no pudo tener en londres. su primera tarea fue la de enseñar a beethoven. en una carta dirigida al príncipe elector de colonia, fechada en noviembre de 1793, decía de su alumno: “está llamado a convertirse un día en uno de los más importantes compositores europeos. llegado el momento, estaré orgulloso de presentarme como su maestro”.

segunda estancia en londres.

haydn salió de viena camino de londres el 19 de enero de 1794, para cumplir con nuevos compromisos musicales en la ciudad del támesis. allí compuso nuevas sinfonías que también se conocieron como las sinfonías de londres (unas 12 en total). aquí ganó no sólo prestigio, sino también dinero, lo que le hizo llevar una vida desahogada y dedicarse por entero a la composición. por ejemplo, en londres ganó 24.000 florines, de los que 9.000 fueron para gastos de viaje, alojamiento y comida. el resto, fueron ganancias para él. y fama, sobre todo fama. Él mismo decía que su fama en alemania fue consecuencia de sus viajes a inglaterra.

viena hasta su muerte.

en 1795 haydn abandonó inglaterra para siempre, después de pasar dos temporadas de un año y medio cada una. al llegar a viena, se encontró con un nuevo príncipe esterházy, nikolaus ii, quien había decidido recobrar el antiguo esplendor musical de la casa esterházy cuando la gobernaba su abuelo nikolaus i. encargó a haydn la dirección musical, pero con mayor libertad que en el pasado: sólo le pidió a haydn la composición de una misa anual en honor de la onomástica de su esposa, la princesa maría hermenegilde. con este motivo compuso 6 misas. para alivio de haydn, el nuevo príncipe abandonó el palacio de esterháza, estableciéndose en viena la mayor parte del año y residiendo en eisenstadt sólo durante el verano. así vivió hasta el año 1803, en que, al agravarse su salud, abandonó sus compromisos con el príncipe y se refugió en su casa de viena, en la que murió el 31 de mayo de 1809, cuando contaba setenta y siete años de edad, y en el momento en que las tropas de napoleón ocupaban por segunda vez viena. los últimos días de su vida los pasó encerrado en su casa tocando varias veces al piano el himno imperial que había compuesto doce años antes (gott erhalte franz den kaiser), el 12 de febrero de 1797. dada la tensa situación del momento, por la invasión napoleónica, su muerte pasó desapercibida por entonces. el 15 de junio tuvo lugar un solemne funeral, al que asistió stendhal, el famoso novelista francés, autor de novelas tan célebres como rojo y negro, la cartuja de parma, etc., en la iglesia de los escoceses. en 1820 sus restos fueron trasladados a eisenstadt, donde desde 1954 reposan en el mausoleo iniciado en 1932 por el príncipe paul esterházy, rindiendo así homenaje a uno de los ilustres varones que dieron más lustre y prestigio a dicha casa principesca.

durante su última y definitiva estancia en viena, haydn compuso su famoso concierto para trompeta y orquesta en mi bemol, su no menos famoso oratorio la creación, el himno gott erhalte franz den kaiser (dios guarde a francisco ii, el emperador), ya nombrado en el párrafo anterior y considerado como el himno nacional de austria hasta el desmembramiento del imperio austro-húngaro tras la primera guerra mundial (1914-1917). compuso también otro oratorio, las estaciones, además de cuartetos, conciertos, sinfonías, etc. en conclusión, con haydn adquiere su estructura definitiva la sinfonía, tal como después la concibieron mozart y beethoven, por lo que es considerado el padre de la sinfonía. su ingente producción, su acendrada fe religiosa, su servicialidad a todo el que se le acercaba, hicieron de él no sólo uno de los compositores más grandes de la historia de la música, sino también un

hombre ejemplar en todos los sentidos. con razón quienes lo conocieron y trataron le llamaban “papá haydn”, pues para todos fue un padre cariñoso, servicial y atento. ninguna de las personas que lo conoció se retiró de su lado sin una sonrisa en los labios o una gota de dulzura en su corazón.

wolfgang amadeus mozart (1756-1791)

introducción.

todo lo que podamos decir de mozart será vana palabrería por ser, junto a johann sebastian bach, el más grande músico de todos los tiempos, si no el primero de todos. estuvo tocado por la mano de dios para la música. el gran teólogo alemán karl barth escribió: “cuando en el cielo dios reina como dios, suena música de bach; cuando en el cielo hay fiesta - y el cielo es una fiesta permanente - suena la música de mozart”. mozart es la gracia de dios hecha música. su música no parece escrita por mano de hombre, sino por los ángeles. su existencia ha sido uno de los regalos más grandes que dios ha hecho a la humanidad.

como los grandes genios tuvo una vida breve (vivió sólo 33 años), pero intensísima. niño prodigio primero, luego genio musical, recorrió toda europa desde los seis años, interpretando en el piano y en el violín las más difíciles obras y componiendo piezas de perfecta construcción.

pasó de ser un niño prodigio a músico de cuerpo entero. viajó durante 15 años por las mejores cortes europeas, suscitando la admiración de cuantos lo escuchaban. de aquí que se haya podido decir: mozart es la música, o sea, decir mozart es decir música con mayúscula.

su fiebre creadora y su afán como compositor no cesó nunca. es inútil

tratar de establecer un mínimo catálogo de su obra, pues abarcó todos los géneros conocidos hasta entonces. vgr., en la música dramática u operística, destacamos don giovanni (don juan), le nozze di figaro (las bodas de fígaro), la flauta mágica, el rapto del serrallo, così fan tutte (así hacen todas), etc.; entre sus oratorios y misas, destacamos el requiem y la misa de la coronación; numerosas sonatas para piano, tan hermosas como perfectas, entre las que destaca la sonata kv 300 i (331), con el célebre allegretto final alla turca, conocido también como marcha turca; música de cámara, varias decenas de sinfonías, entre las que destacamos la sinfonía nº 40 en sol menor; serenatas para cuerda, la más célebre de las cuales es la eine kleine nachtmusik (una pequeña serenata nocturna); conciertos para piano y orquesta, como el conocidísimo concierto para piano y orquesta nº 21 en do mayor; conciertos para órgano y orquesta, minuettos, rondós, como el rondó en re mayor, kv 382; motetes y cantos sacros, como el ave verum (ave, verdadero cuerpo nacido de la virgen maría...etc., un himno en honor de la eucaristía), el exultate iubilate (exultad y regocijaos...), etc., música festiva y alegre, como la popular sinfonía de los juguetes (aunque ya sabemos los problemas que despierta su autoría, tal como vimos al hablar de haydn), una broma musical, paseo en trineo, etc., etc. pero antes de adelantar acontecimientos, presentaremos una breve sinopsis de su vida.

infancia y primeros años. mozart nació en la ciudad de salzburgo, austria, el 27 de enero de

1756 y fue bautizado al día siguiente en la catedral de su ciudad natal. se le impusieron los nombres latinos de johannes (juan) chrysostomus (crisóstomo) wolfgangus (wolfgang) theofilus (teófilo). los dos primeros no los usó apenas en su vida. el tercer nombre lo utilizó en su forma alemana - wolfgang - y el último lo tradujo de su forma griega a la latina - amadeus. de ahí su nombre más conocido: wolfgang amadeus mozart.

su padre era leopoldo mozart, nacido en augsburgo (alemania). de joven se trasladó a salzburgo para estudiar filosofía en su universidad, pero pronto la dejó por su verdadera vocación: la música. fue nombrado compositor de la corte del príncipe-arzobispo de salzburgo. casó con anna maria pertl, salzburguesa. de los siete hijos habidos en el matrimonio, sólo sobrevivieron dos: maria anna, a quien llamaban familiarmente con los nombres de marianne o el diminutivo de nannerl, y wolfgang amadeus, que fue el último. el mismo año del nacimiento de su hijo (1756) leopoldo publicó una obra pedagógica que le dio fama casi universal, y que en

nuestros días resulta imprescindible para conocer el recto modo de interpretar la música de su tiempo. esta obra se intitulaba versuch einer gründlichen violinschule = ensayo de una escuela (=método) fundamental de violín. pero dejó la composición musical para “consagrar a la educación de sus hijos el tiempo que no estuviera dedicado al servicio del príncipe-arzobispo”, según testimonio de su hija nannerl. esto se debió a que nannerl, y especialmente wolfgang, mostraron desde muy temprana edad un talento musical excepcionalmente grande y precoz. y leopoldo, que era un hombre profundamente religioso y dotado de un altísimo sentido de la responsabilidad, llegó a sentir tan íntimamente la obligación de desarrollar el talento musical de sus hijos y de darle a conocer al mundo, que se creyó llamado a una misión casi mesiánica. en sus cartas habla, refiriéndose a wolfgang, del “milagro que dios hizo nacer en salzburgo”, y en cuanto a su formación, dice: “debo corresponder así al favor que el omnipotente me hizo; de lo contrario, yo sería la más ingrata criatura”.

según cuenta leopoldo, wolfgang tocaba de memoria en el clave algunas composiciones cuando sólo tenía 4 años, y a comienzos de 1761, ¡con sólo 5 años de edad!, compuso ya su primera obra, un minuetto y trío (que figura con el nº 1 en el catálogo mozartiano de ludwig ritter von köchel, que suele abreviarse kv o k simplemente, iniciales de köchel verzeichnis = catálogo de köchel). la precocidad de mozart como intérprete fue tan asombrosa que constituyó un “fenómeno” nunca visto en el campo de la música. en 1761, con 5 años, debutó en público en un concierto en la universidad de salzburgo. cuatro meses después de aquella primera presentación en público, su padre consideró que su hijo estaba preparado para empresas mayores, y así, el 12 de enero de 1762, le llevó, junto a su hermana nannerl a munich (münchen), donde ambos tocaron el clave en presencia del príncipe elector de baviera. pero este viaje fue sólo un “ensayo general” del que sería el primer viaje importante de mozart: viena, adonde llegaron en el último trimestre de 1762. aquí actuaron numerosas veces en los palacios y casas de la nobleza y llegaron a tocar dos veces en el palacio imperial de schönbrunn ante la emperatriz maría teresa. el éxito que tuvieron en viena fue apoteósico. la gente no se cansaba de admirar aquel prodigio de seis años que tocaba el clave con la maestría de un consumado artista. todo el mundo hablaba de él y se contaban mil y una anécdotas suyas. los nobles se lo disputaban y el mismo emperador llegó a colocarse a su izquierda para pasarle las hojas durante la ejecución de las obras que mozart tocaba a primera vista o con poquísima preparación. el día de navidad de 1762 el poeta konrad friedrich pufendorf le dedicó una poesía que fue

inmediatamente publicada y que circuló en viena como regalo de navidad. estaba dedicada “al pequeño clavecinista de seis años de salzburgo” y decía así:

ingenium coeleste suis velocius annissurgit, et ingratae fert male damna morae.(surge un ingenio celeste, más veloz que sus

añosy soporta mal el daño de la ingrata tardanza).

el 5 de enero de 1763, víspera de reyes, los mozart estaban de vuelta en salzburgo y en febrero dio wolfgang, ante la corte de su ciudad, un concierto en el que tocó el violín y el clave. después de cinco meses de descanso y trabajo en casa, leopoldo emprendió, con toda la familia, un viaje mucho más ambicioso. su meta era conquistar parís y londres con sus dos prodigiosos retoños.

a la conquista de parís.

el viaje se inició el 9 de junio de 1763 y, aunque el destino final eran las dos grandes capitales europeas, leopoldo aprovechó el viaje hacia parís para dar conciertos en todas las ciudades importantes que les cogían de camino. el padre de mozart llevaba pensados todos los detalles de esta “gira” y resultó ser un manager o public-relations digno de nuestros días. por ejemplo, al llegar a una ciudad, lo primero que hacía era insertar una nota en algún periódico local que ponía por las nubes a los dos niños; luego paseaba a sus hijos por los lugares más concurridos para que todos pudiesen ver a gusto a los dos prodigios; se preocupaba también de conseguir cartas de presentación para músicos y personajes importantes; no se olvidaba del detalle de alojarse en la mejor posada u hotel de la ciudad, para mayor prestigio, etc.

la primera ciudad importante en que hicieron escala fue munich. aquí wolfgang dio conciertos en solitario una veces y acompañado de su hermana nannerl otras. no sólo recibieron alabanzas, sino también dinero. de munich partieron para ausgburgo, ciudad natal de su padre, donde dieron tres conciertos públicos. aquí también hizo leopoldo su “campaña publicitaria”

habitual. en un periódico local insertó una crónica hecha anteriormente por un rotativo de viena y en el que se decía: “una niña de once años que toca en el clave y en el piano las sonatas y conciertos más difíciles de los grandes maestros, de la manera más limpia y con una facilidad increíble: pero esto no es nada ante la sorpresa que causa ver a un niño de seis años sentado al piano tocando sonatas, tríos, conciertos, y, lo que es más asombroso, oírlo improvisar, inventando de su cabeza obras de exquisito gusto y perfecta construcción”. habla luego el periódico del “número” que solían hacer los dos hermanos y que dejaba estupefactos a los espectadores: mozart niño cubría el teclado con un paño que le impedía ver las teclas y así tocaba con la misma facilidad y perfección que si estuviera viendo las teclas. en ausgburgo compraron un clavicordio de viaje que les fue muy útil. tras atravesar otras ciudades, llegaron a mannheim, cuya orquesta oyeron y de la que dijo leopoldo que era “sin discusión posible la mejor de alemania”. este encuentro dejó un recuerdo imborrable en wolfgang, que, años más tarde, volvería una y otra vez a mannheim. prosiguieron el viaje por maguncia, frankfurt, coblenza y aquisgrán, para llegar, el 18 de noviembre, al primer destino de su viaje: parís.

en parís encontraron al barón melchior von grimm, familiar de los famosos hermanos grimm, escritores de cuentos, quien les abrió las puertas de la mejor sociedad parisina: intelectuales, artistas, nobleza, eclesiásticos, etc. los conciertos fueron un éxito artístico y financiero. en parís se imprimieron las primeras obras del genio mozart. este hecho insólito - un niño de siete años que publica ya sus primeras creaciones artísticas - único en la historia no sólo de la música sino de todas las demás manifestaciones del espíritu, es tan sorprendente, que bien merece un comentario.

paréntesis sobre la infancia de mozart y su hermana.

pero el ritmo de vida que leopoldo impuso a sus hijos tuvo una grave consecuencia para ellos: no conocieron o no tuvieron infancia, sobre todo wolfgang, quien tuvo que soportar la parte más dura de esta exhibición en público desde la edad de 5 ó 6 años (ya que nannerl tenía para entonces unos 12 años). en ningún otro músico se dio este hecho en grado tan intenso como en mozart; para él, desde que empezó a tener uso de razón, si no antes, la música fue su vida y vivió exclusivamente para ella. los constantes viajes contribuyeron probablemente a minar su salud, pues ya en estos años estuvo aquejado de una serie de enfermedades que nunca le abandonarían, y que casi con seguridad influyeron en su prematura muerte.

se ha acusado a leopoldo mozart de haber, en cierto modo, negociado con el genio de su hijo, impidiéndole disfrutar de una niñez despreocupada y feliz como cualquier otro niño. pero la realidad es que mozart fue cualquier cosa menos un niño normal. fue un prodigio de la naturaleza, una criatura tocada por la mano de dios, un ser en el que la gracia divina se transparentaba a raudales y en cada instante. la mejor prueba es el hecho de publicar sus primeras obras cuando no tenía más que siete años. más aún: todo hace creer que el pequeño wolfgang - “el maestro wolfgan”, como le llamaba su padre - sentía tanto la música, la vivía tan intensamente, que no sólo no echaba en falta los juegos infantiles de los demás niños de su edad, sino que viviendo la música fue completamente feliz. si la vida le fue adversa en los años posteriores fue por motivos totalmente imprevisibles en aquellos momentos.

a la conquista de londres.

el 10 de abril de 1764 dejaron parís para dirigirse a londres, donde llegaron el 23 del mismo mes. en londres se les abrieron de inmediato las puertas del buckingham palace. tanto el rey jorge iii como la reina sofía charlotte, grandes amantes de la música, quedaron prendados de los pequeños genios. el rey y la reina sometieron a wolfgang a un auténtico test para saber hasta dónde llegaba su genio musical: le hizo tocar a primera vista obras difíciles de haendel - considerado el músico nacional inglés, por el conocido “espíritu de recogimiento” de los ingleses - y de otros autores. al final tuvieron que rendirse a la evidencia: wolfgang era un prodigio en el arte musical. los recompensaron económicamente y les abrieron la puertas de la mejor sociedad londinense. también los músicos ingleses sometieron al jovencísimo “maestro” a las más refinadas pruebas técnicas, de todas las cuales salió triunfante. pero tampoco leopoldo se olvidaba de sus “técnicas promocionales”: sacaba a pasear a sus hijos por los lugares más concurridos y de moda de londres. en uno de estos paseos obtuvo el mejor premio que podía desear: en saint james park se cruzaron con la carroza real. he aquí como leopoldo relata la escena: “el rey y la reina venían en su carroza, y, aunque nosotros llevábamos puestos unos vestidos distintos de los que nos poníamos para ir a palacio, nos reconocieron; y no sólo nos saludaron, sino que el rey abrió su ventanilla, sacó fuera la cabeza y con el sombrero y las manos nos saludó cordialmente, sobre todo al maestro wolfgang”. el hecho se difundió por toda londres y la gente ardía en ascuas por conocer al pequeño genio. entre la mucha gente que los mozart conocieron en londres destaca la figura de johann christian bach, el menor de los hijos del inmortal

kantor de santo tomás de leipzig, con el que trabaron una perdurable amistad. en resumen, londres fue un éxito sin igual en todos los sentidos: fama, dinero y formación para el joven músico, quien además se dedicó intensamente a la composición de nuevas obras.

regreso a casa.

después de quince meses triunfales en londres, el 1 de agosto de 1765 la familia mozart embarcó en dover para regresar a casa, haciendo numerosos y prolongados altos en el camino; llegaron a su casa de salzburgo el 29 ó 30 de noviembre de 1766. las tareas domésticas para mozart consistían en aprender latín, perfeccionar su italiano y progresar en sus conocimientos musicales, especialmente la técnica del contrapunto y la fuga. no hay pruebas de que mozart asistiera nunca a la escuela; su principal maestro, si no el único, fue su padre. pero conviene advertir que no por los estudios se olvidó de componer; entre otras muchas cosas, destaca la célebre cantata fúnebre, k 42, cuyo origen fue el siguiente: deseando el príncipe-arzobispo de salzburgo aclarar de una vez por todas si lo que mozart componía era cosa suya o le ayudaba su padre, encerró al pequeño en una habitación de su palacio y lo mantuvo incomunicado durante una semana, en la que compuso esta obra. el título se debe a la malicia de mozart, quien deseó durante su forzosa clausura que el príncipe-arzobispo muriera por mantenerlo encerrado; para el hipotético entierro compuso esa cantata fúnebre. este detalle nos sirve para apreciar que los gustos musicales del joven genio se dirigían, por este tiempo, a la ópera. pero la ópera no tenía cabida en salzburgo, en cuya corte se ejecutaba esencialmente música religiosa. tampoco los otros géneros musicales en los que el genio de mozart podía descollar - sinfonías, música de cámara, conciertos, etc., - tenían cabida en su ciudad. había, por tanto, que buscar nuevos horizontes y, para ello, la familia mozart se dirigió a viena, cuando el genio tenía solamente 11 años de edad .

primera estancia en viena.

el momento propicio para dirigirse a viena se presentó con motivo de la celebración de la boda de la princesa maría gabriela, hija de la emperatriz maría teresa. los mozart salieron de salzburgo el 11 de septiembre de 1767 y el día 15 llegaron a viena. la ciudad festejaba ya la futura boda de la princesa con conciertos, óperas, fuegos de artificio, bailes, etc. pero todo cambió de repente, pues en la primera semana de octubre se abatió sobre la capital

austriaca una violenta epidemia de viruela. entre las víctimas se contó la princesa maría gabriela. para huir de ella, los mozart abandonaron precipitadamente la ciudad y se refugiaron en brno y luego en olomouc (ciudades que hoy pertenecen a la república checa). a pesar de las precauciones, tanto nannerl como wolfgang contrajeron la enfermedad, pero en forma benigna; con todo, les quedaron, sobre todo a wolfgang, señales en la cara para toda la vida.

pasada la epidemia, el 10 de enero de 1768 regresaron a viena. allí compuso y trató de estrenar su ópera bufa, la finta semplice (la simple simulación). entonces comenzó un calvario: los músicos, envidiosos de que un niño de 12 años triunfara, se opusieron con todas sus fuerzas; se hablaba incluso de que detrás de toda esta oposición estaba nada menos que christoph w.gluck, entonces en el apogeo de su gloria. pero mozart, como si estas intrigas no fueran con él, se aprestó a componer una nueva partitura escénica, bastien und bastienne - bastián y bastiana -, que se estrenó en casa de un acaudalado médico vienés. la recompensa por los sinsabores pasados le llegó a mozart con motivo de la consagración de la nueva iglesia de los jesuitas en un suburbio de viena. para tal acontecimiento, mozart estrenó una misa solemne a 4 voces y orquesta, un ofertorio, también a 4 voces y orquesta, un concierto para trompeta y, posiblemente, un veni, sancte spiritus. la crónica de la ceremonia la tomamos del wienerisches diarium, periódico vienés: “toda la música de la solemne función fue compuesta ex profeso para esta celebración por wolfgang mozart, de doce años, tan conocido a causa de sus extraordinarios talentos, hijo del señor leopoldo mozart, maestro de capilla del príncipe de salzburgo, y fue interpretada por el autor con general aprobación y asombro, y dirigida por él con la misma precisión”. con este triunfo, los mozart regresaron a salzburgo, a donde llegaron el 5 de enero de 1769. aquí, con motivo de la onomástica del príncipe-arzobispo, estrenó su ópera la finta semplice en el teatro del palacio arzobispal y, en recompensa, obtuvo el nombramiento de konzertmeister - maestro de conciertos - de la corte. viaje a italia.

el 12 de diciembre de 1769 mozart y su padre se pusieron camino de italia, patria de la música y, sobre todo, de la ópera, por la que wolfgang se sentía tan atraído. tras muchas peripecias - recordemos que entonces se viajaba en carreta o a lomos de animales -, el 20 de enero de 1770 llegaron a milán, primera etapa del viaje. el niño causaba admiración y el genio de mozart

suscitaba los mayores entusiasmos. la gente se agolpaba por las calles por donde tenía que pasar para ver a aquel “portento de la música” y hasta hubo que suspender varios conciertos porque la gente no cabía en la iglesia donde mozart iba a tocar.

en verona, la ciudad de los famosos amantes romeo y giulietta (romeo y julieta, en español) y segunda etapa del viaje, sucedió otro tanto: su genio despertó una admiración rayana en el estupor. lo colmaron de honores, le concedieron diplomas, lo nombraron maestro di cappella, el pintor saverio della rosa le hizo un retrato en el que mozart aparece tocando el clave y hasta le ofrecieron un contrato para componer la obra inaugural de la temporada de ópera por el que mozart percibiría 100 gigliati de oro y una vivienda propia.

prosiguieron el viaje hacia roma e hicieron una escala de cinco días en bolonia para visitar al más afamado teórico musical de la época: el padre franciscano giovanni battista martini. Éste, que ya estaba retirado de sus clases, cuando oyó a mozart improvisar una fuga y otros ejercicios de la más alta técnica musical quedó tan asombrado que hizo con él una excepción: asistió al concierto que el joven genio dio en el palacio del conde pallavicini.

luego, a través de florencia, siena, orvieto y viterbo, llegaron a roma, el 11 de abril de 1770. aquí sucedió uno de los episodios más célebres de la vida de mozart. cuando llegaron a roma era semana santa y acudieron a los oficios sacros que la iglesia católica, en memoria de la pasión y muerte de jesús, celebraba en la capilla sixtina. allí cantaron el famoso miserere de allegri, obra polifónica para 9 voces y dos coros. esta obra era propiedad exclusiva de la capilla sixtina, hasta el punto de que estaba prohibido, bajo pena de excomunión, cantarla en otro sitio. acabados los oficios religiosos y vuelto a su posada, mozart se dedicó a transcribirla. al día siguiente, volviendo de nuevo a la capilla sixtina para los oficios del viernes santo, le enseñó su “copia”al director del coro de la capilla sixtina. este quedó tan admirado que lo presentó de inmediato al papa, que a la sazón era clemente xiv, para que le explicara cómo había osado hacer eso. mozart se limitó a decir: “santidad, me bastó con oír el miserere y luego transcribirlo en esta partitura que vos tenéis en las manos. nada más”. el papa y toda la corte pontificia quedaron atónitos ante la destreza de semejante prodigio de 14 años.

de roma bajaron a nápoles, donde recibieron los mismos honores y gentiles

recibimientos. toda la ciudad partenopea se volcó en halagos y reconocimientos al niño prodigio, hasta que finalmente se vieron obligados a regresar de nuevo a salzburgo. de nuevo en salzburgo.

nada más volver a su ciudad natal tuvo lugar un suceso que influiría decisivamente en la vida posterior de mozart: la muerte del príncipe-arzobispo segismundo, quien había permitido a leopoldo mozart - el padre de wolfgang - largas ausencias de su cargo, le había mantenido la paga y le había dado una gran suma de dinero para el primer viaje a italia. el cargo de nuevo arzobispo de salzburgo recayó en la persona del conde hieronymus colloredo. para su entronización compuso mozart la serenata dramática il sogno di scipione (“el sueño de escipión”). al principio todo fue bien en las relaciones arzobispo de salzburgo-familia mozart. colloredo nombró a mozart konzertmeister de la corte arzobispal, con un salario anual de 150 florines de oro, cantidad nada despreciable tratándose de un joven de 16 años. pero las cosas comenzaron a empeorar y mozart a sentirse a disgusto con su nuevo señor. colloredo era un hombre enérgico que no permitía que se transgredieran las normas. y ahí nacieron los problemas, porque mozart necesitaba cumplir los compromisos que había adquirido durante el viaje a italia y el arzobispo no le daba permiso para ausentarse. a este problema se le añadió otro: el paso de “niño prodigio” a hombre. mozart, recién cumplidos los 17 años, tenía que enfrentarse a la lucha por la vida. una lucha para la que quizá no estaba preparado.

de nuevo en viena.

aunque el arzobispo colloredo no era propenso a conceder permisos para ausentarse de salzburgo, pero un viaje que el arzobispo debía realizar a viena les brindó la ocasión a los mozart para dirigirse con él a la capital austriaca. allí conoció a haydn, quien le orientó en nuevas técnicas musicales y lo presentó a lo más granado de la sociedad musical vienesa. al regresar a salzburgo, mozart empezó a soñar con establecerse en viena, capital del imperio austro-húngaro y de las nuevas tendencias musicales. pasó una breve temporada en munich - ¡cosa rara por la severidad del arzobispo colloredo! -, de la que da cuenta en una carta dirigida al padre martini y que

dice así:

“el año pasado escribí en munich una ópera bufa para el carnaval. pocos días antes de marcharme, su alteza el elector mostró deseos de oír una música mía compuesta en estilo contrapuntístico. tuve, pues, que escribir este motete - misericordias domini, k. 222 - a toda prisa, par dar tiempo a copiar la partitura para su alteza y a sacar las particellas para poder interpretarlo el domingo siguiente en la misa mayor al tiempo del ofertorio. queridísimo padre martini: le ruego que me diga francamente y sin reserva su parecer...”.

en salzburgo permaneció dos largos años, pero el descontento con el arzobispo seguían aumentando progresivamente. a comienzos de 1777 la situación se había hecho insostenible para los mozart. la necesidad de encontrar una salida digna se hacía imperiosa. su padre leopoldo fue a hablar personalmente con el arzobispo, pero la visita resultó contraproducente. por una carta de leopoldo mozart al padre martini conocemos los detalles de aquella tempestuosa entrevista. en ella, el arzobispo desahogó toda la cólera que guardaba contra los mozart, especialmente contra wolfgang: “ni siquiera tuvo reparo en decir que mi hijo no sabía nada, que lo que debía hacer era ir a nápoles para aprender música en un conservatorio”, nos cuenta su padre. mozart se encontró en una alternativa dramática: había cumplido los 21 años, tenía ya en su haber más de 300 composiciones, de éxito clamoroso muchas de ellas, y sentía el deseo irrefrenable de dar salida a sus posibilidades; tenía, en fin, que pensar en su futuro y decidir su vida. como las ataduras que lo ligaban a la corte del arzobispo eran insuperables, decidió escoger la libertad del artista y pedirle a su señor que lo liberara de servirle. la petición, fechada el 1 de agosto de 1777, obtuvo respuesta un mes más tarde, el 1 de septiembre, fecha en la que el arzobispo firmó el decretum por el que “libraba al padre y al hijo del servicio, para que buscaran su felicidad en otro sitio”.

viajes por europa y vuelta a salzburgo.

tras librarse de sus compromisos con el arzobispo colloredo, mozart emprendió una serie de viajes por europa, con etapas en munich, augsburgo, mannheim y parís. aquí se le unió su madre, que moriría poco después, el 3 de julio de 1778. el desengaño por la muerte de su madre le avivó la nostalgia por la casa paterna y la ciudad natal; abandonó parís y se dirigió a salzburgo, a donde llegó el 15 de enero de 1779. a pesar de los problemas

anteriores, fue nombrado organista de la corte del príncipe-arzobispo, es decir, hoforganist (hof=corte y organist= organista). su trabajo consistía en tocar en la corte y en la catedral, ayudar en la instrucción de los niños del coro y componer cuando fuera necesario. su sueldo consistía en 450 gulden anuales. fue en esta etapa cuando compuso la misa de la coronación, k. 317, y las vesperae solemnes de confessore, (solemnes vísperas para un confesor) k. 339, el famosísimo concierto para dos pianos y orquesta, k. 365, además de varias sinfonías. pero las cosas empeoraron de nuevo con motivo del viaje que el arzobispo colloredo hizo a viena para asistir a las fiestas de la coronación de josé ii como emperador austro-húngaro, en marzo de 1781. en viena mozart se sintió humillado por el trato que le daba el arzobispo. la situación explotó el 9 de mayo de ese año: tras una violenta entrevista, el arzobispo lo insultó, llamándole haragán, harapiento, imbécil y díscolo y diciéndole que nadie le servía tan mal como él. mozart aguantó el chaparrón de insultos con una infinita paciencia y al final preguntó al arzobispo: “¿su eminencia, pues, no está contento conmigo?”. a lo que el arzobispo replicó: “¡mira, mira! ahora quiere amenazarme este imbécil. ¡sí, sí! ¡imbécil!”. y cuando el arzobispo le dijo que no quería tener trato con él, mozart le replicó textualmente: “¡ni yo con usted!”. al día siguiente presentó su dimisión al arzobispo, que se la aceptó, después de varias instancias, sólo un mes más tarde. en viena para siempre.

tras abandonar la corte del arzobispo, mozart se quedó en viena para siempre, hospedándose en casa de unos amigos músicos, la familia weber, que tenía tres hijas, aloysia, konstanze y la más pequeñita que se llamaba sophie. la primera era cantante de ópera y estaba casada con el actor y pintor joseph lange; la segunda, konstanze, no servía para nada. pero le hizo tal tilín a mozart que el 15 de diciembre de 1781 mozart pidió a herr weber la mano de su hija, quedando fijada la boda para el verano siguiente. en efecto, el 31 de julio de 1782 se cumplimentaron los requisitos oficiales para el matrimonio. el 2 de agosto los novios recibieron juntos la sagrada comunión - signo de que se iban a convertir en marido y mujer -, el 3 de agosto firmaron el contrato matrimonial y el 4 del mismo mes se casaron en la catedral de san esteban de viena. mozart tenía 26 años; konstanze, 20. del matrimonio nacerían 6 hijos, de los que sólo dos sobrevivieron - karl thomas y franz xaver - pues los otros cuatro murieron en tierna edad. de los dos hermanos, sólo el menor, franz xaver, heredó de su padre la vocación por la música. la vida conyugal de mozart fue relativamente feliz: durante toda su

vida estuvo muy enamorado de su mujer, pero padecieron grandes apuros económicos porque konstanze fue muy mala administradora. gastaba grandes cantidades de dinero en lujos personales: joyas, vestidos, zapatos, pelucas, peinados, etc. mozart era incapaz de llevar su economía y konstanze más incapaz todavía de ayudarle en ello. pero a pesar de estas dificultades domésticas, mozart componía y componía obras maestras. de esta época son el rapto del serrallo (die entführung aus dem serail, k. 384), la impresionante colección de conciertos para piano y orquesta, entre los que destacamos el concierto nº 20 en re menor, k. 466. compuso también una pequeña serenata nocturna (eine kleine nacht musik, k. 525), una broma musical (ein musikalischer spaas, k. 522), diversas sinfonías, entre ellas la famosísima sinfonia nº 40 en sol menor, k. 550, y varias óperas, entre ellas la flauta mágica (die zauberflöte, k. 620), las bodas de fígaro (le nozze di figaro, k. 492), don juan (don giovanni k. 620) y el popular motete ave verum, k. 618, compuesto en 1790 para la fiesta del corpus christi de viena. no podemos olvidarnos tampoco de la colección de sonatas para piano, entre las que destacamos la sonata nº 11 en la mayor, k. 331, con su famosísimo tercer movimiento rondó alla turca, más conocido popularmente como marcha turca, ni del no menos famoso rondó en re mayor para piano y orquesta, k. 382.

el “problema” salieri.

en la vida de mozart hay un episodio bastante oscuro: el de su posible envenenamiento a manos de antonio salieri (1750-1825). salieri era un músico italiano que encontró trabajo como compositor en la corte imperial de viena. nació en legnano (verona) en 1750 y murió en viena en 1825. estudió primeramente violín con su hermano - que había sido discípulo de tartini - y luego en venecia y en viena estudió el clavicémbalo, composición y canto. se estableció en esta última ciudad con los cargos de compositor de la corte, director de la capilla imperial y de la Ópera italiana y, por último, director de la orquesta de la corte. colaboró en la fundación del conservatorio de viena en 1817. profesor de gran mérito y fama, tuvo entre sus muchos discípulos a beethoven, schubert, liszt, etc. fue amigo de haydn y enemicísimo de mozart. se le acusó de haber envenenado a mozart por envidia musical, acusación que unos mantienen ser una calumnia y otros una verdad. lo que sí sentía por mozart era una envidia y unos celos atroces. salieri era un “mecánico” de la música; mozart era un genio. salieri componía mecánicamente; mozart estaba tocado por la gracia de dios para componer. salieri se quedó soltero, no contrajo matrimonio por llegar a ser

un gran músico; ofreció a dios su soltería a cambio de que le diera el talento divino del que carecía. frente al genio de mozart salieri se sintió eclipsado, lo que hizo que se enfrentara a dios por haber preferido a mozart y no a él. y esto no se lo perdonó nunca a mozart. lo espiaba, le ponía todos los obstáculos posibles, lo denigraba ante el emperador josé ii de austria y los músicos de la corte imperial, hasta que decidió destruir a mozart por cualquier medio a su alcance, llegando a plantearse incluso el asesinato. para más información sobre este tema veremos el film amadeus (1984), de milos forman, ganador de 8 oscar, entre ellos, el de mejor película del año.

el principio del fin.

el éxito de mozart en viena, a pesar de la envidia de salieri, sobrepasó las fronteras del imperio austro-húngaro. los monarcas europeos de entonces se lo disputaban con tal de que compusiera para ellos. vgr. los zares de rusia, los príncipes electores alemanes, el emperador de prusia, etc. Éste último, que a la sazón era federico guillermo ii de prusia, lo invitó a su corte, muy cerca de berlín y mozart se dirigió allí. la primera etapa del viaje le llevó hasta praga, que por entonces formaba parte del imperio austro-húngaro y donde se habían representado ya muchas óperas de mozart. siguió luego hacia dresde y leipzig - donde mozart tocó en la iglesia de santo tomás, en el mismo órgano que había usado j. s. bach - y el 25 de abril de 1789 llegó a postdam, donde estaba la corte. federico guillermo ii de prusia y su corte quedaron admirados del genial talento del músico y lo colmaron de honores y riquezas. el 4 de junio estaba mozart de vuelta en viena con un cargamento de dinero y de oro que pronto konstanze se encargó de dilapidar, unas veces por enfermedad verdadera y otras por enfermedad ficticia. konstanze se iba con frecuencia al balneario de baden a tomar las aguas, lo que suponía nuevos gastos y problemas, a los que había que añadir uno nuevo: las muestras de fragilidad que la salud de mozart empezada a dar. la tos se hacía cada vez más persistente, la fiebre aparecía con frecuencia y la salud de mozart se resquebrajaba por momentos. en esta tesitura emprendió la composición de su última obra, el requiem, k. 626. sobre la composición de esta última obra de mozart hay una leyenda llena de misterio. trataremos de desvelarla.

el misterio del requiem.

las circunstancias bajo las que nació esta obra han dado origen a una leyenda un tanto misteriosa y romántica. he aquí el resumen: el conde franz von walsegg-stuppach era un gran aficionado a la música; tocaba muy bien la flauta y el violonchelo y en su palacio de viena se daban conciertos y representaciones teatrales dos veces por semana, los martes y jueves. el 14 de febrero de 1791 - fiesta de san valentín - murió la joven esposa del conde, que no había cumplido aún los 21 años. en honor a ella, el conde quiso hacer componer una misa de requiem excepcional, que se estrenaría en su palacio. su consejero puchberg fue quien le sugirió que encargase a mozart la composición. el conde prefirió llevar todo el asunto en secreto y para ello envió al abogado johann nepomuk sortschan a hacer a mozart el encargo. la visita de este misterioso enviado - según konstanze manifestó luego, “era alto y delgado, con sombrero y traje gris” - tuvo lugar en julio. rogó a mozart que mantuviera un secreto total y prometió pagárselo muy bien, pero no dijo quién era ni de parte de quién venía. mozart inició de la composición del requiem en un estado febril. su salud iba a menos día a día y él era sabedor de ello. una tarde, paseando con su esposa por el prater de viena, le dijo: “konstanze, presiento con toda claridad que me queda poco de vida. ¡no hay duda de que alguien me ha dado un veneno! no puedo apartar de mí esta idea. ¿no he dicho ya que estoy escribiendo este requiem para mí mismo?”. la última parte que compuso la escribió en la cama, pues su salud, que había ido empeorando progresivamente en las últimas semanas, decayó con rapidez y, a finales de noviembre, ya no pudo levantarse. según una detallada relación escrita en 1825 por sophie, la hermana pequeña de konstanze, mozart era plenamente consciente de que se acercaba su fin y más de una vez dijo que con el requiem estaba componiendo sus propios funerales. empeoró rápidamente; durante las dos últimas semanas se le hincharon las manos y los pies y sufría frecuentes y violentos vómitos. el 4 de diciembre, aprovechando una leve mejoría en su estado, fueron a verle a casa algunos amigos. mozart se empeñó en cantar con ellos algunos fragmentos del requiem que estaba componiendo, pero al llegar al lacrimosa hubo que interrumpir el canto y mozart dejó a un lado la partitura. su salud empeoró rápidamente la tarde del 4 de diciembre. a las 9 de la noche perdió el conocimiento y a la 1 de la madrugada del 5 de diciembre de 1791 moría plácidamente. el diagnóstico médico estableció que su muerte fue debida a “una fiebre reumática aguda”, aunque se dijo entonces - y el enigma sigue vivo en nuestros días - que había muerto envenenado por algún compositor envidioso (léase antonio salieri, del que ya hablamos anteriormente). sea como fuere, el 6 de diciembre por la tarde, después de la bendición del cadáver en la catedral de san esteban de viena, se le llevó al cementerio de

san marcos, situado a unos 5 kilómetros de viena, y allí, al día siguiente, fue enterrado.

la leyenda de su muerte.

en torno a la muerte, al funeral y al entierro de mozart se ha tejido también una misteriosa leyenda: que si ninguno de sus amigos estuvo presente en el funeral, que si su entierro se celebró desamparado de todos y sólo acompañado de un perro, que si sus restos mortales fueron depositados en una fosa común para los pobres, que si ninguno de sus familiares y amigos visitó su tumba inmediatamente después, etc., etc. ¿qué hay de verdad en todo ello? ¿dónde acaba la realidad y dónde empieza la leyenda? una cosa sí es cierta: la caprichosa konstanze, entre el dolor por la pérdida de su esposo y los achaques y enfermedades que tenía, tardó tiempo en ir al cementerio a visitar la tumba de su marido. cuando fue al cementerio, se encontró con que el sepulturero era nuevo y no tenía ni idea de dónde se encontraban sepultados los restos de mozart. nadie sabía donde estaban y todas las investigaciones posteriores han resultado infructuosas hasta nuestros días. su cuerpo quedó perdido para siempre en el anonimato del cementerio de san marcos de viena, pero los tesoros de su música han enriquecido a toda la humanidad. ese es el destino del genio: ser sepultado en la tierra como el grano de trigo para que, muriendo, brote de nuevo y dé muchas espigas que sigan alimentando con el pan de la música a la humanidad que ha venido después. ¡loor y gloria a uno de los genios más grandes de la música! ¡loor y gloria a uno de los genios más grandes de la humanidad! la existencia de seres como mozart es una prueba de que dios no abandona a los hombres y los sigue obsequiando con los dones de su bondad. por eso dijo el gran teólogo alemán karl barth: “en el cielo, cuando dios reina como dios, suena la música de bach. en el cielo, cuando dios hace fiesta para los inmortales, suena la música de mozart”. laus deo: alabado sea dios. a Él la gloria y la alabanza por habernos regalado el inefable don de la música mozartiana. amén.