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Índice

Presentación 3

Introducción 4

Hacia una conciencia

medioambiental

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Biografías 11

Ejes temáticos 18

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Presentación

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta la muestra In/Humano, la cual

plantea una visión crítica sobre el problema de la protección medioambiental en la actualidad a

través del trabajo de 17 artistas provenientes de todo el mundo.

Estos artistas se sirven de la fotografía, instalación, video y arte-objeto como herramientas para

establecer diversos canales de identificación entre el ser humano y su entorno natural ofreciendo al

espectador opciones y sugerencias para plantear su propia conclusión respecto a la situación del

medio ambiente.

La exposición curada por Gonzalo Ortega, curador en jefe de MARCO, no pretende imponer una

postura sobre lo ecológico o lo sustentable, sino presentar de manera muy personal la visión de los

artistas participantes, sobre un plano actual que nos involucra a todos. La exposición incluye obras

de Catherine Bagnall, Joseph Beuys, Miguel Calderón, Alejandro Cartagena, Alfredo De Stefano,

Charles Fréger, Shaun Gladwell, Douglas Gordon, Ilkka Haslo, Rodrigo Imaz, Claudia López Terroso,

Mike Meiré, Heather & Ivan Morison, Wayward Plants, Alec Soth, Joel Sternfeld y Tania Ximena.

Nombre de la exposición: In/Humano Organizador: MARCO Curaduría: Gonzalo Ortega Museografía: MARCO Localización: Salas 6 a 11 (Planta alta). Duración: Del 10 de julio al 2 de noviembre, 2014 Técnicas: Video, Instalación y Fotografía Número de obras: 53 obras / 17 artistas

Ilkka Halso | Cube-Outside, 2003 | ilfochrome/vidrio 100 x 127 cm | Cortesía Ilkka Halso.

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Introducción

Fragmentos del texto curatorial de Gonzalo Ortega

Una idea muy sencilla motiva a la presente exposición, y es la de apelar a los lenguajes y estrategias

del arte contemporáneo como herramientas de sensibilización con relación a los problemas

medioambientales que enfrentamos las sociedades de principios del Siglo XXI. Emitir mensajes

coherentes, realistas y efectivos –a la vez que poéticos y sensibles- en el complejo proceso de toma

de conciencia medioambiental, se ha convertido en una especie de tendencia reconocible en el

trabajo de artistas dispersos por todo el planeta. Pero más allá de ser únicamente una moda banal

del “go green”, los artistas seleccionados para la exposición parecen poseer una opinión poco

convencida de los movimientos ecológicos masivos, y muestran puntos de vista alternativos para

establecer vínculos profundos con el entorno natural. Contrario a lo que uno pudiera pensar,

ninguno de ellos asume una postura crítica con relación a la presencia y actividad supuestamente

“nocivas” de la especie humana en el planeta. Por el contrario, sugieren formas en las que pueda

integrarse nuestra existencia al complejo balance de fuerzas necesarias para la supervivencia de

millones de especies. Como característica fundamental, la mayoría de los trabajos artísticos que se

integran en esta exposición, no incurren en la demonización de la huella humana en los procesos de

regeneración de la vida en el planeta. Esa sería -probablemente desde el punto de vista de algunos

de ellos-, la postura trivial típica del ecologismo masificado. No, en sus proyectos es digno de ser

resaltado en ocasiones un ánimo por la vindicación de conceptos esenciales para la vida, que por

oposición también la refrendan; es decir: muerte, declive, descomposición, etc. La visión crítica

presente en muchos de los trabajos aquí documentados es la de recordar que estamos inmersos en

un gigantesco ciclo de apogeo y declive de lo orgánico. La expiración de los organismos impulsa el

advenimiento de otros en una constante regeneración.

La imposibilidad de un consenso sobre sustentabilidad y ecología, intuida de muy diversas maneras

por los artistas de la exposición, se hace notar en muchos de los trabajos aquí reunidos. Antes que

incurrir en toma de posturas radicales, muchos de ellos rastrean la posibilidad de una sintonización

positiva –y marcadamente independiente- con su entorno natural. Sin incurrir en los clichés

románticos del deber ser ecológico ellos han sido capaces de articular mensajes mucho más

coherentes que los de un activismo verde demasiado eufórico e ingenuamente convencido de sí

mismo. Los niveles críticos sobre la afectación al medio ambiente se perciben en estos trabajos de

manera tácita, pues en muchos casos el objetivo central de las piezas es el de establecer una

significación profunda y sensible con el paisaje, con plantas y animales, con las leyes de la

Naturaleza, etc. La estrategia seguida por muchos de los creadores aquí reunidos es la de abordar la

gran pregunta medioambiental desde una plataforma fundamentalmente poética. Y mucho se

agradece que algunos artistas hayan decidido integrarse al debate conservacionista a partir de este

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tipo de estrategias, pues soslayan argumentos seudo-expertos y son capaces de emitir mensajes

contundentes y significativos.

Los proyectos artísticos incluidos en esta muestra no responden a un mensaje unificado sobre la

relación del ser humano con el medio ambiente. Incluso algunas de las posturas filosóficas reunidas

aquí pueden ser interpretadas como contrarias entre sí. Una vez dicho esto, vale la pena recalcar

que lo que vale la pena entonces es la actitud de absoluta libertad con la que la mayoría han roto

ataduras con los clichés ambientalistas y han dado libre cauce a nuevas maneras de aproximarse e

interactuar con la naturaleza. La suma de singularidades alcanzada aquí describe escenarios

alternativos para la relación de nuestra especie con su entorno, e igualmente con otros seres vivos.

Se evidencia la diversidad como detonante de cambio y como herramienta para la toma de

conciencia colectiva.

Es momento de reflexionar sobre el papel que jugamos en el planeta y el derecho de propiedad

sobre flora, fauna y territorio, que nos hemos adjudicado tan a la ligera. Es también una invitación a

dejar que la naturaleza retome su curso, y a sintonizar la actividad humana con sus ritmos.

Allí radica el juego de conceptos entre lo humano y lo inhumano de esta exposición, así como la

difusa frontera que se dibuja entre ellos. La obra de los 17 artistas y colectivos convocados aquí es

un catálogo de opciones y sugerencias para que cada espectador saque sus propias conclusiones. No

hay, ni debe haber, una sola versión sobre ecología, sustentabilidad o políticas medioambientales.

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Hacia una conciencia medioambiental

“El calentamiento global ha desplazado a 144 millones de personas en cinco años; El agravamiento

de sequías, inundaciones, tormentas e incendios obliga a emigrar a los afectados”, “El Ártico: menos

hielo y más intereses económicos; La industria minera, de petróleo y gas operarán de forma

rutinaria en la zona, anticipa un experto”, “El ‘monstruo acuático’ mexicano, condenado a

desaparecer; La contaminación pone en peligro la especie”. El creciente aumento de temperaturas;

la contaminación de mantos acuíferos, lagos, ríos y océanos; y la extinción de especies animales y

vegetales, forman parte del cúmulo de noticias que se presentan a diario y cada vez con más

continuidad en los medios de comunicación, quienes alarman con urgencia un cambio en nuestras

actividades cotidianas, abriendo paso hacia una conciencia medioambiental.

El ser humano, desde sus inicios en la tierra, ha explotado los recursos derivados de ésta en

beneficio propio y de su comunidad, manteniendo un equilibrio en su coexistencia con la naturaleza

y adecuando el consumo de manera sostenible para ambos. Es a partir de la revolución industrial (s.

XIX) que este balance natural se empieza a colapsar, inclinándose hacía el lado de la explotación

desmedida. Los avances tecnológicos y la industrialización de los sectores económicos, han

provocando un deterioro sin precedentes a nuestro medio ambiente. Es en las últimas décadas del

siglo XX, en especifico a partir de los años 70’s, que en conjunto con las transformaciones culturales,

políticas, sociales y económicas, los problemas medioambientales han tomado una escala global.

Nunca antes se había contaminado, erosionado y aniquilado tanto la vida en la tierra como ahora. Es

posible que nos encontremo en el punto de no retorno, donde la faz de la tierra ha cambiado para

siempre.

La crisis ambiental ha sobrepasado el ámbito local hasta tomar una dimensión global, temas como

el efecto invernadero, el hoyo en la capa de ozono y la diversidad biológica en flora y fauna,

conciernen al mundo entero. La concentración en las capas inferiores de la atmosfera de dióxido de

carbono, producido por la quema de combustibles fósiles, ha ido en aumento provocando

contaminación en el aire y cambios drásticos en la temperatura de la tierra; Esto ha provocado en la

última década del siglo XX desastres meteorológicos, dejando como saldo 600,000 muertes en todo

el mundo, el 95% de éstas en países de pobreza extrema. Con ello, las precipitaciones han variado

en tiempo y espacio, provocando escasez de agua para consumo, riego e higiene, afectado a un 40%

de la población mundial.1 La vida como la conocemos está en un peligro eminente debido a la

explotación de la naturaleza y consumo irresponsable.

1 http://www.who.int/features/factfiles/climate_change/facts/es/index5.html

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La producción en masa y la comercialización de bienes ha creado una sociedad de ciudadanos

consumidores, donde la estrategia es el desechar lo obsoleto y adquirir el producto en boga, incluso

si sus variantes son solo superficiales o mínimas. Aún así, sería imposible generalizar esta postura,

puesto que existe un grupo minoritario que poco a poco toma fuerza, personas de todo el mundo

han despertado a una conciencia ecológica y desde finales del siglo pasado han incorporado

prácticas cotidianas que disminuyen el daño a la tierra optimizando recursos por medio del reciclaje,

separando la basura, utilizando medios de transporte colectivos o no contaminantes, entre otros.

Hace algunos años, la ola del go green tomó fuerza en la sociedad,

como lo toman las modas pasajeras impulsadas por intereses

económicos y/o políticos, poco a poco la sociedad se proclamaba y

exaltaba al reconocerse ecológicos, comprando productos que

colaboran a reducir la producción de basura. Evidentemente, la

lógica capitalista ha sabido adaptar el mensaje y las estrategias

para acercarse a este nuevo “consumidor verde”, promocionando

en sus campañas un uso responsable del medio ambiente a través

de empaques reciclados, materiales biodegradables y donaciones

altruistas; pero es en realidad una estrategia publicitaria que

identifica un grupo poblacional dispuesto a pagar, en muchas

ocasiones una cantidad mayor, por productos que nos liberan,

mucho o poco, de la culpa de ser parte del circulo vicioso del

consumidor. El greenwashing, no es más que una supuesta cultura

de lo verde liderada por las empresas, operado por intereses económicos, pues se invierte en una

imagen o campaña publicitaria que funciona como una pantalla de la carencia de prácticas que

minimicen el impacto ambiental de su compañía. Por ejemplo, la refresquera más importante a nivel

internacional, promueve su nuevo diseño de botellas ecológicas, pues están realizadas con un

porcentaje de hasta el 30% de plantas, la campaña publicitaria presume exageradamente los

beneficios medioambientales con los cuales colabora el consumo de este producto en su nuevo

empaque, sin presentar pruebas al respecto. El consumidor promedio poco hará por cuestionarse la

publicidad aparentemente verde, y consumirá dentro de la estrategia del mercado que maneja la

culpa como un medio para “consumir responsablemente”.

El reto es quizá saber identificar aquellas personas y organizaciones las cuales estén tomando las

medidas más efectivas y congruentes sobre el cuidado medioambiental. ¿Cuál sería nuestra realidad

si el mundo entero participara activamente en la reducción de nuestra huella de carbono? Resulta

utópico pensar que un cambio eminente suceda al incorporar estas prácticas ecológicas en todo el

mundo, si con las organizaciones que se plantean una solución no cooperan las posturas políticas,

económicas e ideológicas.

Greenwashing Es el acto de engañar al consumidor a través de supuestas prácticas ecológicas de la compañía o los beneficios al ambiente a través del producto o servicio. El objetivo de esta práctica es la de fomentar a través de campañas publicitarias el consumo de determinados productos bajo la promesa de la utilización responsable y cuidados al medioambiente.

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Ante esta euforia de lo verde existe una tendencia en el arte contemporáneo, donde artistas de todo

el mundo, cansados de estas versiones mediáticas de la ecología, retoman la temática del cuidado

del medioambiente como herramienta para la sensibilización a los problemas que enfrentamos

actualmente. Con puntos de vista alternativos a la corriente masiva del go green, que por mucho

tiempo ha demonizado la acción del hombre, los artistas proyectan vínculos genuinos con el

entorno, estableciendo un canal de comunicación con lo natural, definiendo de manera distinta el

concepto de la naturaleza y visualizando de manera positiva la intervención del hombre en el

entorno natural.

La postura de reconocer al hombre y su huella ecológica como la amenaza fatal que atormenta al

planeta, es quizá, reconocida por estos artistas como una postura por demás trivial y hegemonizada

de la corriente ecológica masiva. En sus proyectos dan aires de ánimo por el restablecimiento del

concepto de la vida sin dejar de un lado los ciclos de creación natural, en donde está involucrada la

muerte, la descomposición y la evolución.

Las obras y los artistas presentes en la exposición no toman posturas radicales conservacionistas, en

cambio, se intuye que hay una realidad que hace imposible un consentimiento universal y único

sobre las practicas medioambientales, y proponen desde su individualidad – desde una plataforma

poética y artística – un contacto con lo natural, sean plantas o animales, y buscan sanar heridas o

reconstruir el daño realizado consciente o inconscientemente por el ser humano.

Las obras no entrevén un postura crítica hacia la ecología mediática o las campañas sin sustento

sino que su visión crítica es la de recordar que estamos inmersos en un microorganismo que no solo

involucra la vida del ser humano sino de cientos de especies vegetales y animales, todos en un

mismo ciclo de expiración y regeneración.

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Biografías

Alec Soth (1969, Estados Unidos)

Nacido en Minneapolis, Minnesota, el fotógrafo estadounidense es reconocido internacionalmente

por presentar otra cara del opulento país. Su primer trabajo publicado en 2004, Sleeping by the

Mississippi, fue aclamado por la crítica internacional, desde entonces ha publicado otros proyectos

como Niágara en 2006, Broken Manual 2010, entre otros. Desde el 2008, Soth dirige su propia casa

editorial Little Brown Mushroom. Su obra se ha presentado en distintas sedes internacionales, como

Brasil y Francia, entre otras.

Alejandro Cartagena

(1977, República Dominicana)

El artista dominicano reside y trabaja desde hace dos décadas, en la ciudad de Monterrey. Su

fotografía se centra en la exploración del paisaje natural y urbano, como evidencia de las

construcciones culturales, sociales y políticas que conforman las sociedades actuales, en especial las

latinoamericanas. Su obra se ha presentado individual y colectivamente en distintos países como

México, China, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Canadá y Guatemala. El libro Suburbia Mexicana fue

publicado en el 2011, por Dayligth y Photolucida.

Alfredo de Stefano

(1961, México)

Originario de Monclova, Coahuila. El fotógrafo posee una especial fascinación por el paisaje,

específicamente por el desierto, llevándolo a recorrer el mundo fotografiándolos e interviniéndolos,

entre ellos el desierto del Sahara y el Atacama. A lo largo de su trayectoria como artista han

destacado sus series fotográficas: De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar

el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006). Su trabajo se ha presentado en más de noventa

exposiciones entre individuales y colectivas alrededor del mundo. Es considerado uno de los

fotógrafos contemporáneos más importantes del país.

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Catherine Bagnall

(1965, Nueva Zelanda)

La obra de la neozelandesa se balancea entre el límite de la moda y las artes performativas; a través

de la creación de prendas o vestuarios, la artista explora la habilidad de estas para trascender y

transformar al usuario o espectador. Su obra a menudo aborda la relación con las prácticas

ecológicas y la conciencia medioambiental, ha expuesto en distintas partes del mundo destacando

sus residencias en Corea y Austria.

Charles Fréger

(1975, Francia)

Graduado de la Ecole régionale des beaux-arts de Rouen en el año 2000, su fotografía, en la que

constantemente se centra en el retrato, captura la representación de grupos sociales no solo de

manera antropológica sino también poética. Su obra es un reflejo de la imagen contemporánea de la

juventud. En 2002 funda la comunidad artística Piece of Cake, donde colaboran artistas de Europa y

Norte América, de este proyecto nace la casa editora POCproject. Su obra se ha expuesto en Francia,

Bélgica, Holanda, Alemana, entre otros.

Claudia López Terroso

(1977, México)

Vive y trabaja en Oaxaca, México. López Terroso estudió arte visual en la Escuela de Pintura

Escultura y Grabado (ENPEG) La Esmeralda en la Ciudad de México. Su obra se ubica entre los

híbridos del dibujo y la fotografía como lenguaje. Ha realizado diversas exposiciones colectivas e

individuales en el país. Su trabajo artístico le ha valido reconocimientos recientes como el ser

becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y en la producción e investigación de Arte

Actual Bancomer–Museo Carrillo Gil. Obtuvo el premio de adquisición en la Bienal Omnilife 2001.

Douglas Gordon

(1966, Irlanda)

A través del video, la fotografía y la escultura, el artista interpreta y explora unas de las grandes

dualidades: la vida y la muerte, el bien y el mal. Galardonado por en Inglaterra con el Premio Turner

en 1996, el Premio 2000 en la Bienal de Venecia en 1997, y el premio Hugo Boss en el Museo

Guggenheim en Nueva York en 1998. Su obra ha recorrido el mundo visitando grandes museos entre

ellos el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, el Centro Cultural de Belém en Portugal, el DIA

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Center for the Arts en Nueva York, la Vancouver Art Gallery en Canadá, el Museo Rufino Tamayo en

la ciudad de México, entre otros.

Heather e Iván Morrison

1973, Reino Unido y 1974, Turquía)

Este dúo de artistas desarrolla su obra integrando historias, sitos específicos, materiales y procesos;

sus proyectos son diversos y abarcan el performance, la instalación y la arquitectura. Han expuesto

en diversos espacios culturales incluyendo la Tate Britan, Tate Modern, The Barbican, The Vancovier

Art Gallery, y la edición 52a de la Bienal de Venecia, representado a Gales.

Ilkka Haslo

(1965, Finlandia)

Graduado en 1992 de la Maestría en Artes por la Universidad de arte y diseño en Helsinki. Por medio

de sus proyectos, el artista finlandés, aborda el rescate y protección de la naturaleza, la cual se

encuentra en peligro. Sus obras, consideradas una forma de land art, son una respuesta al cambio

constante de nuestro planeta. Ha expuesto en París, Alemania y Estocolmo. Actualmente vive y

trabaja en Orimattila, Finlandia.

Joel Sternfeld

(1944, Estados Unidos)

Es reconocido por sus fotografías a color en gran escala. Sus imágenes exploran la posibilidad de

una identidad americana colectiva, por medio de documentar lugares y gente ordinaria alrededor de

Estados Unidos. En su proyecto American Prospects, 1987, el artista retrata el paisaje que ha sido

alterado por la mano del hombre, como en muchas de sus obras el color y la ironía son elementos

clave. Su obra se encuentra en importantes colecciones como los son el MoMA y el Getty Museum.

Joseph Beuys

(1921 – 1986, Alemania)

Escultor y dibujante alemán, creador de performances, líder político y maestro, Joseph Beuys es

considerado uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX; tanto sus obras y

acciones como su pensamiento constituyen un cuerpo creativo de gran influencia y debate en la

actualidad. Beuys generó obras innovadoras en relación al manejo del espacio, las técnicas y los

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materiales, aunque nunca abandonó al dibujo como forma esencial de expresión. Asimismo, produjo

un volumen importante de obra gráfica, que va desde el registro de un delicado gesto lineal hasta la

fotografía intervenida con plastas de color y grafismos.

Miguel Calderón

(1971, México)

La obra de Calderón es provocadora, a través de fotografías y pinturas satiriza la construcción social

y cultural de la clase media y sus comportamientos para transformarlos en nuevos significados. Sus

obras se han mostrado en importantes espacios como el Museo Reina Sofía de Madrid, en el

Guggenheim de Nueva York y en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, entre otros

Mike Meiré

(1964, Alemania)

Director artístico, diseñador, artista, arquitecto, fotógrafo, curador y editor. En 1987, Mike fundó la

agencia de diseño Meiré und Meiré, junto con su hermano Marc, en 2001 funda NEO NOTO, una

empresa de producción cultural; sus propuestas creativas se balancean en el límite del diseño

comercial y el arte. A menudo sus trabajos son comisariados, como los que ha realizado para

Dornbracht Culture Projects, y dirigido sus propias creaciones como The Farm Project, Global Street

Food y Revolving Realities.

Rodrigo Imaz

(1982, México)

Graduado con honores de la Maestría en producción artística de la Universidad Politécnica de

Valencia, Imaz, despliega su obra con una carga de humor negro y poesía, presentando aspectos de

la vida cotidiana, los cuales se funden entre realidad y ficción. En su obra conviven animales, reales

e imaginarios, como símbolos y atributos a la sociedad, y el ser humano, como el único ser capaz de

usar su raciocinio como arma destructiva. Su obra ha estado presente en exposiciones en México,

E.U.A., España, Argentina, Italia, Holanda, Bélgica, entre otros.

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Shaun Gladwell

(1972, Australia)

A través del video, performance, pintura y escultura, el artista australiano, critica su historia

personal y la cultura contemporánea. Conocido como un artista digital, describe sus videos como

performance landscapes, involucrando ambos paisajes: rural y urbano. Gladwell es uno de los

artistas contemporáneos más reconocido en Australia, su obra se ha presentado en España, Brasil,

Italia, entre otros.

Tania Ximena

(1985, México)

La obra de Tania Ximena se vincula al paisaje, representado en dibujos y fotografías, nos plantea

una propuesta artística que reflexiona sobre la relación del hombre y la naturaleza como un mismo

sujeto. Para Ximena, todo lo que puede ser representado es humanidad. Así mismo parte de su

trabajo parte de las cuestiones: ¿Qué clase de mundo habitaría el hombre si abandonara la idea de

humanidad? ¿Qué sería si el hombre no fuera el núcleo del exterior, sino, el contrario, fuera éste el

principio de un interior indefinible?

Su participación en esta exposición propone interrogar este eje de mundo (o idea de humanidad),

explorar el espacio intersubjetivo compartido por dos personas en su no estar. La estructuración

muestra una autoría compartida o presencia en complicidad, deja rastro de un espacio no físico

habitado por ambos. Eso existe después del ser humano, algo místico que sucede al espíritu,

siempre relacionado con la muerte, con la eternidad o la presencia de una divinidad. Acreedora de la

beca Jóvenes Creadores FONCA/CONACULTA en su emisión 2010-2011 y 2007-2008. Su obra se ha

presentado en México, Francia y Alemania.

Wayward Plants

(2010, Reino Unido)

El colectivo de artistas, diseñadores y agricultores urbanos, con residencia en Londres, es liderado

por la urbanista Heather Ring. Su propósito es crear respuestas creativas al uso del suelo

explorando el intercambio social y natural en el espacio. A través de una arquitectura del paisaje se

crean ambientes llenos de narrativa los cuales expresan historias y crean vínculos con la naturaleza.

Su proyecto Urban Physic Garden ha recibido diversas menciones alrededor del mundo y

actualmente se encuentra proyectándose en Tailandia y Vietnam.

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Ejes temáticos

Fauna: seres vivos

En el presente grupo de obras, encontraremos como común denominador el contacto que el ser

humano mantiene con los seres vivos, en especial con la fauna. Tratando casos como la

preservación, la extinción, la domesticación y la explotación los artistas exploran de diversas

maneras cómo establecer una conexión profunda con las especies, creando canales de

comunicación y convivencia con estos seres.

El uso de pieles de animales en la industria de la moda ha sido un tema de protesta constante por

parte de los grupos conservacionistas, puesto que se cataloga como un accesorio de sofisticación y

lujo a la matanza de animales, los cuales tienen una muerte deplorable y pésimas condiciones de

vida en cautiverio. La artista Catherine Bagnall aborda a través

de la controversia de esta práctica la preservación del hábitat

en Nueva Zelanda, elaborando prendas de vestir con pieles de

zarigüeyas.

La llegada de los llamados Opossums (zarigüeyas o tlacuaches)

a los paisajes de Nueva Zelanda ha deteriorado el hábitat de

miles de especies vegetales y animales; cual si fueran una

plaga, estos marsupiales han devorado y acabado con aves

originarias del país y raíces de sus espesos bosques. Gonzalo

Ortega, curador de la muestra, apunta sobre el aspecto crítico

que encontramos en el trabajo de esta artista neozelandesa:

“La obra… apunta críticamente a esa matanza con fines de

preservación, pero no sin antes resaltar el hecho de que ella

misma, como descendiente de los conquistadores europeos, es también una raza invasora que

busca integrarse y lucha por su espacio.”2 Presentando, en segunda instancia, la analogía de

hombre, quien ahora se viste de la zarigüeya, como el depredador del hábitat natural.

La video instalación Starmaker, 2005, realizada por el dúo de aristas británicos, Heather e Iván

Morrison, nos presenta la naturaleza con un grado de ficción, las imágenes en secuencia muestran

una noción de la naturaleza de manera idealizada. Los animales disecados frente a escenografías

editadas como una manera de ilustrar los actuales museos de historia natural, y a la par, se presenta

la parte industrializada de la naturaleza, como son los cultivos de flores. El ambiente que envuelve a

2 Ortega, G. Catálogo de la exposición In/Humano, Museo MARCO

Catherine Bagnall, en colaboración con Julian Bishop | Hooded Dress with Tail, 2011 | Impresión lightjet | 200x150 cm.

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la pieza es característico de una película de ciencia ficción, como si la música delatara la veracidad

de las escenas mostradas.

Miguel Calderón, artista mexicano, presenta para

esta exposición dos piezas que establecen vínculos

con lo natural y los animales, tomando como

concepto discursivo la domesticación de lo salvaje.

Las fotografías Color Schemes, 2012, fusionan de

manera singular la tecnología con la naturaleza,

en la toma conviven bicicletas de diseño y

majestuosos halcones, en una composición

consciente lograda a través del color. En contraste

con la pieza anterior se muestra la

videoinstalación Los pasos del enemigo, 2005. Un

repentino rugido aterroriza la oscuridad de la sala,

y por un momento no nos sentimos seguros ante la presencia de otro ser vivo, del cual podemos ver

sus ojos y colmillos con intenciones de atacar. Presenciar la obra nos invita a reflexionar en la

naturaleza de estos animales en su expresión más real la cual no puede ser domesticada o

desvalorizada, y nos aleja de la imagen idílica de aquel halcón obedeciendo órdenes sobre la

bicicleta para presencial la naturaleza de una pantera.

El elefante asiático ha sido domesticado desde hace miles de años, en la India donde estos animales

son valorados en gran estima y juegan un papel importante es su historia y cultura. En algún

momento estos paquidermos eran montados para liderar una batalla, hoy en día son utilizados en

ceremonias religiosas para que sean montados por el novio en una esplendida caravana. Al

fotógrafo francés Charles Fréger le interesa retratar estas singularidades culturales, con un punto

de vista antropológico. En la serie de fotografías Painted Elephants, 2013, mostrando el valor de los

elefantes para la cultura en la India, estos son montados por Mahouts, que quiere decir novio, para

el festival de Jaipur, y son ornamentados con vibrantes colores en motivos religiosos, telas preciosas

y joyería. Detrás de esta festividad y a pesar del gran estima de los hindúes por estos animales, se

esconde el ocasional maltrato y las pobres condiciones de vida obligados a vivir en cautiverio.

Grupos de derechos de los animales lograron cancelar estas acciones realizadas para el festival poco

tiempo después de ser fotografiados por Fréger.

La obra de Douglas Gordon Play Dead, 2003, trata

nuevamente sobre el maltrato hacia los animales

por medio de la domesticación. En el vídeo puede

observarse a un gran elefante, en una habitación

blanca de detalles minimalistas, el contraste entre

Miguel Calderón | Color Scheme White, 2012 Impresión digital | 98 x 119 cm | Cortesía del artista y Kurimanzutto, Ciudad de México.

Douglas Gordon | Play Dead; Real Time, 2003 | Instalación de video multicanal sin sonido | dimensiones variables CIAC Colección Isabel y Agustín Coppel

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la bestia y el espacio es evidente, la masividad del animal frente al reducido espacio nos hace pensar

que vive en encierro y lo confirma en la acción de tirarse al suelo y “hacerse el muertito”. Para la

industria del espectáculo, domesticar animales salvajes ha sido por años un medio lucrativo, muchas

veces sin considerar cuestiones naturales o condiciones de vida, exponiéndolos a maltratos y rutinas

agotadoras.

En una ambiciosa instalación realizada por el artista alemán Mike Meiré que lleva por título The

Farm Project, 2007, nos presenta una granero atípico pues dentro de éste encontramos una estética

cocina rodeada de toda clase de objetos y de alimentos, vivos y muertos. La polémica pieza reúne en

el mismo espacio una granja de animales vivos y su versión enlatada para consumo. La pieza aborda

las diferentes posturas éticas asociadas con el consumo y las tradiciones gastronómicas. El curador

de la muestra señala que la instalación es un lugar que invita a la reflexión: “Esta granja es un

espacio para la matanza, la cosecha y la elaboración de viandas y conservas; un lugar para devolver

la significación trascendental a aquello que comemos; un lugar de sensibilización sobre los ciclos de

vida, muerte y regeneración en la Tierra; e igualmente un ejercicio de reivindicación y disipación de

culpas para los seres humanos por el hecho de alimentarse de otros seres vivos.”3

La pieza de Claudia López Terroso posee un

significado vinculado a lo sobrenatural estableciendo

un contacto con los animales de tipo físico y

espiritual. La obra de López Terroso quien nació y

creció en Oaxaca, hace referencia a este ambiente

doméstico y a los recuerdos de su infancia. Para la

obra Bajo los párpados, 2013, recurre a la tradición

familiar de un ritual de iniciación de las curanderas,

que consiste en domar un toro, para esto la artista

debió trabajar por días para ganarse la confianza de

este animal, que se acostumbrara a su presencia y olor para después montarlo. Los animales son

como para muchas familias oaxaqueñas, seres míticos, de gran importancia para la vida del hombre,

tal como lo demuestra en otra pieza de la misma serie donde la acompañan perros. En este sentido,

cabe recalcar la importancia que se le da a la naturaleza y a los animales en muchas partes de

México, lugares donde hoy en día se vive en un contacto no solo físico sino espiritual con estos seres

vivos.

Dentro de la muestra también encontramos el trabajo del reconocido artista Alemán Joseph Beuys,

su pieza titulada I like America, and America likes me, 1974, nos presenta una acción de tipo ritual

donde Beuys ejemplifica la cultura americana en la figura de un coyote, con el cual se encierra en

una habitación para tratar de ganarse su amistad y confianza. Al paso de los días el artista logra

3 Ortega, G. Catálogo de la exposición In/Humano, Museo MARCO

Claudia López Terroso | Bajo los párpados, 2013 Impresión en duratrans, caja de luz | 42 x 29 x 15 cm | Colección de la artista.

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acercarse al animal y ganarse su confianza, logrando establecer un contacto genuino y estrecho. La

pieza en su momento pretende traducir una relación cultural entre Estados Unidos y Alemania, pero

es evidente que también nos habla de una reconexión de los seres humanos con los animales.

El documental Hazte miel y las moscas te comen, 2014, del artista mexicano Rodrigo Imaz, muestra

este mismo vínculo con los animales. El personaje principal es Juan Perros, una persona que ha

decidió mantenerse alejado de las relaciones humanas para establecer un vinculo con los animales,

quienes le hacen compañía en el área donde habita, en condiciones insalubres.

Perros, gatos, gallinas, caballos, entre otros animales acompañan a Juan, quien abraza con gran

lucidez y sensibilidad, estas condiciones de vida, consciente por su parte en la construcción de un

vínculo con lo natural y estableciendo un canal de comunicación muy personal.

Hoy en día se ha vuelto común en las

grandes ciudades y carreteras presenciar el

atropellamiento de animales, haciendo

evidente el choque entre naturaleza y

civilización. El artista australiano Shaun

Gladwell presenta el vídeo Apology to

roadkill, 2007 -2009. Demostrando una

gran técnica de grabación y edición, el vídeo

presenta un motociclista que circula por una

carretera en Australia, que atraviesa un

paisaje desértico y sin vida, posteriormente encontramos la figura de un animal quien yace

atropellado sobre el camino, el motociclista se detiene y levanta el cadáver del animal para

colocarlo fuera de la carretera, su vestimenta que emula los avances de la civilización hacen una

analogía poética del remordimiento de la sociedad por esta injusticia hacia la naturaleza.

Diálogos con la naturaleza

Los artistas de este segundo eje temático abordan la relación del ser humano con otros seres vivos:

las plantas, en sí el paisaje y los recursos naturales, también nos hace reflexionar sobre el futuro del

entorno.

La mirada crítica de estos artistas no se posa sobra la devastación desmesurada que hace el

hombre, sino qué en muchos casos, proyectan su mirada hacía el futuro próximo o lejano, pero

viviendo las consecuencias de las acciones presentes.

Rodrigo Imaz | Hazte miel y las moscas te comen, 2014 | Video digital monocanal | 5' | Cortesía Rodrigo Imaz.

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El fotógrafo dominicano Alejandro Cartagena ha ubicado su residencia en la ciudad de Monterrey

desde hace ya dos décadas. Para este fotógrafo las cuestiones socio – ambientales que ocurren en la

sultana del norte son objeto de su lente, captando los contrastes sociales de habitar en una

metrópoli, Cartagena se enfoca en su serie Suburbia

Mexicana, 2008, a retratar la expansión de la ciudad.

En tiempos recientes, la ciudad ha experimentado un

aumento en su población debido a la industrialización

y áreas de oportunidad que brinda, en respuesta a esto

el gobierno local ha desarrollado una estrategia poco

sustentable, pues apuesta por desarrollos urbanos a

las orillas de la ciudad; cientos de viviendas de interés

social se asientan alineadas bajo las sombras de

imponentes montañas que caracterizan la zona,

afectando vegetación y ríos. Está visión es contrastada

con la mirada de los residentes, quienes a través de

esfuerzos logran adquirir una vivienda que cumple apenas con necesidades básicas y obligándolos a

trasladarse por horas a sus lugares de trabajo ubicados en la ciudad. La falta de planificación y de

estrategias efectivas ha provocado desarrollo de viviendas como estas que poco beneficio aportan al

entorno y la sociedad.

Por otra parte y con una visión similar, encontramos fotografías de casas en deterioro, basureros

gigantes que destruyen paisajes, contaminación de agua, suelo y aire, zonas afectadas por

desarrollo de suburbios olvidados, y la lógica dominante del capitalismo que obliga a desusar u

desechar. Esta cara de los Estados Unidos nos la muestra el fotógrafo americano Alec Soth, quien

con gran estética y sentido de composición muestra una dimensión irreconocible de uno de los

países primermundistas. Con cierta crudeza, se nos expone aquello que no creemos reconocer,

aquello que se sabe ha sido obra de nuestras manos pero poseemos cierta inmunidad a la culpa,

curiosamente en algunas de las fotografías de Soth no aparece el ser humano, autor de lo que

observamos, solo aparece el paso del hombre sobre el entorno.

También el paisaje se trata en esta muestra desde una perspectiva poética, usando el espacio como

el lienzo para plasmar la idea y la emoción, la pieza 4690msnm, 2011, de la artista mexicana Tania

Ximena, nos presenta un majestuoso paisaje del país. En él se observa el Nevado de Toluca que se

eleva imponentemente a 4,690 metros sobre el nivel del mar, mismo que da título a la obra, en el

vídeo se observa una pequeña figura que desciende por el cráter hasta llegar al lago que se sitúa al

centro, esta figura es la artista, quién en esta acción representa lo eterno de la naturaleza. El paisaje

se muestra místico y evoca esa fuerza superior de la naturaleza frente a la del hombre y el contacto

que podamos establecer con ella.

Alejandro Cartagena | Santa Catarina #3, de la serie Suburbia Mexicana, 2008 | Impresión de inyección de tinta | 85x101 cm | Colección del artista.

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Por su parte la obra de Alfredo De Stefano hace del paisaje inhóspito el objeto central de la

fotografía, su obra se caracteriza por retratar la diversidad de los desiertos del mundo como:

Acatama en Chile, el Sahara en África, Gobi en Asia, entre otros. El artista nacido en Saltillo,

Coahuila, tiene una particular fascinación por estos lugares, los cuales son reconocidos para la

escaza o nula presencia humana, ocasionada por las complejas condiciones ambientales de estos

ecosistemas, habitados por miles de especies animales y vegetales. La pieza presente en la

exposición muestra la figura de un hombre contemplando el vasto desierto de Acatama, el contraste

entre ambas presencias es evidente, puesto que el desierto y sus dunas superan en escala al ser

humano; la pieza invita a esta contemplación del paisaje, a conectar o reconectarse con lo natural.

Imaginemos el futuro, donde las plantaciones

agrarias sean industrializadas, donde se

clasificarán en un gran almacén de acuerdo a

especie, color, sabor, olor, todo esto operado

por maquinas que faciliten el trabajo, donde el

cuidado de estos no sea responsabilidad del

hombre, y donde seguramente el contacto con

lo natural tenga una restricción. Tal y como una

película de ciencia ficción así se muestran las

imágenes manipuladas por el artista finlandés

Ilkka Haslo, una naturaleza que se encuentra

en cautiverio, en una especie de laboratorio para mantener su existencia, ante la amenaza del

hombre. Estas imágenes representan una visión del futuro, uno que estamos creando o que

habremos de crear.

El arte como acción.

En este tercer eje temático encontramos una serie de propuestas que se enfocan a la regeneración

del entorno, incorporando prácticas en comunidad que procuran acciones para salvaguardar el

contacto del hombre con lo natural. Por ejemplo, el proyecto del artista neoyorkino Joel Sternfeld,

despliega de manera profunda, una extensa investigación sobre el paisaje. A través de fotografías

de gran formato, podemos observan sobre las vías de un antiguo circuito de trenes en Manhattan,

diversas formas en que la naturaleza ha encontrado un lugar para crecer. Durante las cuatro

estaciones del año, el fotógrafo se dedicó a fotografiar el espacio y sus cambios, observando y

reflexionando sobre la fuerza de la naturaleza y de como esta se apoderaba poco a poco, estación

por estación de la estructura completa. El proyecto fotográfico realizado por Sternfeld, contribuyó a

Alfredo De Stefano | Solo-Atacama Desert, Serie Tormenta de Luz, 2014 | Video proyección | Colección del artista.

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salvaguardar este espacio de ser demolido, la comunidad se ha apropiado de este lugar, el cual al

día de hoy es un parque público y un símbolo del la recuperación de espacios.

Promoviendo la colectividad e involucrando a la comunidad en proyectos artísticos y sociales, fue

posible The Urban Physic Garden, 2010–2011, creado por el colectivo de artistas, diseñadores y

agricultores urbanos Wayward Plants. El proyecto se apropia de un espacio en abandono, el cual se

reconstruye para crear un centro donde se promueva el cultivo, la utilización, cuidado e

investigación de plantas y hierbas medicinales. No cabe duda que el apoyo de la comunidad donde

está situado, es el motor de este experimento, pues estos se encargan de que el centro se mantenga

en función. En el espacio se realizan talleres de cultivo, charlas impartidas por especialistas y se

promueve la sana colectividad, todo con el mismo propósito de ver en pro de las especies vegetales.