Expresionismo Abstracto

El Expresionismo Abstracto fue el primer gran movimiento artístico netamente americano.

Estados Unidos ve como en los años cuarenta y cincuenta el centro artístico de vanguardia pasa de París a Nueva York. La influencia del Arte europeo sigue estando presente pero en mucha menor medida.

El Expresionismo Abstracto mantuvo su hegemonía hasta los años sesenta, momento en el que diferentes corrientes reivindican la vuelta a la figuración e, incluso, la eliminación del componente subjetivo en el Arte.

El critico de Arte Harold Rosenberg y Thomas B. Hess. Fueron estos críticos los que hablaron de American type painting, Abstract expressionism, Action painting, Drip painting o Gestural painting.

Es al crítico Robert Coates a quien se atribuye la acuñación del término abstract expressionism.

Al Expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York. No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de una serie de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Proviene del post cubismo y surrealismo

En primer lugar, los elementos formales provinieron de la abstracción post-cubista y del surrealismo. Y aunque los expresionistas abstractos rechazaron tanto el cubismo como el surrealismo, lo cierto es que resultaron muy influidos, sobre todo por el segundo de estos movimientos, en sus primeras fases.

Surgieron procedimientos como el dripping o chorreado que ayudaban a manifestar claramente la labor activa del pintor.

En segundo lugar, es un movimiento estadounidense que surge en unas circunstancias problemáticas desde el punto de vista social: primero, el crack de 1929 y la subsiguiente gran depresión, y después, la segunda guerra mundial. Estas circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos.

Sobrevivientes de los nazis

Entre los recién llegados con motivo de la guerra mundial estuvieron varios importantes artistas vanguardistas parisinos, provenientes sobre todo del surrealismo, como el francés André Masson y el chileno Roberto Matta (n. 1911). Con el estallido de la segunda guerra mundial en septiembre de 1939, Kurt Seligmann fue el primer surrealista europeo que llegó a Nueva York. Muchos otros artistas europeos influyente siguieron su ejemplo y se refugiaron en Nueva York, huyendo del nazismo: el neoplasticista Piet Mondrian, Léger, Max Ernst, Yves Tanguy, el poeta Breton y Miró. Incluso Salvador Dalí, con su esposa Gala, se trasladaron a los Estados Unidos en 1940. Es en este momento cuando Nueva York se convierte en el centro artístico mundial desde donde irradian las nuevas tendencias plásticas.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

La "action painting" americana tuvo dos tendencias.

Action painting (en español «Pintura de Acción») es una técnica pictórica, así como el nombre del movimiento pictórico que la usa. Intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el movimiento, la velocidad, la energía.

• La primera representada por Pollock, Kline y De Kooning, cuyas características principales eran: una gran energía gestual, total libertad tanto en la concepción de la obra como en la técnica, viendo en el lienzo una proyección de la mente del pintor, convierte el acto pictórico en un ritual catárquico.

•La segunda tendencia, está representada por Barnett Newman, Clifford Still y Mark Rothko cuyas características esenciales eran la sutileza cromática, la rigidez y monotonía en la composición, buscando armonía y el equilibrio. El Colour Field Painting o Pintura de Campos de Color centra su interés en investigar la interacción que el color ofrece en sus distintas combinaciones. Se trata de yuxtaponer planos cromáticos observando los efectos de profundidad y vibración que producen.

Paul Jackson Pollock Fue un influyente artista

estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto.

Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), empezó a ser relacionado con el surrealismo.

Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista.

Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo.

En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales.

Otras fuentes de inspiración añadidas, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste.

Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles.

Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados.

Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien.

1938 - 26 años Hacia el OesteMaterial: Oli on gesso on fibreboard.Medidas: 38,3 x 52,7 cm.Museo: Museum of American Art. Smithsonian Institution

De esta manera, lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen, sino un hecho, una acción».

Destacó especialmente en el uso del dripping, esto es, el goteo de la pintura como técnica, y quien más luego prolongó la pintura de acción al movimiento de Expresionismo abstracto.

1953 - 41 años Lo ProfundoMaterial: Oil and enamel on canvas.Medidas: 220,4 x 150,2 cm.Museo: Centre Georges Pompidou. París

1942 - 30 años

Figura Estenográfica

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 101.6 x 142.2 cm.

Museo: MOMA. Nueva York

1950 - 38 años

Ritmo de Otoño: Número 30

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 266,7 x 525,8 cm.

Museo: MOMA. Nueva York

Franz kline

Franz Kline (Wilkes-Barre (Pensilvania), Estados Unidos, 23 de mayo de 1910 - Nueva York, Estados Unidos, 3 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950. Falleció en la ciudad de Nueva York debido a una enfermedad reumática cardíaca.

Por lo que se refiere a Franz Kline, trabaja mediante brochazos. Lo mismo que Pollock, su gama cromática es reducida, prácticamente monocroma: el negro, el blanco y el gris azulado. Optó por anchas franjas negras ejecutadas mediante vigorosos brochazos sobre superficies blancas.

Eran ampliaciones de detalles de sus propios dibujos. Los cuadros resultantes recuerdan a los del informalista Pierre Soulages o a los ideogramas chinos.

Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo fue "practicada espontáneamente". Preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un músico del arte abstracto.

1947 - 37 años Payaso rojoMaterial: Óleo sobre lienzo.Medidas: 140 x 120 cm.Museo: Collection Orr. Nueva York

Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de 1959.

Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las describió muy simples en cuanto a dichos elementos.

Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.

1960 - 50 años Sin títuloMaterial: Óleo sobre lienzo.Medidas: Museo: Colección privada

1954 - 44 años

Pintura nº 2

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 204,3 x 271,6 cm.

Museo: MOMA. Nueva York

1953 - 43 años

Nueva York, N.Y.

Material: Óleo sobre lienzo.

Medidas: 200,6 x 129,5 cm.

Museo: Albright-Knox Art Gallery. Buffalo

Willem de Kooning

Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más figurativas que las de Pollock, siendo algo intermedio entre la figuración y la abstracción, es gestual y representativo a la vez.

A partir de 1946 pintó abstracciones de figuras biomórficas.

Su obra se centró en representar primero la figura masculina, dedicándose, desde 1950, a su serie más conocida, Mujeres.

La figura femenina se identificaba gracias a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre nutricia, pero también de la mujer erótica o devoradora de hombres.

Recurría a colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el blanco y el negro para dar toques que realzan las figuras. Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera totalmente impulsiva.

Mark Rothko Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903 – Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos.

Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.

En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. Hacia 1940 realizó una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas bimórficas.

A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Al pasar los años la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la capilla de la familia Ménil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros cubren un espacio octogonal.

1956 naranja amarillo

“El silencio es tan exacto”, como decía el artista