Lado V No.2 | RUSSIAN RED
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MÚSICA ARTE MODA DISEÑO LIVE No.2 Mayo 2014 Russian Red Russian Red
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Russian Red, Siddartha, The Sounds, GAP Color Fest 2014, Clock Opera, Coeur de Pirate, Driving Mrs. Satan y más
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MÚSICA ARTE MODA DISEÑO LIVE
No.2 Mayo 2014
Russian RedRussian Red
MÚSICA ARTE MODA DISEÑO LIVE
Russian RedRussian Red
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AGRADECIMIENTOS
Gracias a todas las bandas que fueron parte de éste número; a Nikon México, S.A.
de C.V. por el voto de confianza, a Luis Morgado por su apoyo, a Rafael Salinas
y Yunuen Velázquez de OCESA, a Rafael Ortega de Eureka & Co., a Lalo Rojas de
Sicario, a Discos Intolerancia, Roberto, Sal, a René García, a Mauricio Mendía de Lemur
Enterteinment, Daniela Cortés y María José Madero de Colours y a Pablo Holman de El
Imperial por su apoyo incondicional. A toda la gente que hace que esto sea posible y
a nuestros lectores, mil gracias. Pólvora © 2014
Pólvora, La Explosión del Rock®, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o
parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legitimidad
de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los artículos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.
CONTENIDO
CONTACTO
REVISTA LADO V
facebook/revistapolvora
@polvorarock
CONVERSE RUBBER TRACKS
CLOCK OPERA
COEUR DE PIRATE
DRIVING MRS. SATAN
PRÓXIMOS CONCIERTOS
GAP COLOR FEST 2014
RUSSIAN RED
THE SOUNDS
SIDDARTHA
ORQUÍDEA RADIANTE
DANIELA MARTÍNEZ GONZALEs
SANGHOM KING y LACOSTE L!VE
TECh
NÜ SOUND
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EDITORIALDIRECCIÓN
ANDRÉ DULCHÉ
EDITOR EJECUTIVO
OLIVIA HERNÁNDEZ
MARKETING
ALFREDO HUERTA
DISEÑO EDITORIAL Y CREATIVO
JULIÁN A. TREJO N.
CORRECIÓN DE ESTILO
ANDREA QUINTANA
FOTÓGRAFÍA
MR.CASTLE
@MrCastleManu
YOMERENGUES
@hectorpani
EDITOR EN JEFE
HÉCTOR PANIAGUA
CO-EDITOR / COORDINACIÓN GENERAL-
MANUEL CASTILLO
EDITOR ASOCIADO
ISRAEL PÉREZ
STAFF
ANDRÉ DULCHÉ
CHARLIE TROOPER
ERIKA CID
ANNA PANIAGUA
NALLELY HERNÁNDEZ
ROMEL RESÉNDIZ
VICHO GONZÁLEZ
LADO V CREW
Desarrollado por:
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Converse Rubber Tracks regresa a la Ciudad de México
con su segundo estudio itinerante en Honky Tonk
Studios del 1 al 16 de junio.
Rubber Tracks es un proyecto que busca ofrecer
a los músicos de cualquier género tiempo de estudio
gratis para grabar música original a lado de técnicos
expertos, con el único requisito de que se encuentren ubicados en el área
de la Ciudad de México.
Entre el talento incluido en el proyecto destaca Héctor Castillo, el
premiado productor con el que los artistas convivirán para obtener un material
discográfico de alta calidad, del cual conservarán todos los derechos.
Converse Rubber Tracks seleccionará un máximo de 14 artistas locales
para grabar en un periodo de dos semanas.
El programa nació de la voluntad de la marca por devolverle algo a
la comunidad musical y proporcionar una plataforma para los artistas
emergentes que quisieran expresar su creatividad.
Por Anna Paniagua
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El proyecto inició en Brooklyn
en julio de 2011 y con él, miles de
artistas emergentes han tenido
la oportunidad de grabar en un
estudio moderno sin costo alguno,
dándoles la oportunidad de adquirir
profesionalismo dentro de su
carrera.
El proceso de selección ya está
vigente y el plazo de presentación
de artistas para solicitar tiempo de
estudio termina el 1º de junio.
Para mayor información visita
http://www.converse.com.mx/
rubbertracks donde se detalla la
convocatoria e instrucciones para
el proceso de registro.
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CLOCK OPERAUna NUEVA experiencia musical
Por Romel Reséndiz
Clock Opera es una banda londinense conformada por Guy
Connelly, Andy West, Che Albrighton y Dan Armstrong. Con tan
solo un LP y unos cuantos singles, éste grupo ha demostrado
poseer un sonido único y vibrante; pocas bandas actuales se le podrían
comparar en términos de originalidad y ritmo, contando con un sonido
conciso. Sus sencillos incluyen; “White Noise” (2009), “A Piece of String”
(2010) “Belongings” (2011), “Once and for All” (2012,) “Belongings” (2012) y
“The Lost Buoys” (2012).
Sus EP, que en su mayor parte son compilaciones de sencillos y remixes
son; A Piece of String Remixes (2010), Once And For All (2010), Lesson
No. 7 (2011) y Man Made (2012).
Todos estos materiales llevaron a que realmente ansiáramos escuchar
su primer LP, Ways To Forget (2012), que reúne todas las canciones que se
habían dejado escuchar por separado y también agrega algunas nuevas.
Ahora bien, Ways To Forget es quizás uno de los mejores discos que se
lanzaron en 2012, ya que las canciones de Clock Opera destacan por su
singular mezcla de ritmos y el uso del sintetizador que nos deja vibrando
de principio a fin.
Las canciones son en su mayoría aceleradas, fuertes, muy melódicas
y jamás son lentas, todas se toman su tiempo para conquistarnos o por el
contrario, comienzan fuertes y rápidas, para no hacernos perder el tiempo;
la comparación más clara para que apreciemos esto sería al momento
de escuchar “A Piece Of String”, seguida de “The Lost Bouys”. La primera
comienza rápido, y el sonido se mantiene la mayor parte de la canción,
siendo la excepción en los coros, ya que bajan para darle una melodía muy
concisa; “The Lost Bouys”, por el contrario, empieza muy despacio y poco a
poco toma fuerza hasta el coro donde nos deja sentir todo el ambiente que
fue contruyendo la canción.
Pero, siendo honesto, de las 10 canciones que conforman Ways To
Forget, no cuenta con una que podamos omitir a la ligera, es recomendable
escuchar este disco de principio a fin, ya que ni un solo tema decepciona.
La banda anunció que ya trabaja en un nuevo disco para el año entrante,
pero aún podemos seguir escuchando sus trabajos previos y disfrutarlos
al máximo. Clock Opera es una experiencia musical imperdible que nos
deja juguetear con sonidos que pocas veces se conjugan de manera tan
placentera, en pocas palabras, IMPERDIBLE.
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COEUR DE PIRATEAtmósferas mágicas con un toque de aventura
Por Héctor Paniagua
Néatrice Martin, mejor conocida como Coeur de Pirate (Corazón de
Pirata) es el nombre de una de las cantantes y compositoras más
sobresalientes de la escena franco-canadiense.
Su carrera comenzó en 2008 y ha tenido un gran despunte desde el
lanzamiento de su primer álbum homónimo que vio la luz al final de ese
año y reafirmó su triunfo tras el lanzamiento de su segundo material de
estudio titulado Blonde, que sería lanzado al mercado en noviembre de
2011 e incluía los temas “Adieu” y “Golden Baby”.
Coeur de Pirate ha sido nominada como artista favorito, y ha ganado
algunos premios como Revelación del Año en los Premios Félix y a Mejor
Artista, dúo o grupo francófono del año en los Canadian Independent
Music Awards.
Su sonido se define como una fusión de atmósferas mágicas con
un toque de aventura, siempre acompañadas de percusiones atrevidas,
acordes de piano melodiosos y líricas basadas en los textos de Kundera,
que con un toque vocal fresco, funciona como la cereza del pastel y hacen
de Coeur de Pirate una artista de escucha obligada.
Actualmente Coeur de Pirate lanza su más reciente material discográfico
titulado Child Of Light, que en realidad nace como el soundtrack del
videojuego homónimo y que actualmente se encuentra en el mercado bajo
el sello de Ubisoft desde abril de 2014 en formato digital y que saldrá al
mercado físico a mediados del mes de mayo.
Néatrice Martin, conquista con su melodiosa voz en el idioma del amor
y se convierte así en una de las grandes exponentes del indie pop /folk de
la escena franco-canadiense.
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DRIVING MRS. SATANEl Heavy hecho Indie
Por Alfredo J. Huerta R.
Por más increíble que parezca, el heavy metal con este proyecto
de origen inglés, ya tiene su lado hipster. Puede que a muchos
headbangers y ‘trues’ no les agrade la idea, pero Driving Mrs. Satan
es un grupo que debe ser escuchado si eres fan de la música más pesada
del planeta.
Clásicos de Iron Maiden, Black Sabbath, Motörhead, Helloween, Slayer
y hasta de Faith No More, son interpretados con un toque de folk, jazz y
pop, géneros que gustan a quienes usan lentes de pasta y son grandes
amantes de la cultura.
Además de la música, ¿el grupo tiene algo más que llame la atención?
Sí. El plus, que hará que no puedas odiar las versiones, es la belleza de
Claudia, cantante que no tenía idea de la existencia de los temas hasta que
comenzó el proyecto y fue adentrándose en el mundo de los riffs.
“I Want Out” fue la primera canción transformada en abril de 2012, y la
culpable de que “Hells Bells” (AC/DC), “Never Say Die” (Black Sabbath) y
“Living After Midnight” (Judas Priest) se unieran a una edición digital que
llamó la atención de todos de forma automática.
El trío se complementa con Ernesto en la guitarra y Giancomo en el
contrabajo, fan de toda la vida del heavy metal y encargado de crear el proyecto.
Driving Mrs. Satan se convirtió en uno de los debuts más interesantes
dentro del pop europeo en 2013 y atrajo la mirada de todos con el video de
“Battery” de Metallica, donde un fondo negro y varios focos son lo único
que acompañan a los músicos durante tres minutos.
Si bien es una banda de covers, para nada se acercan a las que suenan
en los bares y que abundan en el mundo. Simplemente se encargaron
de crear una versión fresca y muy indie de las rolas que han marcado a
generaciones enteras.
Metalero o no, Popscotch es un disco que se debe escuchar varias
veces para disfrutar y digerir el sonido suave que seguro te durará en la
cabeza por semanas.
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Foto: Manuel Castillo
AFIREGRESAA MÉXICO
WARPAINT AL JOSÉ CUERVO
SALÓN
Luego de presentarse con éxito en el escenario principal de Vive Latino, la
banda liderada por Davey Havok anuncia una fecha en la ciudad de México,
en un lugar más íntimo.
El primer día de noviembre, AFI llega de nuevo a la Ciudad de México
para reventar el Plaza Condesa, con temas clásicos como “Silver And Cold”
o “Miss Murder” y claro, de su último material, Burials.
Boletos a la venta, a partir del 16 de mayo.
¿Dónde? Plaza Condesa
¿Cuándo? 1 de Noviembre, 2014
¿Cuánto? Próximamente precios
¿Que temas sonarán? Miss Murder, Girls Not Grey, Silver And cold, Love
Like Winter, Medicate, entre otras.
Warpaint, una de las bandas más representativas del art-rock estará de
nueva cuenta en México.
Emily Kokal (vocalista, guitarra), Theresa Wayman (guitarra), Jenny Lee
Lindberg (bajo) y Stella Mozgawa (batería) presentaron el año pasado el
sencillo “Love Is To Die” que complementa otros temas como “Disco//
Very” y “Keep It Healthy” que son parte de su más reciente placa, Warpaint.
¿Dónde? José Cuervo Salón
¿Cuándo? 12 de junio
¿Cuánto? $550 y 750 pesos
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GAP COLOR FEST 2014
Por: Anna Paniagua /Fotos: @soyelpani
El pasado 17 de mayo se celebró el GAP Color Fest 2014
como parte de la promoción de la marca norteamericana en
nuestro país.
El concierto que tuvo lugar en el José Cuervo Salón
estuvo lleno de energía y mucho color con el que cientos
de personas se movieron al compás de la música. En ésta
edición Jot Dog, Jumbo y Sussie 4 fueron los artistas encargados de poner
el ambiente en un concierto único que ofrecieron en el recinto de Polanco.
La primer banda en hacer aparición fue Jot Dog, liderada por María
Barracuda que preparó el escenario con acordes melódicos y letras
inclinadas hacia el pop, pero que hicieron vibrar a la gente que se daba
cita en el lugar para la gran fiesta del color. Su presentación incluyó temas
como “Las Pequeñas Cosas” y “Lluvia De Estrellas” mismos que el público
coreo sin cesar y prepararon el escenario para Jumbo.
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Tras un intermedio para preparar
el escenario y desplegar una gran
cantidad de polvo de colores que
teñiría los rostros del público, fue
que los regiomontanos tomarían
sus posiciones para crear un
gran colapso de emociones en el
recinto al interpretar “Siento Que…”,
“Fotografía”, “Cada Vez Que Me
Voy” y “Rockstar”.
Los norteños aprovecharon
además para dar un previo de la
presentación oficial de su más
reciente álbum titulado Alfa Beta
Grey en el Teatro Metropólitan a
realizarse el día 27 de Junio de 2014.
Tras un derroche de energía y
aplausos que dejó Jumbo, el último
grupo de la noche, Sussie 4, subió
al escenario para dar cierre a la
noche del GAP Color Fest, creando
una atmósfera llena de acordes
electrónicos, que transportó al
público a una época tropical y fancy.
Con Sussie 4 sonaron “Vida”
y “The Reason Is You”, así como
el tema que les dio fama “Stars”,
mismo con el que cerraron la noche
y dejaron a todo el público lleno de
buena vibra y sobretodo, color.
El universo masculino de
Por: Nallely Hernández / Fotos: Cortesía Sony Music
Russian Red
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Desde Alex Turner hasta Pablo Neruda, son los
personajes que la cantante originaria de Madrid,
España, Lourdes Hernández; conocida como Russian
Red, utilizó como inspiración para su tercer material
de estudio Agent Cooper. El álbum nombrado
como uno de los personajes icónicos de la serie
de televisión Twin Peaks, creado por el cineasta,
fotógrafo y también músico David Lynch junto a Mark Frost, fue la
premisa que siguió la española para su nuevo trabajo musical.
Con diez temas que llevan el nombre de los amores platónicos y
hombres que han inspirado la trayectoria artística de Lourdes; Agent
Cooper se traduce en la evolución musical de la cantante, quien al
contar con el apoyo del productor Joe Chiccarelli (The White Stripes, The
Shins, The Strokes) hace que el sonido de indie-folk al que nos tenía
acostumbrados en sus pasados albúmenes Fuerteventura y I Love Your
Glasses se convierta en ritmos con más elementos eléctricos.
Previo a su presentación en el Lunario del Auditorio Nacional de la
Ciudad de México, la madrileña conversó con Pólvora sobre este nuevo
material y su evolución musical. P. De regreso a México y con un
estilo diferente, ¿cómo te sientes?
R. Muy feliz en verdad porque es
un momento en donde empiezas
a probar cosas nuevas y ver qué
sucede y la verdad es un gusto
que la música, y evolución de mi
trabajo, me siga llevando a muchos
sitios y que esta vez me traiga
a México, que considero es una
plaza muy importante.
P. Agent Cooper es diferente
a Fuerteventura y I love Your
Glasses, ¿así fue el proceso
creativo?
R. Sólo se fue dando. Este nuevo
disco es muy orgánico y como
todo, es parte de una evolución que
refleja un poco este momento de
mi vida donde me siento madura,
sabes. Lo definiría como una
etapa de transición y exploración
del saber qué tipo de mujer estoy
proyectando. También está la parte
de mi constante búsqueda del
amor definitivo, como un viaje por
todos estos hombres que han sido
inspiración en mi vida y quienes
me han vuelto al objetivo principal,
que es proyectar el amor pero no a
manera de ficción sino algo más real.
P. ¿Cómo se dio el acercamiento
con Joe Chiccarelli?
“Este nuevo disco es muy orgánico y como todo, es parte de una evolución
que refleja un poco este momento de mi vida...”
R. Fue menos romántico de lo
que pueda parecer. Estábamos
buscando alguien que pudiera
manejar un sonido más eléctrico,
que pudiera expandirlo a más
ideas y él fue el indicado. Joe es
una de esas personas que tiene
esa percepción para los sonidos, lo
convierte en alguien más práctico,
y bueno, se complementó con ese
lado más perceptivo que tengo.
Pero creo que está parte
eléctrica y distinta se vio influida
por la segunda parte de la gira de
mi segundo disco Fuerteventura,
donde el formato de la banda
cambió. Ya me acompañaban más
músicos y cuando empezamos las
maquetas de las nuevas canciones
el nuevo sonido llegó así, con más
integrantes. De ahí que decidiera
irme a vivir a los Ángeles y buscar
ese sonido que necesitábamos.
P. ¿Cómo ha sido tu estancia en
América?
R. La verdad siempre ha existido
un lazo bastante fuerte con el
continente pero principalmente
con Latinoamérica, el primer país
que visite fue Colombia y algunos
familiares viven aquí en México,
entonces es siempre una delicia
venir aquí y poder mostrar mi trabajo.
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P. Haz estado en Glastonbury
hasta íntimos lugares en distintas
ciudades de América, platícanos
tu percepción del público
latinoamericano.
R. Creo que existe diferencia en
cada país, así como sus áreas
geográficas hay variedad de
personalidades asentadas y en los
conciertos. Pero en América Latina
hay mucha emoción a flor de piel,
la gente es muy abierta a diferencia
de otros sitios que he visitado. No
sé como describirlo, su cariño lo
demuestran de una manera más
física. Es Increíble.
P. ¿Cómo se forma la mancuerna
Natalia Lafourcade/Russian Red?
R. Fue una cosa inmediata
de afinidad, de ser mujeres,
mirarnos e inspirarnos y luego
esa parte de coincidir en Madrid
pero principalmente me atrajo la
efervescencia musical que tienen
tanto Natalia Lafourcade y Ximena
Sariñana.
Es algo que no ves en España
y bueno cada vez que ellas
visitaban Madrid, mi manager
hacia lo posible para que nos
encontráramos para platicar y
no sólo en lo musical sino por la
admiración que tengo por lo que
hacen las mujeres mexicanas y su
buena música. Me inspiro mucho
en eso, en el papel de ellas, en su
independencia de hacer las cosas,
en su estética. Y la verdad estoy
muy emocionada de por fin hacer
algo con Natalia. Tiene un talento
impresionante.
P. Después de estas dos fechas,
¿cuándo te veremos de vuelta en
México y con una estancia
más larga?
R. Creo que con suerte en otoño
tendremos otra gira más extensa
por Latinoamérica, la verdad
espero que llegué pronto porque
me he quedado con muchas ganas
de hacer shows en otras ciudades
de México.
“...en América Latina hay
mucha emoción a flor de piel, la gente es
muy abierta...”
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A comienzos de
siglo, había
terminado el
grunge y el nü
metal estaba
d e c a y e n d o ;
el ciclo de la vida musical tendría
que retomar sus orígenes a esos
tiempos en donde Inglaterra
tenía a dos de las bandas más
importantes de la historia, Rolling
Stones y The Beatles.
Con Oasis, Travis, Stone Roses y
Pulp liderando el britpop, ya en plena
maduración, fue el turno para que
desde Londres una banda alzara la
mano con un disco sin virtuosismos
ni pretensiones; de hecho caía en la
simpleza de sus sonidos y las letras
eran contundentes, sin metáforas
rebuscadas que lograban que
cada escucha se conectara con
lo que oía en su reproductor. Esto
los llevó a lo más alto de las listas
de popularidad y desde entonces
empezó su camino para convertirse
en el monstruo mediático que es
Coldplay hoy en día.
En pleno año 2000, con
escasos cuatro años de formación,
Chris Martin, Johnny Buckland,
Guy Berriman y Will Champion
lanzarían Parachutes, con una
portada donde aparecería un
globo terráqueo amarillo (que la
banda comprara en un mercado
COLDPLAYSimplicidad inmejorable
de pulgas por 10 libras) y que fuera
reflejo de su contenido sencillo.
La voz de Martin resultaba
suave y sin fuerza, no en un mal
sentido pero nunca ha tenido la
mejor voz, y se conjugaba perfecto
con esos riffs agudos como en caso
de “Shiver”; lo mismo creaban un
dream pop lleno de romanticismo
en “Yellow” o incluso, relucían
ciertos toques de rock influenciado
por Radiohead en “Sparks”.
El inicio con “Don’t Panic” es
claro y realmente marcaría el sello
Por Andre Dulché
de la banda, que resulta en un tempo
lento de las armonías, las cuales
parece que van deslizándose poco
a poco. Por otro lado, Martin parece
que recita una gran carta de amor
en los 10 tracks, con frases que van
desde ‘nunca quise hacerte daño’
en el pináculo de la canción número
seis, “Trouble” hasta ‘siempre te
amaré, aquí estoy y esperaré en
la línea siempre’ en la breve pero
concisa “Parachutes”.
Parachutes resulta la gran obra
de Coldplay, a diferencia de otras
bandas sabes qué encontrarás en
los discos siguientes, caso claro
A Rush Of Blood To The Head y si
bien nunca serán la estrellas de la
música que el mundo necesitaba,
siempre será una banda que
puedas escuchar con tus papás sin
ningún remordimiento.
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THE SOUNDSFrom Sweden with Sweet Music
Un Plaza Condesa a reventar, una banda que se entregó en
cada instante a un público frenético y claro, una vocalista
como Maja que es de las mejores hoy en día arriba de un
escenario.
Desde Suecia llegarían The Sounds una vez más a
México, como dijera la rubia ‘llevamos haciendo giras por
México y Estados Unidos por 11 años y acabamos de cumplir 16 juntos, con
5 discos que amamos cada uno de ellos y con el más reciente ‘Weekend’ y
queremos que cada día, lo vivan como si fuera un fin de semana’.
Cada uno de ellos; Maja Ivarsson, Feliz Rodríguez, Johan Bengtsson,
Jesper Anderberg y Fredrik Nilsson son un show por sí mismos y que en
conjunto hacen una gran banda, haciendo bailar y llevar a la gente a la
euforia desde los primeros riffs y beats.
“Emperor”, “Song With A Mission” y “Shake, Shake, Shake”
arrancaron su presentación, con esa actitud de Maja en el escenario que
va de la arrogancia, a la sexualidad, a la emoción a la gratitud en instantes,
La NOCHE DE
Por: Andre Dulché / Foto: @soyelpani
21
luciendo un traje entallado de piel
y mostrando sus largas piernas y
un poco más en varias ocasiones,
provocando que la gente aventara
desde brassieres hasta chamarras
de piel, y claro, no faltó la bandera
de México y una infinidad de
cigarros los cuales la sueca los
devoraba uno a uno, así como las
cervezas que la acompañaban para
‘limpiar’ la garganta.
“Dance With The Devil”, “Seven
Days A Week”, “Something
To Die For”, “Take It The Worng
Way” y “Dorchester Hotel”
seguían un recorrido por su
carrera, donde Anderberg pasaba
de los sintetizadores a la guitarra
disfrutando cada instante, las
sonrisas en los nórdicos y las varias
fotos que tomaban ellos a la gente
hacían de este concierto especial,
sobre todo al tenerlos como único
platillo en la noche y no como en sus
primeras visitas que eran teloneros.
El momento calmado y
melancólico, con solo el piano de
base se vivió en “Wish You Were
Here” y después volvió la fiesta con
“Midnight”, “Weekend”, “4 SOngs
& A Fight” y “No One Sleeps
When I’m Awake” y la gente hacía
cimbrar el lugar de alegría, hasta
la parte final del primer set donde
la cerveza volaba, los celulares
dejaban de grabar y Maja ya con
bandera y souvenirs puestos
tocarían “Painted By Numbers”,
“Living In America”, “Outlaw” y
“Ego” para retirarse por un instante
del entarimado.
Regresaron pero con la grata
sorpresa de verlos todos vestidos
de charros, cerrando con el trío de
despedida “Tony The Beat”, “Rock
N’ Roll” y “Hope You Happy Now”.
Así se vivió una noche con The
Sounds donde Maja demostró
ser del top de ‘frontwomen’ a
nivel mundial, nunca desafinando,
interactuando con la gente y
dejándose querer, sin duda una
Debbie Harry del siglo dos mil.
Por: Andrea Quintana / Foto: Ipsaim Ruiz
SIDDHARTHAY EL VUELO DEL PEZ
23
Después de
preguntarse Why
You?, “como
una pregunta
existencial,
había gente que
pensaba que era algo más bien de
amor pero era una pregunta más
de preguntarse por qué tú existes”
y de haber estado Náufrago, “la
temática del disco estuvo muy
relacionada con lo que vivía, ya que
estuve dos meses encerrado solo
en una cabaña y me fui a aislar
para hacer el disco”;Siddhartha
empieza una nueva etapa con El
Vuelo Del Pez.
“Habla de un proceso de
evolución y cambio en donde
puedes desarrollar la habilidad de
volar, te puedes salir de tu entorno
y conoces un mundo exterior que
desconocías y ahora lo ve a través
de la imagen del disco está el pez
volando y ve el agua hacia abajo,
así que ve su vida anterior”.
Este nuevo material representó
una aventura totalmente nueva
para el jalisciense, ya que “es la
primera vez que hago un disco
con tanta gente involucrada, la
banda, los músicos que tocan
conmigo en vivo me acompañaron
en este proceso de grabación y
pre producción y se integraron
mucho al desarrollo de los temas”.
Este tercer álbum estuvo ‘tocado’
por personas como Aldo Muñoz
“con el cual he trabajado desde
el primer disco y es un músico
el que ha equilibrado esa etapa
solitaria” y Yamil Rezc, “hizo una
parte de coproducción, que eso es
algo que nunca había hecho con
un personaje externo”; además
de varios músicos invitados como
Jesús Báez tecladista de Zoé u otro
gran amigo, Caloncho.
Tratando de encontrarse en
un mar de sonidos, Siddhartha
realiza un viaje por sus tres
discos tratando de definirse a sí
mismo: “El primer disco fue muy
experimental e intuitivo, todavía
no tenía claro cómo quería sonar
pero así se dio. El segundo tiene
un hilo conductor y un sonido que
lo caracteriza. Con este tercero
sí había como cierta finalidad de
saber cómo quería que sonara. Tal
vez el tercer disco es decisivo por
lo que la gente te puede llegar a
juzgar para saber si les gusta o no,
pero mi sonido como tal no es algo
que ni yo quisiera que existiera”.
La elección de los sencillos que
acompañan a este material, se da
de manera totalmente democrática:
“hicimos algo que no habíamos
hecho, subimos todo el álbum a
Youtube, porque de todas maneras
lo iba a terminar haciendo otra
persona; y nos dejamos guiar
por el número de plays de cada
canción, en este caso “Bacalar”
es la que tenía más plays sobre
cualquier otra canción”.
El video que acompañará a
este tema sin duda contará con
un “hilo conductor que aunque no
necesariamente sean seriados, sí
vayan de la mano del tema y la
imagen del disco para que no sean
obras aisladas del tema. Este video
lo grabaremos en Bacalar (Quintana
Roo) y va a tener mucho que ver
con la temática global del álbum”.
Y, en un mundo en donde la era
digital ha desplazado a la industria
discográfica, para Siddhartha es
algo que “mientras podamos
seguirlo haciendo a mí me gustaría
continuar haciéndolo, porque el
disco tiene también un pedazo
que si solo escuchas la música no
alcanzas a ver el concepto total”.
Es por eso que el arte en El Vuelo
Del Pez, complementa la visión
del mismo: “la fotografía y cómo
se diseñó dice mucho de la idea.
La portada fue algo que hicimos
mucho hincapié, nos interesaba
mucho que saliera ésta ave volando
sin que vieras al ave o al pez del
agua y como solo era la sombra de
él. Para mí esa imagen ejemplifica
muy bien lo que quiere decir el
título. Y cuando ves el arte es como
un arte conceptual, porque no es
tan literal ya que cada canción tiene
una foto. Así que a veces esa foto
termina de hacerte entender el tema
o la canción”.
24
¡¡¡Haz click a la explosión del ROCK!!!
POLVORA.COM.MX
ORQUÍDEA RADIANTE
Como cada año, Pantone,
autoridad del color a nivel
mundial para la industria
del diseño, hizo una larga
investigación en la cual rastreó
cuidadosamente el mundo en
sus ámbitos sociales, culturales, tecnológicos,
artísticos y deportivos para asignar al “Orquídea
Radiante” como el color favorito para este 2014
en diferentes industrias como el diseño gráfico,
industrial, el diseño de moda y para el hogar.
Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de
Pantone Color Institute ha declarado que este
color es “expresivo, exótico, inspira confianza y
evoca una gran alegría, amor y salud”.
Orquídea Radiante se ha apoderado de la
moda y el estilo de vida, siendo el favorito de
grandes diseñadores como Gucci, Emilio Pucci,
Max Mara, Carolina Herrera, Burberry, Kenzo y
Marc by Marc Jacobs, pero ¿por qué todos se
han vuelto locos por este color?
Las diferentes tonalidades del orquídea
destacan el color del brillo natural de la piel por
lo que la hacen ver más saludable que nunca,
la industria textil y cosmética dan maravillosas
opciones de vestidos, trajes de baño, blusas,
labiales, sombras de ojos y esmaltes de uñas.
Este color fomenta la creatividad debido a la
magia, y el simbolismo ligado a él, estos fueron
factores importantes para designar al Orquídea
Radiante el color del año.
La psicología del color designa a la familia de
derivados del Orquídea como denotadores de
afectividad, empatía, además de estar asociados
con éxito y sabiduría. Así que éste es un color
que definitivamente no puede faltar en nuestro
estilo de vida.
Por Erika Cid
una invitación a la innovación
26
DANIELAMARTÍNEZGONZALES
Mori es la colección otoño/invierno 2014 que se creó
como proyecto final de carrera de Daniela Martínez
en Universidad Centro y que nació gracias a la gran
influencia nipona que posee la diseñadora. La
colección está basada en las subculturas por las
que Japón está compuesto, como las Lolitas, las
Harajuku Girls, Mori Girls, etc., que viven ‘disfrazadas’ o que simplemente
usan lo que desean hasta explotar su imagen para pertenecer a un grupo.
Mori intenta romper con el paradigma de la moda en occidente, e
instaurar un estilo en donde importa el hoy, lo que se usa en la calle,
donde no hay pasarelas, no hay temporadas, texturas o colores a
combinar, si no que simplemente se busca mezclar lo que más te gusta;
definición que en parte retoma el concepto Kawaii, donde se mezcla la
Por: Israel Pérez / Fotos: Pólvora Crew
Moda con un toque kawaii
inocencia, lo creepy y el toque girly y tierno.
Así, en entrevista exclusiva para Lado V, Daniela Martínez, nos habla
sobre el punto que México ocupa en el mapa global de la moda al
mencionar el crecimiento que ha tenido respecto al tema, al expandirse
el público que habla de moda, que compra objetos de moda por internet
y que incluso llega a diseñar sus propias prendas, así como el avance
creativo que existe en el mercado mexicano.
La mexicana compartió por igual sus experiencias de cómo le gustaría
sumergirse más en el mercado, colaborar con algunas otras marcas
para así entender cómo funciona el engranaje de la moda y poder hacer
crecer su marca tanto en un sentido de diseño como artístico, para poder
dirigirse hacia el vestuario de teatro y cine, mapa que llama su atención.
¿Como definirías tu estilo?
Suelo ir en dos caminos, combino
mucho la corriente del punk y lo
kawaii. A veces puedo ser muy
girly e infantil, llena de colores y
estampados de animales, y por
otra parte puedo usar solo negro o
ropa de mis bandas favoritas.
¿En qué punto decidiste dedicarte
a diseñar?
Desde que me di cuenta que podía
crear todas las cosas que quería
para mí y que por cuestiones de
distancia o economía no podía
tenerlas. Siempre me ha gustado el
diseño y el diseño de moda reunía
todas las características de lo que
soy y lo que quiero crear.
¿Cual es la principal herramienta
para un diseñador?
La creatividad, debes resolver
cualquier cosa que se te dificulte
en el proceso respetando
tu estética y logrando o
sobrepasando lo que desde el
principio deseabas expresar. Y por
supuesto el amor por lo que haces.
“México ha llegado a ser un país en donde
cualquier cosa sepuede desarrollar
exitosamente si hay amor e inteligencia ennuestra producción”
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¿Cuál fue el mayor reto al
presentarse en el FashionWeek?
Replantear todo lo que quería
expresar con mi colección, hacer
el tema más obvio y por lo tanto
recrear prendas que no habían sido
desarrolladas al máximo como al
principio se pensaba. Querer hacer
más y más y darte cuenta que el
tiempo no es suficiente.
¿Qué se necesita en México
para ampliar el mercado de los
diseñadores?
Yo considero que debemos
mentalizar de otra manera a la
moda en México, tomar en cuenta
que no solo es la moda en los
medios, poner atención a lo que
la gente usa en la calle, a lo que
crean aún sin venderlo. México
todavía no puede tomar un
camino en la moda como París o
Milán, la producción de nuestros
objetos no puede llevar el mismo
ritmo. Y no es algo malo, lo que
a veces consideramos que son
nuestros defectos es de lo que nos
podemos aprovechar.
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INFLUENCIAS
Admiro a muchas personas, me
la paso en redes sociales como
Instagram observando cómo se
viste la gente en todo el mundo,
especialmente Japón y Australia.
Soy fan de las personas que crean
sus looks no importando si las
texturas combinan, si es ropa de
niños o cosas diferentes.
Me inspiro en el trabajo de
Edward Meadham y Benjamin
Kirchhoff creadores de la marca
Meadham Kirchhoff, porque
combinan todo lo girly a la máxima
expresión, logran hacer diseños
kitsch que me encantan y pueden
ser prendas tan casuales como
formales.Y la mayor inspiración
obviamente fue el street fashion
que logra la gente en Japón.
Foto: Pólvora Crew
Maquillaje: Jorge Reyes
Edición: Orión Maldonado
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SANGHOMKIM se une a
Lacoste L!VE
El artista francés Sanghom Kim se une a la marca del
cocodrilo como director e ilustrador de una nueva colección.
Kim es reconocido por ser multidiciplinario ya que
maneja la acuarela, la pintura y la realización de videos a
un alto nivel a tal grado que casas de moda y músicos han
recurrido a sus creaciones, como Sebastien Tellier, M, Manos
Bewitched o Surkin.
Con motivo a la justa mundialista en Brasil, Kim se enfocó a hacer un
corto manga donde visten las prendas que estarán cobrando vida por
Lacoste L!ive. Ambientado en los años 80 y creando 10 referencias para
hombres y mujeres, además teniendo al número 27 como eje tanto de la
animación como las prendas.
Por Andre Dulché
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ASTROBOYPor André Dulché
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Astroboy, o como
le dicen sus
familiares y
amigos Astro,
es un robot
que nacería
de la mano del Dr. Tenma para
reemplazar a su hijo que muriera
en un accidente, con el mismo
físico pero sin las virtudes del
humano como llorar, mentir o la
desobediencia.
Ozamu Tezuka es el creador
del personaje e historia, que
en su lenguaje original se
llamaraTetsuwan Atomu (Átomo,
El Brazo Poderoso) en la ya lejana
década de los años sesenta y
teniendo su primera transmisión en
Japón en 1963 en su versión anime
a manos de Rintaro. Por su parte, el
manga fue serializado en la revista
Shōnen de Kobunsha entre 1951 y
1968 y recopilado en 23 tomos
La trama que envuelve al
pequeño Astro fue censurada
en Estado Unidos por la NBC al
ser tachada de inhumana (obvio,
son robots), degradante con los
animales y hasta involucraban en
su queja, secuestros de animales
para convertirlos en cyborgs, que
para esa doble moral que se vivía
en esos tiempos en el país vecino
del norte era lo más predecible.
El propio Ozamu en la reedición
de los cómics ejemplifica su
descontento ante los americanos
en las páginas de las ediciones
de los años 80, así que encontrar
estos títulos darán un valor político
social extra a una historia que en
si ya muestra mucho, como son
valores sociales decadentes y un
terror / respeto a la tecnología que
hoy en día uno encontraría normal,
aunque en realidad uno no puede
construir un cyborg, bueno, ni un
robot con las facultades de Astro.
Los 52 capítulos de la serie
animada muestran aspectos
sociales como la utopía de vivir
en paz unos con otros siendo de
diferente especie, que hasta el
último capitulo no se llega a dar y el
temor de que la tecnología rebase
al hombre.
Como una especie de Pinocho
robotizado, estos seres creados
con placas y microchips no
pueden mentir, lo cual los hace
mejores policías y políticos que las
personas; a pesar de no mostrar sus
sentimientos tal cual, su intromisión
al mundo humano los asemeja
a la gente común y corriente, ya
que pueden ir a la escuela e ir
aprendiendo poco a poco o en su
defecto y según su creador, tener
la información básica para sus
propósitos, así que muchos de ellos
optaron por hacerlos máquinas de
guerra.
Un aspecto que hace de
Astroboy un clásico más allá de
las armas y que extrañamente
saca láseres del trasero, es cómo
entiende la vida, conoce los valores
de la amistad y fidelidad dignos de
ser adquiridos hoy en día, a pesar de
ser maltratado cruelmente y sufrir
por ser diferente, sabe reponerse
y aun así, salvar al necesitado.
Otra forma de aprender con los
duros golpes de la vida es con su
familia, creada por el mismo equipo
de científicos que hicieran a Astro,
dándole a sus padres y la más
importante, Lucero, su hermana,
que realmente juega el papel
más incómodo para los puristas y
conservadores, en especial en el
capítulo donde hace las preguntas
más difíciles de contestar ¿Dónde
vive y quién o qué es Dios? Y que
al final de cuentas, no queda en lo
más mínimo convencida.
Por si esto fuera poco, no se
puede dejar a un lado al némesis
del protagonista, Atlas, quien fue
creado con el mismo molde de
Astro, ¡por lo cual son hermanos!
La eterna disputa del hermano que
no entiende por qué los robots
no aniquilan a la raza humana y
en caso de Astro, que cree por
completo en las posibles víctimas,
muy similar a la batalla mutante
entre el Profesor Xavier y Magneto
en los X-Men.
En resumidas cuentas, Astroboy
es un obligado para cualquier geek y
seguramente, acabarás admirando
a un más el trabajo del considerado
‘Dios Del Manga’. No hay excusa
para no verlo ya que venden la serie
completa (ZimaEntertainment) a
muy bajo precio.
P.D. La película del 2009 no es
mala pero tampoco le hace justicia.
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Bienvenido
Samsung S5Por Charlie Trooper
Desde la salida
de la generación
Samsung Galaxy,
se catalogaron
como equipos con
un interesante
hardware combinado con un
software que sale superando las
expectativas de los usuarios; por
lo cual su último lanzamiento,
el Samsung Galaxy S5 se ha
convertido en el mejor smartphone
hasta la fecha, debido a su
innovación durante la evolución de
estos equipos.
La nueva joya de Samsung en
móviles es un smartphone con
pantalla Super AMOLED de 5,1
pulgadas, procesador Qualcomm
Snapdragon 801 de cuatro
núcleos, 2 GB de RAM, cámara de
16 megapíxeles, batería renovada
y Android 4.4.2 (Kit-Kat) con la
correspondiente capa Samsung
TouchWiz, poniéndose a la cabeza
de la competencia directa, el tan
temido iPhone 5s.
La duración de la batería es
interesante, así como los diversos
modos de ahorro de energía, lo cual
ayuda a resolver ese gran problema
en los smartphones. La reducción
del software innecesario es sin
duda una gran mejora. La pantalla
sobresale por su mejora en cuanto
al tamaño y resolución, además
el diseño es funcional; junto
con la innovadora característica
de su lector de huellas digitales
para mejorar su seguridad y su
resistencia al agua (IP67) dan un
plus en el Galaxy S5.
La cámara produce fotos de
gran calidad; y si de grabación de
video se trata, ha sido catalogado
en el mercado actual como el mejor
celular para grabar vídeo HDR.
La conexión WiFi y 4G van
realmente rápidas, teniendo la
posibilidad de utilizar ambas
para potenciar este punto, cuyo
rendimiento es más que suficiente
incluso para entretenerte con
juegos de gráficos complejos y
aplicaciones múltiples.
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Despertandoen el día 2
Por Vicho González
El 28 de abril será
recordado en el
‘geekverse’ como
el Día Uno, cuando
oficialmente Nokia
se volvió parte de
Microsoft.
Esta compra por parte de la
gente de Redmond, nos trae a los
usuarios muchas interrogantes
sobre el camino que van a tomar en
cuanto a los dispositivos y servicios.
Algo que es muy cierto es el ‘ganar-
ganar’ que han estado teniendo
ambas empresas, solo basta
recordar su Lumia en alianza con
Windows Phone para ser su sistema
operativo, y fue esta misma unión la
que trajo a Nokia de nueva cuenta a
competir en las ligas mayores.
Hay dos puntos que terminan
siendo muy relevantes para
entender la dirección de todo esto;
el primero y más crítico es que al
convertirse en una sola empresa,
será más sencillo llegar a la barrera
de equipos de ‘smartphones’ de
bajo costo, ya que el tener un equipo
cuyo costo sea menor a los $2,000
pesos ayudará a traer adeptos de
Android. El segundo, sencillamente,
será la línea de tabletas de Nokia.
Sin duda alguna, se están
corriendo riesgos con la línea de
Nokia X y sus equipos híbridos
(Android + Windows Phone) para
poder llegar a un territorio inexplorado
en cuanto a precio y clientes.
El primer producto de esta nueva
era a probar es el Nokia XL, del cual
hablaremos en la próxima edición.
NÜ
MOTORIFIK
soun
d
Por Héctor Paniagua
Una guitarra limpia y un sintetizador al fondo, apoyado con acordes suaves
y una voz melodiosa, es la definición sonora de Motorifik, banda originaria
de Bidoré, Paris que retoma el concepto del dream pop y lo fusiona con el
post punk, creando una atmósfera única y de grata escucha.
Motorifik es una banda joven, pero que en su trayectoria ya cuenta con
un álbum lanzado en otoño de 2010, a manera muy confidencial, sin label y
sin editor, pero que llegó facilmente a la prensa especializada en Inglaterra
y EU, obteniendo buenas críticas.
Secret Things es el nombre de este primer material e incluye temas
altamente recomendables como “Secret Things”, “Ghosts”, “Flames On
The Ocean” y “Nostalgie” que hacen en general que ésta banda sea de
escucha obligada.
El grupo trabaja para escribir nuevo material y formar un nuevo álbum;
lanzar la nueva edición de Secret Things con creaciones en video de las
siete canciones principales, en donde el tema homónimo es el primer
clip y además, comenzar pronto una gira por Europa y de ser posible por
América Latina.
SPLASHHPor Romel Reséndiz
Splashh conformada por Sasha Carlson, Toto Vivian, Thomas Beal y Jacob
Moore es una de las agrupaciones más prometedoras que a la fecha suenan
con fuerza en la escena musical. Estos londineneses sin duda alguna se están
volviendo un ícono, es increíble para todos los que escuchamos de ellos cuando
apenas habían lanzado “All I Wanna Do” la fama de la que se han hecho, siendo
de esas bandas que demuestran el gran poder que, actualmente, el adecuado
uso de los medios en internet (como facebook, twitter soundcloud, bandcamp y
sobre todo youtube) nos pueden ayudar.
Para hacer simple esto, cuando escuché a Splashh por primera vez el video
de tenía a lo mucho cerca de 56 visitas, según recuerdo, ¡ahora tiene 218,228 y
contando! Es realmente increíble, me repito.
Pero, ¿qué hace de Splashh una banda tan ‘especial’? Bueno, para comenzar,
el hecho de que tengan un sonido marcadamente veraniego, cool y psicodélico
que invita a olvidarse de todo; pero al mismo tiempo es lo suficientemente
enérgico para imaginarnos surfeando, aventándonos unos ‘shots’ en la fiesta o
manejando nuestro coche en la carretera.
Las canciones de su primer LP (Comfort, 2013), son una recopilación del
montón de sencillos con los cuales nos hicieron esperar ansiosamente un
producto más grande (y sólido) durante meses. Splashh es sobre todo un
deleite para oídos exigentes, sus marcadas influencias de grupos como The
Pixies desembocan en una serie extremadamente placentera de sonidos.
Londres-Indie pop
Paris-Indie rock
NELUEPor Héctor Paniagua
Fernando Gomez Suarez o mejor conocido en la escena como Nelue es un
asturiano que vive en Madrid desde los 18 años y se ha convertido en uno
de los más influyentes remixers españoles apoyando a un gran número de
cantantes de indie pop.
Nelue ha creado un concepto ecléctico que nos recuerda sonidos
antaños cercanos al deep house con toques electro funk, lo que da como
resultado la creación del cosmic disco con toques psicodelicos.
Fernando Gomez estudió Ingeniería en Audio y desde ese momento
ha sido colaborador de distintos proyectos como Bienvenido Sr. Trance
(RNE), Lorca (Universal), Plan 9 (Warner Chapel/Boa Records), Sara Da
Pin Up (Warner/Surreal IE), mismos que lo llevaron a colcarse rapidamente
en la escena.
Nelue ha optado por la independencia y así comienza a sumar trabajos
en solitario como Paradise Road, EP editado bajo el sello Disciple Of
Groove, así como otros discos como Deconstructed EP donde destacan
trabajos como “Deconstructed” y “Pierced Heart” creados en colaboración
con la cantante española Russian Red.
Nelue suma actualmente colaboraciones con otros artistas de la región
como Anni B. Sweet, Kayele Joanna y David Paredes.
Sonidos con tendencia al NYC House, disco, funk y pop ocentero es la
propuesta del asturiano.
España-Indie pop
DEEP TIMEPor Romel Reséndiz
Deep Time (anteriormente conocida como Yellow Fever) es una banda rock
pop originaria de Texas; aunque lleva bastante tiempo en la escena, resalta
su renacimiento en el LP homónimo, Deep Time. Este disco lanzado en el
2012 marca un estilo y ritmo que rara vez podemos gozar.
El disco Deep Time (2012) que nos entregan Jennifer Moore y Adam
Jones tiene una serie de temas capaces de hacer placentera la tarde o el
camino de quien sea, principalmente por el hecho de dejar una atmósfera
cálida pero nada somnífera. La guitarra se mantiene jugueteando con
los compases del bajo, y la voz de Jennifer es lo bastante notoria como
para dejarnos una grata sensación musical, principalmente refleja ésta
capacidad junto a los cambios en el ritmo en canciones como “Gold Rush”
y “Homebody”. También “Clouds” es uno de los temas más disfrutables
del disco, resaltando nuevamente la combinación de sonidos y matices
que crea Deep Time.
Al contar con un único LP como Deep Time, la banda no tiene el
catálogo más amplio de canciones, pero realmente vale mucho la pena
zambullirse en una experiencia musical bastante refrescante, capaz de
convencer a muchos escépticos si se le da una oportunidad, es una
banda altamente recomendable.
EUA-Guitar pop
The Sounds
Foto: @soyelpani
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