Much Cine Revista diciembre 2014

Editorial: Diseño y Maquetación: Carlos Benjamín

Viñetas: Laura Merino y Diana López-Barroso

Gerardo Medina: redacción y crítica

Laura Magaña: redacción y crítica

Este mes viene cargado de novedades, se estrena la

última película de la saga ‘El Hobbit’, llegan las navidades

y empezamos a conocer las primeras novedades de 2015

y a prepararnos para la ceremonia de los Oscar, pero

como para esto último todavía queda bastante, os

amenizamos las fiestas con esta nueva entrega.

Agradecimientos a todos y cada uno de nuestros

colaboradores, cuya implicación crece día tras día.

Si quieres sumarte al equipo, escríbenos un email a

[email protected]

Lo dicho, Felices Fiestas y próspero 2015!

mailto:[email protected]

1.- Estrenos

de cine,

diciembre

de 2014

Título Original: The Water Diviner

Género: Drama

Nacionalidad: Australia

Año: 2014

Director: Russell Crowe

Guión: Andrew Anastasios, Andrew Knight

Reparto: Olga Kurylenko, Isabel Lucas, Russell Crowe, Jai

Courtney, Damon Herriman, Deniz Akdeniz, Jacqueline McKenzie,

Robert Mammone, Cem Yilmaz, Yilmaz Erdogan, Ryan Corr, Dan

Wyllie, Mert Firat, Steve Bastoni, James Fraser

Sinopsis:

The Water Diviner es una Aventura épica ambientada cuatro

años después de la devastadora batalla de Gallipoli, en Turquía,

durante la Primera Guerra Mundial. El granjero australiano

Connor (Crowe) viaja a Estambul para descubrir qué ha pasado

con sus hijos, declarados desaparecidos en combate, al tiempo

que forja una relación con una hermosa mujer turca (Olga

Kurylenko), propietaria del hotel en el que se hospeda. Aferrado

a la esperanza y con ayuda de un oficial turco, Connor se embarca

en un viaje a través del país para descubrir la verdad acerca del

destino de sus hijos.

Fecha de Estreno: Diciembre de 2014

Título Original: Tomorrowland

Género: Misterio, Ciencia Ficción

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Brad Bird

Guión: Brad Bird

Reparto: Britt Robertson, George Clooney, Judy Greer, Hugh

Laurie, Tim McGraw, Paul McGillion, Raffey Cassidy, David Nykl,

Paul Anthony, Matthew Kevin Anderson, Manoj Sood, Shiloh

Nelson, Fraser Corbett, Parm Soor, Ranjit Samra

Sinopsis:

Unidos por el mismo destino, un adolescente inteligente y

optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio

inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una

peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático

lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en

la memoria colectiva como Tomorrowland.

Título: Exodus: Dioses & Reyes

Título Original: Exodus: Gods & Kings

Género: Drama, Histórico

Nacionalidad: Reino Unido, USA

Año: 2014

Director: Ridley Scott

Guión: Bill Collage, Adam Cooper, Steven Zaillian

Reparto: Aaron Paul, Christian Bale, Joel Edgerton, Sigourney

Weaver, Ben Kingsley, John Turturro, Gerard Monaco

Sinopsis:

Del aclamado director Ridley Scott llega Exodus: Dioses & Reyes,

una aventura épica que narra la historia de un hombre cuyo

coraje desafió a un imperio. Mediante los efectos visuales y el

3D más vanguardistas, Scott da nueva vida a la historia del

desafiante líder Moisés (Christian Bale) y su rebelión contra el

faraón Ramsés (Joel Edgerton), liberando a 600.000 esclavos en

una épica huida de Egipto tras un terrorífico ciclo de mortíferas

plagas.

Título: Magia a la luz de la luna

Título Original: Magic in the Moonlight

Género: Comedia, Drama

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Reparto: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Hamish

Linklater, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Erica Leerhsen, Antonia

Clarke, Simon McBurney, Ute Lemper, Jeremy Shamos, Kenneth

Edelson, Natasha Andrews

Sinopsis:

Ambientada en la lujosa Costa Azul de la Francia de los años 20,

Magic in the Moonlight, de Woody Allen, es una comedia

romántica que cuenta la historia de un mago (Colin Firth) que

intenta desenmascarar a una médium (Emma Stone).

Fecha de Estreno: Viernes, 05 de Diciembre de 2014

Título: Mr. Kaplan

Título Original: Mr. Kaplan

Género: Comedia, Drama, Thriller

Nacionalidad: Uruguay

Año: 2014

Director: Álvaro Brechner

Guión: Álvaro Brechner

Reparto: Héctor Noguera, Néstor Guzzini, Rolf Becker, Nidia

Telles, Nuria Fló, Leonor Svarcas, Gustavo Saffores, Hugo

Piccinini, Cesar Jourdan, Jorge Bolani, Augusto Mazzarelli, Adela

Dubrá, Roberto Suárez, Anouk Ogueta, Gabriel Kaplan

Sinopsis:

El filme nos cuenta la historia de Jacobo Kaplan, un veterano

judío que tras la Segunda Guerra Mundial huyó a Sudamérica.

Descontento con su nuevo rabino, su comunidad, su familia y en

general su vida, y temeroso de morir y no ser recordado, Jacobo,

de casi 80 años, decide, con la ayuda de un policía retirado

llamado Wilson Contreras, dar un giro a su vida. Se embarcará en

una aventura singular: capturar a un viejo alemán propietario de

un restaurante, del cual está convencido de que es un antiguo

oficial nazi. Su objetivo es secuestrarlo y llevarlo a Israel.


Título: Ouija

Título Original: Ouija

Género: Aventuras, Thriller Sobrenatural

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: McG

Guión: Simon Kinberg, Edward Kitsis, Adam Horowitz

Reparto: Douglas Smith, Olivia Cooke, Erin Moriarty, Matthew

Settle, Daren Kagasoff, Bianca A. Santos, Ana Coto, Vivis

Colombetti

Sinopsis:

Aventura en torno a una tabla Ouija.


Título: El amor es extraño

Título Original: Love is Strange

Género: Drama

Nacionalidad: USA, Francia

Año: 2014

Director: Ira Sachs

Guión: Ira Sachs, Mauricio Sacharias

Reparto: John Lithgow, Alfred Molina, Tatyana Zbirovskaya,

Olya Zueva, Jason Stuart, Darren E. Burrows, Marisa Tomei,

Charlie Tahan, Harriet Sansom Harris, Cheyenne Jackson, Manny

Perez, Christina Kirk, John Cullum, Eric Tabach, Tank Burt

Sinopsis:

Después de 39 años de vida conjunta, Ben y George aprovechan la

nueva ley y deciden casarse. De vuelta de la luna de miel, debido

al revuelo mediático que generó su matrimonio, despiden a

George de su puesto como director del coro de una escuela

católica mixta. De pronto, la pareja descubre que no puede pagar

la hipoteca de su pequeño piso en Chelsea, por lo que deben

mudarse y venderlo. Pocos días después de celebrar la boda, el

grupo de amigos y parientes vuelve a reunirse para ver cómo,

entre todos, pueden ayudar a Ben y a George.


Título: Hombres, Mujeres & Niños

Título Original: Men, Women & Children


Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Jason Reitman

Guión: Jason Reitman, Erin Cressida Wilson

Reparto: Ansel Elgort, Adam Sandler, Jennifer Garner, Emma

Thompson, Judy Greer, Kaitlyn Dever, Dean Norris, Dennis

Haysbert, Rosemarie DeWitt, JK Simmons, Elena Kampouris,

Olivia Crocicchia, David Denman, Phil LaMarr, Kathrine Herzer

Sinopsis:

Hombres, Mujeres & Niños narra la historia de un grupo de

adolescentes de instituto y de sus padres intentando comprender

las muchas maneras en que Internet ha cambiado sus relaciones,

su comunicación, la imagen que tienen de sí mismos y sus vidas

amorosas. La película intenta analizar temas sociales como la

cultura de los videojuegos, la anorexia, la infidelidad, la búsqueda

desesperada de la fama y la proliferación de materiales ilícitos

en Internet. A medida que cada personaje y sus relaciones son

puestos a prueba, se nos muestra los diversos caminos que elige

la gente (algunos trágicos, otros esperanzadores), mientras se

hace evidente que nadie es inmune al enorme cambio social que

nos ha llegado a través de nuestros teléfonos, nuestras tabletas

y nuestros ordenadores.


Título: I Feel Good

Título Original: Get on up

Género: Biopic, Drama, Musical

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Tate Taylor

Guión: Steve Baigelman, Jez Butterworth, John Butterworth,

Tate Taylor

Reparto: Chadwick Boseman, Nelsan Ellis, Viola Davis, Octavia

Spencer, Jill Scott, Tika Sumpter, Dan Aykroyd, Keith Robinson,

Lennie James, Ralph E. Tresvant, Donald Watkins, Julius Tennon,

Joseph Stephens Jr., Corey Sorenson, Billy Slaughter

Sinopsis:

Después del éxito de Criadas y señoras, nominada a cuatro

Oscar, Tate Taylor dirige a Chadwick Boseman como James

Brown en Get on up. Basada en el increíble recorrido del padrino

del soul, la película se adentrará sin temor en la música, la vida y

los estados de ánimo de James Brown, guiando al público en un

viaje desde la dura infancia del cantante hasta que se convierte

en una de las figuras más influyentes del siglo XX.


Título: St. Vincent

Título Original: St. Vincent

Género: Comedia

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Theodore Melfi

Guión: Theodore Melfi

Reparto: Naomi Watts, Bill Murray, Melissa McCarthy, Chris

O'Dowd, Terrence Howard, Selenis Leyva, Nate Corddry, Scott

Adsit, Katharina Damm, Jaeden Lieberher, Kimberly Quinn,

Lenny Venito, Brad Calcaterra, Alexandra Fong, Greta Lee

Sinopsis:

Maggie (Melissa McCarthy) es una madre separada que se muda a

Brooklyn con su hijo de doce años, Oliver (Jaeden Lieberher). Al

tener que trabajar muchas horas, no le queda más opción que

dejar a Oliver al cargo de su nuevo vecino, Vincent (Bill Murray),

un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol y a las apuestas.

Pronto, una peculiar amistad florece entre esta improbable

pareja. Junto a una stripper embarazada llamada Daka (Naomi

Watts), Vincent conduce a Oliver por todas las paradas que

conforman su rutina diaria: las carreras de caballos, el club de

striptease, y su bar habitual. Pero mientras Vincent cree que

ayuda a Oliver a hacerse un hombre, Oliver comienza a ver en

Vincent algo que nadie más ve: Un hombre incomprendido de buen

corazón.


Título: El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos 3D

Título Original: The Hobbit: The Battle Of The Five Armies 3D

Género: Aventuras, Fantasía

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Peter Jackson

Guión: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo Del

Toro

Reparto: Martin Freeman, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Elijah

Wood, Andy Serkis, Ian McKellen, Lee Pace, Richard Armitage,

Leonard Nimoy, Christopher Lee, Conan Stevens, Ian Holm,

Mikael Persbrandt, Brian Blessed, Aidan Turner, James Nesbitt,

Graham McTavish, Ryan Gage, Sylvester McCoy, Dominic Keating,

Jeffrey Thomas, Jed Brophy, Dean O'Gorman, Ken Stott,

Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, William Kircher,

Peter Hambleton, Michael Mizrahi, Mark Hadlow, Benedict

Cumberbatch, Luke Evans, Evangeline Lilly, Richard Armitage,

Manu Bennett, Stephen Fry

Sinopsis:

Tercera entrega de la adaptación de la novela de J.R.R. Tolkien

"El Hobbit", precuela de "El Señor de los Anillos".

El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos supone el épico final

de las aventuras de Bilbo Bolsón, Thorin Escudo de Roble y la

Compañía de los Enanos. Cuando reclamaron su patria al dragón

Smaug, la Compañía desató sin querer una fuerza malvada en el

mundo. Furioso, Smaug descarga llamaradas de ira sobre los

habitantes indefensos de Ciudad del Lago.

Thorin, consumido por la obsesión de reclamar su tesoro,

sacrifica la amistad y el honor para conseguirlo mientras los

frenéticos intentos de Bilbo por hacerle entrar en razón llevan al

Hobbit a tomar una decisión arriesgada y peligrosa; pero las

amenazas que les esperan son aún mayores. Sauron, el mayor

adversario de todos, ha enviado legiones de orcos a un ataque

furtivo en la Montaña Solitaria sin que nadie se entere, salvo el

mago Gandalf.

A medida que el mal se cierne sobre su creciente conflicto, las

razas de los Enanos, los Elfos y los Hombres tienen que decidir si

aúnan sus fuerzas o se abandonan a la destrucción. De repente,

Bilbo tiene que luchar por su vida y la de sus amigos en la épica

Batalla de los cinco ejércitos, mientras el futuro de la Tierra

Media pende de un hilo.

Fecha de Estreno: Miércoles, 17 de Diciembre de 2014

Título: 6 héroes

Título Original: Big Hero 6

Género: Animación, Comedia, Familiar

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Don Hall

Guión: Don Hall

Reparto: Genesis Rodriguez, Jamie Chung, Damon Wayans Jr.,

Alan Tudyk, T.J. Miller, James Cromwell, Maya Rudolph, Ryan

Potter, Daniel Henney, Scott Adsit, Charles Adler

Sinopsis:

Inspirada en los cómics de Marvel del mismo nombre. Comedia de

aventuras y acción sobre un experto en robótica llamado Hiro

Hamada, quien se encuentra dentro de un complot criminal que

amenaza con destruir rápidamente la tecnológica ciudad de San

Fransokyo. Hiro y su mejor amigo, un robot llamado Baymax-Hiro

unirán sus fuerzas a un equipo de novatos luchadores contra el

crimen en la misión de salvar a su ciudad.


Título: Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?

Título Original: Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu?

Género: Comedia

Nacionalidad: Francia

Año: 2014

Director: Philippe de Chauveron

Guión: Philippe de Chauveron, Guy Laurent

Reparto: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan, Medi

Sadoun, Frédéric Chau, Noom Diawara, Frédérique Bel, Julia

Piaton, Emilie Caen, Elodie Fontan, Pascal N'Zonzi, Salimata

Kamate, Tatiana Rojo, Loïc Legendre, Elie Semoun

Sinopsis:

Claude y Marie Verneuil son un matrimonio muy tradicional,

ambos católicos y padres de cuatro hijas, a las que han tratado

de inculcar sus valores y costumbres. Pero no siempre ha sido una

tarea fácil... La pareja pasó el primer mal trago con la noticia del

matrimonio de su hija mayor con un musulmán, a éste fue seguido

el de su segunda hija con un judío y al de la tercera con un chino.

Aunque el matrimonio trata de mantener una mente abierta, en el

fondo, siguen depositando todos sus esperanzas en su hija menor,

y esperan que al menos ella se case por la iglesia.


Título Original: Stand by me Doraemon 3D

Género: Animación

Nacionalidad: Japón

Año: 2014

Director: Takashi Yamazaki

Guión: Takashi Yamazaki

Reparto: Satoshi Tsumabuki

Sinopsis:

Nobita Nobi es un niño bastante patoso al que, a menudo, las

cosas le salen del revés. Un día recibe la visita de Sewashi, un

misterioso niño que afirma ser su tataranieto del siglo XXII y le

explica que ha venido a verle porque su futuro es un desastre que

arruinará a toda su familia durante generaciones. Sewaski cree

que aún puede haber una solución y le presta a su robot

Doraemon para que le ayude a encontrarla. Al principio Doraemon

no lo ve nada claro pero tras unas cuantas aventuras juntos, el

gato cósmico cree haber encontrado la clave: el amor.


Título: El club de los incomprendidos

Título Original: El club de los incomprendidos

Género: Comedia

Nacionalidad: España

Año: 2014

Director: Carlos Sedes

Guión: Ramón Campos, Cristóbal Garrido, Gema R. Neira, Adolfo

Valor

Reparto: Ivana Baquero, Aitana Sánchez-Gijón, Yon González,

Àlex Maruny, Patrick Criado, Charlotte Vega, Jorge Clemente,

Andrea Trepat, Michelle Calvó, Iria del Río, Álvaro Díaz

Rodríguez, Paula Muñoz

Sinopsis:

La historia de El club de los incomprendidos se centra en Valeria

(Charlotte Vega), una joven que se acaba de trasladar a Madrid

tras la separación de sus padres. En su nuevo instituto, Valeria se

ve obligada a asistir a unas reuniones con el orientador a las que

también acuden otros compañeros de clase. Lo que en un principio

parecería un mal comienzo para la nueva existencia de Valeria, se

acaba convirtiendo en el inicio de una increíble experiencia vital.

Nuevas amistades, una ciudad llena de posibilidades, el primer

amor… intensas experiencias que cambiarán para siempre las

vidas de este nuevo grupo de amigos. Acaba de nacer El club de

los incomprendidos.

Fecha de Estreno: Jueves, 25 de Diciembre de 2014

Título: Invencible

Título Original: Unbroken

Género: Drama, Bélico

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Angelina Jolie

Guión: Ethan Coen, Joel Coen, Richard LaGravenese, William

Nicholson

Reparto: Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund,

Alex Russell, Jai Courtney, Finn Wittrock, John Magaro, Jordan

Patrick Smith, Miyavi, C.J. Valleroy, Chris Proctor, Sean Edward

Frazer, Taki Abe

Sinopsis:

Drama épico que narra la increíble vida del piloto y héroe de

guerra Louis “Louie” Zamperini (Jack O’Connell), que junto a dos

tripulantes sobrevivió 47 días en una balsa después de que su

bombardero se estrellara, antes de ser capturados por la marina

japonesa y mandados


Título: Musarañas

Título Original: Musarañas

Género: Drama, Terror, Thriller

Nacionalidad: España

Año: 2014

Director: Juanfer Andrés, Esteban Roel

Guión: Juanfer Andrés, Sofía Cuenca, Emma Tusell

Reparto: Silvia Alonso, Carolina Bang, Nadia de Santiago, Asier Etxeandia,

Macarena Gómez, Gracia Olayo, Josean Pérez, Hugo Silva, Luis Tosar

Sinopsis:

España, años cincuenta. Montse (MACARENA GÓMEZ) ya no es joven, ha

perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un

siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la

pequeña (NADIA DE SANTIAGO), y el padre (LUIS TOSAR) no pudo

soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre,

madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro

paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece

de agorafobia y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que

le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a

refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías.

Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es

la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe:

Carlos (HUGO SILVA), un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia

de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha

sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la

madriguera de las musarañas… puede que no vuelva a salir.


Título: Noche en el museo: el Secreto del Faraón

Título Original: Night at the Museum: Secret of the Tomb

Género: Comedia

Nacionalidad: USA, Reino Unido

Año: 2014

Director: Shawn Levy

Guión: Robert Ben Garant, David Guion, Michael Handelman,

Thomas Lennon

Reparto: Robin Williams, Ben Stiller, Rebel Wilson, Dan Stevens,

Owen Wilson, Ben Kingsley, Rami Malek, Ricky Gervais, Dick Van

Dyke, Steve Coogan, Rachael Harris, Mickey Rooney, Skyler

Gisondo, Mizuo Peck, Bill Cobbs

Sinopsis:

Larry atraviesa el Globo, juntando a nuestros personajes

favoritos con nuevos amigos para embarcarse en una misión épica

y salvar la magia antes que desaparezca para siempre.


Título: Pride

Título Original: Pride


Nacionalidad: Reino Unido

Año: 2014

Director: Matthew Warchus

Guión: Stephen Beresford

Reparto: Ben Schnetzer, Abram Rooney, Jim McManus, George

MacKay, Monica Dolan, Matthew Flynn, Andrew Scott, Joseph

Gilgun, Faye Marsay, Freddie Fox, Lucy Timmons, Jordan

Metcalfe, Roger Morlidge, Dean Ashton, Chris Overton

Sinopsis:


2.-Críticas

de Cine

REC 4 El ¿fin? de la pesadilla

Por Gerardo Medina

Siempre hubo una progresión lógica e innovadora en la saga que iniciaran Jaume

Balagueró y Paco Plaza en 2007. Podría haber sido muy fácil repetir los esquemas de

aquel éxito inesperado, pero los dos directores, tirando de conocimientos sobre el

género y de amor hacia el mismo, consiguieron darle una vuelta de tuerca que iba desde

las pinceladas de comedia demoniaca hasta el acertado uso de la multicámara. Ya en

solitario, Plaza logró dar otro giro a la franquicia abrazando sin complejos la comedia

gore de Raimi o Jackson –pero a la española, que sabe mejor-, rompiendo la cámara en

primera persona en mil pedazos y lanzando un mensaje soterrado de advertencia sobre

el amor como poderoso parásito infeccioso.

Ahora por su cuenta, a Balagueró le toca dar cierra definitivo a la historia, y a estas

alturas de la película, poco se preocupa por sorprender y por dar un final digno que se

aleje de lo ya visto antes, o lo que se vería en cualquier otro film del género. Se

agradecen ciertos toques de ingenio –siempre es una alegría volver al edificio original y

ver algunos cameos y guiños a la trilogía anterior-, pero en su conjunto, “[·REC] 4:

Apocalipsis” no es más que una secuela funcional, con poco pulso narrativo –tarda

bastante en entrar en materia, y los tiempos muertos son más comunes de lo necesario-

y una desgana que la erigen como la más floja de las cuatro entregas. Es como si su

director hubiera aceptado ponerse al frente del timón de un barco cuyo destino le

importa más bien poco, y en ese sentido es también la más floja de toda la filmografía

del cineasta leridano, sin por ello ser una mala película en absoluto.

Cuando tienes elementos tan suculentos aunque recurrentes como monos, un barco de

pasillos estrechos, una infección zombi en masa y un motor con el que realizar tu propia

bacanal visceral –quizá el momento más festivo del film-, todo debería salir a la

perfección. Pero al contrario, “[·REC] 4” desaprovecha sus muchas cartas con actores

sobreactuados –sí, más que Manuela Velasco, con diferencia la más acertada del

reparto-, efectos discutibles, un guión soso y predecible y un giro hacia la acción con tal

exceso de adrenalina que se vuelve incluso mareante en el momento en que la cámara

actúa como un infectado más. Un survival que debió tomarse un poco menos en serio a

sí mismo y al que le falta tirar la casa por la ventana y volverse gamberra y

desprejuiciada como su predecesora. Al menos, el broche de bronce ya está puesto. O

no.

A favor: algunos toques de ingenio, volver al edificio original, y que entretiene

En contra: se limita a cumplir como entretenimiento funcional y se toma demasiado en

serio a sí misma

NOTA: 6 sobre 10

Autómata El robot que bajó del árbol

Por Gerardo Medina

Treinta años hacia el futuro. La superficie terrestre se ha convertido en un interminable

desierto radiactivo. Poco más del 99% de la población mundial ha sobrevivido, y los

que lo han conseguido malviven en el interior de una ciudad atendida por autómatas

proporcionados por la Corporación Roc. Dos protocolos dominan la conducta de los

robots: primero, un robot no puede causar daño a un ser humano, y segundo, un robot

no puede modificarse a sí mismo. Pero esta última ley se verá peligrosamente

cuestionada cuando un robot modificado por dentro llega a la morgue. O se ha

modificado a sí mismo, o existe un relojero que está modificando las máquinas.

Durante sus primeros compases, “Autómata” desprende cierto aroma a “Blade Runner”

por la presentación de la atmósfera en la que se desenvuelve, su propia temática y hasta

el look –chubasquero anti radiación incluido- que visten los agentes de la corporación.

Y los protocolos por el que se rigen los robots condensan los postulados de Asimov. Las

referencias de las que bebe son claras, y “Autómata” recoge grandes ideas durante la

primera mitad de su metraje, la mejor balanceada del conjunto, ofreciendo un thriller de

ciencia-ficción que consigue captar cierto interés y nivel de suspense, aunque haya que

aguantar el sintético rostro de Melanie Griffith o a ese personaje tan mal trazado que es

el interpretado por Dylan McDermott, una especie de villano que merecía estar mejor

definido.

Pero durante la segunda mitad, sus ideas se aturullan y pierden peso y relevancia. La

trama alterna de forma paralela escenas en el desierto con los robots, quizá las más

humanas e interesantes, con soporíferas secuencias corporativas de despacho

protagonizadas por personajes tan insulsos e inútiles para el desarrollo como el de

Robert Forster. Y aunque el tramo final intenta imprimir algo de acción al conjunto, sus

ambiciosas ideas hace ya una hora que quedaron bien plasmadas y ya se han vuelto algo

redundantes y repetitivas. El film se empeña en reincidir en ellas una y otra vez, pero sin

dirigirlas a ninguna parte.

Y es una pena, porque insisto, sus ideas son enormes. No originales, ya que la temática

del robot que toma consciencia de su existencia y decide bajar del árbol, así como el

principio del fin de nuestro status como especie dominante del planeta, ya ha sido

explotada con anterioridad en el cine. El problema es lo que rodea a dichas ideas, la

historia en la que se desenvuelven, y el mal rumbo que toman hasta resultar reiterativas.

Y una mayor pena da que la factura final del producto, pese a ciertos efectos digitales

poco logrados –los planos generales de la ciudad o la persecución nocturna en el

desierto-, resulta de lo más convincente, que Banderas lleva con dignidad el peso de la

narración, o que Gabe Ibáñez confirma que es un director con pulso visual, pero que

merece un libreto mejor. Quizá la propuesta habría mejorado de haber combinado sus

grandiosos temas con una mayor dosis de entretenimiento y acción antes que apostar

por la ciencia-ficción existencialista. Pero lo que ha quedado finalmente es un soso

ejercicio de prometedoras reflexiones, pero incapacidad para evolucionar y bajarse del

árbol.

NOTA: 3.5 sobre 10

ABC’S of Death 2 R is for Reset

Por Gerardo Medina

Cuando tu estructura narrativa, como antología del terror que pretendes ser, consiste en

presentar 26 cortos en los que la muerte juega un papel crucial, con el abecedario como

única herramienta de cohesión, partes de una cualidad y a la vez de un talón de Aquiles:

la capacidad de presionar el reset cerebral que te otorga el fin de cada pieza y el

comienzo de la siguiente. Una cualidad porque si un corto te aburre, la agonía tiene fin y

puede dar paso a una genialidad. Y un punto débil porque no te da tiempo a saborear

cada entrega, para bien o para mal, y ya estás ante una nueva.

“ABC’s of Death 2” sigue adoleciendo de los mismos hándicaps de su predecesora. 26

cortos de terror embutidos en dos horas de metraje sigue constituyendo algo excesivo,

una forma de poner a prueba la paciencia del espectador, que cuando llega a la última

letra ya está exhausto. Y, por supuesto, la irregularidad de los trabajos presentados, en

los que se da quizá demasiada libertad a sus creadores, es algo inherente a toda

antología en la que participan distintos realizadores.

Sí, esta secuela aún tiene por delante la difícil y prácticamente imposible tarea de

solventar estos dos grandes escollos, pero al menos consigue que la sensación general

que te llevas sea ligeramente más positiva que la de su predecesora. Hay una mejor

realización, un trabajo más depurado en la presentación y confección de los segmentos,

y ya no te llevas la impresión de que en la mayoría de los cortos han tratado de tomarte

el pelo, haciendo alarde de un humor absurdo y grotesco que no encaja con una

antología de terror. E incluso las grandes tomaduras de pelo de la película –por ejemplo,

“G is for Grandad”, “P is for P-P-P-P-P Scary!” o “W is for Wish”- poseen una media

superior a aquel bochornoso corto de Ti West de la primera entrega o aquellas “W is for

WTF” o “F is for Fart” que eran de vergüenza ajena.

Y entre propuestas que empiezan bien pero acaban desinflándose –“K is for Knell” o “U

is for Utopia”- y trabajos que funcionan bien en solitario pero que sigo preguntándome

que pintan en un film de estas índole –“E is for Equilibrium” o “H is for Head Games”-,

destacan cuatro piezas que, en comparación con el resto, se convierten en genialidades,

especialmente durante su recta final: “R is for Roulette” de Marvin Kren, un estiloso

relato en blanco y negro inteligentísimo y con giro final; “S is for Split” de Juan

Martínez Moreno, en el que sorprende el buen uso que hace el director de “Lobos de

Arga” de la multicámara y el fuera de plano como mecanismos para generar suspense;

“X is for Xylophone”, o lo macabros y juguetones que pueden ser los directores de “À

l’intérieur”; y sobre todo “Z is for Zygote”, la más bestia, bizarra y polémica de toda la

cinta.

Pero mucho ojo, constituyen genialidades dentro del conjunto y en comparación con sus

compañeras de pesadilla, que no llegan mucho más allá del pasable. Pero ya es un paso

de gigante en una franquicia que ha pasado de la calificación de horrible a pasable en

una sola entrega. Y una antología que, como ocurre con sus distintos segmentos, invita a

darle al reset. Sólo eso explica que haya ganas de ver una tercera parte.

A favor: ya no existe esa sensación de que te están tomando el pelo

En contra: la propuesta en sí sigue siendo irregular y agotadora

NOTA: 4 sobre 10

Interstellar Más allá del infinito

Por Gerardo Medina

¿En qué momento dejamos de mirar a las estrellas y nos obsesionamos con el suelo que

pisamos? Es la pregunta que se plantea a sí mismo el protagonista de “Interstellar”,

cuestionándose en qué momento el ser humano abandonó sus sueños de exploración por

una vida preocupándose por el cuidado de la tierra. La película presenta con estas

cuestiones un futuro inmediato al nuestro, o también una realidad paralela a la que

vivimos, en la que la comida escasea y el polvo lo cubre todo, en la que la ciencia ya no

es prioritaria para solventar los grandes problemas de la Humanidad. Una especie que

no está condenada a morir en este planeta, aunque lleve millones de años pisándolo. Su

única forma de sobrevivir será abandonando no sólo la Tierra, sino a todos los que la

habitan, en una misión que puede no tener retorno.

Christopher Nolan concilia la necesidad de la ciencia en un mundo que ha renegado

completamente de ella con las emociones humanas. “Interstellar” es su trabajo más

emocional hasta la fecha, y uno de los más logrados a nivel cinematográfico. Con ella,

el cineasta británico logra tres hitos que no suelen darse la mano al unísono en su

filmografía. Por un lado, los personajes más humanos de toda su carrera, matizados por

las interpretaciones de Matthew McConaughey y Anne Hathaway, a los que sólo les

bastan un par de primeros planos fijos para meterse al público en el bolsillo. Por el otro,

y es algo que ya despuntaba en sus dos trabajos anteriores, las escenas de acción mejor

resueltas y más tensas de su trayectoria, salpicadas con fotogramas de una belleza

universal incalculable. Y por último, consigue calmar al Nolan expositivo, al que deja

en boca de sus personajes las complicadas logísticas de sus tramas, aunque en algunos

segmentos, como el de la NASA, se le vaya la mano en este asunto. Por suerte, son

pocos momentos y están bien insertados en la historia.

Pero a la vez, este viaje más emotivo que interestelar sigue teniendo en la escasa

capacidad de síntesis del director –la misma que ralentizaba el comienzo de “El

caballero oscuro”, el desenlace de su trilogía del hombre murciélago, o la que alarga sus

cintas hasta el hartazgo- y en su manía por complicar una trama en cuya simpleza radica

su grandeza su gran piedra contra la que tropezar. Con “Interstellar” asistimos a la que

posiblemente sea la propuesta más asequible y lineal a nivel estructural de la carrera de

un entusiasta de los saltos temporales, los sueños dentro de otros sueños y los laberintos

mentales, un acierto que se ve lastrado en el momento en que el Nolan se saca de la

chistera una argucia para dar cohesión completa a la historia, cuando ésta no necesitaba

de arquitecturas complejas para mantenerse por sí misma.

Por tanto, esta larga, que no pesada, lucha con rabia contra la agonía de una luz que va

difuminándose en lo más hondo del espacio combina lo peor de un ingeniero poco dado

a la síntesis y demasiado a lo cerebral con lo mejor de un realizador que prefiere dejar

que las emociones humanas hablen por sí solas. Y, afortunadamente, es esta última

vertiente la que sale triunfadora, plasmando los detalles humanos más irrisorios como

grandes constantes cósmicas, y enseñándonos que, más allá del infinito, el amor es una

fuerza tan relevante como la gravedad.

NOTA: 8 sobre 10

Ouija Menos terrorífico que el juego de la oca

Por Gerardo Medina

Más importante que el hecho de que Michael Bay esté detrás de la producción de

“Ouija”, cuya alargada sombra estilística no asoma afortunadamente por ninguno de los

fotogramas de la película, es el que tras ella también esté implicado Jason Blum, un

hombre que ha hecho de la escasez de presupuesto y recursos una de las herramientas

más poderosas del cine de terror reciente. Vale, puede que los guiones y los resultados

finales de las distintas “Paranormal Activity”, “Sinister”, “Insidious” o “The Purge” no

estén del todo equilibrados entre sí, pero no se puede negar que en cada una de estas

producciones de Blum la economía de medios ha jugado a su favor a la hora de tirar de

ingenio para activar los resortes más básicos que rigen el género.

No ocurre así con esta nueva propuesta. “Ouija” trata de advertirnos de los peligros que

el mítico juego de mesa paranormal puede albergar, pero el debutante Stiles White ha

recurrido a la opción B a la hora de manejar su discreto presupuesto, que pasa por

explotar los tópicos del cine de terror hasta el extremo. Aquí lo que tenemos es una

excusa, el tablero propiamente dicho, para servirnos una especie de slasher ochentero en

el que un grupo de adolescentes cuyas vidas nos importan más bien un comino van

cayendo uno tras otro a manos de un ente espiritual. Por supuesto, sin un ápice de

tensión, sin ningún atisbo de originalidad y rellenando el metraje con unos cuantos

sustos bastante efectistas pero muy poco efectivos.

Pero, lo peor de todo, sin que se vislumbre en ella ni un solo atisbo de ganas por parte

de sus responsables. Lo que hay en “Ouija” es una absoluta indiferencia general, tanto

en la aséptica puesta en escena, incapaz de provocar desasosiego pese a la práctica

ausencia de luz durante su desarrollo, como en un guión tan lleno de tópicos como

agujeros, con resoluciones tan apresuradas –ay, ese anticlimático final- y poco lucidas

como las muertes de sus protagonistas.

Lo que queda es, sencillamente, la adaptación de un juego de mesa como bien podría

haber sido el Hundir la Flota o el Monopoly, pero que dada su naturaleza es carne de

terror. En el caso que nos ocupa, un terror aterciopelado, repleto de los tics habituales

del género, sin sangre ni terror propiamente dicho. Ni la presencia sorpresa –siento el

spoiler, pero a estas alturas lo mismo me da reventar la sorpresa- de Lin Shaye ayuda a

que nos divirtamos un poco. Lo dicho, un juego para niños. Pero uno aburrido y soso, al

que no dan ganas de jugar. Más terrorífico habría sido adaptar el juego de la oca.

Exists El found footage ha muerto

Por Gerardo Medina

Pocos son los que, más allá de unos pocos títulos forjados por cerebros bastante

iluminados, han conseguido exprimir el found footage haciéndolo imprescindible para la

historia que cuentan. Sin embargo, como formato en sí ha quedado obsoleto y

prostituido. Ya no se limita a un simple “grábalo todo, por tu puta madre”, sino que

ahora además hace uso de la multicámara y del montaje de imágenes para darle mayor

empaque cinematográfico, vilipendiando ya las bases en que se fundamenta el formato

en sí mismo.

La vuelta de Eduardo Sánchez al recurso campestre que él mismo y Daniel Myrick

convirtieron en viral de cara al nuevo siglo con “El proyecto de la bruja de Blair” –no lo

inventaron, que para eso ya estaba “Holocausto caníbal”- podía ser motivo de alegría

para resucitar un subgénero ya en vías de extinción, especialmente después de su

simpático segmento zombi en “V/H/S 2”. Pero lo que Sánchez demuestra con “Exists”

es que la idea que revitalizara hacia finales del milenio pasado no fue más que fruto de

la casualidad, de estar en el lugar indicado en el momento oportuno.

Lo que “Exists” vende viola los postulados mismos del found footage. Todo en ella está

injustificado si tenemos en cuenta que la cámara debe estar en manos de uno de los

personajes. Los cambios de plano, el montaje de las imágenes grabadas, el uso de banda

sonora de fondo o los propios cambios de cámara carecen de todo sentido en esta

película. Es como si hubieran querido rodar un film de terror convencional, pero con

una cámara casera, y para justificar el formato se han sacado de la manga que uno de los

protagonistas es un adicto a grabarlo todo y colocar cámaras por el bosque. Si a eso

unimos el tan trillado mecanismo para colocar los sustos consistente en “ahora enfoco

una grieta o una ventana por la que algo irrumpirá para sobresaltarnos”, la originalidad

de la propuesta queda en entredicho.

Al menos se agradece que, en una cinta en la que lo peor es la técnica de filmación

elegida por encima de un guión que tampoco obra maravillas, éste no nos martirice con

la presentación de unos personajes que nos importan más bien un comino. “Exists” tiene

el atractivo de ir al grano y ofrecer algo de entretenimiento pasajero. Y en su tramo

final, quizá el mejor del conjunto, nos ofrece un survival repleto de justicia poética.

Porque tiene mérito que el monstruo se convierta en un ser tan humano que lleguemos a

sentir simpatía por él. Aunque ello implique que los desdichados protagonistas estén de

más en la función.

NOTA: 3 sobre 10

Strecht Recuperando el “mojo”

Por Gerardo Medina

Echaba de menos al Joe Carnahan de los comienzos de su carrera, al director

descarnado, febril y cargado de esteroides de “Narc” y, sobre todo, “Ases calientes”. Sí,

defiendo al responsable de esa locura palomitera que es “El equipo A” –ningún otro

director podría haber llevado mejor la mítica serie a la gran pantalla- y de la estilosa,

trascendental y vibrante “The Grey”, pero seguía echando de menos al realizador que

había antes de ser carne de la industria. Y con “Stretch” le recuperamos en parte.

Lo de esta película es una mezcla entre “Cita a ciegas” y “¡Jo, qué noche!”. Una noche

interminable en la que el protagonista, un malogrado actor de segunda que sobrevive

como conductor de limusinas para las estrellas, sufrirá para conseguir la astronómica

suma de dinero que unos mafiosos le reclaman antes de que acabe el día. Un Hollywood

anclado en los 90 –magistral el uso de los créditos, la música y el hilarante cameo de

David Hasselhoff para recordar toda una década- en el que el personaje principal tendrá

que lidiar a su vez con las excentricidades de un multimillonario adicto a los excesos o

las iras de la competencia.

Carnahan hace sufrir hasta el ridículo a un Patrick Wilson puteado y carismático, al

borde del abismo de la desesperación, en la noche en la que romperá sus ataduras y

recobrará eso que los americanos llaman el “mojo”. El talento y el talante, el sex appeal

que todos llevamos dentro, esa esencia que nos define y que clama por brotar a la

superficie. Y a la vez, “Stretch” es el grito desesperado de un cineasta que ansía

recuperar su propio “mojo”. Porque ésta es la película más difícil de Carnahan, ésa que

nadie quería distribuir y que supone un riesgo a asumir por un realizador que ya tiene un

pie asentado dentro de la industria. Sería como si Michael Bay dejase de vilipendiar

clásicos de terror poniéndolos en manos de otro y asumiera el rol de un film de género,

por eso de quitarse la espinita clavada de “qué habría pasado si…”.

Por eso, estamos ante la cinta más libre del cineasta desde aquella “Ases calientes” que

sigue siendo su mejor trabajo hasta la fecha. Un ritmo endiablado y un reparto tan

potente como desatado –especialmente Chris Pine, que parece que tiene en Carnahan al

director con el que desmelenarse del todo- completan el espectro que ofrece “Stretch”,

una propuesta que puede hacerse excesiva pese a su corta duración, pero que nos

devuelve en plena forma a un artista que ha recuperado parte de su esencia. No del todo,

que la película pudo haberse desbocado aún más, pero ya es algo.

NOTA: 6.5 sobre 10

3.-ARTÍCULO

DESTACADO

DEL MES

Tendencias de la taquilla española

durante 2014

Autora: Laura Magaña

Diciembre es un mes de recapitulaciones, y aquí toca analizar la factura de la industria

cinematográfica en nuestro país durante 2014. Hablar de cifras y de taquilla siempre es

complicado, pero empecemos por lo positivo, y a esperas de cerrar el curso, en 2014 ya

han ido al cine 11 millones de personas más que el año pasado por estas fechas. De

hecho 2013 fue el peor año para las salas nacionales, con menos de 80 millones de

espectadores, cifra que ya se superó el pasado octubre. ¿Pero qué ha propiciado esta

resurrección? Medidas como la vuelta del día del espectador, con precios reducidos, o la

eventualidad de la Fiesta del Cine, han impulsado el regreso de los espectadores a las

salas de exhibición.

En la taquilla mundial, Transformers: La era de la extinción, Guardianes de la Galaxia

y Maléfica, dominan el ranking a la espera de las cifras de superestrenos como

Interstellar, Sinsajo: Parte 1, Exodus: Dioses y Reyes, Big Hero 6 o El Hobbit: La

batalla de los cinco ejércitos, que sin duda lo alterarán.

Pero en España la tendencia es bien distinta. En primer lugar, este año hay que nombrar

al fenómeno 8 apellidos vascos, de Emilio Martínez-Lázaro, que cuenta la historia de

amor entre un sevillano (Dani Rovira), y una vasca (Clara Lago), y le arrebata a Lo

Imposible el título de película española más taquillera de la historia en nuestro país,

recaudando 55 millones de euros y casi 9 millones de espectadores. La película de

Telecinco Cinema batió incluso un récord histórico al convertirse en la producción con

más días de permanencia en el ranking de películas más vistas, superando los registros

de Avatar y Titanic. Lamentablemente, llena de referencias locales, el éxito de esta

producción no se ha podido extrapolar a la taquilla mundial, y The Spanish Affair (así se

ha titulado en inglés) con sus 77,5 millones de dólares, está muy lejos de los 209

millones recaudados internacionalmente por Los Otros, o los 180 millones de Lo

Imposible.

En segundo lugar, y sin salir de la producción patria, 16,4 millones de euros y 3

millones de espectadores, son suficientes para que El niño se haga con la medalla de

plata. Telecinco Cinema vuelve a apostar por caballo ganador, y el thriller de Daniel

Monzón protagonizado por Luis Tosar y Jesús Castro, recaudó 2,9 millones de euros en

su primer fin de semana de exhibición, lo que la convirtió en el estreno más taquillero

de nuestro país, hasta la llegada de Torrente 5.

Maléfica, El Lobo de Wall Street, o El amanecer del Planeta de los Simios, son las

siguientes películas elegidas por los españoles a la hora de ir al cine, relegando a éxitos

mundiales como las anteriormente nombradas, Transformers, Guardianes de la

Galaxia, o X-Men Días del Futuro pasado, y Capitán América: El soldado de Invierno.

Si nos regimos por la producción nacional, un tercer puesto sería para el que nunca

falla. Santiago Segura, que durante estos años ha salvado en parte la factura nacional,

nos brinda Torrente 5: Operación Eurovegas, donde en menos de un mes ha superado la

barrera de los siete dígitos con 10,3 millones de espectadores, convirtiéndose en su

primer fin de semana, en el mejor estreno del año, con 3,7 millones de euros de

recaudación y 574.000 espectadores.

En un tono muy diferente a Torrente tenemos a su perseguidora en el ranking, La Isla

Mínima, de Alberto Rodríguez. El thriller ambientado en las marismas del Guadalquivil

sobrepasa en recaudación los 5,5 millones de euros, algo muy difícil para una cinta

española. Para concluir, otras de las películas dignas de mención que han superado los

dos millones son la familiar Pancho, el perro millonario, Perdona si te llamo amor, y

Carmina o Amén. Sin lugar a dudas este ha sido un gran año para nuestro cine, logrando

que los espectadores se interesen por la producción nacional, rompiendo tópicos y

tabús.

4.-NOTAS DE

PRODUCCIÓN

‘ST.Vincent’

SINOPSIS

Maggie (Melissa McCarthy) es una madre separada que se muda a Brooklyn

con su hijo de doce años, Oliver (Jaeden Lieberher). Al tener que trabajar

muchas horas, no le queda más opción que dejar a Oliver al cargo de su

nuevo vecino, Vincent (Bill Murray), un jubilado cascarrabias aficionado al

alcohol y a las apuestas. Pronto, una peculiar amistad florece entre esta

improbable pareja. Junto a una stripper embarazada llamada Daka (Naomi

Watts), Vincent conduce a Oliver por todas las paradas que conforman su

rutina diaria: las carreras de caballos, el club de striptease, y su bar

habitual. Pero mientras Vincent cree que ayuda a Oliver a hacerse un

hombre, Oliver comienza a ver en Vincent algo que nadie más ve: Un hombre

incomprendido de buen corazón.

HAZ TUS DEBERES: EL ORIGEN DE ST. VINCENT

Los orígenes de la historia de ST. VINCENT se remontan a un momento que

cambió la propia vida del guionista, director y productor Ted Melfi. Hace

siete años, cuando su hermano mayor falleció a la edad de 38, asistió a su

funeral y se dio cuenta de que su sobrina de once años no tenía adónde ir.

Melfi y su mujer decidieron rápidamente adoptarla y la trasladaron de un

pueblecito rural de Tennessee al lugar en el que vivían ellos, en Sherman

Oaks, California.

Una vez inscrita en el instituto Notre Dame de Sherman Oaks, la sobrina de

Melfi llegó un día de clase con el siguiente encargo como deberes: Busca al

santo católico que más te inspire y busca alguien en tu vida real que posea

cualidades similares a las de ese santo. Escogió a San Guillermo de

Rochester, santo patrón de los niños adoptados, y eligió a Melfi como la

persona comparable a él. Un emocionadísimo Melfi se dio cuenta de que era

una idea perfecta para una película. Pero en vez de personajes como él

mismo y su sobrina, quería usar a un viejo cascarrabias que ha perdido las

ganas de vivir y a un chico. Bill Murray parecía la elección perfecta para el

papel. El realizador recuerda: “Esa es la génesis de la historia: ese chico que

se muda al lado de un viejo alcohólico gruñón interpretado por Bill Murray, y

se hacen grandes amigos. Ese niño adoptado de once años convierte a Bill

Murray en el santo de sus deberes, y ambos se cambian mutuamente la vida.

Así es como surgió todo este proyecto, a partir de unos deberes del

colegio”.

LA SELECCIÓN (Y PERSECUCIÓN) DEL REPARTO DE ST. VINCENT

Aunque Melfi tenía a Murray en mente para el papel principal, desear contar

con Murray para un papel y conseguir localizarlo para convencerlo son dos

cosas muy distintas. No es una tarea para alguien que se rinda fácilmente.

Melfi explica: “Bill no tiene agente ni representante. Solamente tiene un

número de teléfono 900 gratuito, así que te puedes pasar bastante tiempo

dejando mensajes en ese número 900, esperando que sea realmente el suyo.

Dejas mensaje tras mensaje y empiezas a tener una relación con un

contestador automático, parecida a la de la película ‘Swingers’”. Pero Melfi

no dejó de intentarlo.

Después de seis meses intercambiando llamadas, Melfi consiguió por fin

reunirse un día con Murray en LAX (el aeropuerto de Los Ángeles) a las 9 de

la mañana, durante el fin de semana en que se celebraba la festividad del

Día de los caídos en guerra. A lo largo de las ocho horas que duró la reunión

en la parte trasera de la limusina de Murray, durante la que hicieron una

parada en la hamburguesería In N Out Burger, hablaron del guión y se

consolidó el interés del actor por el proyecto. Murray comenta: “El guión era

diferente. Tenía un ritmo diferente al que tiene la mayoría de las cosas y la

historia era muy emotiva. Ted tenía una forma bastante buena de escribirla,

que tenía potencial para evitar por completo el sentimentalismo, que es

como a mí me gusta que se transmitan las emociones: sin sentimentalismo

alguno. Sientes las cosas sin necesidad de trucos. No te machacan con ello.

Simplemente, lo entiendes. Lo captas, y lo haces como resultado natural del

desarrollo de la trama”.

Melfi no sólo estaba dispuesto a recibir los comentarios de Murray, sino que

veía la oportunidad de colaborar con él como una de esas experiencias que

te cambian la vida. “He aprendido muchísimo trabajando con Bill sobre

dirigir, sobre escribir y sobre la vida. Me repetía a menudo: ‘No dejes que

te domine el estrés. El estrés mata el arte y la comedia’. Me decía: ‘No

dejes que la escena se convierta en lo que no es. No te quedes pillado en lo

que tú consideres gracioso. Confía en el material y confía en el guión’.

Aporta lo que tiene que aportar, pero, aparte de eso, no se mete en medio,

lo que es estupendo. Y me ha enseñado a no meterme yo en medio, a saber

cuándo está funcionando, ver cuándo está funcionando y dejarlo en paz. No

se me ocurre nadie mejor del que aprender cualquier cosa cómica y

artísticamente que Bill Murray. Tiene que ser la persona más alucinante del

mundo”.

Con el importante fichaje que suponía conseguir a Bill Murray para hacer de

Vincent, Melfi tuvo que afrontar entonces otro reto: encontrar a un chico

capaz de aguantar el tipo compartiendo escena con él. La historia se ve en

gran parte desde el punto de vista de Oliver, y Melfi tenía una idea muy

concreta sobre la clase de niño que quería para el papel: “Con los actores

infantiles, lo que de verdad te interesa es alguien que sea primero un niño y

luego un actor. Puedes sacar interpretaciones a mucha gente, sobre todo a

niños, porque son muy abiertos y están dispuestos a todo, pero no puedes

hacer que un actor sea un niño”. El equipo responsable de la película realizó

audiciones a unos 1500 candidatos a lo largo de seis meses, con la presión de

tener que encontrar a alguien que pudiera aguantar el agotador calendario

de trabajo que supone el rodaje de una película y no se sintiera demasiado

intimidado por tener que trabajar con Bill Murray, Naomi Watts y Melissa

McCarthy. Quienquiera que encontraran, tenía que ser capaz de dar la talla

y llevar el peso de una película. Melfi comenta: “Vincent es el protagonista

principal, evidentemente, pero el personaje de Oliver es el que da cohesión

al guión. Es quien se encarga de mantenerlo todo unido para todos los demás

personajes, que están perdiendo el control. Es mucho pedir para cualquier

actor, máxime para un niño”.

El equipo de la película encontró en el joven actor Jaeden Lieberher un

talento extraordinario, con una confianza y serenidad que encajaban a la

perfección con lo que buscaban. Jaeden posee un aplomo prodigioso, tanto si

se encuentra ante las cámaras como si no, es un jovencito sabio e

inteligente, que supo llevar con gracia su primer papel cinematográfico.

Melfi aporta entusiasmado: “Jaeden es sencillamente un ser humano

excepcional. Para mí, se parece mucho a Bill Murray en su humanidad.

Entiende a la gente, entiende cómo reaccionar, entiende cómo no actuar, no

lo intenta, está completamente presente en todo momento, y es tranquilo.

Es calmado... y esa calma y tranquilidad son irreemplazables. Jaeden es una

presencia que se encuentra allí en todo momento, con una calma y

tranquilidad que afecta a todos los demás personajes. Es como si tuviera 90

años, pero cuando sonríe y se ríe, te rompe el corazón. Va a tener una vida

extraordinaria. No sé si esa vida estará en el mundo de la interpretación.

Espero que sí, por él, porque posee un gran talento, pero, en cualquier caso,

su fuerza interior me abruma”.

Murray reconoce que trabajar con niños no siempre está especialmente

bien, pero, a sus diez años, Jaeden lo dejó realmente impresionado.

“Normalmente, los actores infantiles no me acaban de convencer, pero él es

muy bueno”, asegura Murray. “Cada día me gustaba más. Hubo un día en que

estuvo magnífico, a la par con cualquier otro al que haya visto hacer un buen

trabajo en una escena. Estuvo sensacional. Se mostró implacable e

imparable... consigue realmente brillar”.

El productor ejecutivo G. Mac Brown afirma convencido que encontraron al

joven adecuado para el papel: “Jaeden era la elección más obvia, y estuvo

increíblemente bien. Es todo un hallazgo. Ya tiene su próximo papel”. De

hecho, hacia el final del rodaje de ST. VINCENT, ofrecieron a Jaeden un

papel en una película de Cameron Crowe, que sería su segundo trabajo

cinematográfico. Murray, al haber tenido una gran experiencia con su joven

coestrella, no tardaría en seguir a Jaeden para incorporarse también al

proyecto de Crowe.

Más allá de la pareja central de Vincent y Oliver, otros personajes clave que

completan su círculo de personas más allegadas son Melissa McCarthy como

Maggie, la agobiada madre soltera de Oliver, y Naomi Watts como Daka, la

amiga de Vincent tremendamente sincera e involuntariamente

desternillante, una “dama que trabaja de noche”, en palabras de Oliver.

Estas dos alabadas actrices disfrutaron de la oportunidad de interpretar

papeles más bien atípicos para ellas en esta película, al encarnar personajes

bastante distintos de los que los espectadores acostumbran a ver de ambas.

Como bromea Murray: “Casi podría decirse que aquí han intercambiado

papeles. Melissa es la seria y Naomi la graciosa. Y ambas consiguen que

quede bien”.

La sugerencia de elegir a Watts para el papel de Daka provino del productor

ejecutivo Harvey Weinstein, que tuvo que convencer a Melfi de que era

adecuada para el papel. Al final, el director quedó igualmente entusiasmado

con la vis cómica de la alabada actriz dramática. “El personaje de Naomi

aporta básicamente el humor de la historia. Es una prostituta rusa con

mucho carácter, que no se anda con tonterías. Hay mucho más de lo que

conocemos, de lo que el público conoce, e incluso de lo que el mundo del cine

conoce de Naomi Watts. Naomi Watts es graciosísima. Desde un punto de

vista cómico, es tan sólida, tan firme, tan fresca, tan única, tan original y

tan espontánea como cualquier otro actor presente en el rodaje”.

El reparto se completa con Chris O’Dowd (“La boda de mi mejor amiga”),

como un profesor ingenioso y moderno de la escuela católica, Terrence

Howard (“Hustle & Flow”), como el malo local al que Vincent debe dinero,

Scott Adsit (“Rockefeller Plaza (30 Rock)”), como el exmarido de Maggie, el

joven Dario Barosso como némesis de Oliver en el colegio, Kimberly Quinn

como una comprensiva enfermera y Greta Lee (“Girls”) como una cajera de

banco poco comprensiva.

Otro miembro clave del reparto fue el gato de Vincent. Por desgracia,

Murray es alérgico a los gatos, pero, en otra muestra de entrega al

proyecto, soportó a su felino compañero de reparto. “No me sientan muy

bien los gatos, pero a ese gato lo limpiaban, lavaban y secaban muy bien, así

que no soltaba nada”, bromea Murray. “No creo que tuviera siquiera el pelo

aceitoso, de lo limpio que estaba. Era un gato muy profesional”.

LAS ALUCINANTES AVENTURAS DE BILL Y TED: CÓMO SE HIZO ST.

VINCENT

Con una fe ciega en que el enigmático Bill Murray se presentara el primer

día, el rodaje de ST. VINCENT comenzó en mitad de una abrasadora ola de

calor en la ciudad de Nueva York en julio de 2013.

El veterano productor delegado de Nueva York Mac Brown tenía una

confianza absoluta en la ópera prima de Melfi como guionista y director.

Melfi había ido puliendo sus habilidades dirigiendo muchos anuncios y

algunos cortometrajes, pero esta era su primera película. A Brown le gustó

tanto el guión que se atrevió incluso a respaldar a Melfi aceptando trabajar

en el proyecto antes siquiera de reunirse con él.

Brown no escatima elogios en cuanto a la pericia de Melfi, invocando el

nombre de una de las mayores leyendas del cine de Nueva York. “Ted es

como Sidney Lumet”, asegura. “Hace mucho tiempo que tiene esta película

en la cabeza. Por su experiencia publicitaria, y por la clase de realizador que

es, lo tiene todo en storyboards, así que se sabe todos los planos. A medida

que encuentra localizaciones, las adapta y las cambia. No se obsesiona con lo

que hace, pero al mismo tiempo conoce con total exactitud la película que

quiere hacer antes de tiempo, igual que le pasaba a Sidney Lumet. Sidney

rodaba sus películas en 32 o 33 días, así que son muy similares. Ted no le

tiene nada que envidiar a nadie”.

Señala sobre el estilo de Melfi como realizador: “El trabajo de dirigir y

escribir consiste en saber lo que es importante conservar y lo que no es

importante conservar”.

ST. VINCENT se rodó fundamentalmente en Brooklyn, pero no el Brooklyn

de moda que se ha vuelto tan popular y que atrae a hordas de turistas en

busca de parajes alucinantes. Para contar la historia de Vincent McKenna,

hacía falta el Brooklyn de la vieja escuela, que todavía existe, si se sabe

dónde buscar. Por suerte, Melfi procede de allí y recuerda cómo era el

auténtico Brooklyn antes de que lo tomaran los hípsters:

“Me crié en Brooklyn. No creo que haya ningún otro lugar comparable en el

mundo. Cuando vivía en Williamsburg, en la calle 6 Norte, la zona estaba

llena de almacenes de productos cárnicos, bandas y prostitutas por toda

Kent Avenue. Ahora vas allí y ha cambiado por completo. Pero Brooklyn no ha

perdido su esencia ni su espíritu. Cualquier día, en cualquier momento,

puedes encontrar cualquier cosa que puedas querer en Brooklyn: todas las

culturas, todas las razas y todas las religiones. Poder rodar la película en los

barrios en los que me crié – Sheepshead Bay, Williamsburg, Greenpoint,

Park Slope – es seguramente el aspecto que más me llenó de todo el

proyecto. Filmamos allí el 90% del filme. Es el mejor plató exterior del

mundo”.

Mac Brown agrega: “A medida que localizábamos exteriores, resultó

interesante ver cómo los fundamentos de Brooklyn se convertían en los

fundamentos de la película. Acabó convirtiéndose en una película real sobre

un lugar real”.

Para el proceso de reflejar en la pantalla el mundo de ST. VINCENT

contaron con la inestimable ayuda de la joven y emergente diseñadora de

producción Inbal Weinberg, que ha logrado labrarse una importante

reputación en unos pocos años, desde que se licenciara por la Escuela de

Cine de NYU (Universidad de Nueva York). Entre sus trabajos anteriores de

diseño figuran alabadas cintas independientes como “Frozen River (Río

Helado)”, “Blue Valentine”, “Half Nelson” y el próximo proyecto de Cary

Fukunaga, “Beasts of No Nation”.

Aunque la película está ambientada en el presente, ST. VINCENT tiene un

aspecto atemporal que recuerda a la ciudad de Nueva York y al cine de la

década de 1970, así como a la actualidad. Weinberg admite: “Fue maravilloso

diseñar para el personaje de Vincent, porque en cierto modo representaba

una generación anterior, que probablemente encajaba mejor en los 70 que

en el siglo XXI”. Weinberg vio muchas películas de los 70 para plasmar

correctamente los colores y los detalles, pero también contaba con las

casas, restaurantes, cafeterías y tiendas de Nueva York como excelente

recurso al que recurrir.

El equipo de la película recorrió muchos de los distintos barrios de los

alrededores de Nueva York, pero se decidieron bastante rápido por

Sheepshead Bay, en Brooklyn, como escenario para el barrio de Vincent y

Maggie. Weinberg recuerda: “A Ted le gustó desde el primer momento,

puesto que poseía esa combinación que buscábamos, un poco de zona

residencial mezclado con algo de urbanismo de Nueva York. Podías

encontrarte una manzana de casas perfectas, con sus entradas y césped

perfectamente cuidados, y luego a la vuelta de la esquina, vías de metro

elevadas y zonas urbanas muy deterioradas. Además, es un barrio con una

gran variedad, con toda clase de etnias y religiones, lo que lo hacía más

interesante y animado”.

El equipo de rodaje se instaló durante varias semanas en Sheepshead Bay

para filmar una serie de escenas exteriores en las casas de Vincent y

Maggie. Los interiores se recrearon en Steiner Studios, en Brooklyn, con

sumo cuidado para que encajaran a la perfección con esos exteriores.

Encontraron el bar favorito de Vincent en Greenpoint, el club de striptease

de Daka en la zona de Hunt’s Point del Bronx y la mayor parte del colegio de

Oliver en Bay Ridge, Brooklyn. Utilizaron el hipódromo de Belmont, en Long

Island, para las escenas en las que Vincent y Oliver van a apostar, una

situación que demostró ser algo peliaguda, porque no es realmente posible

(ni económicamente viable) cerrar un hipódromo completo. El equipo de

rodaje tuvo que moverse entre el público en general para poder grabar esas

escenas clave.

Weinberg tuvo el detalle de consultar con su actor principal sobre cómo

decorar mejor su entorno: “Mantuvimos muchas conversaciones con Bill

sobre su personaje, lo que le gustaba hacer, comer, qué aficiones tenía,

cómo era su familia... y esos detalles nos guiaron mientras compramos el

material para decorar los sets. También pensamos mucho sobre cómo sería

la vida de Vin antes de que se fuera su mujer. Queríamos que pudiera verse

todo en las paredes de la casa”.

Otro elemento característico de Vincent era su coche. La jefa de atrezo,

Courtney Schmidt, buscó por todas partes dos coches retro poco

convencionales iguales, y consiguió encontrar por fin no uno, sino dos,

LeBaron con revestimiento exterior de madera.

Al productor ejecutivo Mac Brown, acostumbrado a trabajar en grandes

superproducciones que necesitan meses de rodaje, le encantó brindar su

apoyo a un nuevo cineasta de talento como Melfi en un rodaje de 35 días.

Agradeció la simplicidad racionalizada de la filmación, en comparación con

las películas de enorme presupuesto, en las que puede hace falta contar con

la opinión de una docena de personas para poder llegar a una decisión final.

Brown dijo que eso hizo del rodaje de ST. VINCENT un verdadero placer:

“Es un poco como un grupo de ancianos veteranos que ya lo han hecho todo

antes una y otra y otra vez, junto con Ted, que es el chico nuevo, pero está

perfectamente preparado y tiene una visión. Todo el mundo tenía que ser

capaz de colaborar bien juntos para conseguir una gran película”.

También está el hecho de que hacer una película con Murray como actor

principal es una experiencia cinematográfica sin igual, por la energía tan

sumamente particular que aporta al trabajo y el hecho de que consiga que no

parezca un trabajo, sino una fiesta. Brown señala: “Bill quería hacer una gran

película, y quería hacer la película de Ted. Aportó mucho entusiasmo y un

gran esfuerzo. Pero, al mismo tiempo, mantuvimos un ambiente relajado y

divertido. Bill es un tipo que vive para divertirse cada día. Cada momento es

una experiencia divertida, así que intentamos mantenerlo así”.

Melfi concuerda en que el efecto Murray se extiende más allá del reparto y

el equipo del rodaje y alcanza incluso al gran público, vaya donde vaya:

“Tener ocasión de trabajar con Bill en esta película me ha servido para

darme cuenta de que Bill es un santo. Creo que es la persona más generosa

que he conocido jamás. Se para a hablar con cualquiera en cualquier

momento. Pasaba horas hablando con la gente en la calle y sacándose fotos.

Es una persona de lo más generosa. Bill Murray está presente en todo

momento. Verlo resulta toda una inspiración. Ha resultado una experiencia

reveladora para mí como persona”.

Para Jaeden, a sus diez años de edad, ha sido toda una iniciación al mundo

del cine: “Ha sido asombroso trabajar con Bill, Naomi, Melissa y Ted. Se

portaron estupendamente. Me han enseñado mucho. Resulta agradable

aprender de leyendas. Cuando vivía en Filadelfia, solía ver ‘Los

cazafantasmas’ a menudo. Nunca me imaginé que acabaría en una película con

Bill Murray, pero así ha sido. Mola un montón”.

ACERCA DEL EQUIPO

TED MELFI (GUIONISTA/DIRECTOR/PRODUCTOR)

Ted Melfi es el guionista y director de ST. VINCENT, protagonizada por

Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts y Chris O’Dowd, y producida

por Peter Chernin, Fred Roos y Jenno Topping, que se estrena en nuestro

país de la mano de eOne Films Spain el próximo 12 de diciembre. La película,

basada en una idea de la hija adoptiva de Melfi, trata sobre la insólita

amistad que se crea entre un niño y un viejo cascarrabias e incomprendido

de buen corazón.

Melfi es un director publicitario de día, que ha dirigido más de un centenar

de anuncios, entre ellos el famoso spot de MTV, “Pizza Guy”, protagonizado

por la leyenda del porno Ron Jeremy. El anuncio (junto con el de Budweiser

“Oh My G-d”, otro de sus primeros trabajos) contribuyó a que el director

recibiera el reconocimiento de los premios Clio como uno de los “15

principales nuevos talentos de la dirección” de la revista SHOOT. Su

anuncio para el Festival de Cine de Los Ángeles titulado “Playground” recibió

el Premio de Plata de los Premios Internacionales de Diseño y Publicidad de

Londres, y Melfi fue candidato al galardón al “mejor director joven” de

Cannes.

A través de su sello, Goldenlight Films, Melfi escribió, produjo y dirigió la

película “Winding Roads”, con Kimberly Quinn, Adam Scott y Rachel Hunter,

que se estrenó directamente en la televisión por cable, en el canal Showtime

y en el Independent Film Channel. Sus cortometrajes han recibido

galardones en festivales de cine de todo el mundo. “The Beneficiary”, un

corto thriller sobre un erro de identidad, se ha proyectado en más de 50

festivales de cine y fue elegido “mejor corto” del Festival de Cine de

Carolina, “mejor thriller” del Festival de Cine de Vine, “mejor corto” del

Festival de Cine de Jersey Shore y recibió el premio “Big Kahuna” del

Festival de Cine de Honolulu. Su corto cómico, “Roshambo”, un falso

documental sobre el deporte de piedra, papel y tijera, fue nombrado “mejor

comedia” del Festival Internacional de Cine de Malibú.

En el terreno televisivo, Melfi se encuentra preparando un piloto para la

cadena NBC con el alabado director Jon Favreau. La serie, llamada “The

Mancinis”, es un proyecto personal sobre la particular educación del

director en Brooklyn. El padre de Melfi estaba en la mafia, mientras que su

madre era monja.

Como guionista, Melfi ha escrito recientemente el remake del clásico de

Martin Brest “Going in Style (Adquiriendo estilo)”, para New Line Cinema,

que se encuentra en preproducción con el productor de Warner Brothers

Donald DeLine. Entre los restantes trabajos de Melfi se encuentra el guión

de la Hit List de 2010, “I Am Rose Fatou”, la historia de dos amantes

zascandiles que se conocen a través de un timo de phishing. Más

recientemente, Melfi adaptó las memorias superventas del New York Times:

“The Tender Bar” (de J.R. Moehringer) para Sony/Columbia, con Peter

Chernin y Jenno Topping como productores.

PETER CHERNIN (PRODUCTOR)

Peter Chernin es el presidente y consejero delegado de The Chernin Group

(TCG).

A través de Chernin Entertainment, la compañía de producción de

entretenimiento de TCG, Chernin ejerce de productor ejecutivo de la

telecomedia de gran éxito de Fox “New Girl”. Sus créditos anteriores como

productor ejecutivo incluyen las series de Fox “Ben and Kate” y “Touch”.

La primera película de Chernin Entertainment, “El origen del planeta de los

simios”, se estrenó en 2011 con elogios generalizados de la crítica y sirvió

para relanzar la franquicia para una nueva generación. Desde entonces,

Chernin ha producido varios grandes éxitos de taquilla, como “El amanecer

del planeta de los simios”, la taquillera secuela de “El origen del planeta de

los simios”, “Oblivion”, “Abuelos al poder”, “Cuerpos especiales”, la comedia

de gran éxito de 2013 protagonizada por Sandra Bullock y Melissa

McCarthy, así como el reciente estreno “La entrega (The Drop)”, un drama

de cine negro con Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini, en su

última aparición en la gran pantalla. Chernin también ha producido la

comedia dramática ST. VINCENT, con Bill Murray, Naomi Watts y Melissa

McCarthy, y la épica cinta bíblica “Exodus: Dioses y Reyes”, de Ridley Scott,

con Christian Bale, de inminente estreno en nuestro país.

Los activos de TCG también incluyen una serie de inversiones estratégicas

en diversas compañías de medios digitales y medios de comunicación, como

CA Media, Crunchyroll, Pandora, Fullscreen, Tumblr, Flipboard, Scopely,

Base79 y MiTú.

Antes de poner en marcha TCG, Chernin ejerció de presidente y director de

operaciones de News Corporation. Chernin forma parte de las juntas

directivas de American Express, Pandora, Twitter y es uno de los asesores

jefe de Providence Equity Partners. Está en la junta directiva de Friends of

the Global Fight Against AIDS, Tuberculosis and Malaria y es presidente de

la junta y cofundador de Malaria No More.

JENNO TOPPING (PRODUCTORA)

Jenno Topping es la presidenta de cine de Chernin Entertainment, donde

recientemente ha producido y supervisado el desarrollo de “Exodus: Dioses

y Reyes”, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Christian Bale (cuyo

estreno está previsto para diciembre de 2014), ST. VINCENT, con Bill

Murray, Naomi Watts y Melissa McCarthy (cuyo estreno está previsto para

el 12 de diciembre de 2014), “La entrega (The Drop)”, con James Gandolfini

y Tom Hardy (estrenada el pasado 26 de septiembre de 2014), “Spy”,

dirigida por Paul Feig y protagonizada por Melissa McCarthy (que se

encuentra en posproducción) y “Cuerpos especiales”, con Sandra Bullock y

Melissa McCarthy, que fue la comedia más taquillera de 2013.

Los restantes créditos de Topping incluyen “Country Strong”, con Gwyneth

Paltrow y Tim McGraw, “Las vueltas de la vida”, escrita y dirigida por

Susannah Grant y protagonizada por Jennifer Garner, las películas de “Los

ángeles de Charlie”, “28 días” (con Sandra Bullock), “Dr. Dolittle” (con Eddie

Murphy), la comedia de adolescentes “Ya no puedo esperar” y “La tribu de

los Brady”, dirigida por Betty Thomas, con quien estuvo asociada entre 1998

y 2004.

Topping trabajó anteriormente como ejecutiva de HBO Films, donde

supervisó los telefilmes ganadores del Emmy y el Globo de Oro “Los reyes

de la noche” (con Kathy Bates) y “Rasputín, su verdadera historia” (con Ian

McKellen y Alan Rickman), en 1995.

FRED ROOS (PRODUCTOR)

El productor ganador del Óscar Fred Roos ha trabajado, en diversas

facetas, en muchos de los films más importantes e influyentes de los

últimos 50 años, con un plan de producción de proyectos actuales y futuros

que sigue manteniendo su tradición de hacer grandes películas y descubrir a

grandes estrellas. Entre los títulos legendarios que ha ayudado a crear se

encuentran la trilogía de “El padrino”, “La guerra de las galaxias” y sus

sucesoras, “El corcel negro”, “Lost in Translation” y “La conversación”,

mientras que las futuras estrellas descubiertas en un primer momento por

su aguda vista y que obtuvieron papeles estelares gracias a su visión para los

castings incluyen nombres como Harrison Ford, Jack Nicholson, Nicolas

Cage, Al Pacino y Richard Dreyfuss.

Primero como director de casting, una habilidad que no tardaría en hacerlo

legendario, y luego como productor, Fred Roos ha trabajado con muchos de

los actores y realizadores de más talento del mundo del cine. Su larga

colaboración con Francis Ford Coppola le ha valido un Óscar, por producir la

cinta ganadora de la estatuilla a la “mejor película” “El padrino. Parte II”.

También con Coppola, volvió a ser candidato por producir “Apocalypse Now”,

coprodujo otras dos candidatas a “mejor película”, “El padrino. Parte III” y

“La conversación”, la cual recibió la Palma de Oro del Festival Internacional

de Cine de Cannes, y fue productor ejecutivo de otra candidata al Óscar a la

“mejor película”, “Lost in Translation”, de Sofia Coppola.

Entre las restantes películas dirigidas por Francis Coppola en las que Roos

ha sido productor se encuentran “Corazonada”, “Rebeldes”, “La ley de la

calle”, “Cotton Club”, “Jardines de piedra”, “Tucker, un hombre y su sueño”,

el segmento “Vida sin Zoe” de “Historias de Nueva York”, “El hombre sin

edad”, y la reciente “Tetro”. Los créditos como productor de Roos también

incluyen “Drive, He Said”, de Jack Nicholson, “El corcel negro”, de Carroll

Ballard, “El hombre de Chinatown”, de Wim Wenders, “El borracho”, de

Barbet Schroeder, “El jardín secreto” (1993), de Agnieszka Holland,

“Asesinatos en la radio”, de Mel Smith, y con la directora Sofia Coppola “Las

vírgenes suicidas”, como coproductor, así como productor ejecutivo en

“María Antonieta”, “Somewhere” y “The Bling Ring”. Recibió el premio

CableACE, además de ser candidato a un Emmy, como productor ejecutivo

del documental “Corazones en Tinieblas”.

En la actualidad, Roos tiene a punto de estrenarse ST. VINCENT, con Bill

Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts y Chris O’Dowd.

Antes de empezar a producir películas, Roos gozó de una distinguida carrera

como director de casting, en películas como “Petulia”, de Richard Lester,

“Zabriskie Point”, de Michelangelo Antonioni, “Viajes con mi tía”, de George

Cukor, “Fat City, ciudad dorada”, de John Huston, “Mi vida es mi vida” y “El

rey de Marvin Gardens”, ambas de Bob Rafelson, “El padrino”, de Francis

Ford Coppola, y las cintas de George Lucas “American Graffiti” y “La guerra

de las galaxias”, en esta última como asesor de casting; cada uno de estos

títulos serviría para catapultar a media docena de estrellas a la lista de

talentos más solicitados de Hollywood.

ACERCA DEL REPARTO

BILL MURRAY (VINCENT)

La interpretación que realizó Bill Murray de ‘Herman Blume’ en la cinta de

Wes Anderson “Academia Rushmore” le permitiría hacerse con el premio al

“mejor actor de reparto” de los Independent Spirit, el New York Film

Critics Circle (Círculo de la Crítica Cinematográfica de Nueva York), la

National Society of Film Critics (Sociedad Nacional de Críticos

Cinematográficos) y la Los Angeles Film Critics Association (Asociación de

Críticos Cinematográficos de Los Ángeles). Ha intervenido en todas las

películas posteriores de Wes Anderson, como “Los Tenenbaums: Una familia

de genios”, “Life Aquatic”, “Viaje a Darjeeling”, “Fantastic Mr. Fox” (en la

que aportó su voz) y “Moonrise Kingdom” (otro estreno de Focus Features).

Murray nació en Chicago e inició allí su carrera como actor, con la compañía

teatral de improvisación Second City. Se incorporó al reparto del programa

de la cadena “Saturday Night Live” en su segunda temporada y, poco

después, recibió un Emmy como uno de los guionistas del mismo. Más tarde

escribiría el libro “Cinderella Story: My Life in Golf”.

Tras debutar en la gran pantalla con la comedia de Ivan Reitman “Los

incorregibles albóndigas”, Murray volvería a colaborar con el director en “El

pelotón chiflado” y las películas de “Los cazafantasmas”. Sus créditos

cinematográficos también incluyen las comedias de Harold Ramis “El club de

los chalados” y “Atrapado en el tiempo”, “Where the Buffalo Roam”, de Art

Linson, “Tootsie”, de Sydney Pollack, “El filo de la navaja” (1984), de John

Byrum, “Los fantasmas atacan al jefe”, de Richard Donner, “¿Qué pasa con

Bob?”, de Frank Oz, “La chica del gángster” y “Juegos Salvajes”, ambas de

John McNaughton, “Ed Wood”, de Tim Burton, “Vaya par de idiotas”, de

Peter y Bobby Farrelly, “El hombre que no sabía nada”, de Jon Amiel, “Abajo

el telón”, de Tim Robbins, “Hamlet (2000)”, de Michael Almereyda, “City of

Ember: En busca de la luz”, de Gil Kenan, “El último gran día”, de Aaron

Schneider, por la que fue candidato a los premios Independent Spirit y

Satellite, “Passion Play”, de Mitch Glazer, y “A Glimpse Inside the Mind of

Charles Swan III”, de Roman Coppola.

Por su interpretación de ‘Bob Harris’ en “Lost in Translation”, de Sofia

Coppola (otro estreno de Focus), Murray fue elegido “mejor actor” en los

premios Globo de Oro, BAFTA, Independent Spirit, y los de la crítica

cinematográfica de Nueva York, Los Ángeles y Chicago, entre otros.

También fue candidato al Óscar y al premio del Sindicato de Actores (SAG).

Con el director Jim Jarmusch, intervino en el segmento “Delirium” de

“Coffee and Cigarettes”, en “Flores rotas” (otro estreno de Focus), por el

que fue candidato a un premio Satellite al “mejor actor”, y en “Los límites

del control” (otro estreno de Focus).

MELISSA MCCARTHY (MAGGIE)

La candidata al Óscar Melissa McCarthy protagoniza en la actualidad la

telecomedia de la cadena CBS “Mike y Molly”. McCarthy cosechó en 2011 un

gran éxito mundial con la taquillera comedia “La boda de mi mejor amiga”, en

la que interpretaba a ‘Megan’, una hermana del novio muy segura de sí

misma, frente a Kristen Wiig, bajo la dirección de Paul Feig y con la

producción de Judd Apatow. Este papel le permitiría ser candidata a

múltiples premios, como un Óscar, un BAFTA, un Critics’ Choice y un premio

del Sindicato de Actores (SAG), además de recibir el Premio de Cine MTV

de 2012 a la “interpretación cómica del año”. McCarthy ganó un Emmy y fue

candidata en una segunda ocasión por su papel de ‘Molly’ en “Mike y Molly”.

También ha aspirado a otros dos premios Emmy como presentadora invitada

de “Saturday Night Live”.

Este pasado verano de 2014, McCarthy pasó por la cartelera americana

como protagonista principal de “Tammy”, que también coescribió con su

marido, el actor y guionista Ben Falcone, quien se encargó además de dirigir

el filme. Entre sus restantes trabajos recientes figuran “Cuerpos

especiales”, del director Paul Feig, que protagonizó frente a Sandra Bullock

para Fox, la comedia de Universal “Por la cara”, junto a Jason Bateman, “Si

fuera fácil”, también de Universal, para el director Judd Apatow, y

“R3sacón”, de Todd Phillips. McCarthy está a punto de estrenar la

producción de The Weinstein Company ST. VINCENT. Entre sus próximos

estrenos también se encuentran “Spy”, del director Paul Feig (previsto para

2015) y la comedia de animación de Dreamworks “B.O.O.: Bureau of

Otherworldly Operations”, frente a Seth Rogen (también para 2015).

Sus trabajos anteriores para la gran pantalla incluyen “El plan B”, junto a

Jennifer Lopez y Alex O’Loughlin, “Como la vida misma”, con Katherine

Heigl, “Pretty Ugly People”, con Josh Hopkins, Missi Pyle y Allison Janney,

“Just Add Water”, con Danny DeVito, la cinta de misterio y ciencia ficción

del director John August “The Nines”, con Ryan Reynolds y Hope Davis, “La

flor del mal”, con Michelle Pfeiffer y Robin Wright, “Pumpkin”, con Christina

Ricci y “Viviendo sin límites”, dirigido por Doug Liman. Además, intervino en

el cortometraje de John August “God”, como una joven que mantiene una

conversación telefónica llena de cotilleos y una efímera discusión con el

Todopoderoso, así como en el drama “La vida de David Gale”, con Kevin

Spacey, Kate Winslet y Laura Linney.

En televisión, interpretó anteriormente a la torpe genio culinaria ‘Sookie St.

James’ en “Las chicas Gilmore” y a ‘Dena’ en la telecomedia “Samantha,

¿qué?”.

McCarthy empezó dándose a conocer sobre los escenarios del circuito de

comedia, con monólogos en clubs de Nueva York como The Improv y Stand

Up New York. Al mismo tiempo, recibió formación dramática en el Actors

Studio de Nueva York y participó en diversas producciones teatrales por

toda la ciudad. En Los Ángeles, McCarthy pasó nueve años como miembro

principal de la famosa compañía teatral de sketches e improvisación The

Groundlings.

McCarthy vendió su primer piloto, “Marbles”, al canal VH1, en el que

interpretaba el papel principal. McCarthy también está diseñando su

primera línea de ropa.

McCarthy reside en Los Ángeles.

NAOMI WATTS (DAKA)

Naomi Watts fue candidata al Óscar en 2013 a la “mejor actriz” por su

interpretación en la cita del director Juan Antonio Bayona “Lo imposible”,

que protagonizaba junto a Ewan McGregor. Por su papel de valiente esposa y

madre que lucha por sobrevivir tras el paso de un tsunami, también fue

candidata a la “mejor actriz” en los Globos de Oro, los premios del Sindicato

de Actores (SAG) y los premios de los Broadcast Film Critics, además de

recibir el premio “Desert Palm Achievement Actress” del Festival

Internacional de Cine de Palm Springs. También fue candidata al Óscar a la

“mejor actriz” por su papel en “21 gramos”, de Alejandro González Iñárritu,

que protagonizó junto a Sean Penn y Benicio Del Toro. Este trabajo también

le valdría otras candidaturas como “mejor actriz” de los premios del

Sindicato de Actores (SAG), los premios BAFTA, los premios Broadcast

Film Critics y los Golden Satellites, además de ser elegida “mejor actriz”

por numerosas asociaciones de críticos. En el estreno del filme en el

Festival Internacional de Cine de Venecia de 2003, recibió el Premio del

Público (“León del público”) a la “mejor actriz”. La propia película recibió una

“Distinción Especial” de los premios Independent Spirit.

Watts tiene actualmente en posproducción “Insurgente”, segunda entrega

de la franquicia de éxito iniciada con “Divergente”, basada en las populares

novelas superventas escritas por Veronica Roth, así como “The Sea of

Trees”, de Gus Van Sant, en la que interviene junto a Matthew

McConaughey.

En diciembre de 2013, fue posible verla en el biopic “Diana”, en el que

encarnaba a la icónica princesa de Gales; unos meses más tarde, volvió a

nuestra cartelera con “Dos madres perfectas”, con Robin Wright, que se

había estrenado en el Festival de Cine de Sundance de 2013. Próximamente,

volverá a las salas comerciales con ST. VINCENT, con Bill Murray y Melissa

McCarthy, así como con “Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)”,

de Alejandro González Iñárritu, junto a Emma Stone y Michael Keaton.

También estrenará próximamente “While We’re Young”, de Noah Baumbach,

con Ben Stiller y Amanda Seyfried.

Ha intervenido en muchas otras películas en los últimos años, como la

alabada “J. Edgar”, de Clint Eastwood, frente a Leonardo DiCaprio, “Caza a

la espía (Fair Game)”, de Doug Liman, frente a Sean Penn, “Conocerás al

hombre de tus sueños”, de Woody Allen, donde formaba parte de un gran

reparto estelar, que incluía a Josh Brolin, Anthony Hopkins, Freida Pinto y

Antonio Banderas, “Madres & hijas”, de Rodrigo García, por la que fue

candidata a un premio Independent Spirit a la “mejor actriz de reparto”, y

“The International: dinero en la sombra”, de Tom Twyker, con Clive Owen.

Watts ha acumulado una impresionante lista de títulos desde su alabado

trabajo en el controvertido drama de David Lynch “Mulholland Drive”, por el

que fue elegida “mejor actriz” por una serie de organizaciones de críticos,

como la National Board of Review y la National Society of Film Critics.

Además de protagonizar el épico remake de Peter Jackson de “King Kong”,

sus créditos incluyen “Ya no somos dos” (que produjo además de

protagonizar), “El asesinato de Richard Nixon”, frente a Sean Penn y Don

Cheadle, “Extrañas coincidencias”, de David O. Russell, con Jude Law y

Dustin Hoffman, “Tránsito (Stay)”, de Marc Forster, frente a Ewan

McGregor y Ryan Gosling, “La señal (The Ring)”, de Gore Verbinski, y su

secuela, “The Ring 2 (La señal 2)”, la producción de Merchant-Ivory “Le

Divorce”, junto a Kate Hudson, Glenn Close y Stockard Channing, “El velo

pintado”, de John Curran, frente a Edward Norton, basado en la novela de

W. Somerset Maugham, el thriller dramático de David Cronenberg

“Promesas del este”, frente a Viggo Mortensen, y el thriller de Michael

Haneke “Funny Games”.

Watts nació en Inglaterra, pero se trasladó a Australia a los 14 años y

empezó a estudiar interpretación. Su primer papel cinematográfico

importante llegaría en “La primera experiencia (Flirting)”, de John Duigan.

Produjo e intervino en el cortometraje “Ellie Parker”, que se proyectó en

competición en el Festival de Cine de Sundance de 2001. En 2005, se

estrenó en Sundance una versión de larga duración del corto.

Entre sus numerosos galardones y reconocimientos, Watts recibió el premio

Montecito del Festival de Cine de Santa Bárbara en 2006 por su papel en

“King Kong”, recibió un premio del Festival de Cine de Palm Springs en 2003

por “21 gramos” y, en 2002, fue elegida “estrella femenina del mañana” en

ShoWest, además de recibir el premio al “intérprete revelación” del

Festival de Cine de Hollywood, ambos por su labor en “Mulholland Drive”.

También recibió un reconocimiento a toda su carrera en la edición de 2011

del Festival de Cine de Deauville.

Watts reside en Los Ángeles y New York con su pareja y sus dos hijos.

CHRIS O’DOWD (HERMANO GERAGHTY)

Chris O’Dowd es conocido por sus guiones e interpretaciones en múltiples

medios del mundo del entretenimiento, lo que incluye tanto los escenarios

como la pequeña y la gran pantalla. En la actualidad, es posible verlo en

Broadway en su papel de ‘Lennie’, candidato al premio Tony, en “De ratones y

hombres”, frente a James Franco. Próximamente, pasará por la gran

pantalla en ST. VINCENT, con Bill Murray, Melissa McCarthy y Naomi

Watts. También tiene pendiente de estreno “Icon”, de Working Title,

dirigida por Stephen Frears, en la que Chris interpreta al periodista

deportivo real ‘David Walsh’, frente a Ben Foster como ‘Lance Armstong’.

Chris apareció recientemente en “Calvary”, de John Michael McDonagh,

frente a Kelly Reilly y Brendan Gleeson, así como en “Cuban Fury”, de James

Griffiths, frente a Rashida Jones e Ian McShane. Anteriormente,

protagonizó “The Sapphires”, de Wayne Blair, en la que interpretaba a

‘Dave’, representante de cuatro chicas aborígenes australianas llenas de

talento, mientras aprenden cosas sobre el amor, la amistad y la guerra

cuando su grupo musical “The Sapphires” entretiene a las tropas

estadounidenses en Vietnam. La película batió récords de taquilla en

Australia, le valió a Chris el premio AACTA (Academia Australiana de las

Artes Cinematográficas y Televisivas) al “mejor actor principal”, mientras

que el propio filme se hizo con el premio a la “mejor película”. La cinta se

proyectó en distintos festivales de cine de todo el mundo y consiguió

numerosos galardones y candidaturas a la “mejor película”.

Chris es especialmente conocido por su papel en “La boda de mi mejor

amiga”, frente a Kristen Wiig y Maya Rudolph. Chris fue candidato por este

papel a un premio BAFTA a la “estrella emergente”, a un premio del

Sindicato de Actores (SAG) a la “mejor interpretación de un reparto en una

película” y recibió el premio al “mejor actor de reparto en una película” de

los Premios Irlandeses de Cine y Televisión. “La boda de mi mejor amiga”,

dirigida por Paul Feig y producida por Judd Apatow, fue candidata a dos

Óscar, un Globo de Oro a la “mejor película – Musical o comedia”, y fue

reconocida por el AFI como “película del año”. También consiguió un premio

Critics’ Choice a la “mejor película de comedia”, un premio People’s Choice a

la “comedia favorita” y obtuvo galardones al “mejor reparto” de diversos

grupos de críticos de Estados Unidos. “La boda de mi mejor amiga” consiguió

además un gran éxito de taquilla, que recaudó casi 300 millones de dólares

en todo el mundo.

Entre sus restantes créditos cinematográficos figuran “Si fuera fácil”, de

Judd Apatow, “Thor: El mundo oscuro”, frente a Chris Hemsworth y Natalie

Portman, la película de animación de Chris Wedge “Epic: El mundo secreto”,

frente a Jason Sudeikis, Amanda Seyfried y Aziz Ansari, “Un plan perfecto

(Amigos con hijos)”, de Jennifer Westfeldt, frente a Jon Hamm, Adam

Scott, Kristen Wiig y Maya Rudolph, “La cena de los idiotas”, de Jay Roach,

frente a Paul Rudd y Steve Carell, “Los viajes de Gulliver”, de Rob

Letterman, con Jack Black, Jason Segel y Emily Blunt, “Radio encubierta”,

de Richard Curtis, con Phillip Seymour Hoffman, y “Preguntas frecuentes

sobre viajes en el tiempo”, de Gareth Carrivick, con Anna Faris. Chris

también intervino en “Festival”, que fue candidata a dos premios BAFTA,

entre ellos el de “mejor película británica”, y ganó un premio de BAFTA

Escocia al “mejor actor en una película escocesa”.

En la pequeña pantalla, Chris escribe y produce una serie de televisión

basada en su propia infancia llamada “Moone Boy”. La serie gira en torno a

un niño que depende de la ayuda de su amigo imaginario para afrontar los

dilemas de la vida en una extravagante familia irlandesa de pueblo en la

década de 1980. La serie fue elegida “mejor programa de entretenimiento”

de los Premios Irlandeses de Cine y Televisión y el propio Chris fue

candidato a “mejor actor de reparto de televisión” y “mejor drama”.

Además, la serie fue candidata a “mejor comedia nueva” de los Premios

Británicos de la Comedia. “Moone Boy” se estrenó en Sky One en Reino

Unido, está disponible en Estados Unidos a través de Hulu desde el año

pasado, y ha sido renovada para una tercera temporada. Chris se encargará

no sólo de escribir y producir los próximos episodios, sino también de

dirigirlos. En la actualidad se encuentra adaptando el formato para el

mercado estadounidense.

Los restantes trabajos de Chris para televisión incluyen la serie de

HBO/BBC “Family Tree”, creada por Christopher Guest y Jim Piddock.

También ha aparecido en la serie de HBO de Lena Dunham “Girls”. Chris

protagonizó la telecomedia de culto “Los informáticos” para Channel 4

Television, y la alabada miniserie “Pétalo carmesí, flor blanca”, adaptación

en cuatro capítulos de la novela superventas de Michael Faber, dirigida por

Marc Munden para la BBC. Es muy conocido en Irlanda por haber

protagonizado el popular drama de RTÉ 1 “The Clinic”, por el que fue

candidato a los Premios Irlandeses de Cine y Televisión en 2003.

Sus créditos teatrales incluyen la alabada producción de gran éxito de

crítica y público de Druid de “The Playboy of the Western World”, dirigida

por Garry Hynes, y la producción de Royal Court de “Under the Blue Sky”.

TERRENCE HOWARD (ZUCKO)

Terrence Howard es especialmente conocido por su trabajo candidato al

Óscar y al Globo de Oro en “Hustle & Flow”, así como por su papel de

reparto en “Crash (Colisión)”, por el que recibió un premio de la National

Board of Review a la “mejor interpretación revelación”.

Howard, nacido en Chicago, Illinois, empezó su carrera como intérprete con

el papel de ‘Jackie Jackson’ en la miniserie de la cadena ABC “Los Jackson”,

tras la que no tardarían en llegar otras apariciones televisivas notables, en

series como “Living Single” y “Policías de Nueva York”. Debutó en el cine en

1992 con la comedia “Who’s the Man?”, tras la que vendría su papel de

‘Cowboy’ en la saga de época “Dinero para quemar”. En 1995, Howard llamó la

atención por su papel de atleta de instituto en “Profesor Holland” y poco

después le ofrecerían un papel protagonista en la serie de televisión de la

desaparecida cadena UPN “Sparks”. En 1999, Howard recibió el premio

NAACP Image al “mejor actor de reparto”, una candidatura a un premio

Independent Spirit y otra al premio de la Asociación de la Crítica

Cinematográfica de Chicago por su interpretación de ‘Quentin’ en la película

“El mejor amigo del novio”. También recibió un premio NAACP Image en

2011 como “mejor actor de reparto en una serie dramática” por “Ley y

Orden: Los Ángeles (Los Ángeles: Distrito Criminal)”.

Ha sido posible ver recientemente a Howard en “El reencuentro”, secuela

del gran éxito “El mejor amigo del novio”, en el que también intervino,

“Prisioneros”, con Hugh Jackman, y en “El mayordomo”, “Dead Man Down (La

venganza del hombre muerto)”, “Pacto de silencio”, de Robert Redford, y

“On the road (En la carretera)”. Próximamente, habrá ocasión de verlo en la

serie del canal FX “Wayward Pines”, así como en la serie de Fox “Empire”.

Howard también encarnó a ‘Nelson Mandela’, frente a Jennifer Hudson, en

la película “Winnie”. Intervino junto a Cuba Gooding Jr. y Bryan Cranston en

la producción de George Lucas “Red Tails”. Sus restantes créditos

cinematográficos incluyen “Valerie Flake”, “Un plan perfecto”, la candidata

al Óscar “Ray”, “Pride”, “La extraña que hay en ti”, “August Rush: el triunfo

de un sueño” y “Iron Man”. En 2008, debutó sobre los escenarios de

Broadway en un montaje enteramente afroamericano de la obra de

Tennessee Williams “La gata sobre el tejado de zinc caliente”. Howard es un

músico autodidacta, que sabe tocar tanto el piano como la guitarra, y pudo

exhibir sus talentos musicales en “Ray”, en el papel del guitarrista de Ray

Charles, ‘Gossie McKee’, así como en “Hustle & Flow” como el rapero ‘Djay’.

Howard interpretó todos los temas de su personaje en la película, incluido

“It’s Hard Out Here For A Pimp”, que ganó el Óscar a la “mejor canción

original”.

JAEDEN LIEBERHER (OLIVER)

Jaeden Lieberher nació y se crió en Filadelfia, Pensilvania. Nunca pensó que,

cuando se trasladó al otro extremo del país, hasta Los Ángeles, su vida lo

llevaría hasta la interpretación. Hace dos años, poco después de realizar ese

viaje, consiguió su primer anuncio con Hot Wheels. Los directores de

casting, directores y productores se dieron cuenta enseguida de que Jaeden

era una joven estrella muy prometedora. Entre sus restantes trabajos

publicitarios figuran marcas como Google, Money Supermarket (para

Europa), Liberty Mutual, Hyundai (anuncio de la Super Bowl de 2013) y

Verizon Fios (como un Iron Man de 10 años). Jaeden debutó en la gran

pantalla interpretando a Chris Evans de joven en “A Many Splintered Thing”.

Recientemente, ha coprotagonizado a las órdenes del director Theodore

Melfi ST. VINCENT (The Weinstein Company, Chernin Entertainment),

frente a Billy Murray, Melissa McCarthy y Naomi Watts. La película cuenta

la historia de un chico (Lieberher) que se muda con su madre soltera

(McCarthy) junto a un viejo solitario y cascarrabias (Murray). En un

momento de desesperación por ambas partes, Murray acepta cuidar al chico

después del colegio. Por el accidentado camino, ambos aprenderán cosas

sobre sí mismos gracias al otro y entre ellos se creará una insospechada

amistad. A finales de 2013, Jaeden voló a Hawái para filmar el nuevo

proyecto de Cameron Crowe, frente a Bradley Cooper, Emma Stone y Rachel

McAdams. Poco después de terminar con ese título, se trasladó a Nueva

Orleans a rodar “Midnight Special”, bajo la dirección de Jeff Nichols, con

Michael Shannon y Kirsten Dunst.

Además de actuar, Jaeden disfruta animando a sus equipos locales, los

Phillies y los Eagles, leyendo y creando cómics, así como haciendo y viendo

películas (la mayoría de ellas nada adecuadas para un niño de su edad).

Espera verse algún día tras las cámaras como director.

ESPECIAL: ‘EL DÍA DE LA BESTIA’

Jaque al hipócrita espíritu navideño

Es habitual escuchar eso de “para ser española, es buena”, frase tan típica

que da pie a dos conclusiones muy importantes: que el público español no

sabe apreciar su propia cinematografía, o no la conoce directamente, y que

hay tienen muy poca memoria cinéfila. Porque ahí están Berlanga, Buñuel,

Almodóvar, Trueba, Gómez Pereira, Martínez Lázaro,… No falta talento,

pero sí quizá ayuda por parte de los que mandan.

Pero apologías políticas aparte, hay un nombre que es sinónimo de éxito en

nuestro país, y muy habitualmente de calidad, esa calidad que algunos

buscan en el cine español para parecerse lo máximo posible al cine

extranjero, y especialmente americano. Hablamos de Álex de la Iglesia, un

cineasta surgido de una generación que ha parido genios como Daniel

Monzón, Alejandro Amenábar o Jaume Balagueró. Una generación

preocupada por satisfacer al público en primera instancia, mucho más que en

ser autocomplacientes. Y hablar del realizador vasco es hablar,

inevitablemente, de la que a día de hoy sigue siendo su obra más redonda

pese a haber quedado anticuada en sus medios, que no en su discurso: “El día

de la bestia”.

No era la primera vez que de la Iglesia irrumpía en nuestras salas con su

humor siniestro, oscuro, y a veces absurdo, en el que los marginados son los

protagonistas. Ya dos años antes dio el campanazo con “Acción mutante”,

producida por el clan Almodóvar, un film mucho menos cómico e

indescriptiblemente más cyberpunk y macabro que el que nos ocupa. Una

película no demasiado exitosa a nivel de público pero convertida en clásico

de culto en la actualidad que serviría de carta de presentación para un

director con un estilo personal muy característico.

Elegir “El día de la bestia” en estas fechas navideñas tan consumistas e

hipócritamente felices no es casualidad. Los que la hayan visto sabrán que

estamos ante una de las comedias anti-navideñas más lúcidas de la historia,

un sarcástico relato sobre tres reyes magos embarcados en una misión a

medio camino entre la realidad y los efectos secundarios de sustancias

alucinógenas, una variación diabólica del nacimiento de Jesús que combina el

mejor humor negro y disparatado con el terror y la acción. Todo en una

demoníaca Nochebuena de finales del siglo XX en una urbe egoísta y oscura

como Madrid redescubierta a partir de sus suburbios, el escenario

cinematográfico perfecto para la llegada del Anticristo.

Tres reyes magos contra el demonio

El padre Ángel Berriatúa, catedrático de Teología y sacerdote vasco, cree

haber encontrado un mensaje oculto tras el Apocalipsis de San Juan. Según

el cura, el mensaje contiene la fecha exacta del nacimiento del Anticristo,

que no será otra que en Nochebuena, justo cuando comience el día de

Navidad de 1995. Y está convencido además de que será en Madrid, cuna de

una ola de violencia y delincuencia perpetrada por un grupo radical que actúa

bajo el nombre de “Limpia Madrid”, encargados de barrer de las calles a

inmigrantes, indigentes, homosexuales… en definitiva, a todos aquellos que

no entran dentro de lo que ellos consideran el bien social. Y es que, para

alguien que no ha abandonado nunca el convento, ese ambiente al que el

resto de los mortales ya estamos acostumbrados puede resultarle

tremendamente apocalíptico. Convencido de semejante locura, el padre

Ángel viajará hasta esta Sodoma moderna dispuesto a hacer el mal, para así

ganarse la confianza del maligno y poder estar presente en el nacimiento de

su hijo, con el objetivo de matar al niño.

Semejante despropósito de trama –denunciada por un escritor madrileño

por plagio de su novela, demanda que el autor perdió; esta historia se recoge

en el documental “El lado oscuro del clan Almodóvar”- podría haber dado pie

a un guión repleto de lagunas, pero de la Iglesia, junto a su inseparable y

amigo de la infancia Jorge Guerricaechevarría –gran amante de las historias

de género y uno de nuestros mejores guionistas, además de colaborador

habitual de otro grande, Daniel Monzón-, firmaron un guión prácticamente

redondo en el que no sobra ni falta nada, y el director imprimió a la cinta un

ritmo frenético sin descanso que va in crescendo. No es casualidad además

que el protagonista sea un sacerdote. De la Iglesia dio a su historia un

carácter personal, marcado por su infancia en los Jesuítas y su paso por la

Universidad de Deusto, de la que nuestro protagonista es catedrático.

Una cantidad de aciertos convirtió a “El día de la bestia” en un éxito

rotundo para el cine español, transformándola en un taquillazo (casi 5

millones de euros en taquilla solo en España, a lo que hay que sumar el éxito

en países extranjeros como Italia) y en un título alabado por la crítica (sus

seis Goya a director, actor revelación para Segura, dirección artística,

maquillaje, sonido y efecos visuales así lo atestiguan, así como el

reconocimientos en los premios Ondas y en Bruselas). Gracias al productor

Andrés Vicente Gómez, el único que se atrevió a llevarla a buen puerto, el

presupuesto inicial de 60 millones de pesetas (360.000 euros), financiado

por el propio director, ascendió a 300 millones (1,8 millones de euros),

necesarios para generar los efectos especiales punteros en aquella época

aunque algo anticuados actualmente, el maquillaje de los personajes y de la

bestia de la escena final, las escenas de acción rodadas en pleno Madrid de

noche y en grandes decorados fabricados en estudios,…

Del primer apartado técnico, efectos especiales, se ocupó un clásico de

nuestro cine, Reyes Abades, junto a Gabe Ibáñez y Rafa Solorzano,

mientras que el maquillaje corrió a cargo de José Quetglás, y la fotografía

fue obra de Flavio Martínez Lázaro, encargado de la costosa tarea de

iluminar una ciudad en penumbras y procurar que lo rodado en estudios y en

escenarios reales tuviera la misma continuidad de luz y color. Todos ellos

hicieron posible ese demonio con aspecto de cabra y montado sobre

plataformas, ayudado por cables, que llevaba una persona sin piernas; esa

histórica secuencia con el trío protagonista colgado del cartel de

Schweppes, una réplica exacta de la original de la Gran Vía, construida para

la ocasión; la paliza en el pasillo entre Rosario, madre de Jose María y

nuestro protagonista; o la persecución por Preciados en plena Nochebuena,

con el sacrificio posterior de los tres reyes magos. Y esto solo por

mencionar unas pocas.

Pero el gran acierto de este film son su guión y sus personajes,

caracterizados por un plantel de actores que no podían estar más perfectos

en sus interpretaciones. Álex Angulo, Santiago Segura y Armando de Razza

componen esos tres reyes magos obsesionados por matar al hijo del diablo.

Al Quijote del grupo, Angulo, ya lo conocía de la Iglesia. Fue protagonista de

su exitoso corto “Mirindas asesinas” en 1991, y fue uno de los mutantes de

su debut en el largo. Un actor secundario de nuestro cine para el que este

sería su primer papel protagonista, y el gran salto a la fama. Como también

supuso el trampolín al estrellato del formidable Jose María de Santiago

Segura, un heavy adicto a los tripis que confiará ciegamente desde el

principio en el padre Ángel por ser, como dice él, “satánico, y de

Carabanchel”. Tampoco era la primera colaboración entre Segura y el

director, pues también estuvo en su debut y años antes se conocieron en el

festival de cine de Valencia y más tarde trabajaron como historietistas en

“La Comictiva”, dirigida y fundada por Torbe. El dúo de Sancho Panzas lo

completa el italiano Armando de Razza, cantante y actor italiano muy

conocido en su país para el cual ésta era su segunda incursión en el cine

español tras la alabada “¡Ay, Carmela!”. Interpreta al escéptico profesor

Cavan, un farsante que usa el ocultismo y la parapsicología para ganar dinero

por televisión, teniendo contenidos en su programa que ni él mismo cree.

Precisamente por salir en la tele, el padre Ángel se fijará en él para

secuestrarle y pedirle ayuda.

El resto del reparto lo conforman: Terele Pávez como Rosario, la madre de

Jose María y dueña del hostal en que se hospeda el padre Berriatúa, una

mujer de firmes creencias de derechas a la que la veterana actriz,

recuperada por de la Iglesia y desde entonces habitual en algunos de sus

trabajos, imprimió su temple y enorme presencia en pantalla; Nathalie

Seseña, reputadísima secundaria de los 90 que interpreta a Mina, empleada

en el hostal de Rosario y la virgen cuya sangre pretende extraer el padre

Berriatúa para el rito de convocar al demonio, en una clara referencia al

“Drácula de Stoker”; y Maria Grazia Cucinotta, actriz italiana que da vida a

la exuberante y malograda novia de Cavan y que un año antes triunfara con

“El cartero (y Pablo Neruda)”. Además, realizan cameos otros actores que

más adelante alcanzarían la fama como Antonio de la Torre, el fallecido Paco

Maestre, Enrique Villén, Antonio Dechent, Jaime Blanch, el gran Wyoming,

Manuel Tallafé, Juan y Medio, Jimmy Barnatán o Saturnino García, que abre

la película junto a Álex Angulo y que ya había trabajado con él en “Mirindas

asesinas”. Muchos de ellos repetirían posteriormente con de la Iglesia.

Y, cómo no, la música de Def Con Dos, que ya pusieran banda sonora a

“Acción Mutante”, y que actúan en el film encarnando al ficticio grupo

Satánica. Porque la otra gran protagonista de “El día de la bestia” es la

banda sonora, una diabólica selección de temas musicales, algunos

expresamente compuestos para la ocasión, interpretados por grupos como

Soziedad Alkoholica, Extremoduro (con Albert Pla), Eskorbuto, Sugar Ray o

Siniestro Total, entre otros. Una muy recomendable banda sonora que

resultó todo un éxito de ventas debido al boom que supuso la película.

El mal a la vuelta de la esquina

Su banda sonora contiene temas musicales que van desde los anti-navideños

a los anti-religiosos, a los satánicos, yendo de la mano con el propio espíritu

de la película. Porque en “El día de la bestia” se hace una crítica cargada de

cinismo a la sociedad del consumo, a la hipocresía típica de las fechas

navideñas, a las doctrinas de la iglesia católica, y se suceden continuamente

los mensajes subliminales apocalípticos.

Las familias, como bien explica públicamente en televisión el profesor Cavan,

celebran felices la Navidad mientras fuera, en los suburbios de Madrid, ha

comenzado el reino del Anticristo. Cegados por los valores que transmite la

televisión, la población vive ajena a lo que ocurre fuera, inconscientes de que

el mal habita a la vuelta de la esquina.

Este contraste de valores está presente a lo largo de todo el metraje. Una

de las secuencias más icónicas se produce cuando el profesor Cavan entra en

un 24 horas llevado por inmigrantes del que acaban de salir cuatro hombres

muy bien vestidos con palos en las manos. Por el camino hacia la nevera del

establecimiento, Cavan se encuentra con varios cadáveres, y actúa como si

nada. Coge lo que quiere y deja el dinero en el mostrador. Un ejemplo de esa

sociedad cegada y deshumanizada a la que quiere criticar el bilbaíno.

La iglesia o la propia sociedad no son los únicos objetivos del director. El

mismo grupo “Limpia Madrid” supone una crítica al mal cotidiano, y de la

Iglesia se permite jugar con el espectadores invirtiendo los estereotipos

habituales. Desde el principio somos testigos de cómo una familia gitana

intenta ganarse la vida en la calle haciendo bailar a una cabra, símbolo

satánico por excelencia en la película, sobre una butaca. Posteriormente

vemos signos satánicos en los sectores más marginales de la ciudad. Y más

adelante se nos asegura que el Anticristo imitará el nacimiento de

Jesucristo, ocurriendo discretamente y no de manera pública como muchos

creen. Cuando el padre Berriatúa encuentra la marca del diablo en forma de

Torres Kio, entiende que ahí será el alumbramiento. Este pensamiento se ve

reforzado por la presencia de una estrella entre ambos edificios, una

representación demoníaca del mismísimo portal de Belén. En su interior se

oye al bebé de la familia gitana del comienzo, y automáticamente, tras

tantas pistas intencionalmente erróneas, el grupo “Limpia Madrid” irrumpe y

mata a la familia gitana y agrede a los protagonistas. El propio grupo

fascista es la encarnación del demonio, y el mismo cura ve en uno de ellos al

diablo, si bien no queda claro si es fruto de su propia paranoia o de la

realidad. Sea como fuere, la maldad tiene la forma de personas adineradas,

de clase social alta, transmitiendo así el film una sensación de falsa

seguridad. El mal habita en cualquier sitio, y de la Iglesia ha jugado con

nuestros estereotipos preconcebidos (fealdad, pobreza…) y los ha

subvertido para asestar un duro golpe contra los estratos sociales más

favorecidos. El padre Berriatúa buscaba en el sitio equivocado, y ahora

entiende que en lo cercano, en lo cotidiano, se encuentra el verdadero

diablo.

Esta combinación de humor macabro y cínica sátira sobre la sociedad de

consumo, sobre la pobreza del alma humana más cercana, sobre la

manipulación de los medios o la posición hegemónica y dictatorial, casi

alienante, de la religión católica, sería explotada posteriormente por el

director en títulos como “Crimen Ferpecto”, “Muertos de risa”, “La

comunidad” o la reciente “Balada triste de trompeta”, entre otras. Alcanzó

tanto la cumbre con este trabajo que constantemente se comparan sus

películas con esta, algo realmente injusto en la carrera de uno de nuestros

mejores y más imaginativos realizadores.

La última escena nos muestra una nueva inversión entre lo marginal y el

centro de la sociedad. Ángel y Cavan aparecen como vagabundos en el

Retiro. El clérigo que fue el que comenzó convencido parece haber perdido

la fe. Sin embargo, Cavan que antes fue un predicador farsante, se ha

convertido en un creyente convencido y orgulloso de haber salvado al mundo.

Aquí es donde el cineasta deja un final visual que dice más que las palabras:

mientras ambos se alejan por el parque, la cámara se eleva para mostrar a

los desgraciados protagonistas caminando bajo la mirada del monumento al

Ángel Caído del parque Retiro: la figura del demonio sigue presente y por

encima de ellos, pero lo más curioso es que está en el centro de Madrid. No

en los márgenes sociales, sino en el corazón de la sociedad de finales del

siglo XX. Y de la actual. Felices fiestas y feliz año nuevo.

Much Cine Revista diciembre 2014

Entertainment & Humor

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