Historia del Arte – Sofía Lanchas Pablo Picasso – Pág.: 1 HISTORIA ...

Historia del Arte – Sofía Lanchas Pablo Picasso – Pág.: 1

HISTORIA DEL ARTE 2º BAC

TEMAS 21

PABLO RUIZ PICASSO

VIDA Y OBRAS:

La vida (etapa azul, 1903-04).

Las señoritas de Avignon (cubismo inicial 1907).

La chica de la mandolina (cubismo analítico MOMA 1910)

Mujer con mandolina (cubismo sintético MOMA. Donación de Mr. And Mrs. David Rockefeller,

Tres mujeres en una fuente (clasicista MOMA), 1914)

Pablo vestido de Arlequín. (clasicista, 1921)

Los tres músicos (cubismo sintético 1919-21).

El Guernica (1937, expresionismo, surrealismo cubista, Museo Reina Sofía).

Las Meninas (serie, años 50, Museo Picasso de Barcelona)

Pintor español, nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, y uno de los mayores creadores artísticos

del siglo XX. Hijo de un profesor de dibujo, don José Ruiz Blasco, y de doña María Picasso, el joven

Pablo ingresa en 1895 en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y en 1897 en la Academia de San Fer-

nando en Madrid. De regreso a Barcelona, recibe la influencia del Modernismo, y funda “Arte Joven”.

Dos viajes a París, contribuyen a hacerle más sensible a la pintura de los impresionistas y

postimpresionistas (Toulouse Lautrec, Degas) que mantendrá a lo largo de toda su vida, y dará origen a

su época “azul” haciendo una pintura austera, influenciada por El Greco, con gamas frías y una fuerte

carga simbólica, llenando sus cuadros de figuras escuálidas y desvalidas (La vida, etc.).

En abril de 1904, Picasso que usa ya el apellido de su madre se instala en el Bateau-Lavoir. Muy

pronto su estudio se convierte en activo centro de intercambios ideológicos entre pintores, poetas, críticos,

comerciantes de arte y coleccionistas.

Desde finales de 1904 hasta 1906 es la época “rosa”, más sosegada que la anterior y en la que se

advierte el interés del pintor por el circo y los saltimbanquis (El saltimbanqui). Hacia 1906, Picasso

experimenta la necesidad de crear un arte menos superficial y se abre a numerosas influencias, primitivas

(arte negro, arte arcaico ibérico, románico catalán, etc.) o modernas (Cézanne, Gauguin y Seurat).

Viene entonces la obra decisiva que es Las señoritas de Avignon, aunque no es todavía un cuadro

plenamente cubista.

El tema que representa según los dibujos preparatorios, es el interior de un burdel en el que las

prostitutas están acompañadas de un estudiante y un marinero, estas dos figuras desaparecen en la obra

definitiva, dentro de un espacio convencional.

En la versión definitiva aparecen cinco mujeres desnudas (el rostro de dos del centro evidencian el

influjo ibérico, y las de la derecha, el de las máscaras africanas). El espacio queda definido por los

propios cuerpos, el bodegón y los cortinajes. Se ha suprimido la profundidad, todo aparece en un primer

plano.

Picasso entra a partir de ahora en una fase de su pintura mucho más grave y cuyas repercusiones

serán capitales en la historia del arte moderno. Conoce a Braque, que será el compañero necesario y

brillante que le permitirá hacer del cubismo una aventura coherente y rica en realizaciones de primera

categoría.

El período «cezanniano», que dura hasta principios de 1910, abarca, tratándose de Picasso, lo que se

llama su período “negro”, que anuncia ya ciertos aspectos expresionistas que se desarrollarán luego en su

obra postcubista, y una invención lírica que le lleva a los confines de la abstracción, apareciendo el primer

ejemplo de collages, del que Picasso hará mucho uso, así como de los “papiers colléss” inventados por

Braque. En esta época pintará La chica de la mandolina, (1909).

Este cuadro lo encuadraríamos en el llamado Cubismo analítico ya que es una pintura que “analiza”

un objeto descomponiéndolo en distintos planos.


El Cubismo supone romper con la concepción del cuadro establecida en el Renacimiento, según la

cual ésta se asemejaba a una ventana a la que el espectador se asomaba. Ahora el cuadro ya no

responde a un solo punto de vista, ni pretende hacernos ver una tercera dimensión que en realidad no

tiene – desaparece así la perspectiva y la profundidad -, ni quiere reproducir la realidad. Ahora el

cuadro tiene “vida” por sí mismo, es una realidad en la que frecuentemente aparecen objetos vistos en

distintos momentos –factor tiempo – y desde distintos ángulos, pintados por planos, descompuestos en la

superficie del lienzo y reducidos a sus formas geométricas esenciales.

Los críticos consideraron que era un insulto a su inteligencia querer hacerles creer que un “objeto” es

así. Pero tal insulto no existe; antes al contrario, el pintor supone que saben como es el objeto y que no

tienen que ir a ver su cuadro para recibir esta información tan elemental. Por eso les invita a participar

con él en este artificioso juego de elaborar la idea de un objeto sólido tangible con unos cuantos de sus

fragmentos planos sobre el lienzo.

En este caso analiza a una mujer con una mandolina a base de planos superpuestos intentando

mostrar la imagen desde todos los puntos de vista, mostrando lo más posible en la figuración: lo esencial

y lo anecdótico. La gama de color es en amarillos ocres y grises.

El cuadro se encuentra en el MOMA de Nueva York

Posteriormente cambiará su forma de representar los objetos con el llamado cubismo “sintético”, en

el que se anula todo efecto de volumen. Picasso vuelve a hallar su sentido del color y una fantasía que la

austeridad de las obras realizadas en los años anteriores había disimulado. La movilización de Braque

para la guerra, le deja solo, y no parece sino que desde entonces pierda su fe en el cubismo como solución

única del problema pictórico.

A partir de 1915 Picasso llevará de frente la ejecución de obras cubistas y, a la vez, la de otras obras

de estilo naturalista, o bien los dos estilos juntos. Diríamos que combina de manera genial todas las

propuestas que están en la vanguardia sin ningún problema.

En 1914. Pintará de nuevo el mismo tema “Mujer con mandolina” desde esta nueva perspectiva

cubismo sintético donde hay un interés mayor por mostrar las imágenes con planos más amplios y un

colorido más variado y rico que permite sintetizar los elementos más relevantes de las figuras.

Este cuadro también se encuentra en el MOMA de Nueva York

Otra de las aportaciones de Picasso en este periodo fue el collage, técnica en la que se utilizan

diversos materiales cotidianos como, papeles de periódico, maderas, telas etc. pegados a la pintura

En los años 20 Picasso vuelve de nuevo a un periodo clasicista donde las figuras adquieren un

volumen escultórico figurativo y realista (“Tres mujeres en una fuente”, “Pablo vestido de arlequín”)

El trampolín lírico que le venía faltando desde hacía diez años lo descubrirá, en la época de su

famosa pintura Guernica (1937), en ella utiliza las formulas expresionistas y surrealistas. Pero la lección

cubista no se ha perdido y eso le lleva a resolver la representación técnica del bombardeo bajo ese prima

TÍTULO: El Guernica (1937)

AUTOR: Pablo Picasso

FECHA: 1937

ESTILO: Expresionismo, Surrealismo, Cubismo

MATERIAL: Oleo sobre lienzo;

LOCALIZACIÓN: Museo Reina Sofía de Madrid

DIMENSIONES: 3,50 X 7,82 metro

Este gran lienzo de Picasso constituye toda una protesta, cargada de acentos trágicos, contra la

violencia y la muerte. Es por ello una obra llena de un fuerte sentido político y social.

Picasso, que estaba plenamente identificada con la causa republicana española en la Guerra Civil que

se había iniciado en 1936, eligió este tema para el cuadro que el Gobierno Republicano le había

encargado para figurar en la Exposición de París de 1937. Una vez recibido el encargo, que había de ser

"una composición de gran formato", tardó algunos meses en decidir lo que habría de pintar. Cuando

tuvo conocimiento, en París donde vivía, del atroz bombardeo realizado por la aviación alemana


sobre la población vasca de Guernica el día 26 de Abril de 1937, decidió reflejar esta tragedia en el

lienzo encargado.

Lo realizó en poco menos de dos meses, y conocemos las diferentes etapas de su composición

gracias a las fotografías que, en sucesivos momentos a lo largo de esos días, fue haciendo la también

pintora Dora Maar.

En junio ya estaba el gran lienzo colocado en el Pabellón Español de la Exposición. Cuando ésta

terminó, el cuadro pasó, en calidad de depósito provisional, al Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Hasta 1981 no ha podido llegar a España, después de largas negociaciones con los herederos del pintor.

Por su carga trágica y por su manifiesto antibelicista, se considera este lienzo como un símbolo

del arte y la vida de nuestro tiempo.

2. Descripción.

Se trata de un cuadro figurativo.

Izquierda: Ante un TORO con cuello violentamente vuelto, exhala su dolor una MADRE CON SU

HIJO MUERTO entre los brazos.

Centro: Se desploma un CABALLO con el flanco atravesado por una lanza, la boca abierta, la lengua

acerada como un dardo.

Suelo: Está cuadriculado, yace en dos trozos los restos de un GUERRERO, abierta la gran mano

izquierda y crispada la derecha sobre la espada rota por mitad.

Derecha MUJER TRANSFORMADA EN ANTORCHA viviente cae en el vacío con los brazos

extendidos y la cabeza desencajada. Por debajo de ella, apoyándose en un pie disforme, se estira el cuerpo

de OTRA MUJER, con los brazos colgantes, cuya cabeza y cuello, continuando el movimiento, se alargan

hacia el caballo.

Por una VENTANA ABIERTA, que da no se sabe dónde, surge una APARICIÓN con la cabeza por

delante y senos clavados, crin al viento y una lámpara vengadora en el extremo del brazo.

BOMBILLA ELÉCTRICA domina la escena, como un ojo de cíclope, acuchillando las sombras

alrededor de ella; CUATRO LLAMAS en forma de espadas le dan un eco lúgubre a la derecha.

ENTRE EL CABALLO Y EL TORO se perfila una MESA, sobre la cual un PAJARO, tendido el

cuello y abierto el pico, da su último gorjeo, con el cuerpo atravesado por un fulgor lívido.

NO HAY COLOR: ESTA COMPUESTO A BASE DE BLANCO Y NEGRO.

3. Interpretación.

Se han dado muchas interpretaciones. "No es fácil dilucidar el simbolismo de esta escena, que

evidentemente desborda por todas partes el bombardeo de Guernica y sobre cuyo tema Picasso no ha

dado nunca aclaraciones

En primer lugar puede afirmarse que representa una escena de matanza

EL cuadro nos afecta por el dolor de los seres que están representados en él

NO ES UNA PINTURA DE HISTORIA: Nada alude a Guernica como tal. Escapa a toda referencia

histórica. Es imposible poner una fecha o identificar la escena del bombardeo.

SE SUSTRAE AL LUGAR EN QUE LA ESCENA SE DESARROLLA: ¿Estamos en el interior de

una casa? La puerta entreabierta de la derecha, el techo y la lámpara nos lo podrían hacer creer, pero el

paramento de tejado que se percibe por encima de la aparición nos disuade de ello. ESTAMOS A LA

VEZ DENTRO Y FUERA.

SE SUSTRAE AL TIEMPO: Es imposible determinar el momento del día en que la escena se

desarrolla. La escena escapa al curso del sol, lo mismo que a su fulgor. ¿De dónde viene la luz? ¿De la

ventana? ¿De la lámpara?

ES UNA ALEGORÍA fruto de la imaginación de Picasso. Se trata de un SIMBOLISMO

EXPRESIONISTA o de un EXPRESIONISMO SIMBÓLICO.

Intenta transmitirnos el sentimiento de que la GUERRA es una contra-naturaleza, algo

infernal que, no contenta con mutilar los seres, se complace en desfigurarlos.


Las figuras son un alegato contra la guerra. Las "deformaciones" tienen su razón de ser y cumplen

una función.

Tipos de dolor simbolizados:

- GRITO DE AGONÍA de la madre (izq.); GRITO DE ESPANTO de la mujer-autorcha (derecha);

- GRITO DE RABIA del guerrero vencido; TERROR DEL CABALLO; OJOS-LAGRIMAS de la

madre;- OJOS DISLOCADOS DEL GUERRERO, grandes y abiertos, a pesar de la cabeza cortada, a

pesar del cuerpo seccionado, como si además de la muerte se obstinasen todavía el furor del combate y la

rabia de la impotencia;- OJOS COMO REMACHES DEL CABALLO que en esta batalla de hombres,

pierde hasta su sentido de la animalidad (se desploma como un armazón de hierro).

Picasso hace desaparecer la distinción entre la mano derecha y la izquierda, como en la mujer cuyo

cuerpo se estira a la derecha; modifica el orden de implantación de los dedos, como en la mano que

sostiene la lámpara, donde el meñique está puesto al revés; cambia las proporciones, como las del

guerrero cuya mano izquierda es enorme mientras la derecha se crispa irrisoriamente sobre la espada;

incluso suprime ciertas partes, como los hombros y, en la mujer que cae, todo el tronco. Etc.

4. El espacio

Es de naturaleza compleja

La tercera dimensión no es más que alusiva. Los personajes y animales están desprovistos de

volumen y por consiguiente llevan el lienzo al plano, salvo el caballo, cuyo cuello está articulado por una

media sombra.

5. La luz

- No viene ni de la izquierda, ni de la derecha, ni de arriba, ni de abajo; nada de luz natural.

Las lámparas, una eléctrica y otra de petróleo, no producen claridad.

Sin embargo, se distinguen las zonas claras de las oscuras. Las partes sombrías afectan, sobre todo, a

la DECORACION, fondo, muros, mesa, embaldosado, puerta, es decir, lo que es INANIMADO; mientras

que las partes claras afectan a las criaturas humanas y animales. Significa que ni el sol ni las lámparas son

bastante potentes para iluminar el horror de la visión y, por tanto, queda reducida a la impotencia toda luz

natural o artificial, es la visión misma la que convierte su fuerza en claridad

La luz no proviene de fuera, sino que emana de la misma intensidad de la escena. Se destacan los

sitios de mayor horror: cabezas, brazos, manos, piernas.

6. El color

La ausencia de colores se explica por la misma razón. Los ha omitido voluntariamente. Cualquier

tentativa colorista hubiera debilitado la potencia dramática.

La oposición del blanco y el negro contribuye a causar la sensación de la ruptura en dos de las

formas Dos grises, uno claro y otro oscuro, intervienen. Por su distribución y su cambio de intensidad,

sirven para regular el contraste de blanco y negro y para convertirlo en movimiento

7. La composición

En relación con la disposición del asunto, se manifiesta un primer aspecto de la construcción como

en un TRÍPTICO, el panel central comprende el caballo, la mitad del guerrero, la aparición y la mitad de

la mujer de la derecha; el panel de la izquierda el toro, la madre y la otra mitad del guerrero; el panel de la

derecha la mujer que cae y la otra mitad de la mujer ya mencionada

8. El ritmo

Hecho a base de alternancia de rectas y curvas, de macizos y vacíos, de blancos y negros, de formas-

figuras y de formas geométricas (los triángulos negros, blancos y grises que trinchan el espacio como

espadas).

9. La pincelada

No hay ni una sola huella de pincel. Las formas blancas se recortan a borde limpio y los negros y

grises obedecen a una triangulación no menos cortada. Todo es liso y terso.

El Guernica constituye una de las obras de mayor impacto emocional de todos los tiempos y

supone la recapitualación de todas las vanguardias y de su sentido.


Transición de las influencias de Cezanne al Cubismo analítico Mujer con mandolina(1909-1911)

Del Cubismo Analítico al Cubismo SintéticoMujer con mandolina (1914)

Descomposición de

figura en planos y

distribuirlos en superficiePlasmación simultánea

del mismo plano desde

diferentes puntos de

vistaPequeñas superficies

limitadas por líneas

rectas a las que se aplica

un color del

Selecciona un número

pequeño de planos

(los más significativos)

para que se puedan

reconocer los objetos

Recupera el

colorido

Nª 4

Descomposición de imagen

en múltiples planos

para después reconstruir

una nueva realidad

Estructura ordenada a

partir de líneas verticales,

horizontales y diagonales

a las que se les van

agregando planosAbandono del color

tendencia al monocromatismo

(preferencia por grises,

en menor medida ocres y verdes)

Representación de

elementos simples (retrato,

algún objeto cotidiano, etc.)Construcciones racionalistas

abandono de expresionismo

de otros movimientos de

vanguardia

Estatismo, ausencia

de movimiento

Color y luz

pierden importancia

frente a la forma

El empleo de pinceladas

pequeñas refuerza

la planitud de la tela

Fusión de

fondo y figura

Incidencia de luz

varía en cada plano

Se introducen algunos

elementos realistas en

la laberíntica estructura de

planos para facilitar

identificación (mandolina)

Nª 3


TÍTULO: Pablo vestido de arlequín

AUTOR: Pablo Picasso

FECHA1925

ESTILO Etapa Clasicista

MATERIAL: Óleo sobre lienzo 130x 97,5 cm

LOCALIZACIÓN: Musée National Picasso de París

Paulo nació en 1921 y fue hijo de Picasso y de la bailarina rusa Olga Koklova , prominente figura de los

ballets rusos, de Serguei Diaghilev , con la que el artista había contraído matrimonio en 1918

El niño contaba con tres años de edad aproximadamente cuando su padre llevó a cabo este sugestivo

retrato , esbozado en gran parte en el que, en términos técnicos ,se aprecian varios arrepentimientos.

El pequeño viste un atuendo circense o de baile de disfraces a mitad de camino entre un elegante arlequín

y un refinado payaso. Se apoya en un sillón inacabado de líneas barrocas a la francesa y se recorta sobre

un doble fondo: el del propio respaldo del mueble y en una aparente pared bosquejada con sencillez. El

amplio cuello y los puños contrastan con las menudas y rosadas manos así como el rostro de facciones

bien construidas en las que resaltan los ojos oscuros y el cabello castaño rojizo

bajo un sombrero que completa la indumentaria.

El ropaje está determinado por una red de rombos amarillos y azules separados por lineas negras muy

marcadas.

Pintado en París, el cuadro pertenece a la primera parte de la tercera década del siglo XX, cuando el

maestro alternaba en su obra el cubismo con su peculiar estilo clásico, prevaleciendo las

maternidades y los retratos de familias y amigos.

Retrato de su hijo Pablo

vestido de arlequín

Sin terminar la parte inferior del cuadro

(silla, pies del niño etc)

Sensualidad de

curvas

Luminosidad

y contrastes de

colores

Simplificación

de formas

Nº 7 Etapa realista 1924

Pablo de Arlequín


Tras la 2ª Guerra Mundial, serán frecuentes las recreaciones sobre obras del pasado, como la serie

sobre Las Meninas. En los años 60 se inclina por el tema del pintor y su modelo del que, sólo en el año

1963, llegó a pintar unos 50 cuadros.

Cultivó también la escultura, la cerámica, las litografías, los gravados etc.

A pesar de hacer esta clasificación de la obra de Picasso, hay que tener en cuenta que esto no se

ajusta a la realidad, sirve para facilitar su estudio pero enmascara una realidad bastante más compleja, en

la que fueron frecuentes la simultaneidad de obras diversas sobre todo después de la 1ª Guerra Mundial,

aunque sin olvidar que la más trascendente y revolucionaría fue la que estuvo ligada al Cubismo.

BIBLIOGRAFÍA

ARGAN, G.C.: El arte Moderno. Akal, Arte y Estática. Madrid 1991.

BOZAL, V.: Los orígenes del arte del siglo XX. Historia 16, Madrid 1993.

GUASH, A.Mª y SUREDA, J.: La trama de lo moderno. Akal. Madrid.

Nº10 Series de obras famosas:Las meninas

Técnica: Cubismo, Surrealismo, Expresionismo

58 reproducciones con variaciones sobre

el tema

Infinita capacidad

de innovación

Historia del Arte – Sofía Lanchas Pablo Picasso – Pág.: 1 HISTORIA ...

Documents

Transcript of Historia del Arte – Sofía Lanchas Pablo Picasso – Pág.: 1 HISTORIA ...