La Colección. Mira dentro
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COLECCIÓN
DE PINTURA
CONTEMPORÁNEA
INTERNACIONAL
88
the pictorial work of Pedro Barbeito (Corunna,
1969) half way between the present and the future,
the scientific and the artistic, satellites and 3D
programmes, has been developed on the other
side of the Atlantic, in the UsA, where he studies,
among other institutions, with a Masters in Fine
Arts at the University of yale. He currently resides
in Brooklyn, from where he has exhibited his work
in museums galleries the world over, such as the
Rose Art Museum, exit Art, Mario Diacano Gallery
and the Basilico Fine Arts. His works possess a
complex methodology in which he includes the
graphic reticules, the transparent painting applied in
laborious superimpositions of layers, the pixellated
forms and the radiant, intense colours like chains
of electrons on labyrinthine journeys. His reticules
on oval canvases defy the laws of renaissance
perspective, given that they try to show us all the
facets of some cosmological landscape, as if they
supposed a past beyond Picassian Cubism. Barbeito
is one of the first artists (late nineties) to centre
on the relationship between the digital image and
painting in his particular constructions and how
they imply a different way of looking. Barbeito
invents a new panoptic, centripetal representation
which he combines with the imaging of Velázquez
or Goya at the same time as integrating aspects of
the electronic tools and new media.
El trabajo pictórico de Pedro Barbeito (A Coruña,
1969), a caballo entre el presente y el futuro, lo
científico y lo artístico, los satélites y los programas
3D, se ha desarrollado al otro lado del Atlántico,
en Estados Unidos, donde se forma, entre otras
instituciones, con un MFA en la Universidad de Yale.
Actualmente reside en Brooklyn, desde donde ha
exhibido su obra en museos y galerías de todo el
mundo, como el Rose Art Museum, Exit Art, Mario
Diacano Gallery o Basilico Fine Arts. Sus trabajos
encierran una compleja metodología donde integra
las retículas gráficas, la pintura translúcida aplicada
en laboriosas superposiciones de capas, las formas
pixeladas y los colores radiantes e intensos como
cadenas de electrones en viajes laberínticos. Sus
retículas sobre lienzos ovales desafían las leyes
de la perspectiva renacentista ya que tratan de
mostrarnos todas las facetas de algún paisaje
cosmológico, como si supusiera un paso más allá del
cubismo picassiano. Barbeito es uno de los primeros
artistas (finales de los noventa) en centrarse en
la relación entre imagen digital y pintura, en sus
particulares construcciones y cómo implican un
modo diferente de mirar. Barbeito inventa una nueva
representación panóptica, centrípeta, que combina
con la imaginería de Velázquez o Goya a la vez que
integra aspectos de las herramientas electrónicas y
de los nuevos medios.
TILTED LANDSCAPE II | 2006
ACRíLICO SOBRE LIENzO EN MADERA
ACRYLIC ON CANVAS ON WOOD
170,2 X 270,3 CM
COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
PEDRO
90
“DESCUBRí EL POTENCIAL DE ESTE MEDIO CUANDO SALí DE LA ESCUELA y COMPRÉ MI PROPIO ORDENADOR. FUE ENTONCES CUANDO EMPECÉ A hACER PLENO USO DE LAS hERRAMIENTAS DIGITALES EN MI PROCESO, DESDE LA DESCARGA DE IMáGENES, PARA MANIPULAR, hASTA TRADUCIRLAS AL LIENzO CON PINTURA ACRíLICA, INTEGRáNDOLAS CON IMáGENES 2-D y 3-D”
91
From out of these new imaginaries of knowledge,
Barbeito combines abstract images with the
visual resources of NAsA, black holes, molecules,
neutrons and stars, creating a sensitive painting of
approximations and extrapolations, establishing a
gaze towards the work of certain artists from the
nineteen sixties, such as Mel Bochner, sol leWitt
and Ross Bleckner. Although he is internationally
renowned for his oval canvases, his previous
work combines elements of classical painting
reinterpreted in reticular terms, for example
rebuilding a maid of honour with digital tools
or reticularly recomposing a canvas by Picasso.
But Barbeito’s passion for computer science has
determined his work since 1996, when he bought
his first computer. Since then the digital scars
and wounds have translated his concept in the
3.0 era and represents the crisis of the classical
space by inserting a new dimension; there then
emerges the concept of transpainting, a new hybrid
pictorial syntax working with other disciplines
such as photography, 3D drawing, chemistry or
architecture. A painting with a multidisciplinary,
crepuscular and anticipatory self-awareness
that gives us the feeling of having been trapped
between two screens in a videogame.
Desde estos nuevos imaginarios del conocimiento,
Barbeito combina imágenes abstractas con los
recursos visuales de la NASA, agujeros negros,
moléculas, neutrones y estrellas creando una pintura
sensitiva de aproximaciones y extrapolaciones,
estableciendo una mirada hacia la obra de
ciertos artistas de los años sesenta como Mel
Bochner, Sol LeWitt o Ross Bleckner. Aunque es
internacionalmente conocido por sus lienzos ovales,
su trabajo anterior combina elementos de la pintura
clásica reinterpretada en términos retículares
multifacéticos, reconstruyendo, por ejemplo, una
menina con herramientas digitales o recomponiendo
reticularmente algún lienzo de Picasso. Pero la
pasión de Barbeito por la informática determina su
trabajo desde el año 1996, cuando se compra su
primer ordenador. Desde entonces las cicatrices y
heridas digitales traducen su concepto de pintura en
la era 3.0 y representan la crisis del espacio clásico
insertando una nueva dimensión; surge entonces
el concepto de transpintura, una nueva sintaxis
pictórica hibrida con otras disciplinas como la
fotografía, el diseño 3D, la química o la arquitectura.
Una pintura de autoconciencia multidisciplinar,
crepuscular y anticipatoria, que nos transmite la
sensación de habernos quedado atrapados entre dos
pantallas de un videojuego.
“I discovered the full potential of this medium when I got out of school and purchased my own computer. That’s when I began to fully use the
computer in my process, from downloading images, to manipulating them, to translating them on canvas in acrylic paint and integrating them with
2-D and 3-D printed images on canvas”
116
the linear, expanded and oneiric landscapes of
sandra Cinto (santo André, Brazil, 1968) form
one of the most coherent and personal pictorial
corpuses of the current Brazilian art scene. she has
an exhibition career that covers the whole of the
American continent from New york City to Chile,
including some of the most important museums,
such as the toyota Municipal Museum of Art of
Japan, the Georges Pompidou Centre and the
Bazouges la Perouse Creation Centre, in France.
Her graphic interventions on paper, walls or three
dimensional objects make her painting a practice
that overflows from the linear nature of writing,
creating pleasant atmospheres of a mystical nature.
And Sandra Cinto’s drawings, delicate lines leading
out sober blue outlines, sometimes create agitated
seas, like those that are drawn in the Ukiyo-e by
Hokusai, linking her drawing to a mental state of
catharsis, while at other times they represent rainy
landscapes like those that turner must have seen
when he tied himself to the highest mast of the
frigates in order to more deeply understand the
nature of storms. Her Foucaultian heterotopias
transmit a deep, contained and optimistic emotion,
and this is reflected in her titles: Happy Days, Nights
of Hope and The House of the Dreamer perhaps
speak of a generation of Brazilian artists who truly
trust in their country as, finally, a true state of order
and progress.
Los paisajes lineales, expandidos y oníricos de
Sandra Cinto (Santo André, Brasil, 1968) componen
uno de los corpus pictóricos más coherentes y
personales de la escena actual brasileña. Con
una trayectoria expositiva que abarca todo el
continente americano desde Nueva York a Chile,
pasando por los más importantes museos como
el Toyota Municipal Museum of Art de Japón,
el Centro Georges Pompidou o el Centro de
Creación Bazouges la Perouse, en Francia. Las
intervenciones gráficas sobre papel, pared u objetos
tridimensionales, hacen de su pintura una práctica
que desborda la linealidad de la escritura creando
amables ambientes de naturaleza mística. Y es
que los dibujos de Sandra Cinto, delicadas líneas
protagonistas de sobrios entornos azules, crean a
veces agitados mares como los que se dibujan en los
Ukiyo-e de Hokusai, vinculando su dibujo a un estado
mental de catarsis, mientras otras veces representan
paisajes de lluvias como los que debió ver Turner
cuando se ataba al mástil más alto de las fragatas
para entender en profundidad la naturaleza de las
tormentas. Sus heterotopías foucaultianas transmiten
una profunda emoción contenida y optimista, ya
que sus títulos así lo reflejan: Días Felices, Noches
de Esperanza o La casa del soñador hablan quizá de
una generación de artistas brasileños que confían
realmente en su país como, finalmente, un verdadero
estado de orden y progreso.
SANDRA
NOCHES DE ESPERANZA | 2008
ROTULADOR PERMANENTE y PINTURA ACRíLICA SOBRE MDF
PERMANENT MARKER AND ACRYLIC PAINT ON MDF
275 X 370 CM
COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
118
“ES A TRAvÉS DE LOS SUEñOS, A TRAvÉS DE LA CAPACIDAD DE SOñAR qUE PODEMOS ENCARAR NUESTRAS ANGUSTIAS y BUSCAR UNA vIDA MáS FELIz”
119
sandra Cinto begins her career in the nineties. In
1994 she holds her first solo exhibition in the Casa
triângulo, in são Paulo. From then on she carries
out a multidisciplinary career, although most
remarkable for the quality and virtuoso nature
of here pictorial drawings, and her work takes
inspiration from performance, photography and
sculpture. It also alludes to her social concerns,
reflected in more openly combative works against
inequality and poverty, subtly criticising certain
economic and political decisions. Without ever
losing that metaphorical vocation, her three
dimensional pieces seem to have been taken out
of Alice’s other side of the looking glass, in which
beds, the place where dreams take place, are shrink
and hang from the ceilings, chairs are stretched
and become the double and columns grow like
Brancusian trees of sinuous solid shapes, painted
in a delicate, warm turquoise blue. Freedom and
Sandra Cinto’s obsessions go through stages
in which the sublime and the surreal allude to
Magritte’s skies or to the compositions of Giorgio
de Chirico, taking place in their essential minimals:
light in the middle of the night, the starry sky,
therapy faced with the image, the catharsis of work
or memory contained in the traces of time.
Sandra Cinto inicia su trayectoria en la década de
los noventa. En 1994 realiza su primera individual
en Casa Triângulo, en São Paulo. A partir de ahí
desarrolla una carrera multidisciplinar, aunque
destaque por la calidad y virtuosismo de sus dibujos
pictóricos y su obra se nutra de lo performático,
la fotografía o la escultura, también alude a sus
preocupaciones sociales que refleja con trabajos
más combativos contra la desigualdad y la pobreza,
criticando sutilmente ciertas decisiones económicas
y políticas. Sin perder nunca esa vocación metafórica,
sus piezas tridimensionales parecen haber sido
traídas desde el otro lado del espejo de Alicia, donde
las camas, el lugar donde suceden los sueños, se
estrechan y se cuelgan de los techos, las sillas se
estiran convirtiéndose en dobles y las columnas
crecen como árboles brancusianos de sólidas formas
sinuosas, pintadas de un delicado y cálido azul
turquesa. La libertad y las obsesiones de Sandra
Cinto pasan por estadios donde lo sublime y lo
surrealista aluden a los cielos de Magritte o a las
composiciones de Giorgio de Chirico, incidiendo en
sus mínimos esenciales: la luz en medio de la noche,
el cielo estrellado, la terapia mediante la imagen, la
catarsis del trabajo o la memoria contenida en trazos
de tiempo.
“It is through dreams, through the capacity of dreaming that we can face our anguish and search for a happier life”
140
Ángela de la Cruz (Corunna, 1965) has become an
obligatory reference in the contemporary art field
not only because she was the first Spanish artist
to be a finalist in the prestigious Turner Prize, in
2010, but also due to her conceptual work, which is
half way between what is essentially pictorial and
the sculptural, as she expands the artistic object
outside of the limits of the frame. she has a degree
from the prestigious slade school of Fine Arts
and an Honours Degree from Goldsmiths College,
University of london, although she also has a degree
in Philosophy from the University of santiago de
Compostela. she challenges the Greenbergian
conception of the specificity of the pictorial medium
by moving out of the vertical level. Her painting/
sculpture goes through deconstructive attitudes
of ambiguity, transgression, subversive humour,
sensuality and a powerful abstract beauty. Her
tragic and disturbing painting is still gestating in her
studio in london, located in a building dedicated to
artists in Portobello Road, where today, after having
been through an unfortunate illness, she directs a
team of assistants who take items of furniture and
canvases apart in order to create overflowing works,
remanants in the manner of memory.
Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) se ha convertido
en un nombre de obligada referencia en el arte
contemporáneo, no solo por haber sido la primera
artista española finalista en los prestigiosos Premios
Turner, en 2010, sino también por su trabajo
conceptual, a medio camino entre lo esencialmente
pictórico y lo escultórico, expandiendo el objeto
artístico fuera de los límites del marco. Graduada
por el prestigioso Slade School of Fine Arts y con
un BA con honores en la Goldsmiths University of
London, aunque también es licenciada en Filosofía
por la Universidad de Santiago de Compostela,
Ángela de la Cruz desafía la concepción
greenbergiana de la especificidad del medio
pictórico alejándose del plano vertical. Su pintura/
escultura transita por actitudes deconstructivas
de ambigüedad, transgresión, humor subversivo,
sensualidad y una potente belleza abstracta. Su
pintura, trágica, incómoda, continúa gestándose
en su estudio de Londres, ubicado en un edificio
destinado a artistas en Portobello Road, donde hoy,
y tras haber sufrido una desafortunada enfermedad,
dirige a un equipo de asistentes que desarman
muebles y telas para crear piezas desbordantes,
restos a modo de memoria.
LOOSE FIT | 2002
ÓLEO SOBRE LIENzO
OIL ON CANVAS
100 X 100 X 50 CM
COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
áNGELA
142
“EN MIS PRIMERAS PIEzAS UTILIzABA LOS MATERIALES PARA DARLE UNA APARIENCIA MáS ESCATOLÓGICA y BRUTAL, yA qUE PENSABA MUChO EN LO SUCIO. MIS úLTIMOS TRABAjOS SE hAN FETIChIzADO, SON PERFECTOS, COMO BRILLANTES, qUERIENDO DAR LA IMPRESIÓN DE qUE ESTáN húMEDOS, RECIÉN hEChOS, IMAGINO qUE DE ALGUNA MANERA TIENEN UN LADO MUy SEXUAL. MI OBRA SIEMPRE hA TENIDO UN COMPONENTE SEXUAL, PERO TAMBIÉN CORPORAL. SIEMPRE hE PERCIBIDO EL BASTIDOR COMO UNA EXTENSIÓN DE MI CUERPO, MI EXPERIENCIA CON LA PINTURA ES TOTALMENTE FíSICA”
143
In 1996 Ángela de la Cruz broke her first painting,
Homeless, in response to an emotional breakdown.
since then her works started to undergo accidents
and to occupy unexpected spaces in galleries;
whether set back on a wall in the corner or thrown
onto the floor, her scorn for pictorial gesturalism
was gaining ground while she was focusing on
the possibilities of the objet trouvé and of junk-
sculpture. like in this monochromatic piece, the
accumulation, the variegation, the destruction and
the violence of her works provoke the paradoxical
and strange feeling of having achieved the calm and
the catharsis after the storm. Ángela de la Cruz’s
work, albeit without ever abandoning the chromatic
legacy of the spanish pictorial tradition, starts out
from artists like Donald Judd, Barnett Newman
and lucio Fontana, yet takes a very personal
route towards resolving the painting/sculpture
conflict that was announced in the late sixties by
Art & language: through incorporating its own
destruction into the work itself, turning the process
into a disaster and the painting into a tragedy.
En 1996 Ángela de la Cruz rompió su primer cuadro
Homeless en respuesta a una fractura emocional.
Desde entonces sus pinturas comenzaron a sufrir
accidentes y a ocupar espacios inesperados en
las galerías; arrinconadas en una pared o tiradas
por el suelo, iba ganando terreno su desprecio al
gestualismo pictórico mientras se centraba en las
posibilidades del objet-trouvé y de la junk-sculpture.
Como en esta pieza la monocromía, la acumulación,
el abigarramiento, la destrucción y la violencia de sus
obras provocan el paradójico y extraño sentimiento
de haber conseguido la calma, la catarsis, después
de la tormenta. Y es que el trabajo de Ángela de
la Cruz, sin abandonar el legado cromático de la
tradición pictórica española, parte de artistas como
Donald Judd, Barnett Newman o Lucio Fontana pero
resolviendo, de un modo muy personal, el conflicto
Painting/Sculpture que a finales de los sesenta
enunciaron los Art & Language: incorporando en la
misma pieza su propia destrucción, convirtiendo el
proceso en desastre y la pintura en tragedia.
“In my first works I used materials in order to create a more scatological and brutal appearance, as I often thought about the dirty aspect. My latest
works have become fetishised, they are perfect, like diamonds, wishing to give the impression that they are humid, recently made, I imagine that
in some way they have a very sexual component. My works have always had a very sexual, but also corporal component. I have always seen the
canvas frame as an extension of my body, my experience with painting is totally physical”