1. LOS CANTARES DE GESTA MEDIEVALES

1.1. EL MESTER DE JUGLARÍA

- El canto y el relato oral son los modos normales de producirse y de transmitirse la literatura en buena

parte de la Edad Media. Esta literatura oral la llamamos literatura tradicional.

- Los transmisores de esta literatura fueron los juglares (en aldeas, cortes de nobles y reyes, ciudades,

siempre ante un público). Ejercían lo que llamamos Mester de juglaría. Buena parte de su oficio

consistía en cantar relatos épicos anónimos, como los cantares de gesta

- En la Castilla medieval, los juglares cantan cantares de gesta (poemas épicos) en verso: Son poemas

épicos largos que narran los hechos de un héroe, exaltándolo

- Cronología de esta escuela: Siglos XII-XIV.

- Textos: Sólo se conserva un cantar casi entero: el Poema del Mio Cid. De modo fragmentario (o a través

de noticias que muestran su existencia) tenemos los siguientes: Los Infantes de Lara, Sancho II, el

Bernardo del Carpio, el Conde Fernán González y el cantar de las Mocedades de Rodrigo.

 

1.1.1 Poema del Mio Cid:

1.1.1.1. Fecha del poema: Los investigadores proponen soluciones diferentes. Los estudios más recientes

la sitúan hacia finales del siglo XII o comienzos del XIII, entre 1201 y 1207. Al final del códice aparece

un explicit[1], en la primera de las notas añadidas se dice: “Per Abbat le escribió, / en el mes de mayo, /

en era de mil / y C[C]XLV años” (año que corresponde, según el calendario actual, a 1207).

1.1.1.2. Autoría: Se desconoce el autor o autores. Hay que recordar que se conserva este poema épico en

un manuscrito guardado en la Biblioteca Nacional de Madrid. En este manuscrito se dice al final del

poema que fue copiado por un tal Per (Pedro) Abad en 1207. Para Collin Smith este Per Abad es

realmente el autor. Para Ramón Menéndez Pidal, el Poema del mío Cid fue creado por dos autores o dos

juglares: el que llama poeta del pueblo de San Esteban de Gormaz  sería el responsable del cantar I, parte

del cantar II y un poco del III, es decir, las partes en las que prevalecen los aspectos informativos y

verosímiles sobre los artísticos. Sobre el texto de este autor trabajaría el juglar de Medinaceli, un

refundidor, al que Menéndez Pidal le atribuye los aspectos más novelescos.

1.1.1.3. Versificación: 3730 versos (debió tener más en su día), escritos en una estrofa cuyo número

de versos es impreciso, llamada tirada. Estas tiradas son asonantadas (riman sólo las vocales finales

del verso a partir de la vocal tónica de la palabra) y la medida de sus versos es irregular (no todos

con igual medida, aunque en general predominan los de catorce sílabas divididos en dos

hemistiquios. Puede haber, pues, versos de 7+7, 6+7, 7+8, etc.).

1.1.1.4. Argumento: se divide el poema en tres partes:

-       Cantar del  destierro.

-       Cantar de las bodas de las hijas del Cid.

-       Cantar de la  afrenta de Corpes.

1.1.1.5. Lengua y estilo: los principales rasgos son los siguientes:

- La escasez de adjetivos, que se reservan para los pasajes de mayor impacto descriptivo.

            - El predominio de la yuxtaposición y la coordinación oracional sobre la subordinación.

- Un léxico concreto, en el que abundan términos cotidianos, pero también arcaísmos, latinismos

de origen eclesiástico y arabismos.

- La sobriedad, la claridad y la sencillez del lenguaje, todas ellas al servicio de la narración y

descripción épicas, con un estilo realista.

- Expresiones formulísticas que se repiten con frecuencia, como el epíteto épico: “¡Pronto os

vais, mi buen Minaya!”

- Las llamadas de atención al auditorio por parte del narrador (veréis, oíd), que son indicativas de

la oralidad del discurso por parte del juglar.

- la obra adquiere un perfil dramático gracias a la presencia abundante del diálogo.

1.1.1.5. Personajes:

En cuanto al personaje principal, hay que distinguir entre el Rodrigo Díaz de Vivar real (el Cid

personaje importante de la Reconquista) y el Rodrigo ficticio (el Cid personaje de ficción del Poema,

generado gracias a la existencia del personaje real y cuya historia, el poema, fue difundida por los

juglares con gran dosis de exaltación heroica y mezclando lo real y lo novelesco).

Desde el punto de vista social, el Cid es un infanzón que pertenece a la baja nobleza. Sin

embargo, en el poema actúa como un hombre de gran personalidad  y superior a los nobles de mayor

alcurnia

Es un hombre movido por la mesura, la fidelidad a su rey, la religiosidad, la inteligencia

estratégica, la valentía, la sabiduría, la fuerza física, la solidaridad con los suyos e, incluso, el humor

El Cid es un personaje que evoluciona a lo largo del poema. Al principio lo encontramos en el

más absoluto deshonor, acusado de traidor al rey por haber robado los tributos impuestos a los

árabes. Es desterrado y tiene que dirigirse a la frontera, a territorio árabe. Se ve, pues, obligado a

luchar contra los árabes con pocos hombres. Consigue vencer en sucesivas batallas, conquistar

Valencia y cederla a su rey, a pesar de ser un hombre acusado de traición. Con ello va recuperando

poco a poco territorios y, gracias a su valor, sabiduría y fuerza, el honor perdido. Al final del poema,

el personaje alcanza la cima en cuanto a posición social.

1.2. EL MESTER DE CLERECÍA

a)     Frente al arte de los juglares (con poemas en versos irregulares) se desarrolla también en los

siglos XIII y XIV el Mester de clerecía, escuela poética formada por escritores cultos,

generalmente clérigos, que conocen el latín y que escriben en una estrofa llamada cuaderna vía.

b)    La cuaderna vía es una estrofa de cuatro versos monorrimos (es decir, que los cuatro tienen la

misma rima) de catorce sílabas (versos alejandrinos) divididos en dos hemistiquios a través de una

cesura.

c)     Obras: El Libro de Apolonio, el Libro de Alexandre, las obras de Gonzalo de Berceo, el Rimado

de palacio del canciller Pero López de Ayala y el Libro del buen amor de Juan Ruiz, Arcipreste de

Hita.

d)    Conciencia de escuela: Algunos de estos poetas tienen conciencia de que su arte es más

apreciado y refinado que el juglaresco. Véase la siguiente estrofa del Libro de Alexandre:

Mester trago fermoso,        non es de joglaríamester es sen pecado,         ca es de clerecía :

fablar curso rimado             por la cuaderna vía,

a sílabas cuntadas               ca es gran maestría.

 

 

e)     GONZALO DE BERCEO:

-       Es la máxima figura del Mester de clerecía y primer escritor español de nombre

conocido.

-       Es riojano, clérigo vinculado al monasterio de San Millán de la Cogolla. Nació a

finales del siglo XII y murió hacia 1270.

-       Solo escribió poemas religiosos con cuya lectura podría edificar a los peregrinos del

Camino de Santiago. Es, por tanto, su obra básicamente poesía narrativa con una

finalidad didáctica y moral, es decir, escrita para enseñar doctrina religiosa.

-       Obras del autor: Escribió vidas de santos, como la de San Millán, Santo Domingo y la

de Santa Oriana. Pero su obra más famosa es Milagros de Nuestra Señora.

-       Milagros de Nuestra Señora: poemario narrativo escrito en cuaderna vía que consta de

los siguientes elementos:

1)   Una introducción alegórica, en la que el autor dice ser un peregrino que

descansa en un prado que, alegóricamente (simbólicamente), semeja el Paraíso.

2)   Le siguen veinticinco relatos (también en cuaderna vía) inspirados en una

colección de milagros de la Virgen que circulaba en latín por todos los monasterios

de Europa. Lo importante es saber que, a pesar de que Gonzalo de Berceo se inspira

en una colección latina ya existente, es capaz de dejar su propia huella y su

singularidad (recordad lo dicho en la introducción sobre el concepto de

originalidad en esta época).

Otra característica importante de Gonzalo de Berceo es que este autor está cerca del

pueblo que lo oye; podemos decir que se “ajuglara”, porque en cierta medida actúa

como un juglar ante su público recitando su poesía doctrinal. Esto se ve perfectamente

en su poesía a través de las marcas de oralidad (cuando dice, por ejemplo, “oiréis...”,

“oíd...”, “escuchad...”, etc.).

 

f)     JUAN RUIZ, ARCIPRESTE DE HITA: Libro de buen amor

-       No se conoce nada de su vida, sólo que nació en Alcalá y que fue Arcipreste de Hita (Guadalajara). Escribió en la primera mitad del siglo XIV.-       Una sola obra conocida: Libro de buen amor.

-       Versificación: Obra escrita en su mayor parte en cuaderna vía del Mester de clerecía.

Compuesta por unos 7000 versos que suelen ser alejandrinos de 7+7 sílabas, aunque también

hay versos de 16 sílabas. Además de esta forma estrófica, Juan Ruiz se dejó influir por el

arte de los juglares e introdujo en su libro algunos poemillas en versos cortos, ya no

alejandrinos. Por tanto, en el Libro d buen amor conviven los dos mesteres (juglaría y

clerecía).

-       El libro de buen amor es una autobiografía ficticia (no verdadera) de Juan Ruiz. Narra

sus supuestos amores en primera persona con quince mujeres.

-       En su introducción, Juan Ruiz confiesa su intención: Escribe para exhortar el “buen

amor” (el dirigido a Dios, amor cristiano, por tanto finalidad didáctica típica del mester de

clerecía). Pero explica también que contará sucesos poco edificantes para que puedan ser

evitados. Esta doble vertiente genera ambigüedad con respecto a sus intenciones morales.

-       Como hemos dicho antes, Juan Ruiz expone sus aventuras amorosas con mujeres que

van desde una serrana pasional hasta una gran dama. Nos muestra así este clérigo una

especie de teoría amorosa, entre cínica y arrepentida.

-       El Arcipreste se sirve, además, en ocasiones de una TROTACONVENTOS (personaje

femenino que ayuda a los amantes a conseguir pareja y que resulta ser el primer

antecedente de la vieja CELESTINA de Fernando de Rojas).

-       En definitiva, su libro es un arte de amar  (recordad a Ovidio, poeta latino) y es un

verdadero monumento literario y lingüístico del siglo XIV. Lo alegre, desenfadado y

popular se mezcal con lo moral y severo. Esto provoca una lectura ambigua, irónica y

equívoca.

LA PROSA MEDIEVAL CASTELLANA EN EL SIGLO XIV. DON JUAN MANUEL

 

1. INTRODUCCIÓN

       En el siglo XIV, la producción en prosa se incrementa notablemente en Castilla, con nuevas

traducciones árabes y crónicas históricas. Al mismo tiempo, la prosa se enriquece con la aparición de

nuevos géneros narrativos: los libros de caballerías, los libros de aventuras, el auge del género histórico y

la obra de don Juan Manuel. Por supuesto, continúa la ingente labor iniciada por Alfonso X el Sabio, con

la aparición de traducciones, ampliaciones y glosas de obras árabes, latinas y griegas.

      Con respecto a los libros de caballerías, se trata de una literatura idealista llamada también como

materia de Bretaña por estar protagonizada en sus orígenes por caballeros bretones, próximos a la corte

del rey Artús (Arturo) y de sus caballeros de la Tabla Redonda. En Francia destacó Chrétien de Troyes en

el siglo XII, quien consagró el género con obras como El caballero de la carreta (Lanzarate del Lago). El

protagonista de estos libros de caballerías es el famoso caballero andante, el héroe esforzado que llegará

hasta don Quijote. Entre los principales libros de caballerías españoles destaca Amadís de Gaula.

 

2. DON JUAN MANUEL

Es el primer autor literario en castellano que muestra plena conciencia de su condición de escritor.

La prosa de don Juan Manuel sigue más los modelos latinos que los orientales. Se caracteriza por una

expresión sobria y concisa, procurando siempre una claridad y un realismo acordes con la intención

didáctico-moral de su obra. Utiliza una prosa sencilla con la que intenta captar el interés del lector y

ofrecerle enseñanzas comprensibles como modelo para su vida cotidiana.

 

2.1. OBRA

       Es sabido que don Juan Manuel escribió muchísimas obras; pero el incendio del monasterio de

Peñafiel, donde se guardaba el códice de sus obras, es la causa de que se perdieran algunas. Junto a

El conde Lucanor, figuran en su producción varios tratados de carácter didáctico-moral que,

siguiendo la tradición cuentística oriental y medieval de los “espejos de príncipes” (modelos de

conducta para la educación de los hijos de los nobles), revelan sus inquietudes políticas, morales y

religiosas.

       Entre sus obras principales destacan El libro del caballero et del escudero, el Libro de los

estados, el Libro infinito y el Libro de las armas. Pero entre todas ellas destaca sobremanera el Libro

de los enxiemplos del conde Lucanor et de Patronio, conocido como El conde Lucanor.

 

2.2. EL CONDE LUCANOR

Se trata de la obra más original de don Juan Manuel. Escrito entre 1334 y 1335, consta de dos

prólogos y cinco partes. La primera parte, la más extensa y conocida, está formada por una colección de

51 cuentos o ejemplos. Las cuatro últimas secciones del libro recogen en sentencias de origen culto un

parecido contenido moral al de los cuentos

ESTRUCTURA

La estructura de cada cuento suele ser muy similar, manteniéndose fijas las siguientes partes: el

marco narrativo, el ejemplo y los versos finales.

En el marco narrativo, que precede y sigue a cada ejemplo, un narrador general presenta al joven con

Lucanor y a su consejero, Patronio, conversando. El conde, ante un problema que se le plantea, pide

consejo a Patronio, y este le responde con un relato, el ejemplo, apólogo o fábula que contiene la solución

al problema planteado al conde.

Una vez finalizado el relato, Patronio aplica la enseñanza contenida en el ejemplo al problema del

conde dándole un consejo sobre su problema.

En este momento aparece el narrador general, quien nos advierte que al conde le pareció bien el

consejo de Patronio.

El cuento termina con dos viessos o versos finales pareados que resumen el contenido moral del

cuento en el que se insertan y que sirven de moraleja.

ACIERTOS

-       Por encima de todo destaca la caracterización de los personajes. El autor presenta a los

personajes con una dimensión psicológica desconocida para la época en la narrativa

-       Por supuesto destaca también el enfoque humorístico o irónico en el tratamiento de algunos

personajes.

-       Todos los estamentos sociales tienen cabida en la obra, a partir de la presencia de una gran

variedad de tipos humanos.

-       El autor, incluso, surge en la obra como uno más de los personajes.

Lírica Medieval 1. LÍRICA MEDIEVAL         1.1. Jarchas         1.2. Lírica gallego-portuguesa         1.3. Las cantigas de amigo galaico-portuguesas         1.4. Poesía lírica castellana del siglo XV                  1.4.1. Poesía lírica cancioneril (características)

1.4.2. El Marqués de Santillana, Juan de Mena y Jorge Manrique

 1. LÍRICA MEDIEVAL

        

1.1. LAS JARCHAS

 

Hay que distinguir en la Edad Media un fondo de lírica popular caracterizado por canciones y

cantarcillos propios del mundo del campo (a veces cantados también en la ciudad). De este fondo popular

es muy posible que procedan los testimonios literarios poéticos más antiguos escritos en castellano: las

jarchas. Estos poemitas son breves composiciones poéticas que se encuentran al final de determinados

poemas escritos en árabe o hebreo, llamados moaxajas, cuyos autores se sitúan, salvo contadísimas

excepciones, entre mediados del siglo XI y finales del XII.

Las jarchas eran cantadas por los cristianos que habían quedado en territorio árabe (mozárabes).

Pero algunos poetas musulmanes o judíos, prendados de su tierna y sencilla belleza, gustaban de

insertarlas sin traducir (es decir, en mozárabe) en sus moaxajas. Estas jarchas romances son,

fundamentalmente, cantos de amor puestos en boca de una mujer desconsolada, que se queja ante su

madre por la ausencia del amado, y por los sufrimientos que padece por culpa del amor. Como veremos

más adelante, la similitud temática con las cantigas de amigo gallego-portuguesas es evidente, aunque se

ha señalado con acierto que el tono es muy distinto, ya que las jarchas expresan un “amor gozoso”, frente

al sentimiento triste que se desprende de las cantigas.

 

1.2. LÍRICA GALLEGO-PORTUGUESA

 

            En los siglos XII y XIII se desarrolló en las cortes de Provenza (sur de Francia) una poesía de

amor y de sátira cultivada por los trovadores (poetas y recitadores-cantores), que se difundió por toda

Europa y que ejerció mucho influjo en Cataluña y Galicia. A esta última región es muy probable que

llegara esta poesía gracias a la gran vía cultural que suponía entonces el Camino de Santiago. Los poetas

gallegos la imitaron en el siglo XIII en su propia lengua, el gallego-portugués, creando sus cantigas de

amor y cantigas de maldecir.

            Características de esta poesía:

-       La doctrina amorosa de los trovadores proyecta sobre esta poesía los sentimientos y el

lenguaje del feudalismo: el poeta es vasallo de su dama (a esta la llama habitualmente “mi

señora”).

-       La dama a la que se alude en el poema siempre está casada.

-       El poeta, pues, ha de ser discreto en su canción, ya que la dama está casada, y procurará

no decir el nombre de esta. Ha de mantener en secreto el amor, pues se trata de un amor

adulterino.

-       Este amor puede alcanzar gran espiritualidad, pero no se descarta la sensualidad. De

hecho el poeta suele pedir en su poema el “galardón” (una prenda u objeto de la dama, o

incluso el favor sexual).

-       El poeta suele también manifestar su amor en su poema sin ni siquiera conocer a la

dama (“amor de oídas).

Esta poesía trovadoresca empezó a cultivarse también por poetas castellanos; pero,

contrariamente a lo esperable, la cultivan en gallego y no en castellano. Los castellanos tenían como

referente poético a los poetas gallegos, y utilizaban el gallego porque creían que este idioma era el más

apropiado para expresarse líricamente. Así, por ejemplo, la cultiva, en gallego, el mismísimo rey Alfonso

X el Sabio en su corte (s. XIII), especialmente a través de sus cantigas devotas. Más tarde, el gallego será

sustituido por el castellano, pero esto ocurrirá en el siglo XV, cuando emerja la poesía de tipo

trovadoresco en la lírica de cancionero.

 

 

1.3. LAS CANTIGAS DE AMIGO GALAICO-PORTUGUESAS

 

-       Ya hemos visto cómo en Galicia tuvo especial importancia la lírica de los trovadores provenzales. Los poetas gallegos imitaron a los trovadores. Pero, paralelamente al fenómeno poético anteriormente descrito, surge también en Galicia una poesía propia de esta región y que nada tiene que ver con la lírica que llegó a través del Camino de Santiago: las cantigas de amigo galaico-portuguesas. Éstas son propias de Galicia y nada deben a la poesía provenzal. Son genuinamente gallegas.-       Además, curiosamente son muy cercanas a las jarchas mozárabes. Como en las jarchas, la voz poética es también la de una mujer que canta y lamenta la ausencia de su amado (las cantigas de amor o maldecir anteriormente descritas en el punto 2.3.2. no manifestaban esta voz femenina, ya que era el trovador el que cantaba). Esto permite atisbar un fondo lírico común peninsular al que pertenecerían, con sus diferencias evidentes, tanto las jarchas como las cantigas de amigo galaico-portuguesas.-       Pero las conservadas están escritas por hombres. Por ejemplo, el rey Denís de Portugal o Martín Codax.

- Con respecto a la técnica poética, las cantigas de amigo se caracterizan por la repetición  de la misma estructura oracional. Esta técnica se lleva a cabo gracias a dos recursos: el paralelismo y el leixa-pren.

 1.4. POESÍA CASTELLANA DEL SIGLO XV             En el siglo XV se ha extinguido por completo el Mester de clerecía, y los juglares ofrecen otro tipo de poesía que el público prefiere a los largos cantares de gesta: los romances, que veremos más adelante. Junto a estos, se desarrolla en los palacios otro tipo de lírica destinada a lectores y oyentes cultos, que llamamos POESÍA CORTESANA (cancioneril o de cancionero, porque se ha conservado en varias recopilaciones o cancioneros, como el Cancionero de Baena, el más famoso de todos).              1.4.1. CARACTERÍSTICAS:

- Se trata de una poesía cortesana, desarrollada en general en torno a las cortes de los nobles y reyes. Es aquí donde se empieza a fraguar un ideal de caballero que tendrá su máximo auge en pleno Renacimiento. - La poesía cancioneril se puede situar, desde el punto de vista cronológico, entre el Cancionero de Baena, colección de poemas pertenecientes a los reinados de Juan I, Enrique III y Juan II (a este último dedica la obra el compilador, Juan Alfonso de Baena, entre 1445 y 1453), y el Cancionero general de Hernando del Castillo (primer cancionero impreso, en 1511).- Los temas tratados: Los poetas cancioneriles tratan temas de amor, de burlas o de tipo mundano (como al ocuparse de temas muy solemnes).- Actitud del poeta: Más que expresar sus sentimientos, los poetas, en general, se lucen en los salones exhibiendo su ingenio mediante un empleo artificioso del lenguaje.- Forma de la poesía cancioneril: Los poetas de cancionero utilizan principalmente dos formas métricas:

a)   Versos cortos (octosílabos) para temas de amor, debates, elogios, sátiras y

burlas.b)   Versos de arte mayor castellano, con medida variable entre 14 y 16 sílabas. El arte mayor se consagraba a temas graves de historia, doctrina, religión, etc.

 1.4.2. PRINCIPALES POETAS

            Hay que destacar sobre todo a tres grandes poetas: El Marqués de Santillana, Juan de Mena y Jorge Manrique.

-       Íñigo López de Mendoza, Marqués de Santillana (1398-1458): Fue un noble importante que intervino de forma activa en la vida política del reinado de Juan II. Pero le importaron también los estudios y las letras, a tenor de lo que sabemos de su biblioteca, conservada en la actualidad en la Biblioteca Nacional.Escribe poesía siguiendo los dos registros formales de la poesía de cancionero, es decir, en verso corto, especialmente recordado por sus serranillas, y en verso de arte mayor, con un gran poema titulado La comedieta de Ponza. Otra faceta que encontramos en este poeta es su aproximación al mundo italiano con sus Sonetos fechos al itálico modo: cuarenta y dos sonetos que tratan de introducir por vez primera en España el soneto como estrofa y el verso endecasílabo, característicamente italianos y no empleados por nuestros autores hasta entonces; pero fue un intento fallido, ya que nuestra lírica ni los lectores estaban preparados para tan radical innovación. La aclimatación del soneto y del endecasílabo en España se producirá más tarde, en el siglo XVI, con Garcilaso de la Vega. -       Juan de Mena: Cordobés 1411-1456), fue secretario de Juan II. Su poema principal es el titulado Laberinto de Fortuna o Las trescientas (por tener casi este número de estrofas). Es la obra más importante escrita en el arte mayor castellano.

 -               JORGE MANRIQUE: Es el poeta más importante del reinado de los Reyes Católicos, hijo de don Rodrigo, defensor de los derechos de Isabel la Católica al trono, frente a la Beltraneja que se los disputaba. Al fallecer este, Jorge escribió el maravilloso poema elegíaco que los ha inmortalizado a ambos: las Coplas a la muerte de su padre Es autor, además, de varios poemas cancioneriles escritos en versos cortos (octosílabos) inspirados en la moda cortesana de la época (temas amorosos, burlescos y morales).Coplas a la muerte de su padre:

a)   Frente a esta lírica de convenciones cortesanas que se produce en el siglo XV de manera generalizada, las Coplas a la muerte de su padre sobrecogen todavía al lector actual: los sentimientos afloran por encima de los tópicos. b)   Forma: Se trata de un poema elegíaco compuesto en cuarenta estrofas (coplas de pie quebrado, de 12 versos).c)   Contenido: las Coplas se pueden dividir en cuatro partes: 1) Fugacidad de la vida e insensatez de lo mundano. 2) Grandes personajes contemporáneos que, a pesar de ser importantes, mueren. 3) Evocación de hechos notables. 4) Muerte de don Rodrigo. A través de estas cuatro partes, el poema sigue una línea de lo general a lo particular (la muerte se presenta desde un punto de vista general, para terminar particularizándose en el padre del poeta)d)   El tiempo y su inevitable curso, la fortuna y la muerte son temas que atraen a los poetas del momento. Ambas se superan gracias a la aceptación y resignación cristianas. En el poema la muerte es aceptada; pero se acepta sobre todo si la muerte ocurre tras una vida digna. Por otra parte, dos vías se abren para aquel que vive y muere en paz: el paraíso prometido por la religión cristiana y la tercera vida, la de la fama (grata al hombre renacentista). De esta manera, Jorge Manrique logra, gracias a su poema, que el gran varón que fue su padre permaneza en el recuerdo.

La Celestina  

 1)    EL AUTOR: Fernando de Rojas

-       Nació en la Puebla de Montalbán, cerca de Toledo, hacia 1475. Pertenecía a una familia de cristianos nuevos.-       En 1484, Rojas vio a su familia sometida a un proceso público ante la Inquisición en Toledo.

-       En 1488, con 12 años, detienen a su padre, quien será quemado en auto de fe.-       Rojas estudió Leyes en Salamanca durante seis años, y, en la última década del siglo, durante unas vacaciones escribió La Celestina.-       En 1507 se instala en Talavera de la Reina. Allí se casó con Leonor Álvarez, tuvo seis hijos y se dedicó a la abogacía.-       Murió el 3-4-1541.

 2)    AUTORÍA

-       Rojas se encontró el Acto I, acto que atribuye a Rodrigo Cota o a Juan de Mena. Decidió darle continuación y escribió la obra en quince actos, formalizando la Comedia de Calisto yMelibea.-       Más tarde añadió más actos, constituyéndose la obra en Tragicomedia de Calisto y Melibea, obra escrita en 21 actos.

 3)    EL PROBLEMA DE LAS EDICIONES

-       1ª edición de la comedia fue impresa probablemente en 1499 por Fadrique de Basilea, en Burgos. No tiene textos preliminares, ni colofón, comenzando en el “Argumento del primer acto de esta comedia...”-       1500, Pedro Hagenbach, Toledo, con versos acrósticos y colofón de Alonso de Proaza.-       1501, Stanislao Colono, Sevilla, igual que la anterior.-       1506. Tragicomedia de Calisto y Melibea, en Roma, completa y en italiano.-       1507, 1ª edición en castellano de la Tragicomedia de Calisto y Melibea.

 4)    FUENTES LITERARIAS

Fuentes indirectas-       Comedias de Terencio.-       Comedias que abundaron en los siglos XII y XIII, inspiradas en la métrica de Ovidio y en la actualización realista de la “comedia humana”.-       Comedia humanística que reinicia Tetrarca en el siglo XIV.

Fuentes directas-       1ª) El acto I se relaciona con algunos diálogos del Libro I de la obra De Amore, de Andreas Capellán.-       2ª) La novela sentimental del siglo XV (especialmente las novelas de Rodríguez del Padrón y Cárcel de amor, de Diego de San Pedro).-       3ª) El Pamphilus, comedia latina anónima del siglo XII, que gozó de gran éxito y cuyo eco fue ampliado en nuestra literatura por su inclusión, casi íntegra y adaptada a nuestra lengua, por parte del Arcipreste de Hita, en el episodio más extenso del Libro del buen amor. Se aquí arranca el personaje de la alcahueta.

 5)    TEMAS PRESENTES EN LA OBRA

-       El tema principal es el amor. El amor cortés, los sentimientos amorosos sinceros y la sexualidad mediante prostitución, son absorbidos como motivaciones por Celestina, que ofrece siempre una misma solución: el amor es el goce intenso del sexo.-       La intervención de Celestina hace aflorar dos temas colaterales:

- La codicia de dinero.- La muerte.

-       Temas secundarios: a) la brujería y magia; b) el ambiente de prostitución; c) la vida urbana y los cambios sociales entre criados y señores; d) la fortuna; e) la reflexión sobre el sentido de la vida.

 6)    DESARROLLO DE LAS ACCIONES

-       Acto I: Planteamiento de las acciones.-       Actos II-VI: Se produce el despliegue de los temas de magia, brujería y beneficios económicos entre los criados y Celestina.-       Actos VII, VIII y IX: Hay un tiempo de descanso dramático, con una recopilación de temas, a la espera de los efectos del conjuro.-       Acto X: La acción se acelera con la confesión amorosa de Melibea.-       Actos XI, XII y XIII: Primer encuentro de Calisto y Melibea. Muerte de Celestina y los criados Sempronio y Pármeno.

-       Acto XIV: Calisto y Melibea consuman su amor. Reflexión de Melibea y su definitiva rendición a Calisto. Monólogo de Calisto.-       Actos XV-XIX: Venganza tramada por Areúsa, Elicia y Centurio, que culmina en el acto XIX con la muerte de Calisto.-       Acto XX: Discurso y suicidio de Melibea.-       Acto XXI: Sin personajes principales vivos. Lamento de Pleberio, padre de Melibea.

 7)    ESPACIO

-       El huerto de Melibea.-       Los interiores de las casas de Calisto, Celestina, Melibea y Centurio.-       Huerto y torre de Melibea.-       ¿Ciudad? ¿Qué ciudad?

 8)    TIEMPO

-       Tiempo de la acción: no excede de seis días.-       Tiempo dramatizado: entre “el otro día” dePármeno (acto II), “el otro día” de Melibea (acto IV), “muchos y muchos días” de Melibea (acto X), “en un mes” de Sosia (acto XVII) y “gozamos casi un mes” de Melibea (acto XX), todo esto nos hace pensar que el tiempo de los hechos ocuparía un lapso temporal de un mes.

 9)    ESTILO DE LA OBRA

-       El diálogo se intensifica con los monólogos, que expresan una subjetividad aguda, en conflicto, y sirven a los personajes para reiterar sus pensamientos.-       Los apartes, que el resto de personajes no oyen, creando una complicidad irónica con el espectador, adelantándole información.-       El lenguaje de la obra funde el léxico culto y el habla popular. Los personajes mezclan en su discurso:

  Las alusiones históricas                            fórmulas irónicas, vulgarismosy citas de autoridades                           con                            y refranes         ESTILO CULTO Y RETÓRICO        +        LO POPULAR Y LO ORAL De esta mezcla resulta un estilo innovador para la época y refuerza el efecto de realidad de la obra.

 10) EL GÉNERO DE LA OBRA

-       ¿Novela? Debido a la articulación tan especial del espacio y el tiempo.-       ¿Teatro? Comedia humanística.-       ¿Diálogo literario?

 11) INTENCIÓN¿Intención moralizadora?

-       Intención explícita: Rojas se quiso proteger con la intención didáctico-moral.-       Intención implícita: Rojas hace una obra que denuncia los peores aspectos morales de la nueva vida urbana y anónima.-       A pesar de todo, en la obra hay: 1) Elogio del goce sexual. 2) Solución trágica que se impone a los personajes. 3) Pesimismo, egoísmo materialista, soledad existencial.

Renacimiento 1.   INTRODUCCIÓN HISTÓRICA

 1)    En el siglo XVI empieza la Edad Moderna europea, que se extiende hasta la Revolución Francesa (1789). En este siglo comienza la Edad de Oro de la cultura española, que abarca también el siglo XVII. En esta Edad de Oro se distinguen dos períodos: el Renacimiento (siglo XVI) y el

Barroco (siglo XVII).2)    En 1453, Constantinopla había caído en poder de los turcos. Este acontecimiento tendrá gran trascendencia en el Renacimiento, ya que los sabios cristianos que vivían allí huyen a las cortes europeas y facilitarán el progreso de las artes y las ciencias en Occidente, gracias a sus conocimientos del mundo clásico antiguo que habían conservado en Bizancio, mientras que en Occidente se habían perdido.3)    El Renacimiento, que ya se esboza en el siglo XV, se desarrolla durante el reinado de Carlos I de España (1517-1555) y el de Felipe II (1556-1598).4)    El siglo XVI es un siglo muy conflictivo desde el punto de vista religioso. Dos acontecimientos importantes cambiarán la vida espiritual, política y social: la Reforma protestante de Lutero y Calvino, que denuncian los abusos y corrupciones de Roma, y la Contrarreforma católica, movimiento de reacción contra el protestantismo consolidado durante el Concilio de Trento (1545-1463), que afirma e impone dogmas y una rígida disciplina en el Catolicismo.5)    España se consolida como imperio. Tras la muerte de los Reyes Católicos, la Reconquista está finalizada. Durante el reinado de Carlos I, se consolida gran parte del imperio español americano y europeo (Flandes, ducados y territorios alemanes y austriacos, Milanesado y gran parte de Italia). Su hijo, Felipe II, conseguirá parar el peligroso avance de los turcos, que llegaron a estar a las puertas de Viena. Ambos monarcas mantendrán continuas guerras por el dominio de Europa con la monarquía francesa (especialmente con Francisco I); Felipe II tendrá que enfrentarse con Inglaterra y sufrir los constantes intentos de independencia de los protestantes holandeses.6)    Desde el punto de vista social, la vida en España está marcada por la religión y por la pertenencia a dos grupos sociales: cristianos viejos y cristianos nuevos. Estos últimos sufrirán la represión de la Inquisición, especialmente virulenta en la segunda mitad del siglo XVI.

 2.   ASPECTOS PRINCIPALES DEL RENACIMIENTO

 El término Renacimiento se ha aplicado durante mucho tiempo a la historia cultural en sentido

limitado, a la literatura, a la erudición y a las bellas artes. Por encima de todo, el Renacimiento supone para el hombre una nueva forma de entender la vida, una nueva cultura que afronta el deseo de que el saber antiguo renazca frente al medieval. Este renacimiento de la cultura clásica de la Antigüedad (griega y latina) se consolida especialmente gracias al humanismo, a cuya difusión europea contribuirá la imprenta, inventada por el alemán Johann Gutenberg a mediados del siglo XV. 

2.1. EL HUMANISMOa)   Ya desde el siglo XIV, los doctos cultivan los Studia humanitatis o estudios de humanidades; estos consisten en el estudio de las culturas de la clasicidad antigua (griega y latina). Para ello se precisa un intenso conocimiento del griego y del latín. Esta última lengua se consolidará en el Renacimiento como lengua de saber.b)   Los antecedentes del humanismo los encontramos en ITALIA, a fines de la Edad Media, con tres grandes indagadores del pasado grecolatino: Dante, Boccaccio y Petrarca. En la Italia de las florecientes ciudades del siglo XV, comienzan a generarse los studia humanitatis, en donde se promueve el estudio de los sabios de la Antigüedad a través de la recuperación de los textos griegos y latinos: Platón, Cicerón, Horacio, etc.c)   Rápidamente el humanismo italiano se extendió por toda Europa. En España destaca como uno de los primeros humanistas la figura de Antonio de Nebrija (1441-1522), catedrático en Salamanca y en Alcalá, y verdadero introductor del humanismo en nuestro país. En pleno siglo XVI no hay que olvidar al cacereño Francisco Sánchez de las Brozas (el Brocense, 1523-1600).d)   En Europa fue decisiva para el humanismo y el Renacimiento en general la figura de Erasmo de Rotterdam (1466-1536), que contó con seguidores en todos los países, especialmente en España. Fue promotor de un humanismo cristiano crítico contra la corrupción de la Iglesia, pero al mismo tiempo sin vincularse a la heterodoxia protestante. Investigó textos de la Antigüedad latina y, como autor original, escribió libros muy influyentes en España, como el Enquiridión o Manual del soldado

cristiano y los Colloquios. Su obra más conocida es el Elogio de la locura, sátira mordaz de las costumbres del mundo cristiano. En España tuvo a importantes seguidores como Luis Vives y los hermanos Valdés. A partir de 1530, las obras de Erasmo se prohibieron en España y sus seguidores fueron perseguidos por la Inquisición; pero la literatura de los erasmistas españoles siguió generándose, aunque de manera soterrada.e)   El humanismo no sólo influye en las artes, sino también en la forma de vida del hombre renacentista. Destaquemos a dos autores:

-       Desde el punto de vista político surge la figura de Maquiavelo, quien escribe su famoso libro El Príncipe (1513), con consejos para que el gobernante atienda solo al mundo terrenal, utilizando incluso la astucia y la doble moral.-       Desde el punto de vista del modelo de comportamiento a seguir, surge la figura de Baltasar de Castiglione con su obra El Cortesano (1528), texto que ofrece a los caballeros un modelo de comportamiento mundano, refinado, ingenioso y culto, frente al guerrero medieval.

 2.2. OTRAS CARACTERÍSTICAS DEL RENACIMIENTO

a)   El Renacimiento es importante para las artes, pero también para la ciencia y la técnica: Así por ejemplo, Magallanes y Elcano (1522) navegan alrededor del mundo y confirman la redondez de la Tierra. Copérnico demuestra que ésta gira alrededor del Sol. Se traduce a médicos del pasado como Hipócrates y Galeno produciéndose avances en medicina.Y el italiano Galileo Galilei da pasos gigantescos en astronomía, matemáticas y física.b)   Desde el punto de vista filosófico, se adopta como filosofía dominante la del griego Platón, rehabilitada y glorificada por el Neoplatonismo, que, desde el punto de vista poético, considera la belleza de la amada como emanación de su belleza interior, que, a su vez, es reflejo de la belleza divina. El artista, cuando idealiza y describe a la amada o a la naturaleza con perfecciones supremas, está contribuyendo al plan del Creador al que anima un designio de belleza.c)   Con el Renacimiento surge también una nueva visión del hombre y de la mujer, que se sitúan en el centro de todas las preocupaciones (antropocentrismo) frente al teocentrismo medieval que ponía a Dios en el centro de todos los pensamientos y actos humanos.d)   Desde el punto de vista de la lengua:

-       El latín y los autores de la antigua Roma se adoptan como modelos incontestables. -       Pero también las lenguas vulgares nacionales (el castellano), gozan de la mayor estima. Los escritores promueven, pues, el uso de la lengua de su país para que alcance la misma dignidad que el latín. En este sentido, hay que recordar que Nebrija escribe la primera gramática de una lengua moderna europea (1492).-       Durante el siglo XVI y XVII el español hablado cambia su fonética medieval y surge la pronunciación moderna-       El ideal del lenguaje renacentista desde el punto de vista literario queda marcado por la naturalidad y la sencillez de estilo. Se opone así al lenguaje literario artificioso del siglo XV y al lenguaje barroco del siglo XVII (también artificioso).

Lírica renacentista LA LÍRICA RENACENTISTA. SIGLO XVICARACTERÍSTICAS BÁSICAS 

A)  INICIO DE LA POESÍA RENACENTISTA EN ESPAÑA

1526 es una fecha simbólica para la literatura española, porque en Granada, con motivo de las

bodas reales y la estancia del emperador Carlos en la ciudad, coincide con los italianos Castiglione

(embajador del Papa) y Andrea Navagero (embajador italiano), el poeta español JUAN BOSCÁN, que

será animado por el segundo a utilizar en castellano las formas métricas italianas.

A partir de esta fecha, la poesía española culta iniciará el paso definitivo hacia los presupuestos vitales del Renacimiento. 

B)   RENOVACIÓN DE LAS FORMAS MÉTRICAS1)    A modo de recuerdo: la renovación formal de la poesía renacentista es, antes de nada, renovación métrica. Recordemos que, a finales de la Edad Media, los tipos de versos más empleados eran el octosílabo y el verso de arte mayor castellano. El primero era el más utilizado, el verso español por excelencia, empleado sobre todo en la lírica tradicional (por ejemplo: Romancero) y en la poesía de cancionero. En cuanto a las estrofas, la copla castellana, cuarteta, redondilla y la copla de pie quebrado eran las más representativas de la poesía española de fines del siglo XV.2)    A partir de 1526, las formas métricas italianas entran en España:

-       VERSOS: el cambio formal más visible es la introducción del verso endecasílabo, según los modelos italianos, combinado a veces con pentasílabos o heptasílabos. El endecasílabo, en sus distintas variedades, con sus dimensiones y variedad de acentos, se plegaba con facilidad al nuevo concepto de poesía, cuyos valores supremos serán la culta naturalidad y la verdad delicada de los sentimientos.-       ESTROFAS: con estos versos, Boscán y Garcilaso introducen también las nuevas estrofas de origen italiano: soneto, lira, estancia, octava real y tercetos encadenados, y subgéneros como la égloga, la epístola, la canción, la elegía y la oda.

3)    Advertencia: la entrada de las formas métricas renacentistas en España no implica la desaparición de las formas métricas tradicionales españolas que se daban en la Edad Media. Como ha demostrado José Manuel Blecua, la métrica española tradicional que, antes de la llegada del Renacimiento, era empleada en lírica tradicional, romancero, poesía culta del XV y el Cancionero General de Hernando del Castillo, se seguirá utilizando en el siglo XVI e incluso en el XVII[1]. Por tanto, ambas formas, las típicamente españolas y las italianas, son empleadas conjuntamente en el Renacimiento español. Todo esto puede quedar resumido con la siguiente frase: En la España renacentista se produce, desde el punto de vista poético, una maravillosa mezcla de TRADICIONALIDAD y ORIGINALIDAD.

 C)  LOS TEMAS POÉTICOS RENACENTISTAS1)    El tema del AMOR: Petrarquismo y Neoplatonismo

-       PETRARQUISMO: En la lírica renacentista fue posiblemente el tema del amor el más tratado, concebido a la manera de Petrarca (1304-1374), quien partía de una teorización del amor cortés desde los principios de la filosofía neoplatónica, según las cuales la armonía engendra la belleza y la felicidad, mientras que el dolor, el desconcierto y el desorden. Petrarca, con su Canzonieri, ofrecía a los poetas renacentistas un diario poético autobiográfico que podría ser imitado. Dividió su Canzonieri en poesías in vita y poesías in morte (vida y muerte de la amada, Laura), con un poema prólogo y otro poema que hacía las veces de epílogo. Este cancionero se consideró su diario poético autobiográfico, con la referencia absoluta a la amada Laura.      Los poetas renacentistas (especialmente Garcilaso), imitarán este modelo petrarquista de “libro de poemas de amor” o “diario poético”, tanto en la forma como en temas e ideología, haciendo alusión a sus respectivas amadas.-       NEOPLATONISMO: se trata de un concepto de raigambre filosófica que afecta al tema del amor renacentista. Se considera la belleza externa de la amada como emanación de su belleza interior, que, a su vez, es reflejo de la belleza divina. Esta concepción amorosa entra en España especialmente a través de dos obras: El Cortesano de Baltasar de Castiglione y los Diálogos de amor de León Hebreo, quienes desarrollan la filosofía neoplatónica en sus obras. En estas, los motivos fundamentales son: 1) la enajenación del amante, quien no vive en sí mismo, sino en la amada; 2) el amor es muerte voluntaria, dulce y amarga a la vez; 3) el amante un ser desdeñado por la amada.      Pues bien, los poetas renacentistas recogerán este concepto neoplátonico del amor y lo mezclarán en sus poemas de amor con el código del amor cortés ya existente (adulterio, amor secreto, lenguaje vasallático, etc.).

 2)    Dos TÓPICOS POÉTICOS: el carpe diem y el beatus ille: Son dos temas poéticos muy utilizados en el Renacimiento.

-       Carpe diem (‘coge el día’, ‘vive el día, el presente’): al hombre renacentista le atraía también el goce sensual de la belleza femenina; es por eso por lo que con frecuencia el deseo de

goce se manifiesta a través del tema del carpe diem (tema tratado anteriormente por el poeta Horacio, s. I a.C.), a veces tratado con cierta melancolía. Lo veremos en Garcilaso, quien se pregunta sobre la fugacidad de la belleza y la vida, que simboliza en la rosa. La juventud y la hermosura son, como su amada, algo efímero que un viento helado, una lluvia otoñal, o un excesivo ardor, van a destruir.-       Beatus ille (‘feliz aquel...’): con este tópico el poeta renacentista vuelve a tratar el sentimiento de goce, pero esta vez ya no a través de la visión de la amada, sino a través de la contemplación de la naturaleza, en la que el poeta se siente feliz. Lo veremos en Fray Luis de León.

 3)    El tema de la NATURALEZA: el Renacimiento concedió una gran importancia a la descripción de la naturaleza, no por su valor intrínseco, sino por su relación con los sentimientos que en ella se desarrollan. Los poetas renacentistas tratarán el tema de la naturaleza haciendo alusión al tópico literario del locus amoenus (lugar ideal con una naturaleza vivificadora). En este lugar idealizado, aparece el deseo de una anhelada Edad de Oro (falta de injusticias, dolor, hambre, eterna juventud, etc.), donde los pastores, las pastoras y las ninfas son los protagonistas.

 4)    TEMAS MITOLÓGICOS: los poetas renacentistas sienten nostalgia por el pasado clásico y recurren a la mitología, especialmente a la greco-latina. Generalmente los argumentos mitológicos se extraían de una obra de Ovidio, Las metamorfosis. El hecho de que los poetas del Renacimiento eligiesen la mitología como temática de su producción poética se debió a ser ésta uno de los núcleos más relacionados con la cultura clásica y, por tanto, con la tradición humanística. Las fábulas mitológicas eran, pues, recreadas por los poetas renacentistas con el fin de potenciar una historia personal.

 5)    POESÍA METAFÍSICA Y EXISTENCIAL (ASCÉTICA Y MÍSTICA): Durante la segunda mitad del siglo XVI, se produce una traslación de los temas amorosos y paganos al terreno de lo divino. Surge así la poesía religiosa, metafísica y existencial que veremos en Fray Luis de León, San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús.

 TEXTOS

 TRADICIONALIDAD Y ORIGINALIDAD (Garcilaso de la Vega)

[1] J.M. Blecua, “Corrientes poéticas en el siglo XVI”, en Sobre poesía de la Edad de Oro, Madrid, Gredos, 1970, pp. 11-24.Nadie puede ser dichoso,                                     Escrito está en mi alma vuestro gestoseñora, ni desdichado,                                         y cuanto yo escribir de vos deseo:sino que os haya mirado.                                     vos sola lo escribistes; yo lo leo,Porque la gloria de veros                                      tan solo, que aun de vos me guardo en estoen ese punto se quita                                            En esto estoy y estaré siempre puesto,que se piensa mereceros;                                    que aunque no cabe en mí cuanto en vos vasí que sin conoceros,                                           de tanto bien lo que no entiendo creo,nadie puede ser dichoso,                                     tomando ya la fe por presupuesto.señora, ni desdichado,                                          Yo no nací sino para quereros;sino que os haya mirado.                                      mi alma os cortado a su medida;                                                                                  por hábito del alma misma os quiero;                                                                                  cuanto tengo confieso yo deberos;                                                                                  por vos nací, por vos tengo la vida,                                                                                  por vos he de morir y por vos muero. CARPE DIEM y BEATUS ILLE (Garcilaso y Fray Luis de León)    En tanto que de rosa y azucena                             ¡Qué descansada vidase muestra la color en vuestro gesto,                                la del que huye del mundanal ruïdo,y que vuestro mirar ardiente, honesto,                   y sigue la escondidacon clara luz la tempestad serena;                         senda por donde han ido   y en tanto que’l cabello, que en la vena                       los pocos sabios que en el mundo

del oro se escogió, con vuelo presto                                                                    [han sido!por el hermoso cuello blanco, enhiesto,                .......................................................el viento mueve, esparce y desordena:   coged de vuestra alegre primaverael dulce fruto, antes que el tiempo airadocubra de nieve la hermosa cumbre.   Marchitará la rosa el viento helado,Todo lo mudará la edad ligeraPor no hacer mudanza en su costumbre. LA NATURALEZA (Garcilaso Ëgloga I)   Con mi llorar las piedras enternecensu natural dureza y la quebrantan;los árboles parece que se inclinan;las aves que me escuchan, cuando cantan,con diferente voz se condolesceny mi morir cantando me adevinan;las fieras que reclinansu cuerpo fatigadodejan el sosegadosueño por escuchar mi llanto triste:tú sola contra mí te endureciste,los ojos aun siquiera no volviendoa los que tú hicistesalir, sin duelo, lágrimas corriendo. TEMAS MITOLÓGICOS  (Garcilaso)                                       A Dafne ya los brazos le crecían                                   y en luengos ramos vueltos se mostraban;                                   en verdes hojas vi que se tornaban                                   los cabellos que el oro escurecían:                                      de áspera corteza se cubrían                                   los tiernos miembros que aun bullendo se estaban;                                   los blancos pies en tierra se hincaban                                   y en torcidas raíces se volvían.                                      Aquel que fue la causa de tal daño,                                   a fuerza de llorar, crecer hacía                                   este árbol, que con lágrimas regaba.                                      ¡Oh miserable estado, oh mal tamaño,                                   que con llorarla crezca cada día                                   la causa y la razón por que lloraba!

Este soneto de Garcilaso solo se entiende a partir del conocido mito de Dafne y Apolo que aparece en Las metamorfosis de Ovidio. Dafne, herida con la flecha del desdén y acosada por Apolo, se convirtió en laurel cuando el dios estaba a punto de alcanzarla. Los cuartetos se limitan a describir la metamorfosis de la ninfa Dafne en laurel, mientras que los tercetos reproducen la escena de Apolo llorando sobre el árbol, a lo que no sólo se ha atribuido el valor emblemático del sufrimiento amoroso, sino también el de la propia poesía. Piénsese también en el valor simbólico que pueden tener estos versos en el mismo Garcilaso: la fábula de Dafne y Apolo puede simbolizar el fracaso amoroso entre el poeta y su amor, Isabel Freire.  

GARCILASO DE LA VEGAVIDA

-       Nació en Toledo (1501) y murió en Niza (1536) a causa de las heridas sufridas durante el ataque a la fortaleza de Muy (Provenza).-       Encarna el ideal renacentista: soldado y hombre de letras.-       En 1525 se casó con Elena de Zúñiga; tuvo tres hijos. Pero el matrimonio no le da la felicidad, como se refleja en su poesía, en la que no cita nunca a su mujer.

-       Poco después de casarse conoció a Isabel Freyre, dama de la Emperatriz, de la que se enamoró (no fue correspondido). Esta mujer será la musa de sus poesías.-       El poeta alude a su amada constantemente en sus poemas, unas veces con alusiones mitológicas y otras con nombres encubiertos (Belisa y Elisa).-       El matrimonio de Isabel con otro caballero y su muerte prematura producen en el poeta un sentimiento profundo de dolor que se refleja en su poesía.

 OBRA

1)    Su obra es muy reducida, pero muy importante en el paso de nuestra poesía medieval a la renacentista, adoptando temas y formas procedentes del Renacimiento italiano. Así, por ejemplo, desde el punto de vista de la forma cambia el verso tradicional español (octosílabo) por el endecasílabo de gusto renacentista y llega a aclimatar en la poesía española el soneto.2)    Escribió treinta y ocho SONETOS cuya temática es el amor que produce dolor. Cinco CANCIONES, dos ELEGÍAS y tres ÉGLOGAS (en las que unos pastores dialogan sobre el amor a orillas del río Tajo).3)    Su trayectoria, trazada por Rafael Lapesa, se podría resumir de la siguiente manera:

a)   Una poesía de comienzos, situada en la línea de los cancioneros del XV.b)   Una poesía de asimilación petrarquista a partir de 1526.c)   Un inigualable equilibrio entre emoción y perfección en su poética desde su estancia en Nápoles.d)   Una última etapa en donde aspira el neoplatonismo puro y la valoración positiva y sensorial de la realidad.

 ESTILO

-       Garcilaso es lo contrario al ideal de los grandes poetas del XV, como Mena o Santillana.-       Garcilaso muestra un ideal de poesía NATURAL y NO AFECTADA (esto es, como hecha sin esfuerzo, sin grandes alardes formales).-       Emplea, pues, el lenguaje normal que emplean los cortesanos educados.-       Es considerado el primer poeta español moderno, tanto por la fuerza de su lirismo, como por su lenguaje.

 LA POESÍA RENACENTISTA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI

 CUESTIONES PREVIAS

Durante la segunda mitad del siglo XVI, la poesía española sigue los pasos de los poetas italianizantes (Garcilaso, Juan Boscán y otros), es decir, un tipo de poesía renacentista marcada por el petrarquismo y el neoplatonismo y caracterizada por ser poesía profana. Al mismo tiempo, en esta segunda mitad comienza a desarrollarse un tipo de poesía religiosa cuyas figuras más importantes son Fray Luis de León, San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús. El cambio en la poesía renacentista hay que entenderlo a través de un acontecimiento histórico: la Contrarreforma católica generada en el Concilio de Trento a mediados de siglo. España se encierra en sí misma para evitar cualquier contagio protestante, la Inquisición es cada vez más influyente en la vida de los españoles y nuestro país vive la vida religiosa con mayor profundidad. Todo esto origina, desde el punto de vista poético, dos posturas religiosas que seguirán los poetas renacentistas:

-       Ascetismo: es una forma de vida religiosa que trata de perfeccionar a las personas exhortando al cumplimiento estricto de las obligaciones cristianas e instruyéndolas en ello. Cuenta con autores como Fray Luis de León.-       Mística: es una forma de vida religiosa que trata de expresar los prodigios que algunos privilegiados experimentan en el alma al entrar en amorosa comunicación con Dios. El ejemplo inmediato es San Juan de la Cruz.El misticismo, es decir, la aspiración a la unión divina en vida existe en la humanidad desde muy antiguo; así en la India (dentro del hinduismo), en la antigua China (taoísmo), en la antigua Grecia (orfismo), en el sufismo musulmán, o en pensadores como Filón (siglo I). El misticismo cristiano arranca en la Edad Media y en España tuvo un desarrollo espectacular con las figuras citadas, sobre todo porque estos poetas lograron la unión con Dios a través del lenguaje.El proceso místico: sólo accesible a unos pocos elegidos, se desarrolla mediante tres fases o vías: 1) la purgativa (es la fase ascética, caracterizada por el retiro del “mundanal ruido”); 2) la iluminativa (en la que el alma recibe el conocimiento divino); 3) y la unitiva (el alma se funde con Dios y es invadida por un gozo inefable, es decir, que no se puede expresar con palabras, de

ahí que un poeta como San Juan de la Cruz tienda a expresar esta última fase mística con abundante simbología).

 FRAY LUIS DE LEÓN             Fray Luis ocupa con Garcilaso la cumbre del renacimiento poético español. No llegó a ser un místico, ya que sólo alcanzó la primera vía del proceso místico, la purgativa o ascética. VIDA

-       Fray Luis de León nació en Belmonte (Cuenca) en 1527, en le seno de una familia de conversos.-       Tras estudiar en Madrid, Valladolid y Salamanca, ingresó en la orden de los agustinos.-       En 1561 obtuvo la cátedra de Santo Tomás en la Universidad de Salamanca. La tradicional pugna por las cátedras entre las órdenes de agustinos y dominicos favoreció las envidiosas intrigas de dos dominicos, Fray Bartolomé de Medina y León de Castro, que llevaron a Fray Luis a la cárcel inquisitorial de Valladolid en 1572, bajo las siguientes acusaciones:

a)   Se le acusó de haber desautorizado  el texto de la Vulgata (versión latina de la Biblia).b)   Haber difundido una traducción castellana de El cantar de los cantares, a pesar de la prohibición.

-       Tras cuatro largos años en prisión, el Santo Oficio lo declaró inocente. Cuando regresó a las aulas de Salamanca, comenzó su primera clase con la famosa frase de “Decíamos ayer...” Murió en 1591.

 OBRA POÉTICA

-       Su obra poética es escasa: consiste en menos de cuarenta poemas, que no llegó a publicar.-       Fray Luis comenzó imitando los sonetos de Petrarca; pero aquello no satisfacía su espíritu austero.-       Su poesía sigue entonces un camino en el que anhela la VIDA SENCILLA Y NATURAL, como antesala de la VIDA DEL CIELO.-       Con respecto a la forma, Fray Luis utiliza frecuentemente el subgénero lírico de la oda, de raigambre clásica, imitando a poetas latinos que ya utilizaron la oda como Horacio. En las odas utiliza la lira garcilasiana como vehículo métrico.

 OBRA EN PROSA

-       Tradujo el Cantar de los cantares bíblico, con el fin de que pudiera conocerlo su prima monja Isabel Osorio.-       Durante muchos años, se aplicó a escribir la Exposición del libro de Job, su obra más extensa, que es traducción u comentario de ese libro de la Biblia: en las penalidades y en la fe de Job, podía ver un precedente de su propia vida.-       Otras obras: La perfecta casada y De los nombres de Cristo, ambas publicadas en 1583. Esta última es la más bella, obra que se desarrolla mediante un diálogo entre frailes agustinos reunidos en una finca que la orden poseía cercana a Salamanca (“La Flecha”).

 ESTILO            El estilo de Fray Luis se ajusta a la norma renacentista de naturalidad y no afectación. En sus obras domina la armonía, con un equilibrio hermoso entre contenido y forma, algo que aprendió de los clásicos latinos que imitaba. SAN JUAN DE LA CRUZVIDA

-       Juan de Yepes y Álvarez nació en Fontiveros (Ávila) en 1532, en el seno de una familia pobre, lo que le llevó a trabajar como enfermero en el Hospital de Medina del Campo.-       Estudió en los jesuitas hasta que ingresó en el Colegio de los Carmelitas con el nombre de Fray Juan de Santo Matías. Después estudió en Salamanca y fue ordenado en 1567, año en que conoció a Santa Teresa.-       Realizó fundaciones de conventos. En 1577 sus compañeros de orden lo encerraron en un convento de Toledo, donde San Juan concibió sus poemas. Del encarcelamiento pudo evadirse a los ocho meses.

 OBRA

Su obra poética es de exclusiva temática religiosa. Sus escritos líricos (por los que ocupa un puesto excelso en la poesía mundial) son muy pocos: unos veinte poemas, de los cuales seis u ocho, de naturaleza mística, son prueba del milagro creativo que se produce en San Juan.            Los poemas fundamentales de San Juan de la Cruz son:

1)    Cántico espiritual: Consta de cuarenta liras garcilasianas (aBabB), en las cuales el alma (La Esposa), como pastora enamorada, busca a Cristo (el Esposo), a través de las tres vías místicas hasta el instante sublime de la unión mística.2)    Noche oscura del alma: Formado por ocho liras garcilasianas, en las cuales el alma enamorada (la Amada) abandona de noche su casa (es decir, los afanes mundanos) y sale a unirse con el Amado.3)    Llama de amor viva: Constituido por cuatro estrofas. Con ellas San Juan describe el gozo intenso de la unión.

- En estos tres poemas abundan los símbolos y las metáforas, no fácilmente entendibles, ya que los fenómenos místicos, al ser inefables, no se pueden definir mediante el lenguaje ordinario.

-       Para San Juan la poesía no es solo una simple afición: es una forma de vivir, su forma de vivir. Él no busca con sus poemas la fama o el deseo de ser reconocido como poeta. Él necesita la poesía para vivir y comunicarse con Dios.-       Conoce perfectamente la Biblia; precisamente el Cantar de los cantares bíblico, obra asignada a Salomón, será la fuente principal de su maravilloso Cántico espiritual. El Cantar de los cantares le proporcionaba toda una simbología erótica que sirvió para desarrollar el encuentro amoroso y místico entre el alma (Esposa) y el amado (Dios).

 OTROS POETAS Fernando de Herrera                                         Miguel de Cervantes Saavedra

(1534-1597)                                                                                                           (1547-1616)

Soneto                                                                                           Soneto   Pensé, mas fue engañoso pensamiento,                       Al túmulo de Felipe II en Sevillaarmar de puro hielo el pecho mío;                                    Voto a Dios que me espanta esta grandezaporque el fuego de Amor al grave frío                              y que diera un doblón por describilla:no desatase en nuevo encendimiento.                            porque ¿a quién no sorprende y maravilla   Procuré no rendirme al mal que siento,                         esta máquina insigne, esta riqueza?y fue todo mi esfuerzo desvarío;                                        Por Jesucristo vivo, cada piezaperdí mi libertad, perdí mi brío,                                          vale más de un millón, y que es mancillacobré un perpetuo mal, cobré un tormento.                  que esto no dure un siglo, ¡oh gran Sevilla!,   El fuego al hielo destempló, en tal suerte,                     Roma triunfante en ánimo y nobleza.que, gastando su humor, quedó ardor hecho;                Apostaré que el ánima del muertoy es llama, es fuego, todo cuanto expiro.                         por gozar este sitio hoy ha dejado   Este incendio no puede darme muerte;                         la gloria donde vive eternamente.que, cuanto de su fuerza más deshecho,                         Esto oyó un valentón y dijo: “Es ciertotanto más de su eterno afán respiro.                                 cuanto dice voacé, señor soldado.                                                                                                 Y el que dijere lo contrario, miente”.                                                                                                 Y luego incontinente                                                                                                 caló el chapeo, requirió la espada,                                                                                                 miró al soslayo, fuese, y no hubo nada.

Narrativa renacentista 1.1. LA NARRATIVA RENACENTISTA

1)    Se mantiene un género medieval: la NOVELA DE CABALLERÍAS. Son extensas narraciones,

denominadas aventuras, de un héroe, ser extraordinario por su valentía portentosa y a veces

sobrehumana, en el que se reflejan las virtudes del honor, la lealtad y la generosidad, que le incitan a

la lucha con el fin de adquirir méritos suficientes que lo hagan digno del amor de una dama.

La obra fundamental es el Amadís de Gaula, texto publicado en 1508 por Garci Rodríguez de

Montalvo. Satirizando sus disparates y combatiendo su éxito escribirá Cervantes el Quijote (1605-

1615).

 

Plenamente renacentistas son los siguientes géneros:

2)    NOVELA PASTORIL: Narra los amores contrariados que profesan idealizados pastores a

esquivas pastoras en paisajes amenos y con pasiones líricamente expresadas. Se imitaba al italiano

Sannazaro, autor de la Arcadia (h. 1504).

En España hay que recordar tres obras:

-       El primero fue Jorge de Montemayor con Los siete libros de la Diana (h. 1559).

-       Después surge Gil Polo con Diana enamorada (1564).

-       Y no podemos olvidar la genial obra de Cervantes, La Galatea (1585).

 

3)    NOVELA BIZANTINA: Fue un relato nacido en la época griega. Se caracteriza por la

narración de dos enamorados que viven increíbles peripecias hasta lograr unirse. En España destaca

especialmente Cervantes con su obra Los trabajos de Persiles y Segismunda (1617).

 

4)    NOVELA MORISCA: De creación española, ofrece historias de moros y cristianos que

rivalizan en cortesía y caballerosidad durante la Reconquista. En España destacan dos obras: la

anónima Historia del Abencerraje y de la hermosa Jarifa (1551) y la Historia de los amores de

Ozmín y Daraja, obra que apareció en el Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán.

 

5)    NOVELA PICARESCA: De creación española, fue fundada por el anónimo autor del Lazarillo

de Tormes (1554). El género se consolidó con Vida de Guzmán de Alfarache (1599), obra de Mateo

Alemán.

 

6)    La NARRACIÓN DE TIPO ITALIANIZANTE: También en el siglo XVI se cultivó en

España la novela de imitación italiana, inspirada principalmente en el Decamerón de Boccaccio. Esta

narrativa de imitación italiana deriva en dos direcciones: el cuento y la novela corta.

En España destaca especialmente Juan de Timoneda con su Sobremesa y alivio de caminantes

(colección de cuentos) y el Patrañuelo (colección de novelas cortas).

 

7)    La Lozana andaluza: Fue publicada en Venecia en 1528. Su autor es Francisco Delicado. La

obra se desarrolla en roma, donde la protagonista, Aldonza-Lozana, se ve rodeada de un clima de

prostitución, picardía, bullicio y alegre vitalidad.

Aun con su entronque celestinesco, La Lozana anadaluza es una obra plenamente instaurada en el

ámbito del placer renacentista localizable en Roma y donde la mujer podía moverse en la corriente de

libertad femenina que predicaba una parte del Renacimiento.

 

Cervantes y el Quijote 1)   PUBLICACIÓN DE Don Quijote de la Mancha

La primera edición de Don Quijote de la Mancha es de 1605. Al finalizar, Cervantes plantea la idea

de que quizá tuviera continuación la vida de don Quijote, personaje que quedaba reposando en su casa y

era cuidado de aquel desvarío que afectaba a su raciocinio.

La segunda parte del libro aparece en 1615. Entre la primera y la segunda, Cervantes aprovecha la

popularidad que le dio la primera parte de 1605 para publicar otras obras. Pasan, pues, entre parte y parte,

diez años; pero un año antes de la publicación de la segunda parte hay un hecho curioso: en 1614, un

escritor que se dice llamar Alonso de Avellaneda escribe otro Quijote, intentando así robarle el éxito

a Cervantes.

  2)   El QUIJOTE DE AVELLANEDA (1614)

Este nombre fingido esconde un personaje que debía ser enemigo de Cervantes. El hispanista Martín

de Riquer considera  que puede ser un tal Jerónimo de Pasamonte, personaje que en el Quijote de

Cervantes aparece representado por el galeote y pícaro Ginés de Pasamonte.

Avellaneda intentó robarle el éxito a Cervantes en 1614. Este se apresura a publicar en 1615 la

segunda parte del Quijote, denunciando en el prólogo del libro a Avellaneda. Curiosamente se da una

paradoja: gran parte de la grandeza de esta segunda parte se debe al Quijote de Avellaneda, ya que la

imitación provocó una profunda reflexión literaria.

3)   ALGUNOS TEMAS IMPORTANTES DEL QUIJOTE

A) Propósito literario de denuncia:

La historia de don Quijote es la historia de un personaje que ha perdido el juicio por leer muchos

libros de caballería. Como consecuencia de esto, se puede leer el libro como una sátira hacia ese tipo de

libros de caballería. Cervantes los consideraba de mal gusto; para él, estos libros, desde el punto de vista

estético, estaban mal concebidos y podían deformar el gusto del lector debido a su inverosimilitud.

Cervantes creía en la literatura verosímil (no identifiquemos verosímil con realista, son cosas distintas), y

para él las historias de los caballeros andantes medievales eran inapropiadas, eran mentirosas.

Además de lo anterior, el tema de la denuncia literaria hay que entenderla a partir del propio

personaje don Quijote, ya que es la historia de un loco libresco (que se vuelve enfermo por leer libros), y

a partir de ahí tenemos en el Quijote toda una amplísima visión del mundo literario de la época de

Cervantes.

B) El tema del perspectivismo y la realidad de las apariencias:            Se trata de un tema muy recurrente en el siglo XVII: el ser o no ser (recordemos a Shakespeare) o la realidad de las apariencias. Este tema lo transmite Cervantes de muchas maneras. Por ejemplo:

-       ¿Quién es el autor del libro? No lo sabemos muy bien, porque existen varios autores, varios narradores. Cervantes deja en su libro a varios narradores, porque sabe que el punto de vista único de la picaresca da una visión peligrosa. Prefiere distintos puntos de vista en la novela, distintas realidades, porque sabe que cada hombre y cada lector es una realidad distinta.-       ¿Es don Quijote un verdadero loco? Diríamos que padece un tipo de esquizofrenia especial, ya que sólo se comporta como un loco cuando piensa y actúa como un caballero andante de la Edad Media. Pero cuando se aleja de esta perspectiva, es un maravilloso personaje, un verdadero hombre lleno de sabiduría. Hay en este loco, por lo tanto, una doble mirada, es decir, perspectivismo. Un personaje que causa risa, pero también tristeza, un personaje loco, sí, pero encantadoramente crítico con la sociedad de Cervantes, porque es la historia de un loco que piensa como un caballero andante pero que se pasea por una España real, no fantástica.

 C) El tema de la libertad:

Cervantes toca este tema en su obra especialmente debido a las circunstancias de su propia vida

(recordemos que sufrió varias prisiones).Aparece especialmente en el episodio de la liberación de los galeotes. Aquí de nuevo se ven las dos caras de la realidad. Don Quijote y Sancho se encuentran con un grupo de galeotes que, encadenados, caminan con los alguaciles hacia las galeras. Al verlos don Quijote, sin atender a las razones de Sancho, los libera. Sancho defiende la justicia del Rey y don Quijote cree en dar libertad a aquellos que van “mal de su agrado”. La visión de Sancho admite la visión civil; la visión de don Quijote no ve más que el bien y el mal, y su orden de caballería no ve más que donde llega la libertad de los oprimidos.El tema de la libertad aparece también en el episodio de la pastora Marcela. Cervantes plantea aquí la necesidad de que la mujer sea libre a la hora de elegir su futuro. Para Cervantes, en contra de la opinión general de su tiempo, la mujer tiene derecho a elegir con quién ha de casarse, es decir, debe ser libre.Volvemos a encontrar el tema de la libertad cuando Cervantes nos cuenta los encuentros de don Quijote y Sancho con los moriscos. Este tema se toca dos veces:

-       Cuando Sancho se encuentra en el camino con un antiguo vecino morisco que fue expulsado de España y que intenta regresar a su tierra clandestinamente vestido de peregrino. Sancho lo recibe amistosamente, se preocupa por él y entiende la nostalgia de su vecino morisco.-       Cuando Cervantes introduce en el Quijote las novelas de moriscos.

En los dos casos notamos cómo Cervantes muestra un tema candente en la época: la expulsión de los moriscos (1609). Cervantes considera la expulsión de la siguiente manera: hasta qué punto era lícito expulsar a este grupo, no sólo por el dolor que se le producía, sino también por el perjuicio económico del país.

 4)   PERSONAJES PRINCIPALES

 -       DON QUIJOTE: Es descrito por Cervantes en el primer capítulo situado en el estamento de hidalgo (escasos bienes), con mucho tiempo libre, que pasa siempre leyendo. Este exceso le lleva a la locura. Es un personaje idealista y utópico, buen conocedor de la literatura de su tiempo. Un loco sabio. Ya hemos comentado más aspectos de su personalidad arriba.-       SANCHO PANZA: Cervantes no introduce a Sancho hasta el capítulo VII. Nos dice de él que es un personaje rústico que acompañará a don Quijote como escudero. No es idealista, sino pragmático.El interés del personaje Sancho radica en su curiosa evolución. Sancho crece en protagonismo según avanza la novela, hasta el punto de que ese protagonismo se lo reparten entre caballero y escudero. Es decir, de un personaje simple, no letrado, susceptible de ser engañado, capaz de creerse que va a ser premiado por don Quijote con la “ínsula Barataria”, se pasa al final de la novela a un personaje más sabio, más discreto y mucho más interesante. Todo ello motivado por el contacto con don Quijote. En resumen, Sancho sufre un proceso de quijotización.

Lo curioso es que el sabio don Quijote también aprende de Sancho. En las últimas páginas nos damos cuenta que don Quijote ha sufrido un proceso de sanchificación. Sancho y Quijote se han ido impregnando uno de otro en la segunda parte del libro. Cervantes, además, de manera muy hábil ha puesto a esta pareja tan contradictoria como personajes principales para marcar aún más el perspectivismo, la doble visión de la realidad. 

EL TEATRO DE CERVANTESIDEAS PRINCIPALES OBTENIDAS DEL PRÓLOGO DE CERVANTES A SU OBRA Ocho comedias

y ocho entremeses nuevos nunca representados (1615)             El teatro fue la gran vocación de Cervantes; sin embargo fue escasa su fortuna. En su teatro caben dos etapas:1ª) Un teatro inicial que realiza tras su regreso de Argel (hacia la década de 1580) en el que imita el teatro grecolatino, con temas nobles, verosímiles y sujeto a las famosas unidades aristotélicas (unidad de acción, de espacio y de tiempo). Obras: La Numancia y Los tratos de Argel. En estas obras intervienen junto a los personajes las llamadas figuras alegóricas como personajes (la Fama, la Guerra, la Prudencia, etc.).2ª) Una segunda etapa (en los primeros años del siglo XVII) en la que Cervantes trata de imitar la fórmula del teatro de Lope de Vega, un teatro con una mayor espectacularidad y que no suele respetar la regla aristotélica de las tres unidades.             Su idea del teatro se puede obtener de la lectura del prólogo de Ocho comedias y ocho entremeses nuevos nunca representados, obra editada en 1615. El propio título nos indica que su teatro no fue aceptado por los directores de comedias para ser representado; preferían el teatro nuevo del “monstruo de la naturaleza”: Lope de Vega.

 IDEAS DEL PRÓLOGO:

1)    En este prólogo Cervantes nos habla del teatro que había visto representar cuando era joven. Nos dice cuál era la figura más importante del teatro en su niñez: Lope de Rueda, autor de comedias y de pasos (entremeses)2)    Nos muestra, además, lo rudimentario que era este teatro de Lope de Rueda en cuanto al atrezzo (escenografía). No había espectacularidad, no había tramoya como posteriormente con Lope de Vega.3)     Las comedias entonces, dice Cervantes, eran como églogas entre pastores, y los entremeses eran ya de “bobo”, de “vizcaíno”, de “rufián cobarde”, de “negra”, etc., es decir, personajes tipos o figuras.4)    Además, Lope de Rueda era muy polifacético, porque lo hacía todo en el teatro: era autor, director, representante, cómico, etc.5)   Cervantes se sitúa entonces con el teatro de Lope de Rueda. Nos dice también que él mismo, en su primera época de teatro no espectacular, hizo algunas obras, como La Numancia, en la que introdujo figuras alegóricas como personajes, que son personajes abstractos que representan determinadas cualidades. A Cervantes le interesa manifestar que fue autor de teatro en su juventud y que entonces fue aceptado por el público.6)   Pero tras contarnos esta su primera época teatral, viene a decirnos después que llegó “el monstruo de la naturaleza”, es decir, Lope de Vega, quien con su nuevo estilo y tipo de teatro se hizo con el mando del teatro. Cervantes muestra admiración aparente hacia Lope de Vega. Sabe perfectamente que Lope es un genio y que su fórmula teatral gusta al público, aunque es verdad que Cervantes no quiere hacer el teatro que instaura Lope. Sin embargo, acepta a regañadientes su teatro y realizará algunas obras según los presupuestos de Lope; por eso en algunas obras de teatro cervantinas últimas observamos que no se respeta la regla de las tres unidades.

LITERATURA BARROCA

1. PROSA Y POESÍA BARROCA

Historia sociedad y cultura en el s. XVII

Tras la expansión que para España había significado el s. XVI, en el s. XVII, bajo los últimos Austrias (Felipe III, IV y Carlos II) se produce un cierto retroceso: La población disminuye, la vida se encarece y aumenta la pobreza. España pierde su hegemonía en Europa y el imperio español comienza su decadencia.

La burguesía pierde valor económico a favor de los nobles, cuya riqueza se asienta en la posesión de las tierras. La expulsión de los moriscos tuvo serias consecuencias para la agricultura. El rechazo del trabajo manual y el desinterés por el comercio alejan al país del desarrollo económico. El triunfo de la contrarreforma y, por tanto, el alejamiento de Europa, dificulta la renovación ideológica y científica. En este panorama sombrío, la creación

artística vive un enorme esplendor, especialmente en la pintura y en la literatura (poesía, teatro y prosa).

El Barroco

El Barroco es el movimiento cultural del s. XVII. Frente a la naturalidad de y el

deseo de armonía del Renacimiento, el Barroco supone el triunfo de la exageración y el contraste.

En el s. XVIII se utilizó con sentido peyorativo referido a las artes plásticas para

designar retorcimiento y confusión en las obras de arte, opuestos al equilibrio y la claridad del clasicismo. Posteriormente este término se extendió a las demás manifestaciones culturales de la época. En la actualidad designa al arte y la cultura correspondientes a finales del s. XVI y el s. XVII. En España perduró hasta el primer tercio del s. XVIII.

Características y temas del barroco

El barroco se caracteriza por los siguientes rasgos:

1. Pesimismo: El Renacimiento no había conseguido imponer la armonía y la

perfección en el mundo como pretendían los humanistas, por lo tanto se instala un pesimismo intelectual, cada vez más acrecentado, compatible, como es natural, con el vivir desenfadado de que dan testimonio las comedias de aquel tiempo.

2. Desengaño: Los grandes ideales renacentistas han fracasado y, en el caso de

España, el poder político está desvaneciéndose. El desengaño sigue a la euforia

del siglo anterior y surge en la literatura.

3. Desconfianza en los valores humanos: Los humanistas habían defendido la

bondad y la perfección natural del hombre, pero ahora se afirma que la naturaleza

Apuntes de Literatura humana es mala. El hombre por sí mismo no puede mejorarla sin ayuda de la gracia divina.

4. Angustia: El hombre es libre de elegir su destino y responsable de sus actos por lo que todo depende de él. Su existencia se convierte en una constante lucha entre las fuerzas del bien y del mal, entre sus deseos y sus instintos.

La lengua literaria. Conceptismo y culteranismo.

La necesidad que existe en el arte de buscar la originalidad hace que el estilo sea más artificioso, recargado, colorista e ingenioso. Los escritores no buscan naturalidad, valoran más bien lo contrario.

Dentro de la literatura barroca suelen distinguirse dos tendencias estéticas:

CONCEPTISMO y el CULTERANISMO. Ambas complican mucho la expresión, los mayores representantes de estas dos corrientes son Góngora y Quevedo.

1. Conceptismo : Se sirve del concepto para crear, el escritor conceptista quiere

expresar mucho con pocas palabras. Hace un esfuerzo por sorprender las

relaciones o forzarlas obligando al lector a similar trabajo para comprenderlas. El

vocabulario empleado es aparentemente sencillo pero las asociaciones

inesperadas a que es sometido lo hacen a veces muy difícil. Su mayor

representante es Quevedo.

2. Culteranismo : Es en realidad, una variante del conceptismo. Forja los conceptos con una gran ornamentación formal. Persigue la belleza y la expresividad del texto mediante recursos como las metáforas, los hipérbatos, los cultismos…De esta manera la lengua literaria se aleja de la lengua común. Su mayor representante es Góngora.

Los autores españoles más destacados de la época son: Francisco de Quevedo, Luís de Góngora, Lope de Vega y Calderón de la Barca de los que hablaremos a continuación.

FRANCISCO DE QUEVEDO (1580-1645)

Francisco de Quevedo y Villegas es, el intelectual español más importante del s.

XVII. Nació en Madrid en 1580 y vivió siempre en la Corte, en donde se granjeó muchas enemistades la más conocida es la enemistad que tuvo con Luís de Góngora. Fue desterrado y sus últimos años los pasó en la cárcel. Murió en Ciudad Real en 1645. Su poesía es un ejemplo de las contradicciones del espíritu barroco, en ella conviven tres planos opuestos:

- El sublime de su poesía amorosa.

- El ascético de su poesía moral.

- El impertinente de su poesía satírica.

Su poesía es el mejor exponente de las características barrocas: angustia, pesimismo, preocupación por el paso del tiempo…Escribe una poesía culta, elegante, continuadora de la línea petrarquista pero simultáneamente cultiva la veta sarcástica, socarrona y procaz en la línea de los clásicos latinos. Manejó con inigualable maestría un idioma buscando correspondencias insólitas entre objetos. (Conceptismo). Esto obliga al lector actual a estar

con los sentidos bien atentos para desentrañar el significado de las correspondencias. Algo que no ocurría en los lectores de la época ya que estaban acostumbrados a resolver tales enigmas. Además su léxico es de apariencia normal, pero su manejo está lleno de artificios, es además un ingenioso creador de palabras.

Dentro de la poesía de Quevedo hay que distinguir diversa temática y obras:

:

- Poemas amorosos: Dedicados a Lisi. Cantan la belleza de la seductora dama, sus desdenes y su propio abatimiento, es el suyo un amor angustiado, celoso de

encontradas reacciones contrarias y asociado con la preocupación por la muerte.

- Poesía de carácter serio y reflexivo moral y religioso: Se muestra hondamente

cristiano, con claro recuerdo de Séneca y Horacio. Denuncia actitudes como la

pérdida de valores y la corrupción humana. Son ejemplo de esta temática;

Epístola satírica y censoria contra las costumbres presentes de los castellanos.

- Poesía honda: En esta poesía se incluyen los poemas donde se lamenta por el

paso rápido del tiempo. Ante la evidencia de la muerte hay que atravesar

resignadamente este valle de lágrimas, pero siempre con Cristo en nuestro

pensamiento.

- Poesía satírico burlesca: En esta poesía Quevedo exhibe un mayor ingenio y es

donde hace los más audaces hallazgos lingüísticos, con retorcimientos,

hipérboles. Contrastes, equívocos, parodias, ambigüedades, vocablos

inventados…Con estos poemas se burla de todo o incluso lo somete a una sátira

implacable. En ocasiones esta sátira es moralizadora pero otras muchas sólo tiene

un fin lúdico y festivo. Se ríe de calvos, cornudos, médicos, escribanos,

taberneros…

Ejemplo: A una nariz

Érase un hombre a una nariz pegado,

Érase una nariz superlativa,

Érase una alquitara medio viva,

Érase un peje espada mal barbado;

Era un reloj de sol mal encarado.

Érase un elefante boca arriba,

Érase una nariz sayón y escriba,

Un Ovidio Nasón mal narigado.

Érase el espolón de una galera,

Érase una pirámide de Egito,

Los doce tribus de narices era;

Érase un naricísimo infinito,

Frisón archinariz, caratulera,

Sabañón garrafal morado y frito.

Quevedo escribió además más de mil poemas que nunca dio a la imprenta, aunque alguno de ellos aparecerá en antologías como Flores de poetas Ilustres y en Romancero general. Tras su muerte sus poesías fueron recogidas en Parnaso español y en Las tres musas.

La producción de Quevedo no es únicamente en verso ya que este autor destacó por manejar a la prosa a la perfección, así pues, escribió muchas obras en prosa, con temática similar a la de sus poesías, destacamos:

- Obras satírico burlescas: Los sueños, son un conjunto de relatos cortos en los

que pasa revista a la abusos, vicios y engaños de todos los oficios y estados del

mundo. Son ejemplos de estas obras satírico burlescas: La hora de todos y la

fortuna con seso, El sueño de las calaveras, Visita de los chistes…

- Una novela picaresca: Historia de la vida del Buscón llamado Pablos. Esta obra es publicada sin el consentimiento del autor, narra en primera persona cómo es habitual en la picaresca las peripecias de Pablos, hijo de padres sin honor,

personaje cínico y carente de sentimientos. Sirve como criado a Don Diego

Coronel. Su tío le escribe para que recoja la herencia que su padre le dejó antes de ser ahorcado. Instalado en Madrid practica trampas que lo llevan a la cárcel.

Ejemplo: Cap. I

En que cuenta quién es el Buscón

Yo, señora, soy de Segovia. Mi padre se llamó Clemente Pablo, natural del mismo pueblo; Dios le tenga en el cielo. Fue, tal como todos dicen, de oficio barbero, aunque eran tan altos sus pensamientos que se corría de que le llamasen así, diciendo que él era tundidor de mejillas y sastre de barbas. Dicen que era de muy buena cepa, y según él bebía es cosa para creer. Estuvo casado con Aldonza de San Pedro, hija de Diego de San Juan y nieta de Andrés de San Cristóbal. Sospechábase en el pueblo que no era cristiana vieja, aunviéndola con canas y rota, aunque ella, por los nombres y sobrenombres de sus pasados, quiso esforzar que

era descendiente de la gloria. Tuvo muy buen parecer para letrado; mujer de amigas y cuadrilla, y de pocos enemigos, porque hasta los tres del alma no los tuvo por tales; persona de valor y conocida por quien era.

Padeció grandes trabajos recién casada, y aun después, porque malas lenguas daban en decir que mi padre metía el dos de bastos para sacar el as de oros. Probósele que a todos los que hacía la barba a navaja, mientras les daba con el agua levantándoles la cara para el lavatorio, un mi hermanico de siete años les sacaba muy a su salvo los tuétanos de las faldriqueras. Murió el angelico de unos azotes que le dieron en lacárcel. Sintiólo mucho mi madre, por ser tal que robaba a todos las voluntades. Por estas y otras niñeríasestuvo preso, y rigores de justicia, de que hombre no se puede defender, le sacaron por las calles. En lo que

toca de medio abajo tratáronle aquellos señores regaladamente. Iba a la brida en bestia segura y de buen paso, con mesura y buen día. Mas de medio arriba, etcétera, que no hay más que decir para quien sabe loque hace un pintor de suela en unas costillas.

LUIS DE GÓNGORA (1561-1627)

Luis de Góngora y Argote (Córdoba, 11 de julio de 1561 - mayo de 1627). Sacerdote, poeta y dramaturgo español del Siglo de Oro, máximo exponente de la corriente literaria conocida como culteranismo o gongorismo, que más tarde imitarían otros artistas, frente a Quevedo que lo es en el conceptismo. Fue un poeta muy admirado en vida, a pesar de que sus obras circularon manuscritas y no fueron publicados hasta después de su muerte. Es muy admirado en vida, tanto que autores como Cervantes lo alaban e incluso imitan su estética, pero su fuerte carácter, su orgullo y su deseo de aparentar le granjearon también

enemistades como las de Lope y su círculo de amigos que aunque lo proclaman en varias ocasiones, critican su oscuridad. La enemistad más conocida es la que durante toda su vida mantiene con Quevedo.

Góngora es ante todo un poeta lírico. En su obra se distinguen dos etapas:

- Anterior 1610: En esta época se le conocía como “El príncipe de la luz”.

- Posterior 1610: Donde se conoce como “El príncipe de las tinieblas” debido a la

dificultad y oscuridad de sus versos.

También se puede hablar de dos tipos de “Góngora” en la naturaleza de su

inspiración, ambos estilos se mantendrán paralelos a lo largo de su obra:

- En uno de ellos prolonga la idealidad lírica del Renacimiento renacentista, y

aspira únicamente a crear belleza, escapando de la realidad hacia un mundo

hermoso, etéreo en el que la naturaleza, los mitos y la música se funden.

- En el otro, se encuentra una creación totalmente realista, desmitificador, prosaicoy en ocasiones vulgar.

Su obra está formada fundamentalmente por:

- Romances: Contribuye de forma decisiva a crear el Romancero nuevo, junto a

Cervantes, Lope y Quevedo. Góngora, junto al romance octosílabo compone

también, romancillos, endechas y romances con estribillos algo muy del gusto

popular. Desarrolla sobre todo temas de carácter mitológico, amoroso, moriscos y de cautivos, burlescos caballerescos y líricos.

- Letrillas: Son líricas, burlescas y sacras. En ellas se aúna lo bufo, lo culto y lo

popular. Algunas presentan sarcástica y un mundo en ocasiones desmitificado.

Castiga la apariencia, la ignorancia, el poder del dinero, las desigualdades

sociales, la liviandad de las mujeres…

- Sonetos: Tiene más de doscientos sonetos de carácter amorosos, burlescos o

satíricos, morales, sacros o cortesanos, todo esto lo sitúan entre los mejores

sonetistas de la literatura española. El paso de los años hace que en la temática de

su producción también exista una evolución notable.

Además de lo citado anteriormente, escribió poesías de extraordinaria calidad, entre las cuales se cuentan los llamados poemas mayores. Estos poemas se encuentran enmarcados dentro de su segunda época, son los siguientes:

- La fábula de Polifemo y Galatea: Son 63 octavas reales y recrea un mito tomado de la Metamorfosis de Ovidio. Cuenta la historia del cíclope Polifemo y su amada Galatea.

- Soledades: Es una de las obras más importantes de Góngora, tenía pensado que

fueran cuatro poemas escritos en silvas: Soledad de los campos, Soledad de las

riberas, Soledad de las selvas y Soledad del yermo pero finalmente sólo termino

la primera soledad y parte de la segunda. El asunto de la Soledad Primera se

puede resumir en pocas palabras: un joven náufrago llega a la playa de una isla y

es recogido por unos cabreros. Góngora se dedica dibujar una minuciosa

descripción de la naturaleza, plagada de alusiones mitológicas.

Ejemplo: Soledad primera.

Era del año la estación florida

En que el mentido robador de Europa

—Media luna las armas de su frente,

Y el Sol todo los rayos de su pelo—,

Luciente honor del cielo,

En campos de zafiro pace estrellas,

Cuando el que ministrar podía la copa

A Júpiter mejor que el garzón de Ida,

—Náufrago y desdeñado, sobre ausente—,

Lagrimosas de amor dulces querellas

Da al mar; que condolido,

Fue a las ondas, fue al viento

El mísero gemido,

Segundo de Arïón dulce instrumento[…]

- Fábula de Píramo y Tisbe: Es un largo romance de 508 versos en ella narra la

trágica historia ovidiana de estos desdichados amantes.

Góngora se mostró en reiteradas ocasiones orgulloso de que “nuestra lengua, a costa de mi trabajo haya llegado a la perfección y alteza de la latina”, e insistía en la defensa de su estilo.

2. EL TEATRO BARROCO

Durante el s. XVII, el teatro fue un espectáculo nacional al que acudía todo tipo de gente, desde los reyes hasta el público más popular. Las obras se representaban en los corrales de comedias y su intención era la de entretener al pueblo y transmitir, además los valores representados por la monarquía y el imperio.

Las dos grandes figuras dentro del teatro barroco en el s. XVII son Lope de Vega y Calderón de la Barca, aunque fue Lope el que creó sus líneas maestras y las explicó en verso, en un libro que se tituló El Arte nuevo de hacer comedias. La nueva fórmula teatral que Lope creó consistía en:

- División de las obras en tres actos (planteamiento, nudo y desenlace) en lugar de los cinco actos tradicionales.

- Mezcla de lo trágico y lo cómico.

- Ruptura de la regla de las tres unidades clásicas. Las obras no ocurren en un solo lugar, ni un solo día, ni hay una única intriga.

- Variedad métrica: Las estrofas varían según la situación o el tema de que se hable.

- Decoro poético, es decir, la forma de hablar de los personajes se debe adecuar a su condición social.

- Introducción de los elementos líricos intercalados en la acción.

- Hay pocas acotaciones. La información llega a través de las palabras de los actores

LOPE FÉLIX DE VEGA (1562-1635)

Félix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 25 de noviembre de 1562 – Madrid, 27 de

agosto de 1635) es uno de los más importantes poetas y dramaturgos del Siglo de Oro español y, por la extensión de su obra, uno de los más prolíficos autores de la literatura universal.

Renovó las fórmulas del teatro español en un momento en que el teatro comienza a ser un fenómeno cultural y de masas. Máximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca, del teatro barroco español. Fue también uno de los grandes líricos de la lengua castellana y autor de unas cuantas novelas.

Se le atribuyen unos 3.000 sonetos, 3 novelas, 4 novelas cortas, 9 epopeyas, 3

poemas didácticos, y varios centenares de comedias. Amigo de Quevedo y de Juan Ruiz de Alarcón, enemistado con Góngora y envidiado por Cervantes, su vida fue tan extremada como su obra.

Lope de Vega cultivó todos los géneros literarios vigentes en la época pero su

dedicación principal fue el teatro.

- Obras líricas: Es de extraordinaria riqueza y variedad. Muchas veces se funda enexperiencias personales, a menudo presenta un fundamento autobiográfico.

Amorosos son los romances a Filis y a Belisa, también de carácter amoroso es la

égloga Amarilis. Entre sus poemas líricos también abundan los escritos con ánimo alegre o burlador como las Rimas de Tomé de Burguillos.

- Obras épicas: Escribió dos grandes poemas épicos; La hermosura de Angélica y La Jerusalén conquistada. De tema español es La Dragoneta, también destaca su obra titulada La Gatomaquia.

- Obras en prosa: su obra en prosa más importante es La Dorotea, de forma dialogada y muy extensa. Aunque también posee otras obras como: La Arcadia.

Como ya hemos dicho, Lope de Vega es sobre todo un conocido dramaturgo, su

producción teatral asciende a unas 1500 obras teatrales, aunque sólo se conserva una tercera parte.

Las características principales del teatro lopesco son:

- En cuanto a los temas, la exaltación del poder monárquico, tal y como se ve en su conocida obra Fuenteovejuna. También se exalta el sentimiento del honor y de la honra como una cualidad que viene con la estirpe, es decir, que se hereda.

- En los argumentos, Lope funde lo trágico y lo cómico.

- En los personajes se desarrolla una acción paralela entre lo que le ocurre a los nobles y a los plebeyos, pero siempre sin mezclarse. Lope introduce al personaje del gracioso que suele ser criado y sigue en todo a su amo.

- En cuanto a la forma, Lope emplea exclusivamente es verso con variedad de metros, predominando siempre el octosílabo.

Sus principales obras dramáticas podrían organizarse en cuanto a la temática en:

- Comedias históricas: El mejor alcalde, el rey. Fuenteovejuna. El caballero de

Olmedo. Peribañez.

- Comedias de costumbres: La dama boba. El perro del hortelano.

PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA (1600-1685)

Nació en 1600 en Madrid, estudió con los Jesuitas, que marcaron decisivamente su pensamiento, y se ordenó sacerdote a los 50 años, después de abandonar la carrera militar.

Desde entonces dedicó todo su tiempo a escribir obras de teatro, que suponen la

culminación de la línea iniciada por Lope de Vega. En Calderón frente a Lope, predomina la reflexión, la serenidad, y una aristocrática nobleza. Calderón se consagra casi exclusivamente al teatro y escribe muchas menos obras que Lope, se conservan 120 comedias y 80 autos sacramentales.

En sus obras los protagonistas adquieren un relieve especial en los monólogos, en los que expresan la intimidad de su pensamiento.

Se puede clasificar su producción en cuatro grupos:

- Comedias o costumbristas: Las más importantes son las de capa y espada, de asunto amoroso, llenas de enredos y conflictos que desembocan en un final feliz. La Dama Duende y Casa con dos puertas mala es de guardar son los títulos más conocidos.

- Dramas de honor: En estos dramas el honor aparece como una cualidad del alma, más que como una imposición social. Un ejemplo es El Alcalde de Zalamea, obra en la que el protagonista defiende su honor frente a un capitán que ha abusado de su única hija. Otro ejemplo de este tipo es A secreto agravio, secreta venganza, y El médico y su honra.

- Dramas filosóficos: El más importante es La vida es sueño, es ésta una obra

universalmente conocida. El tema principal de la obra es el del libre albedrío, aunque enlazado con dicho tema, Calderón presenta otro de extremada actualidad en el periodo barroco: la confusión entre apariencia y realidad, que es lo que acabaría imponiendo el título a la obra.

- Filosóficos y teológicos: El gran teatro del mundo

Ejemplo: Soliloquio de Segismundo. La vida es sueño.

Sueña el rey que es rey, y vive

con este engaño mandando,

disponiendo y gobernando;

y este aplauso, que recibe

prestado, en el viento escribe, 5

y en cenizas le convierte

la muerte, ¡desdicha fuerte!

¿Que hay quien intente reinar,

viendo que ha de despertar

en el sueño de la muerte? 10

Sueña el rico en su riqueza,

que más cuidados le ofrece;

sueña el pobre que padece

su miseria y su pobreza;

sueña el que a medrar empieza, 15

sueña el que afana y pretende,

sueña el que agravia y ofende,

y en el mundo, en conclusión,

todos sueñan lo que son,

aunque ninguno lo entiende.