Lorel Rodriguez y Andres MorenoI: Instrumentos de Viento Madera en El Barroco
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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA
UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES
CENTRO DE ESTUDIOS Y CREACIÓN ARTÍSTICA DE SARTENEJAS
LOS INSTRUMENTOS DE VIENTO MADERA
EN EL BARROCO
Nombres:
Lorel Rodríguez Pérez
Andrés Moreno
C.I.:
20.560.983
20.315.503
Caracas, diciembre de 2013
A lo largo de la historia, la familia de instrumentos de viento madera ha tenido
innumerables transformaciones, no sólo desde el punto de vista de construcción sino
también en lo referente a su ejecución. Durante los siglos XVI y XVII estos
instrumentos jugaban un papel activo y preponderante dentro de la música de cámara,
utilizando generalmente grupos de flautas y violas para los conjuntos de danza. Los
primeros compositores comenzaron a incluir los instrumentos de viento madera dentro
de las sonatas, conciertos y sinfonías concertantes, en los cuales uno o varios
instrumentos de viento tocaban a solo.
Resulta prudente mencionar que dentro de la clasificación de Gevaert, los
instrumentos de viento madera son clasificados en dos tipos:
De boca lateral: que corresponden a la flauta y flautín (provenientes de la antigua
flauta travesera o flauta alemana)
Instrumentos de lengüeta: que corresponden al clarinete, oboe y fagot,
(provenientes del chalumeau que a su vez era heredero del aulos y de la tibia
romana)
En el presente trabajo se hará referencia a la evolución de los instrumentos de
viento madera ya mencionados dentro del período Barroco, así como también a su
utilización por parte de los compositores de la época en los diversos géneros musicales,
prestando especial atención a la flauta.
El Oboe
Es un instrumento de viento madera con tubo cónico y lengüeta doble y su
construcción se considera de origen muy antiguo y que tiene como antecesor directo la
chirimía. Remnant (2002) señala que: (…) “desde fines de la Edad Media, los términos
francés e inglés hautbois y hautboye se emplearon a menudo para designar a las
chirimías, por lo que debió existir cierta confusión cuando también se aplicó al nuevo
oboe” (p. 127).
En los siglos XVI y XVII se le utilizaba para acompañar danzas. Algunas de las
obras de Lully como el ballet L´amour malade (1657), el oboe utilizado constaba de tres
llaves, dos de las cuales eran dobladas por el dedo meñique de cada mano, pero a partir
de 1750, una de éstas fue considerada como obsoleta ya que la mayor parte de los
intérpretes tocaba con la de la mano izquierda.
Fue considerado como un buen instrumento de relleno debido a su volumen
sonoro y calidad de timbre y en cantatas, óperas y oratorios de Haendel y Bach fue
utilizado un elevado número de oboes que doblaban las partes del violín. El progreso del
oboe realizado por los ejecutantes de aquella época dio pie a que fuera utilizado en la
orquesta como instrumento solista. No en vano, Bach asignó al oboe el término de “gran
solista patético”, dado al carácter poético de su timbre y su facultad de poder expresar
efectos elegantes y delicados.
El Clarinete
Instrumento de viento madera de tubo cilíndrico y lengüeta simple que fue
inventado aproximadamente hacia 1670- 1700 por Donner, como perfeccionamiento del
antiguo caramillo. En la época de Donner, el clarinete se parecía mucho a la flauta de
pico soprano y se construía en tres partes, añadiéndose gradualmente las llaves que
faltaban.
En 1749 y 1751, Rameau lo utilizó en la orquesta en Zoroastro y de Acanto y
Cefisa. Sin embargo, la mayor parte del desarrollo del clarinete se dio en el período
clásico ya que su nacimiento se encuentra a finales del barroco tardío.
El Fagot
Es un instrumento de viento madera de tubo cónico y lengüeta doble, que fue
inventado en el siglo XVI para reemplazar al bajo de oboe. Scheitzer era, en el siglo
XVI. un famoso fabricante de fagotes de los cuales existían tres clases distintas: el
Pommer tenor o fagotino, el Pommer bajo equivalente al actual fagot y el gran Pommer
doble equivalente al contrafagot.
Su timbre se usó en la orquesta para los efectos sombríos y dramáticos. Bach
tenía en aquella época fagotistas lo bastante hábiles para realizar movimientos animados
como en su cantata Mein Gott, wie lang.
Uno de los mayores constructores de fagotes fue el inglés Thomas Stanesby
(1692-1754) quien junto a su padre realizó este instrumento a petición de Haendel para
ser utilizado en L´allegro, il penseroso ed il moderato en 1740.
Cuadro El fagotista, de Harmen Hals (1611-1669)
La Flauta
Instrumento de viento de madera o de metal cuyo origen se remonta a la
antigüedad y que actualmente se divide en dos familias, flautas de pico y flautas
traveseras. El tubo de la flauta travesera era cilíndrico y tenía seis agujeros laterales
libres. Sufrió considerables cambios hacia mediados del siglo XVIII ya que se dividía el
cuerpo en cuatro partes, la cabeza, el primer cuerpo, el segundo cuerpo y el pie, las
cuales se encajaban la una a la otra. Brenet (1981) señala que: “la primera llave le fue
añadida a la flauta en 1690; la segunda, lo mismo que el alargamiento del pie, que
transformó la flauta en re a flauta en do data de 1722” (p. 213).
Lully, utilizó la flauta en Isis (1677). Haendel, por su parte, hizo referencia en
muchas de sus obras al término German Flute (flauta alemana muy parecida a la flauta
travesera), sin embargo no se utilizó en grandes masas dentro de las orquestas. Durante
el período barroco era frecuente la utilización tanto de la flauta de pico como de la flauta
travesera, Bach por ejemplo utilizó en su Concierto de Brandemburgo #2 la flauta de
pico aguda, y también era utilizada en las sonatas a trío, en las que a menudo se podía
intercambiar con otros instrumentos.
Desde el siglo XVII se publicaron numerosos métodos de flauta como los de
Furstenau, de Hotteterre (1707) y de Devienne, los cuales fueron durante aquella época
los más estimados.
Flautas de pico soprano, contralto, tenor y bajo (1720)
Flautas traveseras que muestras el progreso realizado en menos de cien años.
Johann Sebastian Bach, quien sin duda es uno de los iconos del barroco, dio un
papel preponderante a la flauta. En este sentido, se mencionan dos de sus más
importantes obras:
La Partita en La menor para flauta sola BWV 1013:
Bach deja claramente evidenciado en esta obra la importancia de la relación
melódico-armónica, donde la armonía deja de ser un sencillo acompañamiento de
acordes en base a la melodía, y a su vez, la melodía deja de ser una cierta cantidad de
notas compuestas en base a unos acordes. Genialmente logra que dicha relación funcione
a la perfección, utilizando de manera magistral el uso de de centros tonales vecinos y
notas de figuración melódica. También se observa claramente cómo relaciona sus ideas
musicales para construir un claro discurso musical, como si de dialéctica se tratara,
apoyándose en disonancias y en funciones armónicas, que utilizados de manera correcta,
sirven de conectivos en el lenguaje de su música. Su uso frecuente de notas de paso,
floreos, apoyaturas, cromatismos y demás figuraciones melódicas logró construir una
melodía que da la falsa sensación por momentos de dejar de ser monofonía para
transformarse en polifonía, ni la disonancia más odiada del momento (4aum
o 5dis
) ni
cualquier modulación resultan desagradables al ser escuchadas, pues se puede apreciar
claramente el por qué de sus existencias en pro del enriquecimiento del fragmento
musical.
Esta obra tiene forma de Suite, abarcando un grupo de danzas, generalmente
alternándose entre una de pasos lentos (como la Allemande o la Sarabande) y otra de
pasos más rápidos (como la giga, o la corrente). De esta manera, la Partita en la menor
para flauta sola BWV 1013 se compone de las siguientes danzas:
- Allemande: Danza de orígenes alemanes que se cree apareció a principios del
siglo XVI y que tomó gran importancia iniciando la suite clásica en el siguiente
siglo. Su estructura tonal básica sería la siguiente: //:T – D://:D - T://. En compas
de 4/4 con un movimiento moderado suele iniciarse con un ritmo acéfalo o
anacrúsico y mantiene como figura rítmica principal la semicorchea,
manteniendo dicha características a lo largo de toda la danza. Su estructura es
bipartita.
- Corrente: Aunque hay cierta confusión en cuanto a su origen, se suele afirmar
que data del siglo XVI, que en Francia era a dos tiempos y rápida pero que en el
siglo siguiente adoptó un tempo más moderado, convirtiéndose en una popular
danza a 3 tiempos de carácter más aristocrático. También hay quienes afirman
que en Italia, la corrente tenía ritmo ternario y tempo rápido: 3/8 o 3/4, como se
presenta en la Partita para flauta sola. Inicia con una marcada anacrusa. Se
desarrolla a lo largo de 62 compases de 3/4, su estructura es binaria, y al igual
que la primera danza ya analizada se divide en dos grandes partes (repitiéndose
cada una de éstas).
- Sarabande: Es una danza comúnmente lenta, a tres tiempos. Tiene un origen
incierto, se le considera española, andaluza, azteca y hasta oriental. En base a
algunos escritos hallados del español Miguel de Cervantes, se constató que en el
siglo XVI se conocían dos tipos de sarabanda: una rápida y otra lenta, y de
hecho, hacia finales de ese siglo se introdujo en las cortes galesas en su forma
grave, agradable y noble con un ritmo moderado. La sarabanda de esta partita -de
carácter dramático, sin duda alguna- se desarrolla en el compás ternario de ¾, y
su figura rítmica base es la corchea. Asimismo, consta de dos partes que se
repiten por separado.
- Bourrée Anglaise: danza rápida de ritmo binario que alcanzó su mayor auge en
los siglos XVII y XVIII al ser utilizadas en la suite barroca, en ballets y en
óperas francesas. Se compone de 70 compases escritos en ritmo de 2/4 y
comienza con anacrusa. Su ritmo que la distingue claramente es la sucesión
inmediata de dos semicorcheas y una corchea. Es un movimiento ligero, que
siempre se mantiene en movimiento (en la obra, la figura de más duración es
apenas una negra con puntillo). Similar a las demás danzas que componen esta
partita, debe su estructura a dos grandes secciones que se repiten.
La Pasión según San Mateo BWV 244
Esta obra fue compuesta por Johann Sebastian Bach probablemente entre
los años 1727 y 1729, ya que se desconoce la fecha exacta de su composición y
fue estrenada el Viernes Santo de 1729. El texto alterna 2 fuentes: el propio texto
del evangelio, los capítulos 26 y 27, que son cantados enteros y literales, en
pequeños fragmento y dramatizado (Jesús, Evangelista, Apóstoles o Narrador).
Consta de dos grandes partes con 68 números en las cuales se alternan arias,
recitativos y coros, utilizando doble coro y doble orquesta con coro de niños en
algunas secciones.
La orquesta juega un importante papel dentro de la obra ya que el
compositor mediante simbolismos musicales resalta a través del
acompañamiento las diferentes etapas de Cristo, por ejemplo en las arias donde
se cantan las palabras de Cristo se utiliza el acompañamiento de cuerdas como
símbolo de lo divino. Tanto las secciones de Cuerdas y de viento juegan un
importante papel en dicha obra considerada uno de los grandes tesoros musicales
de todos los tiempos.
Dentro de los instrumentos de viento madera utilizados se encuentra la
flauta traversa, cuya participación se evidencia en los Tutti y el arias que
generalmente cantan la soprano y mezosoprano, en las cuales dicho instrumento
apoya en la mayoría de los casos la melodía que lleva el cantante con pequeñas
variaciones rítmico-melódicas. Se utiliza muchas veces a dúo o a trío con otras
flautas o con oboes, aportando una riqueza tímbrica que se une a la melodía
llevada por el cantante. La flauta traversa dentro del plano orquestal barroco,
jugó un importante papel en lo referente al color y texturas tímbricas, participó
como solista y acompañante en arias, recitativos y coros de diversas obras y
compositores como Johann Sebastian Bach se encargaron de ascender su papel
tanto en el plano orquestal como solista.
REFERENCIAS
Remnant, M. (2002). Historia de los instrumentos musicales. Barcelona. Robinbook.
Brenet, M. (1981). Diccionario de la música. Barcelona. Iberia.
http://www.baluarte.com/idb/espectaculos/Prog-PASION.pdf. Sitio Web.