Educación Plástica, Visual y AudiovisualSERIE CREA

II

ESO

NIV

EL

2

Te encantará SABER HACER CONTIGO porque:

1 Recoge el currículo oficial de forma completa y clara.

92 93

• La primera imagen forma parte de una campaña publicitaria. ¿Cuál crees que es el objetivo de su mensaje: informar, convencer, promocionar, crear prestigio de marca, conseguir clientes...? Explica qué elementos de la imagen te hacen pensar eso.

• ¿Qué idea o mensaje sobre el transporte ferroviario percibes en la segunda imagen?

• La obra pictórica es de Claude Monet. Investiga qué momento económico y social transcurría en Europa en tiempo del artista: ¿cómo podría haber impactado en el mensaje de la obra?

REFLEXIONO

INVESTIGO

EN ESTA UNIDAD VOY A CONSEGUIR

• Descubrir algunos códigos propios de los mensajes visuales.

• Diferenciar tipos de imágenes y sus intenciones expresivas.

• Analizar e interpretar mensajes visuales de forma crítica.

• Expresarte a través de imágenes.

Experimento mi entorno Las imágenes, en sus distintas formas, permiten expresar ideas y pensamientos, transmiten mensajes y pueden tener intenciones diversas. En ocasiones se emplean para convencer o condicionar nuestro comportamiento de forma positiva o negativa. Por eso se hacen necesarias la reflexión y la crítica, valores que nos capacitan para pensar y analizar los mensajes visuales libremente.

Los mensajes visuales6

OBSERVO LA IMAGEN

Describe los siguientes elementos de las dos imágenes superiores:

• Las dos representan el mismo medio de transporte: ¿cómo está representado en cada caso?

• ¿En qué se parecen ambas imágenes? ¿En qué se diferencian?

• ¿Qué técnicas artísticas se han utilizado en cada una?

La iconografía en la Antigüedad

La iconografía estudia las imágenes, la forma en la que se utilizan y cómo son percibidas y comprendidas, es decir, busca el sentido y mensaje de las imágenes en relación con su contexto cultural.

Observando obras desde la Prehistoria hasta el arte gótico, podemos apreciar que, además de su objetivo estético, las imágenes han tenido funciones diversas a lo largo de todo este tiempo. Es necesario conocerlas para decodificar los mensajes.

Los códigos, signos y símbolos de las obras artísticas nos ayudan a entender el funcionamiento de la sociedad que las creó.

GALERÍA

ES0000000095140 II-934359_unidad06_092_109_96109.indd 92-93 3/2/20 14:58

2 En un mundo audiovisual es necesaria una educación en el consumo responsable y en la producción de contenidos audiovisuales utilizando la tecnología como herramienta de conocimiento.

TIC

96 97

Una de las consecuencias de las alteraciones en la percepción son los llamados efectos o ilusiones ópticas. La particular situación de las figuras de una imagen, sus formas o la manera en que se combinan pueden causar diferentes efectos que engañan al cerebro, que interpreta una realidad alterada.

• Observa estas imágenes y analiza su contenido. Explica en qué consiste el «equívoco» visual que producen.

Identificar ilusiones ópticas Crear escenas imaginadas

• Crea una escena con la técnica del collage en la que incluyas elementos que nunca se puedan encontrar juntos en el entorno. Juega con la proporción, la forma y la disposición de las figuras para dar sensación de irrealidad.

Explorar la relación entre fondo y figura

• Realiza una imagen a base de líneas y planos de colores donde se combinen fondo y figura para dar lugar a diferentes formas, figurativas o no.

6APRENDO A VER APRENDO A HACER

ES0000000095140 II-934359_unidad06_092_109_96109.indd 96-97 3/2/20 14:58

3 Se ofrecen contenidos específicos para que descubras el poder transformador del arte, no solo para desarrollar la conciencia cultural y la expresión de tus emociones sino para mejorar la realidad que te rodea.

Inteligencia emocional

12

1¿Qué significa el color en las imágenes?

Las diferencias que percibimos en los colo-res están relacionadas con tres cualidades fundamentales:

• El tono es el color en sí mismo: rojo, ver-de, azul, etc.

• La saturación es el grado de pureza de un color. Los colores más saturados son los pri-marios, a continuación estarían los secun-darios y, por último, los terciarios. Los colo-res intensos son los más saturados, mientras que los más apagados serían los menos sa-turados. Los colores saturados expresan alegría, mientras que los menos saturados dan sensación de tristeza.

• El brillo o la luminosidad dependen de la cantidad de blanco o negro que tiene un color en su composición. Podemos hablar de colores claros u oscuros. Los claros irradian fuerza y energía, mientras que los oscuros nos llaman al recogimiento.

Dos obras tratadas con colores muy distintos transmiten también sensaciones diferentes. Esto se puede apreciar en los cuadros de esta página: en la obra de Derain, los colores son muy saturados y transmiten alegría, vita-lidad y agitación; en el caso del cuadro de Osborn, los tonos marrones y verdes, poco saturados, transmiten tranquilidad y calidez.

Puedes conseguir fácilmente la paleta de co-lor de una imagen cargándola a una aplica-ción digital como http://colorhunter.com

¿Qué transmiten los colores?

La percepción que las personas tenemos del color es subjetiva; por esta razón, asociamos los colores a determinadas sensaciones o ha-cemos interpretaciones diferentes de los sig-nificados que puede tener un color.

Una de las clasificaciones más extendidas es la que relaciona los colores con las sensacio-nes térmicas:

• Se denominan tonos cálidos a los que forman parte de la gama del amarillo, el rojo, el naranja y el magenta.

• Los tonos fríos son aquellos que tienen un alto contenido de azul y van del morado al verde.

Existen otras asociaciones entre los colores y algunos mensajes. Esta relación tiene mucho que ver con la cultura. Algunos ejemplos son los siguientes:

• Blanco. Es el color más luminoso y por ello se asocia a menudo con la paz y la pu-reza. El uso del blanco en una obra expan-de los espacios y hace crecer la sensación de volumen.

• Negro. Es la ausencia de color y sugiere el misterio y la oscuridad. También suele aso-ciarse con la elegancia.

• Rojo. Simboliza la sangre, el fuego, el ca-lor, la revolución, la alegría, la acción y la pasión. Se asocia también con el peligro. Es un color que capta nuestra atención; por ello se utiliza en las señales de tráfico y en la publicidad.

• Azul. Produce calma, equilibrio y sosiego. Recuerda al mar y al cielo. Es el color de la profundidad, de lo inmaterial y del frío.

• Verde. Es el color de la naturaleza, la fer-tilidad y la esperanza. Transmite una sen-sación de frescura y bienestar.

• Amarillo. Es el color del sol, de la riqueza y el lujo. Simboliza el poder, la arrogancia, la fuerza y la voluntad. En su interpretación negativa es considerado como el color de la envidia, la ira, la traición y la cobardía.

La danza. André Derain, 1906.

TONO: distintos colores de tono marrón.

SATURACIÓN: colores saturados y apagados.

LUMINOSIDAD: colores claros y oscuros.

Las doncellas bal. Emily Mary Osborn, 1870.

ES0000000095140 934359_unidad_01_006_023_95419.indd 12-13 3/2/20 13:06

5 La sección de actividades Aprendo a hacer contribuye a que pongas en práctica de forma creativa los conocimientos adquiridos, aplicando técnicas variadas.

Creatividad

4 La sección de actividades Aprendo a ver te ayuda a describir, comunicar, comprender y otorgar sentido a los mensajes visuales.

Comunicación

3

124 125

3 Leemos el objetivo del proyecto.

• Objetivo: diseñar y construir un mapa de un espacio personal utilizando códigos y materiales no convencionales.

4 Reunimos el material y las herramientas:

• cartón y cartulina para la base

• papel y lápiz para el boceto

• palos, palillos, lana, cuerda, gomas, chinchetas, hojas, tijeras, cúter, pegamento, celo, plastilina...

5 Decidimos el tema del mapa. Tiene que estar relacionado con un espacio importante para nosotros:

• Algunas ideas: lugares donde jugamos o pasamos tiempo con amigas y amigos, el colegio, el barrio, nuestras raíces familiares...

PREPARACIÓN

PROYECTO CREATIVO 7Diseñando un mapa personal:

Exploramos nuestro espacio subjetivo

Cartas de navegación de palos y conchas

Los antiguos mapas o cartas marítimas de palos de las islas Marshall son muy diferentes a los mapas occidentales actuales, que describen literalmente la mar. Estos mapas de palos son una representación abstracta de la manera en que el oleaje marino afecta a la Tierra. Se construían con finas tiras de cocotero y pándano. Mientras que con las conchas y cruces indicaban la situación de las islas, los palos rectos o curvos representan las corrientes y las olas en el mar.

Conocer el oleaje era vital para la supervivencia del navegante marshalés; tan solo tumbándose en la canoa podía sentir el balanceo y distinguir los distintos tipos de olas que afectarían a la navegación. Cada navegante podía tener una forma personal de codificación para crear sus cartas. El conocimiento de cómo realizar o leer las cartas era un secreto muy apreciado que se iba transmitiendo de generación en generación.

Usando nuestro propio código, vamos a representar un espacio que sea importante para nosotros.

1 Nos organizamos en parejas.

2 Buscamos en internet o en la biblioteca más información sobre las islas Marshall y estas cartas de navegación. Anotamos los aspectos que nos parezcan más interesantes sobre su construcción, significado y utilidad.

6 Hacemos un esquema sobre el tiempo que vamos a dedicar a cada parte del proyecto.

7 Realizamos el boceto teniendo en cuenta estas tareas:

• Selección de la información relevante a representar: los puntos básicos del espacio elegido.

• Selección de los materiales más adecuados: estética y comunicación.

• Descripción de lo que significa cada elemento o material: codificación.

• Inclusión de los elementos informativos básicos en un mapa: imagen de las ubicaciones, referente de orientación (rosa), leyenda o símbolos.

8 Distribuimos el trabajo según nuestras habilidades.

9 EXPONEMOS NUESTROS MAPAS. Organizamos una exposición donde se muestre cada mapa con su leyenda. Analizamos y comparamos nuestras obras:

• ¿Hay elementos comunes en la forma de representar los distintos espacios? ¿Cuáles? Debatid entre todos por qué.

• Descubrid cuál es el mapa más fácil de comprender y explicad por qué.

• Si tuvierais que hacer de nuevo este proyecto, ¿qué plantearíais de otra manera?

REFLEXIÓN

EXPLORACIÓN CREACIÓN DE LA OBRA

OBJETIVO 1

• Diseñar un mapa utilizando materiales y herramientas no convencionales.

OBJETIVO 2

• Definir y representar la información relevante de espacios geográficos importantes a nivel personal.

VOCABULARIO

• Leyenda: indica el significado de los símbolos utilizados para representar las entidades en el mapa. Consta de ejemplos de los símbolos y etiquetas con texto explicativo.

• Rosa de los vientos: es un círculo que representa la circunferencia del horizonte e indica los puntos cardinales. Ayuda a orientarse dentro de la carta de navegación.

En tu mapa, debes destacar un punto de referencia que haga las veces de rosa de los vientos, puede ser un edificio emblemático, un poste... Te será útil para orientar y colocar el resto de las ubicaciones.

508984_p14_leyenda_Comunicaciones Sudafrica

Capital

Principales ciudadesAutopistas y autovías

Carreteras

Ferrocarril

Puertos

Aeropuertos Mapa micronesio anónimo.

ES0000000095140 II-934359_unidad07_110_125_96110.indd 124-125 3/2/20 15:10

6 El proyecto creativo ofrece obras de artistas contemporáneos comprometidos con la sociedad y el medioambiente. Además, propone participar en proyectos plásticos de forma cooperativa en grupo o en pareja.

140 141

GALERÍA 8Diferentes estilos para expresarse

ACTIVIDADES

1 ¿Cuál es el estilo con el que te identificas mejor como artista? ¿Por qué?

2 ¿Qué estilos utilizarías para expresar determinadas emociones o situaciones? Explica dos casos distintos. Por ejemplo:

–Emplearía un estilo fauvista para expresar...

3 Con un compañero o compañera, busca más artistas de uno de los estilos. Identificad las semejanzas

y diferencias entre ellos.

4 ¿Qué cambios harías en el cuadro de Morisot para transformarlo en una obra del movimiento fauvista? ¿Y para que pudiera parecer una obra surrealista?

Hasta el siglo XIX el arte era un reflejo de la reali-dad y cumplía además una función documental, ya que representaba acontecimientos y situacio-nes sociales. A finales del siglo XIX, se inventa la

fotografía y el arte empieza a desligarse de su función emuladora de la realidad. Surgen enton-ces diversos movimientos que centraron su aten-ción en aspectos expresivos y estéticos diferentes.

En la terraza. Berthe Morisot, 1874.

Los impresionistas se preocupaban esencialmente por plasmar la luz y su incidencia sobre los objetos, así como por captar la fugacidad del instante y los cambios de los fenómenos atmosféricos. Empleaban pinceladas rápidas y cortas para que los colores se mezclaran en la retina de quien lo observa y así reproducir mejor las vibraciones de la luz.

Naturaleza con caballo amarillo. Emil Nolde, 1914.

Los fauvistas centraron su atención en los contrastes del color, simplificaron las formas y marcaron mucho los contornos para hacerlas más expresivas.

Los expresionistas deformaban las figuras para que estas favorecieran la intención del mensaje que querían transmitir (de diversión, horror, locura, miseria, miedo…).

El sueño viaja. Àngel Planells, 1936.

Los surrealistas también reniegan de la realidad, pero para adentrarse en el mundo del subconsciente y de los sueños. Combinan imágenes figurativas aunque situadas en ambientes inquietantes e irreales.

Helen Frankenthaler en su estudio, 1956.

Los pintores y pintoras

abstractos rompen definitivamente la

dependencia de la pintura con el mundo

que nos rodea y proclaman la

autonomía de las formas y los colores

para expresar sensaciones y

emociones.

Mandolina, frutero y brazo de yeso. Pablo Picasso, 1925.

Los cubistas pretendían representar los objetos no como los veían, sino superponiendo

en un mismo plano sus partes tomadas desde diferentes puntos de vista, reduciendo las imágenes

a formas geométricas y a planos superpuestos. Con ello rompieron la concepción clásica de la

representación del espacio. No les interesaba el color de los objetos, sino su forma esencial y la relación

que mantenían con el espacio.

ES0000000095140 II-934359_unidad08_126_145_96111.indd 140-141 3/2/20 15:15

Para profundizar

Analiza los siguientes elementos en estas imágenes:

7 La simetría. En las dos manifestaciones artísticas, mandala y rangoli, tiene una gran importancia la aplicación de la simetría. Observa qué tipo de simetría se da en cada caso y representa los esquemas en tu cuaderno. ¿Por qué crees que utilizan tantos elementos simétricos? ¿Qué sensación transmite una composición simétrica?

8 Las figuras geométricas. Descubre qué trazados geométricos se han utilizado en cada imagen. Anótalos e investiga qué pueden significar. ¿Consideras que esos significados tienen un carácter universal?

9 El color. Observa los colores en las dos ilustraciones. ¿Crees que el equilibrio o el caos se pueden representar con un color determinado?

Descubrir el simbolismo de algunas obras

Los mandalas y los rangolis son manifestaciones artísticas propias

del budismo y del hinduismo en las

que predominan los trazados geométricos.

Parten de una circunfe-rencia que representa el

universo a la que se suelen añadir formas simétricas con

un simbolismo especial.ELABORO MIS CONCLUSIONES

Dibuja un mandala sobre un papel. Puedes utilizar los materiales y técnicas que quieras, pero es imprescindible que utilices la regla y el compás. Tu obra debe tener las siguientes características:

–  Una composición simétrica donde aparezcan representados los cuatro puntos cardinales.

–  Una circunferencia inscrita en un cuadrado.

–  Algunos enlaces entre líneas.

–  Un color diferente para cada tipo de figura geométrica. Explica por qué has elegido cada uno de los colores.

Pon un título a tu obra y redacta un breve texto explicativo del significado que tienen cada una de las figuras y los trazados que has hecho. También puedes describir las dificultades que has tenido y qué sentimiento te ha producido este trabajo.

PONGO EN PRÁCTICA 2

Para empezar

1 Observa las imágenes de estas páginas y la del mandala que aparece en las páginas 26 y 27 de esta unidad.

2 Busca información sobre qué son un mandala y un rangoli. ¿Qué representan? ¿Por qué los hacen? ¿Dónde los hacen? ¿Qué materiales utilizan?, etc. Puedes consultar las siguientes páginas web:

– www.mandalaproject.org

– www.rangoli.org/visualarts.htm

A primera vista

Observa los siguientes aspectos del mandala y el rangoli de estas páginas:

Los elementos gráficos

3 El soporte: los mandalas se pueden dibujar con pinturas sobre papel o tela o con arena. También se pueden hacer en tres dimensiones. Los rangolis suelen dibujarse en el suelo, delante de las casas indias, con arena, flores, pintura…

4 El color: en cada imagen predominan unos colores determinados, según el mensaje que quieran comunicar.

El significado y el propósito

5 El mandala representa el universo. Cada figura tiene un significado. Esta imagen representa las órbitas de los planetas y del sol.

6 El rangoli es una ofrenda que hacen las mujeres de la India para rezar. Tiene un carácter espiritual.

3938

ES0000000095140 934359 _unidad02_028_043_93259.indd 38-39 3/2/20 13:15

7 La Galería te ofrece un viaje visual a través de diferentes manifestaciones y estilos artísticos.

9 La sección Pongo en práctica plantea una metodología analítica y unos procesos de trabajo para que desarrolles habilidades autónomas de estudio y rutinas de pensamiento.

Pensamiento

8 Destaca el papel de las mujeres en la historia del arte y en el mundo artístico actual.

Trabajo en pareja

Trabajo en grupo

4

Unidades Desarrollo Aprendo a ver

1 La expresión gráfica

página 6

• Lámina inicial: Las meninas y sus interpretaciones.

• Los elementos gráficos de las formas bidimensionales.

• ¿Qué significa el color en las imágenes?

• Las texturas como recurso expresivo.

• Analizar planos y líneas de composición.

• Crear un cuadro pop.

• Crear composiciones modulares.

• Detectar las texturas de las imágenes.

2 Las formas geométricas

página 24

• Lámina inicial: Desarrollo de la maqueta de un puente.

• Trazados con polígonos y con líneas.

• Reconocer diferentes tipos de enlaces en el entorno.

3 La creación tridimensional

página 40

• Lámina inicial: La Casa Batlló.

• Los volúmenes y sus escenarios.

• La creación actual en volumen.

• ¿Cómo se planifica el espacio habitable?

• La planificación de espacios interiores.

• Analizar imágenes tridimensionales.

• Estudiar el diseño de un espacio interior.

4 La representación objetiva del espacio

página 58

• Lámina inicial: Fotografía satélite de una ciudad.

• Las proyecciones: los sistemas de representación.

• Sistemas de representación I.

• Sistemas de representación II.

• Perspectiva cónica o lineal.

• Leer mapas topográficos.

• Comprender un plano.

• Observar y analizar los datos principales en una perspectiva cónica.

5 La creación de imágenes digitales

página 76

• Lámina inicial: Videojuego Patrician III.

• ¿A qué llamamos creación digital?

• Contextos de la imagen fija.

• Contextos de la imagen en movimiento.

• Analizar el proceso de creación de una imagen digital.

• Estudiar los recursos gráficos en escenas de cine de animación.

6 Los mensajes visuales

página 92

• Lámina inicial: Anuncio de Renfe.

• La percepción visual.

• Imagen y cultura.

• Imagen y significado.

• Identificar ilusiones ópticas.

• Ordenar imágenes cronológicamente.

• Analizar mensajes y recursos expresivos en imágenes.

7 Las imágenes informativas

página 110

• Lámina inicial: Fotografía y plano de Port Aventura.

• Mapas y planos.

• Esquemas gráficos.

• La infografía.

• Interpretar mapas.

• Estudiar los elementos de las imágenes objetivas.

8 Las imágenes expresivas

página 126

• Lámina inicial: Grabados de Käthe Kollwitz.

• ¿Qué cualidades tienen las imágenes expresivas?

• ¿Qué es una imagen exhortativa?

• ¿Qué es una imagen provocadora?

• Leer imágenes.

• Analizar anuncios.

• Analizar imágenes provocadoras.

Programación

5

Aprendo a hacer GaleríaPongo en práctica

Proyecto creativo

• Utilizar líneas moduladas.

• Crear una obra utilizando puntos, líneas y planos.

• Reflexionar sobre el uso del color.

• Interpretar una obra de arte con texturas y líneas.

Los recursos expresivos en obras de la misma autora.

Ilustrando un alfabeto: Compartimos nuestros sentimientos.

• Trazar polígonos.

• Realizar transformaciones geométricas.

• Trazar espirales.

• Trazar tangencias.

• Trazar enlaces.

La composición geométrica en el Modernismo.

Descubrir el simbolismo de algunas obras.

• Construir figuras con materiales de desecho.

• Planificar espacios.

Analizar el proyecto del auditorio de Roquetas de Mar.

Construyendo un juguete de papel: Proyectamos y fabricamos.

• Dibujar perfiles de terreno a partir de mapas topográficos.

• Utilizar las perspectivas isométrica y caballera.

• Representar espacios en perspectiva cónica.

La perspectiva en la imagen bidimensional.

• Variar la resolución de una imagen.

• Retocar imágenes fotográficas y crear composiciones artísticas.

• Realizar una animación.

Analizar críticamente una imagen.

Animando un personaje: Dibujamos con píxeles.

• Crear escenas imaginadas.

• Explorar la relación entre fondo y figura.

• Imitar imágenes de otros tiempos y lugares.

• Elaborar pictogramas.

• Pictogramas para el aula de Educación Plástica.

La iconografía en la Antigüedad.

La interpretación de obras de arte.

• Dibujar mapas y planos.

• Realizar esquemas gráficos.

• Documentar acontecimientos y situaciones con imágenes.

Extraer información de las imágenes.

Diseñando un mapa personal: Exploramos nuestro espacio subjetivo.

• Interpretar obras pictóricas.

• Crear una imagen publicitaria de un producto inventado.

• Elaborar imágenes sorprendentes.

Diferentes estilos para expresarse.

Expresividad y movimiento en la escultura.

6

Experimento mi entorno Cuando realizamos una obra bidimensional, lo primero que nos planteamos es la orientación del soporte y la distribución en el espacio de los distintos componentes de la imagen. Para ello contamos con los elementos plásticos: seleccionamos y utilizamos estos según nuestra intención y nuestra experiencia.

Por esta razón, cuando realizamos un dibujo artístico de una misma temática, cada individuo lo expresa de manera distinta aunque la idea inicial sea la misma.

La expresión gráfica1

OBSERVO LA IMAGEN

• ¿Qué tienen en común estas imágenes?

• ¿Qué crees que representan? ¿Qué te sugieren?

• ¿Crees que todas ellas están realizadas por la misma persona?

• ¿Cuál de ellas te gusta más?

7

• ¿Existen diferencias en las técnicas que han empleado los tres artistas? ¿Cómo crees que está realizada cada una de las obras?

• Compara las tres representaciones del mismo personaje, ¿qué te transmite cada una? ¿Por qué?

• Después de observar las imágenes, ¿podrías intuir el estado de ánimo de los artistas al realizarlas?

• Formad equipos de tres personas y buscad información sobre el estilo de los autores: Velázquez, Equipo Crónica y Picasso. Poned en común esta información.

• Busca el significado de las siguientes palabras: estilo, grafismo e iconicidad. Luego, explica cómo se pueden aplicar esos conceptos a cada obra.

REFLEXIONO

INVESTIGO

EN ESTA UNIDAD VOY A CONSEGUIR

• Analizar imágenes a partir de los elementos compositivos que las forman.

• Descubrir cómo percibimos las imágenes y qué elementos intervienen en la percepción.

• Expresar tus ideas a través de imágenes.

Ilustrando un alfabeto: Compartimos nuestros sentimientos

En el álbum ilustrado Nico dibuja un sentimiento, el protagonista representa lo que no se ve, como el sonido que hacen ciertos objetos o el calor que siente en la cara. La mayoría de sus compañeras y compañeros no entienden sus representaciones abstractas.

Inspirados en esta idea elaboraremos un alfabeto de emociones. Trabajando en equipo, ilustraremos cada letra del abecedario con un sentimiento o emoción. Lo haremos de manera abstracta,

utilizando elementos gráficos como líneas, formas, colores y texturas.

Los elementos plásticos nos ayudan a comunicar aquello para lo que a veces nos faltan las palabras.

PROYECTO CREATIVO

Los elementos gráficos de las formas bidimensionales

Las imágenes bidimensionales son percibidas por el ser humano como una unidad. Sin embar-go, sabemos que están compuestas por diferentes elementos gráficos. El estudio de estos elementos permite comprender mejor la expresividad de una imagen.

En los trabajos que se muestran en la siguiente página, se puede observar cómo interpretar una obra empleando distintos elementos gráficos.

El punto

Es el elemento gráfico más sencillo. Desde el punto de vista geométrico se define como el lu-gar del espacio donde se cortan dos rectas. El punto se puede representar con diferentes tama-ños, colores e incluso texturas.

La combinación de puntos de distintos estilos puede dar lugar a elementos o imágenes más complejos, como líneas y planos, e incluso puede generar texturas visuales.

El punto es también un elemento compositivo, ya que puede crear sensación de profundidad o alejamiento cuando varios puntos se agrupan, se dispersan o se alinean.

La línea

Es la marca que deja un punto al desplazarse o una sucesión infinita de puntos. Puede ser fina y delicada, gruesa, modulada (con distintos groso-res), continua, discontinua, recta, curva o puede estar compuesta por líneas de diferentes tipos y, en ese caso, se denomina mixtilínea.

• Según su posición las líneas pueden ser hori-zontales, verticales, oblicuas y curvas. Las lí-neas horizontales dan sensación de equili-brio, pausa y sosiego; nos recuerdan al horizonte del mar en calma. Las líneas verti-cales sugieren fuerza, elegancia, ascensión y espiritualidad. Las líneas oblicuas muestran desequilibrio, inestabilidad y dinamismo. Por último, el uso de líneas curvas en una imagen contribuye a expresar suavidad, movimiento y sinuosidad.

• Cuando diferentes tipos de línea se usan de manera conjunta, las líneas crean distintos efectos. Si son concurrentes, producen sensa-ción de profundidad, inestabilidad y alejamien-to. Si son paralelas y la distancia entre ellas se aproxima o separa, generan sensaciones de alejamiento o acercamiento.

El plano

En obras bidimensionales podemos considerar el soporte en que se realiza la obra como un plano, y de esta manera diremos que el plano es el espa-cio físico donde se encuentra una imagen.Geométricamente, lo entendemos como un espa-cio infinito, aunque para visualizarlo le ponga-mos límites que definan su contorno.

Los planos pueden dar sensación de profundidad si son oblicuos o se superponen. A su vez pueden estar dotados de color y de textura. Por tanto, es posible concluir que dos planos en el espacio pueden adoptar distintas posiciones y dar lugar a nuevas formas.

Ferrocarril central del Brasil. Tarsila do Amaral, 1924.

9

1

Mordida, penetración o perforación. Es la figura resultante de solapar un plano sobre otro y eliminar uno de ellos.

Solapamiento. Un plano oculta otro más alejado. Da sensación de profundidad.

Transparencia. Es similar al solapamiento, pero los planos son translúcidos y se percibe el contorno de ambos. Puede crear confusión.

Toque o yuxtaposición. Se produce cuando dos planos están unidos por un punto o una recta. Produce tensiones visuales entre los planos.

Unión o fusión. Las dos superficies se unen formando una sola y dan lugar a formas complejas.

Diferencia o intersección. Es la forma resultante de solapar una figura sobre otra; queda la parte común a ambas. Produce imágenes incompletas.

Bodegón de manzanas. Paul Cézanne, 1894.

Relaciones de los planos para formar imágenes

10

Analizar planos y líneas de composición

Las líneas que definen la estructura de una obra bidimensional se denominan líneas de fuerza o líneas de composición. Dichas líneas distribuyen las formas en el soporte, orientan la visión del espectador y le ayudan a comprender la obra.

Cuando hablamos de planos en una obra podemos referirnos al número de figuras u objetos que aparecen y que se muestran a distintos niveles respecto del público, o bien al uso de los planos como elemento compositivo que ha hecho el autor o la autora.

• Observa el documento 1.

– Identifica cuántos planos aparecen.

– Enumera los personajes en orden de importancia. ¿En qué te basas para establecer dicho orden?

• Analiza la relación que existe entre los planos que aparecen en las composiciones de los documentos 2 y 3. Establece cuáles de las relaciones que has estudiado en la página anterior corresponden a cada obra.

Documento 1

Documento 2 Documento 3

Desposorios de la Virgen. Rafael Sanzio, 1504.

Hirondelle Amour. Joan Miró, 1934.Composición con personaje.

María Blanchard, 1916.

APRENDO A VER

11

Utilizar líneas moduladas

Si observas un grabado antiguo o un billete de cerca, podrás ver que las líneas que forman las imágenes no tienen el mismo grosor. Estas cambian de calibre y se adaptan a las formas para dar sensación de volumen. Es decir, estas imágenes están hechas con líneas moduladas.

Este mismo recurso se suele emplear en cómics y en dibujos animados. Ejemplos de ello son los cómics de Superman y Minnie y Mickey de Walt Disney.

• Observa estos personajes y analiza las líneas que se utilizan en sus contornos. Luego, crea personajes en los que utilices líneas moduladas.

Crear una obra utilizando puntos, líneas y planos

Elige una imagen que te guste e interprétala por medio de puntos, líneas y planos de color. Imagina los recursos gráficos más apropiados para una imagen que ilustre alguno de estos elementos:

– una felicitación navideña,

– una invitación de boda,

– un folleto turístico,

– el título de una película de miedo.

1APRENDO A HACER

12

¿Qué significa el color en las imágenes?

Las diferencias que percibimos en los colo-res están relacionadas con tres cualidades fundamentales:

• El tono es el color en sí mismo: rojo, ver-de, azul, etc.

• La saturación es el grado de pureza de un color. Los colores más saturados son los pri-marios, a continuación estarían los secun-darios y, por último, los terciarios. Los colo-res intensos son los más saturados, mientras que los más apagados serían los menos sa-turados. Los colores saturados expresan alegría, mientras que los menos saturados dan sensación de tristeza.

• El brillo o la luminosidad dependen de la cantidad de blanco o negro que tiene un color en su composición. Podemos hablar de colores claros u oscuros. Los claros irradian fuerza y energía, mientras que los oscuros nos llaman al recogimiento.

Dos obras tratadas con colores muy distintos transmiten también sensaciones diferentes. Esto se puede apreciar en los cuadros de esta página: en la obra de Derain, los colores son muy saturados y transmiten alegría, vita-lidad y agitación; en el caso del cuadro de Osborn, los tonos marrones y verdes, poco saturados, transmiten tranquilidad y calidez.

Puedes conseguir fácilmente la paleta de co-lor de una imagen cargándola a una aplica-ción digital como http://colorhunter.com

La danza. André Derain, 1906.

TONO: distintos colores de tono marrón.

SATURACIÓN: colores saturados y apagados.

LUMINOSIDAD: colores claros y oscuros.

Las doncellas bal. Emily Mary Osborn, 1870.

1

¿Qué transmiten los colores?

La percepción que las personas tenemos del color es subjetiva; por esta razón, asociamos los colores a determinadas sensaciones o ha-cemos interpretaciones diferentes de los sig-nificados que puede tener un color.

Una de las clasificaciones más extendidas es la que relaciona los colores con las sensacio-nes térmicas:

• Se denominan tonos cálidos a los que forman parte de la gama del amarillo, el rojo, el naranja y el magenta.

• Los tonos fríos son aquellos que tienen un alto contenido de azul y van del morado al verde.

Existen otras asociaciones entre los colores y algunos mensajes. Esta relación tiene mucho que ver con la cultura. Algunos ejemplos son los siguientes:

• Blanco. Es el color más luminoso y por ello se asocia a menudo con la paz y la pu-reza. El uso del blanco en una obra expan-de los espacios y hace crecer la sensación de volumen.

• Negro. Es la ausencia de color y sugiere el misterio y la oscuridad. También suele aso-ciarse con la elegancia.

• Rojo. Simboliza la sangre, el fuego, el ca-lor, la revolución, la alegría, la acción y la pasión. Se asocia también con el peligro. Es un color que capta nuestra atención; por ello se utiliza en las señales de tráfico y en la publicidad.

• Azul. Produce calma, equilibrio y sosiego. Recuerda al mar y al cielo. Es el color de la profundidad, de lo inmaterial y del frío.

• Verde. Es el color de la naturaleza, la fer-tilidad y la esperanza. Transmite una sen-sación de frescura y bienestar.

• Amarillo. Es el color del sol, de la riqueza y el lujo. Simboliza el poder, la arrogancia, la fuerza y la voluntad. En su interpretación negativa es considerado como el color de la envidia, la ira, la traición y la cobardía.

14

Crear un cuadro pop

• Crea una obra sobre una fotografía siguiendo el proceso que se indica a continuación:

1. Elige una foto tuya o de un paisaje que te guste y fotocópiala ampliada con el tóner muy bajo. Saca varias copias de esa imagen.

2. Pega las fotocopias sobre una cartulina y colorea cada una de ellas empleando gamas de colores diferentes.

Crear composiciones modulares

• Dibuja composiciones modulares combinando colores y formas geométricas del siguiente modo:

1. Traza una retícula que sirva de base para hacer el módulo. La retícula puede ser cuadrada o triangular.

2. Fotocopia la retícula varias veces y haz pruebas sobre ella dibujando diferentes módulos para elegir el que más te guste.

3. Repite el módulo sobre la retícula intentando variar el modo de composición (a base de traslaciones, rotaciones, simetrías...).

4. Elige los tonos que vas a emplear para colorear y combínalos intentando que tu composición resulte equilibrada.

Seis autorretratos. Andy Warhol, 1967.

APRENDO A VER

15

Reflexionar sobre el uso del color

• Observa los documentos 1 y 2 y responde a las siguientes cuestiones:

– ¿Por qué son tan diferentes los colores de ambas obras a pesar de que representan la misma fachada?

– ¿Crees que estos cuadros se han realizado observando la fachada de la catedral en diferentes horas del día o en días con distinta luminosidad? ¿Por qué lo piensas?

– ¿Qué colores predominan en cada obra? ¿Qué sensación te transmite cada gama?

– ¿Qué tonos utilizarías para representar la fachada de la catedral al anochecer, por ejemplo? ¿Y qué colores usarías para representar esa misma escena en un día nevado?

– ¿Qué momento del día o época del año podría representar un cuadro de la catedral que estuviera entonado en rojos y naranjas? ¿Y si estuviera entonado solo en verdes? Explica por qué lo piensas.

Catedral de Rouen. Claude Monet, 1894.

Documento 1 Documento 2

1APRENDO A HACER

16

Las texturas como recurso expresivo

La textura es una cualidad de los objetos que, junto con el color o la forma, permite diferenciarlos. En la fotografía de la parte superior podemos apreciar las texturas que nos ayudan a entender mejor las formas de los distintos elementos y a identificar la posición que ocupan las diferentes figuras en su contexto.

En estos detalles se aprecia cómo a través de la textura y el color se puede identificar cada elemento, aunque no se vea el conjunto.

Entendemos como textura la apariencia de la superficie de los objetos. Las texturas, por su propia naturaleza, se perciben a tra-vés del tacto; sin embargo, en muchas obras bidimensionales, se imita el aspecto de los materiales mediante texturas visuales que generan contrastes y proporcionan gran expresividad.

Existen diferentes tipos de texturas. Algunos de ellos son:

• Texturas artificiales o naturales, en función de la procedencia del material del que se trate.

• Texturas geométricas u orgánicas, dependiendo del tipo de forma que constituya la superficie.

• Texturas táctiles o visuales, según el sentido con el que se pue-den percibir.

Torso de Ícaro. Igor Mitoraj, 2002.

1

17

1

Las texturas en nuestro entorno

La textura en un objeto afecta a la percepción táctil y visual del mismo. De este modo, en su diseño y fabricación se tiene muy en cuenta cómo se percibe la superficie de los objetos para in-tentar hacerlos más atractivos. Uno de los recursos para con-seguirlo es dotar a los objetos de texturas que imiten materia-les bellos y agradables al tacto.

Los acabados de distintos objetos para un mismo uso pueden ser diversos. Un acabado con relieve personaliza más el objeto y ayuda a diferenciarlo. El tipo de acabado influirá en el coste y en el valor del objeto.

Las corrientes estilísticas y la constante necesidad de renova-ción de los modelos hacen que los diseñadores y las diseñado-ras tengan que recurrir a elementos gráficos para crear texturas visuales que los singularicen. El uso de estampados inspirados en formas naturales o creados con elementos gráficos de repe-tición proporciona una fuente inagotable de motivos.

Las texturas cumplen también funciones importantes en el di-seño, por ejemplo, de pavimentos: el suelo de un lugar de paso, como un patio, que se puede mojar con la lluvia, debe tener una textura rugosa que impida que las personas que lo pisen resbalen. Otro ejemplo serían los utensilios y los juguetes de los niños y niñas pequeños, cuyas texturas deben ser suaves y blandas para que les resulten agradables al tacto y no repre-senten ningún peligro.

18

Detectar las texturas de las imágenes

Estas son algunas de las técnicas que tradicionalmente se han empleado para la creación de texturas. Existen muchas otras y son la base para investigar nuevas posibilidades.

• Impasto o empastado. Se aplica pintura espesa sobre un plano de manera que se perciban las huellas del instrumento con el que se pinta. El resultado es una pintura rugosa y con relieve irregular.

• Collage. Es una técnica que consiste en pegar diversos materiales sobre un soporte.

• Frottage. Se trata de conseguir una impresión de relieve frotando con un lápiz o cera sobre un papel fino colocado sobre una superficie rugosa.

• Esgrafiado. Consiste en raspar un color para revelar otro que está por debajo. Se utiliza sobre todo en dibujo y pintura, pero también es posible verlo en la cerámica.

• Estarcido. Se consigue al aplicar pintura con una brocha o un pincel utilizando una plantilla para que la figura de la plantilla quede impresa en el soporte.

• Dripping. Término inglés que significa «gotear». Consiste en arrojar o dejar caer pintura sobre un soporte.

• Salpicado. Se consigue al pulverizar pintura sobre un soporte, creando una masa irregular de pequeñas manchas o puntos. Para salpicar pintura se puede utilizar una brocha, un cepillo de dientes, un aerógrafo o una pistola pulverizadora.

• Trapeado. Consiste en aplicar pintura con un papel, bolsa de plástico o tela arrugados sobre una superficie dejando la impronta de las arrugas del trapo, papel o bolsa.

• Estampado al agua. Se realiza echando unas gotas de pintura al óleo en una cubeta con agua. Después, se mueve el agua para que la pintura se esparza por la superficie y forme un dibujo que nos guste. Por último, se pone un papel sobre el agua para que absorba la pintura de modo que las formas irregulares y caprichosas que había en el agua queden impresas en su superficie.

• Observa estas muestras y busca otras que te gusten. Intenta identificar el proceso por el cual se han obtenido sus texturas y haz una ficha de cada imagen como la que aparece aquí.

Nombre:

Cómo se hace:

Cómo se aplica:

Dónde se aplica:

Impresión que produce:

…

…

…

…

…

…

APRENDO A VER

1

3

2

4

19

Interpretar una obra de arte con texturas y líneas

Algunos artistas hacen sus propias interpretaciones de obras realizadas por otros artistas.

Así, cambian las líneas, los colores y las texturas consiguiendo dotar a estas obras de un nuevo sentido y de otra intencionalidad expresiva.

• Ahora haz una versión de la obra del pintor cubista Juan Gris llamada Mujer sentada campesina. Puedes seguir estos pasos:

1. Piensa en el título de la obra y di qué te sugiere y qué crees que quería expresar el autor al pintarla.

2. Observa la imagen y señala las líneas y las texturas más destacadas.

3. Elige los tipos de líneas y texturas más adecuadas para reinterpretar esta obra.

4. Selecciona los materiales que vas a necesitar y haz tu propia interpretación de la obra.

Mujer sentada campesina. Juan Gris, 1918.

1APRENDO A HACER

El color y la luz

5 ¿Qué tipo de colores predominan en cada obra: primarios, secundarios, saturados, planos, etc.? ¿Cuál es el resultado de esta selección de colores en cada caso?

6 En Arquitectura humana, ¿qué tono predomina? ¿Qué te sugiere? ¿Qué zona del cuadro aparece más iluminada? ¿Crees que esto tiene algún sentido simbólico? Justifica tu respuesta.

7 ¿Existe alguna relación entre las líneas compositivas y la distribución del color en la obra La verbena?

Las líneas y las formas

8 Observa las líneas que predominan en Arquitectura humana. Compáralas con las empleadas en La verbena.

9 Describe cómo usa Maruja Mallo las texturas visuales en Arquitectura humana.

Los recursos expresivos en las obras de una autora

Maruja Mallo fue una pin-tora gallega que formó parte del grupo de la ge-neración del 27.

Estuvo muy relacionada con la Escuela de Vallecas (Madrid), centro emble-mático del surrealismo en España.

Se exilió de España al em-pezar la guerra civil y su arte pasó por varias etapas de experimentación técni-ca y formal.

PONGO EN PRÁCTICA

Para empezar

1 Visita la página web del Museo Reina Sofía y busca más información sobre esta autora.

2 Lee los títulos de los cuadros y observa los personajes y la escena que se representan en cada caso.

A primera vista

Observa y anota los siguientes aspectos:

La composición

3 Distingue qué líneas compositivas puedes ver en la primera obra. ¿Qué sensación te transmiten?

4 En la obra de la derecha, ¿crees que la posición de las figuras es aleatoria o tiene alguna intencionalidad por parte de la autora?

20

Arquitectura humana. Maruja Mallo, 1937.

Tu interpretación

10 ¿Cuál de las dos obras tiene mayor ritmo visual? ¿Cómo lo consigue la autora?

11 ¿Cómo titularías tú cada cuadro? Justifica tu respuesta.

12 Las obras se separan 10 años en el tiempo, ¿crees que la más tardía refleja una mayor madurez de la artista? ¿Por qué?

Para profundizar

Busca información:

13 Cita otras obras de la misma autora.

14 Explica cuál es la influencia que Joaquín Torres García ha podido imprimir en la obra Arquitectura humana.

ELABORO MIS CONCLUSIONES

Recuerda lo aprendido en esta unidad sobre las líneas. Explica las semejanzas y diferencias de tratamiento de las líneas en estas obras de Mallo; explica qué sensaciones aportan el tipo de líneas aplicados en ambas obras y qué relación tienen con el tema tratado en cada caso.

Recuerda lo que has aprendido sobre el color y estudia detenidamente el uso simbólico del color en ambos casos

Observa detenidamente ambas obras: ¿crees que existe algún tipo de perspectiva? Describe los elementos que te hacen pensar eso.

Identifica cuál de las obras consigue una mayor sensación de volumen y explica por qué.

1

21

La verbena. Maruja Mallo, 1927.

22

PROYECTO CREATIVO Ilustrando un alfabeto:

Compartimos nuestros sentimientos

Un álbum ilustrado que explora la expresión abstracta de los sentimientos

En el álbum ilustrado Nico dibuja un sentimiento, el protagonista representa lo que no se ve, como el sonido que hacen ciertos objetos o el calor que siente en la cara. Donde él representa de forma abstracta un tintineo, sus amigos esperan ver sobre el papel, por ejemplo, la campana de un carrito de helados. El álbum cuenta cómo un día Nico conoce a alguien que parece ver exactamente lo que él dibuja, alguien que le comprende.

Inspirados en esta idea ilustraremos un alfabeto en forma de libro donde cada letra representará un sentimiento o emoción. Lo haremos de manera abstracta, utilizando elementos gráficos, colores y texturas.

1 Nos organizamos en grupos de tres o cuatro miembros.

2 Para explorar ideas, investigamos juntos estos títulos:

• Nico dibuja un sentimiento, de Bob Raczka y Simone Shin: https://youtu.be/I3w6pq5ZnyM

• El libro negro de los colores, de Menena Cottin y Rosana Faría: https://youtu.be/wcTQGe3bco0

• Alfabeto, de Sonia Delaunay.

3 Leemos el objetivo del proyecto.

• Objetivo: crear un alfabeto de sensaciones y sentimientos utilizando las posibilidades expresivas de los elementos gráficos.

4 Nos organizamos y decidimos quién recopila el material y quién investiga en internet.

5 Investigamos cómo encuadernar nuestra obra.

6 Reunimos el material teniendo en cuenta las técnicas para realizar texturas (pág. 18):

• Papel de distintos grosores y colores, cartón, lápices, rotuladores, ceras, acuarelas, pegamento, tijeras...

• Tipo de encuadernación: según el método de encuadernar que elijamos (grapas, hilo, canutillo, fasteners...).

PREPARACIÓN

EXPLORACIÓN

VOCABULARIO

• Álbum ilustrado: libro donde la narración es una interacción continua entre imágenes y texto. En ocasiones, no aparece texto.

23

1

7 Decidimos, entre todos, las sensaciones/sentimientos que queremos expresar: uno por cada letra del abecedario.

• Ejemplo: aburrimiento (A), bienestar (B)...

8 Redactamos un programa especificando el tiempo que vamos a dedicar a cada fase del proyecto.

• Tenemos en cuenta el número de páginas de nuestro libro.

9 Realizamos entre todos un boceto previo de la obra.

• Tenemos en cuenta las relaciones de los planos para formar imágenes, las texturas y el color.

10 Distribuimos las páginas que cada uno tiene que crear por letras y ¡a experimentar con los materiales!

11 Organizamos el trabajo de encuadernación, decidimos un título y encuadernamos la obra.

12 COMPARTIMOS NUESTRO ÁLBUM CON LA CLASE. Intercambiamos nuestro alfabeto con otro grupo. Analizamos y comparamos nuestras obras:

• ¿Hay sentimientos o sensaciones repetidos? ¿Cuáles? ¿Los elementos gráficos para expresarlos son semejantes o diferentes?

• Ponemos en común con el resto de la clase nuestros descubrimientos y reflexiones.

REFLEXIÓN

CREACIÓN DE LA OBRA

OBJETIVO 1

• Aplicar nuestro conocimiento sobre elementos gráficos en una obra expresiva bidimensional.

OBJETIVO 2

• Profundizar sobre nuestros sentimientos y compartirlos con los demás de manera artística.