XIVTEMPORADADEGRANDESCONCIERTOS

2008/2009

martes, 27 de enero de 2009 • 20,15 horas

LONDONPHILHARMONICORCHESTRAMarin Alsop directoraJonathan Biss piano

LONDONPHILHARMONIC

ORCHESTRA

Hace setenta y seis años, en octubre de 1932, Sir Thomas Beecham

formó la agrupación que se ha convertido en una de las orquestas más

relevantes de todos los tiempos. Después del maestro Beecham han

pasado por la agrupación directores titulares como Sir Adrian Boult,

Bernard Haitink, Sir Georg Solti, Klaus Tennstedt y Kurt Masur. Esta

impresionante tradición continuó en septiembre de 2007 con el nombra-

miento de Vladimir Jurowski como Director Titular, y desde septiembre

de 2008 Yannick Nézet-Séguin es su Principal Director Invitado.

Desde 1992 es la orquesta en residencia en el Royal Festival Hall de

Londres, donde cada temporada ofrece cuarenta conciertos. Es además

la orquesta en residencia en Brighton y Eastbourne, actúa regularmen-

te en las principales salas del Reino Unido y tiene una temporada de

cámara de seis conciertos en el Wigmore Hall de Londres con solistas

© Richard Cannon

de la Orquesta. Durante la temporada estival actúa como residente

desde 1964 en el Festival de Ópera de Glyndebourne. En la temporada

2008/2009 destaca su Ciclo «Revealing Tchaikovski», basado en las

obras menos interpretadas del compositor, así como interpretaciones

de «Parisina» de Donizzetti y «Ermione» de Rossini en colaboración

con Opera Rara y los conciertos dedicados a Mendelssohn, con motivo

del 200º Aniversario del Compositor.

En 1956, la London Philharmonic Orchestra fue la primera orquesta bri-

tánica en actuar en la ex-Unión Soviética, y en 1973 realizó una gira por

la República Popular de China –siendo la primera visita en la historia

de una orquesta occidental–. Hoy en día, la giras continúan siendo una

de las actividades más significativas de la Orquesta, apareciendo de

forma habitual en Norteamérica, Europa y Oriente próximo. Sus próxi-

mas giras les llevarán a India, República Popular de China, Australia y

Dubai. Recientemente ha anunciado una residencia anual en el Lincoln

Center de Nueva York.

Una programación imaginativa y un compromiso con la música con-

temporánea son el eje principal de su programación. El pasado mes de

septiembre estrenó el «Concierto para violín "Mambo, Blues y Tarante-

lla"» de Mark-Anthony Turnage (Compositor Residente de la Orques-

ta). A este estreno le seguirá «Vita Nuova» de Vladimir Martynov y

«Dangerous Creatures» de Mathew Hindson.

La Orquesta emite regularmente sus actuaciones para radios y televi-

siones internacionales. Asimismo, es destacable su extenso trabajo para

la industria cinematográfica de Hollywood y Reino Unido, ya que ha

grabado bandas sonoras como «Lawrence de Arabia», «La Misión»,

«Philadelphia», «En el Nombre del Padre», «East is East», «Eastern

Promises» o la galardonada en los Premios Óscar a la mejor banda

sonora por «El Señor de los Anillos» (la trilogía).

La LPO ha prestado, desde su creación, especial atención en elaborar

un extenso registro audiovisual, estableciendo a lo largo de su historia

una robusta relación con los sellos discográficos más importantes.

Desde 2005 comenzó a presentar grabaciones en directo, en estudio y

de su propio archivo histórico, bajo su propio sello discográfico. Entre

sus recientes incorporaciones destacan las «Sinfonías n.º 7 y n.º 8» de

Bruckner con Klaus Tennstedt, la «Sinfonía n.º 10» de Shostakovich

bajo la dirección de Bernard Haitink, asi como un disco de música con-

temporánea con obras de Thomas Adès, James MacMillan y Jennifer

Higdon, dirigido por Marin Alsop.

Su labor educativa llega a miles de ciudadanos a través de variados

programas, que incluyen conciertos para familias y escolares, talleres y

proyectos comunitarios en los distritos londinenses de Lambeth,

Southwark y Lewisham, y los conjuntos Renga y Open Ear Orchestra.

En 2005 inició un proyecto de aprendizaje para jóvenes instrumentis-

tas, Foyle Future Firsts, que les ofrece un año de apoyo económico y

posibilidades interpretativas.

equipo técnico y artístico

Patrón

HRH The Duke of Kent KG

Director Principal

Vladimir Jurowskiapoyado por Aviva plc

Principal Director Invitado

Yannick Nézet-Séguin

Concertino

Pieter Schoeman

Compositor Residente

Mark-Anthony Turnage

Jefe Ejecutivo y Director Artístico

Timothy Walker AMapoyado por Macquarie Group

Gerente y Director Financiero

Cameron Poole

Gerente de Conciertos

Matthew Todd

Administradora Artística

Ruth Sansom

Directora de Educación y Proyectos Comunitarios

Tabby Estell

Directora de Desarrollo

Emma O’Connell

Directora de Márquetin

Kath Trout

Gerente del Personal de la Orquesta

Andrew Chenery

Bibliotecario

Richard Payne

Regidor

Michael Pattison

Marin Alsop directora

En septiembre de 2007, Marin Alsop hizo historia al ser nombrada

Directora Musical de la Orquesta Sinfónica de Baltimore, convirtiéndo-

se en la primera mujer que lidera una de la principales orquestas ame-

ricanas. Este nombramiento ha sido un reflejo de su continuo éxito

como Directora Titular de la Orquesta Sinfónica de Bournemouth entre

2002 y 2008, de la que es en la actualidad Directora Emérita.

Ha sido la primera artista en recibir en el mismo año el Premio Gramo-

phone como «Mejor Artista del Año» y el Premio al «Mejor Director»

por la Royal Philharmonic Society. En 2005, Marin Alsop obtuvo el Pre-

mio Classical Brit como «Mejor Artista Femenina» de 2005, así como la

prestigiosa beca MacArthur (nunca antes se había otorgado a un direc-

tor). En 2006 consiguió el Premio de los Oyentes de la Radio 3 de la

BBC que ofrece la Royal Philharmonic Society, y en 2007 recibió el Pre-

mio Europeo a la Mujer. En otoño de 2008 fue investida Miembro de la

Academia de las Artes y las Ciencias Americana.

Marin Alsop ha dirigido la mayoría de las principales orquestas ameri-

canas, como Chicago y Boston, así como la Filarmónica de Nueva York,

Filadelfia, Los Ángeles y Pittsburgh. Es una de las pocas directoras que

repite cada año con las orquestas Sinfónica y Filarmónica de Londres. En

Europa ha dirigido la Royal Concertgebouw, Zurich Tonhalle, Orchestre

de Paris, Bavarian Radio, Sinfónica de la Radio de Fráncfort, Ópera del

Estado de Múnich y Filarmónica de la Radio Holandesa. Asimismo, en

abril de 2008 debutó junto a la Orquesta Filarmónica della Scala en

Milán, siendo la primera mujer en hacerlo en los 230 años de historia de

la Orquesta.

En septiembre de 2006, Marin Alsop estrenó la ópera «La Decisión de

Sofía» de Nicholas Maw en la Ópera Nacional de Washington. Tam-

bién debutó en la Ópera de San Luis con «Nixon en China» de John

Adams, que posteriormente ofreció en la Ópera de Colorado y grabó

para Naxos. En 2004 dirigió «Candide» de Bernstein con la Filarmóni-

ca de Nueva York, que fue nominada a los Premios Grammy de 2005,

y en otoño de 2008 dirigió la Misa de Bernstein en el Carnegie Hall den-

tro del Festival Leonard Bernstein, y también junto a la Orquesta de

Baltimore en el Kennedy Center de Washington.

Marin Alsop continúa su relación con la Orquesta Sinfónica de Colora-

do como Directora Laureada, después de doce años como Directora

Titular. Desde 1992 es la Directora Musical del Festival Cabrillo de

Música Contemporánea y es la Principal Directora Invitada de las

Orquestas City of London Sinfonía y la Real Orquesta Sinfónica de

Escocia.

De su exitosa colaboración con el sello discográfico NAXOS han salido

grabaciones como las Sinfonías de Brahms con la London Philharmo-

nic y cedés con la Sinfónica de Bournemouth, con obras de Bartók,

Bernstein y Orff. Entre sus proyectos con la Sinfónica de Baltimore está

un ciclo con la obra sinfónica de Dvorák. Además, es comentarista de

los programas NPR Weekend Edition «Marin on Music», Radio 3 de la

BBC y XM Satellite Radio. En 2006 fue la única artista clásica invitada

al Forum Económico Mundial que tuvo lugar en Davos (Suiza). Fuera

de la prensa especializada ha aparecido en publicaciones como Time,

Newsweek, Today Show de la televisión NBC, y ABC.

Marin Alsop nació en Nueva York, estudió en la Universidad de Yale

y completó sus estudios en la Juilliard School de Nueva York. En 1989

ganó el Premio Koussevitzky de Dirección en Tanglewood y el Premio

Leopold Stokowski en Nueva York.

Jonathan Biss piano

Jonathan Biss, pianista norteamericano, es ya un talento musical mun-

dialmente reconocido. Ha sido aclamado por la cuidada elaboración de

sus programas y por su madurez musical y versatilidad, y ha trabaja-

do con directores de la talla de Alsop, Barenboim, Conlon, Sir Andrew

Davis, Dutoit, Levine, Maazel, Marriner, Morlot, Nézet-Séguin,

Robertson, Slatkin, Tilson-Thomas, Zukerman y Zinman. Asimismo,

ha actuado con las Sinfónicas de Boston, Cincinatti, Chicago, San Fran-

cisco y Pittsburgh, Los Ángeles y Filarmónica de Nueva York, Metro-

politan Opera Orchestra, National Symphony y Phildelphia Orchestra,

Pittsburgh y San Francisco.

En Europa, Jonathan Biss ha tocado con la BBC Symphony, BBC Phil-

harmonic, Gulbenkian Orchestra, Filarmónica de Israel, Filarmónica de

Múnich, Filarmónica de Róterdam, Tonhalle de Zúrich, Filarmónica de

Helsinki, WDR Köln, Mahler Chamber Orchestra y dos veces con la

Staatskapelle de Berlín. La pasada temporada lo hizo con la Orquesta

del Festival de Budapest, Orquesta Sinfónica de Bamberg, Swedish

Chamber Orchestra y Orquesta de la Radio Danesa, así como con la

Camerata Salzburg y dirigida por Sir Roger Norrington en Viena y

Graz.

En el ámbito de la música de cámara ha actuado en las salas más

importantes de Estados Unidos y Europa, como por ejemplo en Ber-

kley, Chicago, Nueva York, Filadelfia, París, Bruselas, Milán y Ámster-

dam, y en los Festivales de Salzburgo, Lucerna, Salzburg Mozartwo-

che, Schleswig-Holstein, Festival Beethoven, Schwetzingen, Bonn,

La Roque d’Antheron, Wigmore Hall y Verbier. También abrió la Serie

de Piano del Concertgebouw la temporada pasada, donde ha regresa-

do recientemente, y ofreció un recital en el Ciclo Internacional de Piano

de Londres, volviendo en dúo con Richard Goode. En agosto de 2008

realizó una gira por Europa formando trío con Midori y Johannes

Moser.

Jonathan Biss pertenece a una familia de músicos. Su abuela, Raya Gar-

bousova, fue la célebre violoncellista para quien Samuel Barber com-

puso su «Concierto para violoncello». Sus padres, Paul Biss y Miriam

Freid, son violista y violinista, respectivamente. Estudió en la Univer-

sidad de Indiana y en el Instituto Curtis de Música con Leon Fleisher.

Jonathan Biss ha ganado numerosos premios, como el Gilmore Young

Artists (2002), Lincoln Centre, Avery Fischer, Andrew Wolf Memorial,

Borletti-Buitoni (2003) y Leonard Bernstein (2005). Graba en exclusiva

para el sello EMI y recientemente ha recibido el Premio Diapason d’Or

del Año por su grabación de las Sonatas de Schumann (su primera gra-

bación para EMI), en la categoría de Jóvenes Talentos. Acaba de lanzar

al mercado su segundo cedé con Sonatas de Beethoven, y obtuvo el

Premio Edison a la «Mejor Grabación» en recital de 2008.

PRIMEROS VIOLINESPieter Schoeman ConcertinoVesselin Gellev

Ayudante del ConcertinoKatalin VarnagyCatherine CraigThomas EisnerMartin Höhmann

puesto apoyado por Richard Karl Goeltz

Geoffrey LynnRobert PoolSarah StreatfeildPeter NallAlain PetitclercRebecca ShorrockGalina TanneyToby TramaseurCaroline SimmsKay Chappell

SEGUNDOS VIOLINESClare Duckworth Principal

puesto apoyado por Richard y Victoria Sharp

Joseph MaherKate Birchall

puesto apoyado por David y Victoria Graham Fuller

Nancy ElanFiona HighamNynke HijlkemaMarie-Anne MairesseAshley StevensAndrew ThurgoodDean WilliamsonAlison StrangeStephen StewartMila MustakovaElizabeth Baldey

VIOLASAlexander Zemtsov* PrincipalRobert DuncanAnna GreenAnthony Byrne

puesto apoyado porMr ay Mrs J A Kessler

Katharine LeekSusanne MartensBenedetto PollaniEmmanuella ReiterLaura VallejoAlistair ScahillDaniel CornfordMartin Fenn

VIOLONCELLOSKristina Blaumane Principal

puesto apoyado por Simon Yates y Kevin Roon

Susanne Beer Co-PrincipalFrancis BucknallLaura DonoghueSantiago Sabino Carvalho**Gregory WalmsleyJonathan AylingSue SutherleySusanna RiddellTom Roff

CONTRABAJOSKevin Rundell* PrincipalGeorge PenistonRichard LewisKenneth GoodeMatthew ComanKenneth KnussenDavid JohnsonHelen Rowlands

FLAUTASAdam Walker

Invitado PrincipalSusan Thomas*Siobhan GrealyStewart McIlwham*

PICCOLOStewart McIlwham* Principal

OBOESIan Hardwick PrincipalAngela TennickOwen Dennis

CORNO INGLÉSSue Bohling Principal

puesto apoyado por Mr y Mrs Julian Simmonds

CLARINETESRobert Hill* PrincipalKatie LockhartThomas Watmough

CLARINETE EN MI BEMOLThomas Watmough

CLARINETE BAJOPaul Richards Principal

FAGOTESJohn Price PrincipalGareth Newman*Simon EstellChristopher Cooper

CONTRAFAGOTSimon Estell Principal

CORNOSRichard Bissill* PrincipalGareth MollisonMartin HobbsAndrew LittlemoreAdrian Uren

TROMPETASPaul Beniston* PrincipalAnne McAneney*

puesto apoyado por Geoff y Meg Mann

David Hilton Co-Principal

TROMBONESMark Templeton* PrincipalDavid Whitehouse

TROMBÓN BAJOPatrick Jackman

TUBALee Tsarmaklis Principal

TIMBALESSimon Carrington* Principal

PERCUSIÓNRachel Gledhill PrincipalAndrew Barclay* Co-PrincipalKeith MillarIgnacio Molins

ARPARachel Masters* Principal

TECLADOSCatherine Edwards

Componentes

* ocupa un puesto docente en Londres** Caballero de la Orden Brasileña de Rio Branco

Concierto para piano y orquesta n.º 1 en Re m, Op. 15

Fechado en 1858 y estrenado el 22 de enero de 1859 en Hannover bajo ladirección de Joachim. La historia del Primer concierto de Brahms es bastantecuriosa. La obra fue emprendida en 1854 y concebida, de entrada, por conse-jo de Schumann como una sinfonía que Brahms, poco familiarizado con laescritura de orquesta, anotó para dos pianos. La necesidad de la presencia delpiano se mantuvo durante el proceso de orquestación, en el cual Brahms sebenefició de los consejos de su amigo Grimm, director de la Sociedad Coralde Gottingen. El proyecto de la obra comprendía una marcha fúnebre a la querenunció Brahms pero que seguidamente pasó a formar parte del Réquiem ale-mán. El rondó final, que no estaba previsto inicialmente, fue escrito mástarde. Las primeras ejecuciones del concierto dejaron al público desconcerta-do, pero suscitaron cierto interés en los críticos. La obra tardó cierto tiempoen imponerse.

1. Maestoso: comienza este tiempo con una larga introducción orquestal deuna forma bastante particular. Un primer tema, atacado fuerte de entrada,vehemente, sombrío y obstinado, seguido de un motivo contrastante, que esuna emocionante melodía lírica, y de varios otros elementos temáticos secun-darios en un episodio en Mi bemol menor. La vuelta al tono inicial marca unareaparición del primer tema, al cual suceden seguidamente nuevas ideastemáticas, una en concisas corcheas, la otra bajo la forma de una idea basadaen intervalos de cuarta y de quinta. Todos estos diversos motivos, en mayoro menor medida, desempeñarán un papel en el movimiento. El piano entraen él como si estuviera impreso en medias tintas, en encadenamientos de sex-tas. La parte solista estará exenta la mayor parte del tiempo de un virtuosis-mo espectacular, pero no por ello dejará de adolecer de cierta dificultad deejecución. El piano, incorporado a menudo a la orquesta, se reserva sinembargo la exposición de un nuevo tema, un amplio y melancólico tema enFa mayor, próximo a un coral (Poco più moderato), que repiten primero el vien-to y después la cuerda, a los cuales responderá dulcemente la trompa con elmotivo oído al comienzo de la introducción. El desarrollo empieza con vigo-rosos dibujos de octavas en el piano. En la parte central, la escritura pianísti-ca se hace durante un breve instante más rápida y fluida, antes de que poten-tes sacudidas de acordes intercambiadas entre el piano y la orquestaprocedan a la reexposición. La tonalidad irá de Fa sostenido menor y Remayor al Re menor inicial. Globalmente, el clima de este Maestoso se divideentre la rudeza fogosa de la balada nórdica y un ensueño que guarda siem-pre un fondo sombrío.

2. Adagio: Brahms había escrito al comienzo de este tiempo: Benedictus quivenit in nomine Domini. La interpretación generalmente admitida es que es unhomenaje póstumo a Schumann, a quien Brahms llamaba Mein Herr Domini.Sea la que sea, esta citación litúrgica va muy bien a estas páginas, que se pare-

Comentarios al programa

cen a un magnífico cántico. Expuesto por la cuerda en sordina, después porla trompa, el recogimiento del tema principal pasa al solista, que nos hace oíruna melodía dolorosamente interrogativa, con cromatismos invertidos. En laparte central, una progresiva ascensión introduce un nuevo motivo en lamadera, con un ritmo más marcado. La vuelta del primer tema culminará elAdagio con sonoridades profundas y repletas (acordes y grandes arpegios alpiano). La coda es introducida por un triple trino del solista, procedimientodirectamente heredado de Beethoven.

3. Allegro ma non troppo: el rondó final comienza con un tema repleto deverbo, vigoroso y danzante, expuesto por el piano y respondido por laorquesta según la costumbre tradicional. El primer motivo secundario, en Famayor, más ligero, es una variante del motivo principal. Seguidamente lassonoridades se difuminan ante las llamadas de los metales y las cascadas dedibujos del piano que nos devuelvan el rondó. La parte siguiente, en Si bemolmayor, primero melódica y graciosa, evolucionará hacia un fugato orquestalque resulta una digresión bastante académica.

Pero después de la vuelta del rondó y una corta cadenza del solista, volveremosa encontrar la melodía en la última parte del movimiento, esta vez en Re mayor.También volverán los elementos del tema principal bajo la forma de fanfarrias,atenuadas y líricas. De una gran riqueza de escritura, este final utiliza el prin-cipio de la variación, tan amado por Brahms. La diversidad de sentimientos,alegría, pero también ciertos momentos más reflexivos, de espera, de incerti-dumbre y algunos impulsos caballerescos, todo ello resucita por momentosuna atmósfera próxima al primer movimiento. Pero la robusta salud siguesiendo el elemento dominante y se afirma en una conclusión triunfal.

Till Eulenspiegel (poema sinfónico), Op. 28

El título alemán completo es el siguiente: Divertidas travesuras de Till Eulens-piegel, según el cuento picaresco, en forma de rondó; lo cual necesita dos precisio-nes, una sobre el personaje en cuestión y otra sobre la forma de la obra.

El alemán Eulenspiegel ha formado sin duda la palabra francesa espiegle(travieso); pero literalmente Eulenspiegel significa «Ojo de búho», calificati-vo más extraño, pero más realista, que alcanza todo su sentido dentro de uncontexto histórico. Este Till, efectivamente, vivió en la primera mitad delsiglo XIV, en el norte de Alemania; había nacido en una pequeña ciudad deBrunswick y pereció hacia 1350 de la «muerte negra», es decir, de la peste.Tipo clásico del campesino individualista, desempeñó el papel de un agita-dor, de portavoz de las clases rurales en rebelión contra la burguesía ciuda-dana, próspera y conservadora. El cuento popular tomó enseguida al perso-naje y le atribuyó mil aventuras más o menos inventadas; Till Eulespiegelconoció su mayor gloria en el país de Flandes (donde se le conoce comoThyl Uylenspiegel), bandera de la liberación flamenca contra la tiranía deCarlos V. Pero entretanto, el personaje había perdido una gran parte de su

consistencia y en Strauss se ha convertido en un barbián más que en unauténtico revolucionario, en un especialista de las bromas y los engaños, unverdadero genio de la provocación. Y por ello morirá no víctima de una epi-demia, sino en el patíbulo, como un vulgar malhechor...

Till Eulenspiegel tiene la forma de un rondó, género cuyo origen remonta alsiglo XIII, caracterizado por la alternancia de un estribillo y refranes. Despuésde los músicos clásicos, que explotaron esta estructura muchas veces al finalde sonatas, sinfonías o conciertos, los románticos han hecho un uso muy libredel rondó, pieza instrumental autónoma, brillante, a menudo de una grandificultad de ejecución. Pero Strauss vuelve al esquema clásico: estribillo queexplica la permanencia del personaje central y varias estrofas que narran susaventuras; pero se aprovecha de un virtuosismo orquestal que es más bienuna herencia del romanticismo musical. Compuesta en 1895, esta asombrosapartitura se estrenó el 5 de noviembre del mismo año en Colonia, dirigida porFranz Wüllner; el propio Strauss dirigió la obra por primera vez en Múnichel 29 de noviembre de 1895 y más tarde Hans Richter realizó el estreno enViena el 5 de enero de 1896. En todos los sitios obtuvo un gran éxito.

La partitura de Till es toda ella una puesta en escena: no hay una página queno bosqueje una decoración, que no evoque una acción, que no pinte uno ovarios personajes. Después de su estreno, fue divulgada una guía para escu-cha con breves indicaciones del compositor; estas indicaciones, ahora admi-tidas, inspiran el análisis que damos a continuación. «Era una vez...». Los vio-lines frasean la introducción del cuento, en el que el héroe no tarda enpresentarse... «un bribón llamado Till el Travieso». El tema de Till, que servi-rá de estribillo, se descompone en dos motivos principales que persisten bajodiversos aspectos en las mismas estrofas, preservando de esta forma la uni-dad del discurso. En un rotundo Fa mayor, he aquí el primer motivo expues-to en la trompa en notas picadas y ligeramente cromatizadas (de peligrosaejecución y temidas con justicia por los trompistas de todo el mundo):

La marcha rítmica, un poco claudicante, sugiere ya una deformidad y sobretoda la desvergüenza del personaje. Ampliación de este material temático enun accelerando de toda la orquesta, con un calderón que pone punto final alpreámbulo.

Surge entonces el nuevo motivo: «... un gnomo realmente malvado, a la espe-ra de nuevos golpes». Este corto motivo incisivo, tocado por el pequeño cla-rinete en Re, es como una risa burlona, una pirueta gesticulante:

«¡Esperad un poco, hipócrita!» Till medita su primera hazaña (trémolo de lasviolas). Sobre un violento estallido de los platillos, se lanza a caballo entre las

mujeres de un mercado, esparciendo sus mercancías: algarabía orquestal, conintervenciones notables del clarinete bajo y de la carraca. Pero Till ha desapa-recido ya: «Escondido en una madriguera de ratones (fagot), prepara unanueva hazaña. En efecto, disfrazado de pastor «chorreando untuosidad ymoral», arenga a la masa: especie de aire popular, en la tonalidad de Si bemol,sostenido por una retórica un poco grandilocuente. Ahora bien, «al bribón sele ve la oreja» y tiene que emprender la fuga. Pero he aquí que es sacudidopor un «estremecimiento, ya que se ha burlado de la religión»: ¿premoniciónde su trágico fin? (cinco violines divididos y las trompas con sordina expre-san esta pasajera emoción). Nueva estrofa, nuevas provocaciones; Till, ahoraconvertido en seductor... «corteja a las muchachas bonitas»: sorprendentecadenza del violín solo, preludiando los arabescos del clarinete y del oboe. Tillhace una petición de matrimonio y es rechazado; el primer motivo de sutema, invertido en el bajo, describe su despecho. Repetición del segundomotivo en las trompetas y trombones clamando su furor. Calderón: Till «jurasaciar su venganza contra la humanidad». Caricaturizado por los fagotessobre un nuevo tema popular, se presenta entonces la docta asamblea depedantes filisteos, ante la cual Till «desarrolla monstruosas tesis»: sobre unmaterial melódico casi anodino, pero con un tratamiento refinado (divisiónde la cuerda y de las maderas), curiosos efectos de síncopa dan al pasaje uncarácter fugado y sugieren el desorden de la asamblea discutiendo las aser-ciones de Till. Pero éste se ha escapado ya: «grandes gesticulaciones» de lasflautas y después «viva canción callejera», intencionadamente vulgar, queparece silbar Till. Y nuevas extravagancias: desencadenado, «reza otra vez laplegaria ante el pueblo» (motivo de la arenga escuchado anteriormente). Perolas amenazas se acumulan: la trompa vuelve a exponer el primer motivo deTill con un extraño tono maléfico que parece ahora concernir a su destino.Porque ya es demasiado: se prepara una venganza colectiva, mientras laorquesta, tensa, se concentra; un tutti recapitula el rondó, desembocando enun fortissimo, y sobre un redoble de la percusión la gente detiene a Till y loconduce ante un tribunal. Último episodio: con los «jueces» y su pompa sedeclaman los sombríos acordes de los trombones mientras Till se esfuerza porhacerles frente (su segundo motivo en el clarinete). Se suceden las sentenciasy las protestas de Till... Pero la sentencia definitiva es pronunciada por lastrompas, trombones y fagotes en su registro grave. Lúgubres acordes sobreun implacable intervalo de séptima (Fa-Sol bemol) pronuncian la condena amuerte. El tema de Till se desgarra ahora, se estrangula sobre los trinos de lasflautas y Till es colgado. Silencio. Epílogo: repetición de la frase introductivaseguida de una última evocación, emocionada, del recuerdo del héroe, reali-zada por un clarinete y el clarinete bajo. Pero nada está terminado todavía:con la orquesta entera, los breves compases de la coda proclaman la apoteo-sis de lo que estará siempre vivo, la «inmortal alegría» de Till Eulenspiegel.

Este maravilloso cuento musical –sin duda el poema sinfónico más famoso deStrauss– es un modelo de la obra de orquesta «con programa»; sucesión deimágenes sonoras más diversas, pero no desperdigadas gracias a la profun-da unidad del total y al excepcional sentido de la dramatización; plasticidad,

por otro lado, de una orquesta de virtuoso, de efectivos lo suficientementegrandes, sin que nunca lleguen a ser excesivos. ¿Cómo concluir sin citar denuevo a Debussy? «Esta pieza se parece a "Una hora de música nueva en lacasa de locos": clarinetes que describen trayectorias dementes, trompetas quesiempre están con la sordina puesta y trompas que para prevenir un latenteestornudo se apresuran a responder respetuosamente ¡Jesús...! Tenemosganas de estallar de risa o de gritar hasta morir y uno se asombra de volvera encontrar las cosas en su sitio...». En resumen, un rápido y delicioso cuartode hora, según el mismo Strauss, «con la intención de divertirse bien por unavez en una sala de conciertos…».

El Pájaro de Fuego

Estrenado el 25 de junio de 1910 en París bajo la dirección de Gabriel Pierné.Es el primer encargo que Stravinski recibió de Diaghilev para los BalletsRusos de París. El libreto fue adaptado de un célebre cuento ruso por MichelFokine, que también realizó la coreografía. El éxito inmediato y considerable,tanto ante el público como ante la prensa, llamó inmediatamente la atenciónsobre Stravinski y consagró el comienzo de su carrera.

El programa de los Ballets Rusos resumía así la acción: «Ivan Zarevich ve undía un pájaro maravilloso, todo de oro y de llamas; le persigue sin podercogerlo y solo logra arrancarle una de sus brillantes plumas. La persecuciónle lleva hasta los dominios de Kastchei el Inmortal, el temible semidiós, quequiere apresarlo y convertirlo en piedra, como ya ha hecho con más de unvaliente caballero. Pero las hijas de Kastchei y las trece princesas que son suscautivas interceden y se esfuerzan por salvarlo. Llega el pájaro de fuego, quedisipa los encantamientos, y el castillo de Kastchei desaparece y las mucha-chas, las princesas, Ivan Zarevich y los caballeros son liberados y puedenapoderarse de las preciosas manzanas de oro del jardín».

La introducción comienza con un lento fragor de la cuerda, con señales enacordes de los trombones y los instrumentos de madera; una mezcolanzasobre los armónicos de los violines da comienzo a la transición que nos llevahasta «El jardín encantado» (trompas con sordina y fragor del comienzo entrémolos de la celesta). Aparece el pájaro de fuego, ilustrado por centelleosde los que se desprende un solo de oboe, sobre el que el pájaro ejecuta sudanza en un brotar y entrelazarse de figuras ornamentales, rápidas apoyatu-ras y un repetido piar, todo ello de una fineza excepcional en la textura. Elenloquecimiento de la escena de su captura, sus esfuerzos desesperados yconvulsivos cierran una primera fase de la acción. Con la aparición de lasprincesas, los efectos de luces sonoras ceden el sitio a una melodía orientali-zante, embriagadora a más no poder (clarinete, flauta, trompas y violín solo),con voluptuosos arabescos. El juego de las princesas con las manzanas de oroda lugar a una escena muy desarrollada, primero dulce, un poco desperdiga-da, después con sobresaltos de dinamismo y progresivamente con una orga-

nización rítmica cada vez más cerrada. La llegada de Ivan Zarevich está mar-cada por un tema declamado en la trompa. Sigue la bella escena de la «Rondade las princesas», con su cantilena rusa tomada de una melodía popular de lacolección de Rimski-Korsakov. Amanece. Un carillón mágico, sobre un inter-valo de cuarta aumentada, hace surgir a los monstruos ya los guardianes deKastchei, que capturan a Ivan. En esta violenta escena, el material sonoro estratado de una forma esencialmente acústica. Sin embargo, el tematismo noestá ausente y se le distingue especialmente en el tema deforme de Kastchei.El diálogo de Ivan con el genio malo y la intercesión de las princesas oponenuna brutalidad grotesca a las entonaciones suplicantes, con frecuentes sus-pensiones sobre silencios. La reaparición del pájaro, según las figuracionesinstrumentales ya escuchadas antes, se encadena con la danza en la quearrastrará a todos los protagonistas: movimientos poderosos y enérgicos quedesembocarán en la danza de Kastchei, con su tema sincopado en el fagot:

Una corta transición introduce entonces el contraste de la «Canción de cuna»,en la que el fagot, convirtiéndose en un instrumento lírico, canta una tranqui-lizadora melodía sobre un fondo de notas repetidas. Sordos acortes, en cres-cendo, estallan en toques que señalan el despertar de Kastchei y, casi inme-diatamente, su muerte, entre fortissimos convulsivos. Los maléficos encantosse rompen y el reino vuelve a la vida. Después de un gran estremecimientode toda la cuerda dividida, el triunfo de la vida se afirma de nuevo con untema ruso (también tomado de la colección de Rimski-Korsakov), expuestopor la trompa y ampliado después progresivamente a toda la orquesta, alian-do al resplandor de gloria la solemnidad de un coral.

Sin duda aún hay mucho de Rimski en El Pájaro de Fuego, empezando por eltema mágico y el personaje de Kastchei el Inmortal, héroe titulado de susóperas. La orquestación tornasolada del ballet está directamente salida de El Gallo de Oro, así como lo están ciertos orientalismos. Stravinski tambiénguarda la oposición entre el diatonismo, reservado al mundo humano real(Ivan Zarevich), a menudo realzado por préstamos tomados al folklore(«Ronda de las princesas», sobre un tema de la colección de Rimski), y el cro-matismo reservado a la ilustración de las entidades sobrenaturales. Losparentescos armónicos y orquestales con Debussy y Ravel son igualmentenotables. Pero el futuro Stravinski está ya presente en estas «concordanciasde ritmos completamente inhabituales» que Debussy había notado y admira-do en la partitura. La alegría de la escena final es también una muestra de latradición rusa, pero también aquí los acordes condensados anuncian ya ellenguaje armónico futuro.

Del primero al último de los diecinueve números de que consta el ballet, lapartitura se basta a sí misma para constituir un gran poema sinfónico. Sinembargo, Stravinski solo sacó tres suites de orquesta (1911, 1919 y 1945). Esla Suite n.º 2 realizada en Morges, Suiza, la que se toca más frecuentementeen concierto.

Escrita para una orquesta ligeramente más reducida que la del ballet, estácompuesta por cinco números:

1. Introducción: El pájaro de fuego y su danza; 2. Ronda de las princesas; 3. Danza infernal de Kastchei; 4. Canción de cuna; 5. Finale.

Comentarios cedidos por la

Guía de la música sinfónica,

dirigida por François-René Tranchefort

Alianza Editorial

Programa

J. BRAHMSConcierto para piano n.º1 en Re m, Op. 15

MaestosoAdagio

Allegro ma non troppo

Jonathan Biss piano

Duración media de la ejecución 42'-44'

R. STRAUSSTill Eulenspiegel (poema sinfónico), Op. 28

Duración media de la ejecución 14'-15'

I. STRAVINSKIEl Pájaro de Fuego

(suite)Introducción: El pájaro de fuego y su danza

Ronda de las princesasDanza infernal de Kastchei

Canción de cunaFinale

Duración media de la ejecución 19'-21'

LONDON PHILHARMONIC ORCHESTRAMarin Alsop directora

I

II

COLABORA

PATROCINA

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