Equipo 7 Expresionismo
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Asesor: ARQ. CHOZA HERNANDEZ JOSÉ GREGORIO
INTEGRACIÓN PLÁSTICA
2014
EQUIPO 7
o López Gómez Shirley Alejandra
o Alonzo Marín
o Pech Montenegro
o Peralta Palmer
o Kuc Suarez
GRUPO MQ3
- EXPRESIONISMO
2
CONTENIDO
INTRODUCCIÓN ........................................................................................................................................ 3
Capítulo 1 ..................................................................................................................................................... 4
1. EL EXPRESIONISMO ............................................................................................................................ 4
1.2 DEFINICION ...................................................................................................................................... 5
1.3 ORÍGENES E INFLUENCIAS .............................................................................................................. 9
1.3.1 Influencias del expresionismo ............................................................................................... 11
2. CARACTERÍSTICAS ........................................................................................................................... 11
3. DESARROLLO .................................................................................................................................... 12
3.1 Movimiento arquitectónico expresionista. ............................................................................... 12
4. ARQUITECTURA ................................................................................................................................ 14
4.1 Arquitectura escultorica .............................................................................................................. 15
4.2 Arquitectura de facade .............................................................................................................. 15
4.3 Forma de proyectar ..................................................................................................................... 16
4.4 Deutscher Werkbund ................................................................................................................... 16
4.5 Escuela de Ámsterdam................................................................................................................ 17
4.6 Arbeitsrat für Kunst ........................................................................................................................ 18
4.7 Der Ring .......................................................................................................................................... 19
4.8 Neues Bauen ................................................................................................................................. 19
5. ESCULTURA ....................................................................................................................................... 20
6. ARTISTAS INFLUYENTES ..................................................................................................................... 21
6.1 David Alfaro Siqueiros ................................................................................................................. 21
6.2 José Clemente Orozco ........................................................................................................... 23
6.3 Jorge González Camarena ............................................................................................................. 28
6.4 Diego Rivera ............................................................................................................................. 31
CONCLUSION .......................................................................................................................................... 33
BIBLIOGRAFIA .......................................................................................................................................... 34
- EXPRESIONISMO
3
INTRODUCCIÓN
El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como
de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad
de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear,
obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron
de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el
sentido de la vista (una clara ruptura con los preceptos impresionistas)
Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los
sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dio a
la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones mucho más aceleradas.
Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de
artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación,
aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas, en su
función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban
"un arte nuevo para un mundo nuevo". Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más
íntimos del ser humano...
- EXPRESIONISMO
4
Capítulo 1
1. EL EXPRESIONISMO
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se
plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía,
etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición
del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de
las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un
movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de
tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al
impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo
XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior
del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más
subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la
descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a
cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de
diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.
Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término
genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura
que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera
Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un
deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los
lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión
subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual,
fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad,
a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica,
abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su
carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron
reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la
muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente
se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias
históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia
existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así,
mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e
interior.
El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un
expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista
(Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se
percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco,
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5
Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die
Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no
adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva
Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter
más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera
generación expresionista.
1.2 DEFINICION
La transición del siglo XIX al XX comportó numerosos cambios políticos, sociales y culturales. Por una
parte, el auge político y económico de la burguesía, que vivió en las últimas décadas del siglo XIX
(la Belle Époque) un momento de gran esplendor, reflejado en el modernismo, movimiento artístico
puesto al servicio del lujo y la ostentación desplegados por la nueva clase dirigente. Sin embargo, los
procesos revolucionarios efectuados desde la Revolución francesa (el último, en 1871, la
fracasada Comuna de París) y el temor a que se repitiesen llevaron a las clases políticas a hacer una serie
de concesiones, como las reformas laborales, los seguros sociales y la enseñanza básica obligatoria. Así,
el descenso del analfabetismo comportó un aumento de los medios de comunicación y una mayor
difusión de los fenómenos culturales, que adquirieron mayor alcance y mayor rapidez de difusión,
surgiendo la “cultura de masas”.
Por otro lado, los avances técnicos, especialmente en el terreno del arte la aparición de la fotografía y
el cine, llevaron al artista a plantearse la función de su trabajo, que ya no consistía en imitar a la
Imagen 1 Ecce homo (1925), de Lovis Corinth,
Pinacoteca de Basilea.
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realidad, pues las nuevas técnicas lo hacían de forma más objetiva, fácil y reproducible. Igualmente, las
nuevas teorías científicas llevaron a los artistas a cuestionarse la objetividad del mundo que percibimos:
la teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud y la subjetividad del tiempo
de Bergson provocaron que el artista se alejase cada vez más de la realidad. Así, la búsqueda de nuevos
lenguajes artísticos y nuevas formas de expresión comportó la aparición de los movimientos
de vanguardia, que supusieron una nueva relación del artista con el espectador: los artistas vanguardistas
buscaban integrar el arte con la vida, con la sociedad, hacer de su obra una expresión del inconsciente
colectivo de la sociedad que representa. A la vez, la interacción con el espectador provoca que éste se
involucre en la percepción y comprensión de la obra, así como en su difusión y mercantilización, factor
que llevará a un mayor auge de las galerías de arte y de los museos.
El expresionismo forma parte de las llamadas “vanguardias históricas”, es decir, las producidas desde
los primeros años del siglo XX, en el ambiente previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de
la Segunda Guerra Mundial (1945). Esta denominación incluye, además, al fauvismo, el cubismo,
el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, eldadaísmo, el surrealismo, etc. La vanguardia está
íntimamente ligada al concepto de modernidad, caracterizado por el fin del determinismo y de la
supremacía de la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la
confianza en la tecnología y el progreso, en las propias capacidades del ser humano. Así, los artistas
pretenden ponerse al frente del progreso social, expresar mediante su obra la evolución del ser humano
contemporáneo.
El término “expresionismo” fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé,
que utilizó la palabra “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de
los Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo. El
término alemán “Expressionismus” fue adaptado directamente del francés –ya que expresión en alemán
es ‘Ausdruck’–, empleándose por primera vez en el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de
Berlín en 1911, que incluía tanto obras de artistas alemanes como franceses. En literatura, fue aplicado
por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller.5 Posteriormente, el término expresionismo fue
difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se
convirtió en el principal centro difusor del expresionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término
a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. En cambio, la aplicación del término expresionismo
ligado exclusivamente al arte alemán de vanguardia fue idea de Paul Fechter en su libro Der
Expressionismus (1914), que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones
artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.
- EXPRESIONISMO
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El expresionismo surgió como reacción al impresionismo:
así como los impresionistas plasmaban en el lienzo una
“impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los
sentidos, los expresionistas pretendían reflejar su mundo
interior, una “expresión” de sus propios sentimientos. Así,
los expresionistas emplearon la línea y el color de un modo
temperamental y emotivo, de fuerte contenido simbólico.
Esta reacción frente al impresionismo supuso una fuerte
ruptura con el arte elaborado por la generación precedente,
convirtiendo al expresionismo en un sinónimo del arte
moderno durante los primeros años del siglo XX.7 El
expresionismo supuso un nuevo concepto del arte, entendido
como una forma de captar la existencia, de traslucir en
imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente,
de reflejar lo inmutable y eterno del ser humano y la naturaleza. Así, el expresionismo fue el punto de
partida de un proceso de transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y
el informalismo. Los expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su
estado anímico, propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de
corte neorromántico. Así, el arte era una experiencia catárquica, donde se purificaban los desahogos
espirituales, la angustia vital del artista.
En la génesis del expresionismo un factor fundamental fue el rechazo al positivismo, al progreso
cientificista, a la creencia en las posibilidades ilimitadas del ser humano basadas en la ciencia y la
técnica. En cambio, se empezó a generar un nuevo clima de pesimismo, de escepticismo, de
descontento, de crítica, de pérdida de valores. Se vislumbraba una crisis en el desarrollo humano, que
efectivamente se vio confirmada con el estallido de la Primera Guerra Mundial. También cabe destacar
en Alemania el rechazo al régimen imperialista de Guillermo II por parte de una minoría intelectual,
ahogada por el militarismo pangermanista del káiser. Estos factores propiciaron un caldo de cultivo en el
que progresivamente se fue gestando el expresionismo, cuyas primeras manifestaciones se produjeron en
el terreno de la literatura: Frank Wedekind denunció en sus obras la moral burguesa, frente a la que
oponía la libertad pasional de los instintos; Georg Trakl se evadió de la realidad refugiándose en un
mundo espiritual creado por el artista; Heinrich Mann fue quien más directamente denunció la sociedad
guillermina.
La aparición del expresionismo en un país como Alemania no fue un hecho aleatorio, sino que se explica
por el profundo estudio dedicado al arte durante el siglo XIX por los filósofos, artistas y teóricos
alemanes, desde el romanticismo y las múltiples aportaciones al campo de la estética de personajes
como Wagner y Nietzsche, hasta la estética cultural y la obra de autores como Konrad Fiedler (Para
enjuiciar obras de arte visual, 1876), Theodor Lipps (Estética, 1903-1906) y Wilhelm
Worringer (Abstracción y empatía, 1908). Esta corriente teórica dejó una profunda huella en los artistas
alemanes de finales del siglo XIX y principios del XX, centrada sobre todo en la necesidad de
expresarse del artista (la “innerer Drang” o necesidad interior, principio que asumió posteriormente
Kandinski), así como la constatación de una ruptura entre el artista y el mundo exterior, el ambiente que
lo envuelve, hecho que lo convierte en un ser introvertido y alienado de la sociedad. También influyó el
cambio producido en el ambiente cultural de la época, que se alejó del gusto clásico grecorromano para
admirar el arte popular, primitivo y exótico –sobre todo de África, Oceanía y Extremo Oriente–, así
como el arte medieval y la obra de artistas como Grünewald, Brueghel y El Greco.
Imagen 2. Tirol (1914), de Franz Marc,
Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich.
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En Alemania, el expresionismo fue más un concepto teórico, una propuesta ideológica, que no un
programa artístico colectivo, si bien se aprecia un sello estilístico común a todos sus miembros. Frente
al academicismo imperante en los centros artísticos oficiales, los expresionistas se agruparon en torno a
diversos centros de difusión del nuevo arte, especialmente en ciudades
como Berlín,Colonia, Múnich, Hannover y Dresde. Asimismo, su labor difusora a través de
publicaciones, galerías y exposiciones ayudaron a extender el nuevo estilo por toda Alemania y, más
tarde, toda Europa. Fue un movimiento heterogéneo que, aparte de la diversidad de sus manifestaciones,
realizadas en diversos lenguajes y medios artísticos, presentó numerosas diferencias e incluso
contradicciones en su seno, con gran divergencia estilística y temática entre los diversos grupos que
surgieron a lo largo del tiempo, e incluso entre los propios artistas que los integraban. Incluso los límites
cronológicos y geográficos de esta corriente son imprecisos: si bien la primera generación expresionista
(Die Brücke, Der Blaue Reiter) fue la más emblemática, la Nueva Objetividad y la exportación del
movimiento a otros países supuso su continuidad en el tiempo al menos hasta la Segunda Guerra
Mundial; geográficamente, si bien el centro neurálgico de este estilo se situó en Alemania, pronto se
extendió a otros países europeos e incluso del continente americano.
Después de la Primera Guerra Mundial el expresionismo pasó en Alemania de la pintura al cine y el
teatro, que utilizaban el estilo expresionista en sus decorados, pero de forma puramente estética,
desprovista de su significado original, de la subjetividad y el desgarramiento propios de los pintores
expresionistas, que se convirtieron paradójicamente en artistas malditos.13 Con el advenimiento
del nazismo, el expresionismo fue considerado como “arte degenerado” (Entartete Kunst),
relacionándolo con elcomunismo y tachándolo de inmoral y subversivo, al tiempo que consideraron que
su fealdad e inferioridad artística eran un signo de la decadencia del arte moderno (el decadentismo, por
su parte, había sido un movimiento artístico que tuvo cierto desarrollo). En 1937 se organizó una
exposición en elHofgarten de Múnich con el título precisamente de Arte degenerado, con el objetivo de
denostarlo y mostrar al público la baja calidad del arte producido en la República de Weimar. Para tal fin
fueron confiscadas unas 16.500 obras de diversos museos, no sólo de artistas alemanes, sino de
extranjeros como Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse,Picasso, Braque, Chagall, etc. La mayoría de
Imagen 3. El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, Pinakothek der
Moderne, Múnich.
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esas obras fueron vendidas posteriormente a galeristas y marchantes, sobre todo en una gran subasta
celebrada en Lucerna en1939, aunque unas 5.000 de esas obras fueron directamente destruidas en marzo
de 1939, suponiendo un notable perjuicio para el arte alemán.14
Tras la Segunda Guerra Mundial el expresionismo desapareció como estilo, si bien ejerció una poderosa
influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad de siglo, como el expresionismo
abstracto norteamericano (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), el informalismo (Jean
Fautrier, Jean Dubuffet), el grupo CoBrA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) y
el neoexpresionismo alemán –directamente heredero de los artistas de Die Brücke y Der Blaue Reiter, lo
que queda patente en su nombre–, y artistas individuales como Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard
Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, etc.
1.3 ORÍGENES E INFLUENCIAS
Aunque se conoce principalmente por expresionismo al movimiento artístico desarrollado en Alemania a
principios del siglo XX, muchos historiadores y críticos de arte también emplean este término de forma
más genérica para describir el estilo de gran variedad de artistas a lo largo de toda la Historia. Entendido
como la deformación de la realidad para buscar una expresión más emocional y subjetiva de la
naturaleza y del ser humano, el expresionismo es pues extrapolable a cualquier época y espacio
geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como El
Bosco, Matthias Grünewald,Quentin Metsys, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco, Francisco de
Goya, Honoré Daumier, etc.
Las raíces del expresionismo se encuentran en estilos como el simbolismo y el postimpresionismo, así
como en los Nabis y en artistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Asimismo,
tienen puntos de contacto con el neoimpresionismo y elfauvismo por su experimentación con el
color. Los expresionistas recibieron numerosas influencias: en primer lugar la del arte medieval,
especialmente el gótico alemán. De signo religioso y carácter trascendente, el arte medieval ponía
énfasis en la expresión, no en las formas: las figuras tenían poca corporeidad, perdiendo interés por la
realidad, las proporciones, la perspectiva. En cambio, acentuaba la expresión, sobre todo en la mirada:
los personajes se simbolizaban más que se representaban. Así, los expresionistas se inspiraron en los
principales artistas del gótico alemán, desarrollado a través de dos escuelas fundamentales: el estilo
internacional (finales del siglo XIV-primera mitad del XV), representado por Conrad Soest y Stefan
Imagen 4. La Crucifixión, tabla central del Retablo de Isenheim (1512-1516),
de Matthias Grünewald, Museo de Unterlinden, Colmar.
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Lochner; y el estilo flamenco(segunda mitad del siglo XV), desarrollado por Konrad Witz, Martin
Schongauer y Hans Holbein el Viejo. También se inspiraron en la escultura gótica alemana, que destacó
por su gran expresividad, con nombres como Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. Otro punto de
referencia fue Matthias Grünewald, pintor tardomedieval que aunque conoció las innovaciones del
Renacimiento siguió en una línea personal, caracterizada por la intensidad emocional, una expresiva
distorsión formal y un intenso colorido incandescente, como en su obra maestra, el Retablo de Isenheim.
Otro de los referentes del arte expresionista fue el arte primitivo, especialmente el de África y Oceanía,
difundido desde finales del siglo XIX por los museos etnográficos. Las vanguardias artísticas
encontraron en el arte primitivo una mayor libertad de expresión, originalidad, nuevas formas y
materiales, una nueva concepción del volumen y el color, así como una mayor trascendencia del objeto,
ya que en estas culturas no eran simples obras de arte, sino que tenían una finalidad religiosa, mágica,
totémica, votiva, suntuaria, etc. Son objetos que expresan una comunicación directa con la naturaleza,
así como con las fuerzas espirituales, con cultos y rituales, sin ningún de tipo de mediación o
interpretación.
Pero su mayor inspiración provino del postimpresionismo, especialmente de la obra de tres artistas: Paul
Cézanne, que comenzó un proceso de desfragmentación de la realidad
en formas geométricas que desembocó en el cubismo, reduciendo las
formas a cilindros, conos yesferas, y disolviendo el volumen a partir
de los puntos más esenciales de la composición. Colocaba el color por
capas, imbricando unos colores con otros, sin necesidad de líneas,
trabajando con manchas. No utilizaba la perspectiva, sino que la
superposición de tonos cálidos y fríos daba sensación de profundidad.
En segundo lugar Paul Gauguin, que aportó una nueva concepción
entre el plano pictórico y la profundidad del cuadro, a través de colores
planos y arbitrarios, que tienen un valor simbólico y decorativo, con
escenas de difícil clasificación, situadas entre la realidad y un mundo
onírico y mágico. Su estancia en Tahití provocó que su obra derivase a
un cierto primitivismo, con influencia del arte oceánico, reflejando el
mundo interior del artista en vez de imitar la realidad. Por
último, Vincent Van Gogh elaboraba su obra según criterios de
exaltación anímica, caracterizándose por la falta de perspectiva, la inestabilidad de los objetos y colores,
que rozan la arbitrariedad, sin imitar la realidad, sino que provienen del interior del artista. Debido a su
frágil salud mental sus obras son reflejo de su estado de ánimo, depresivo y torturado, lo que se refleja
en obras de pinceladas sinuosas y colores violentos.
En última instancia cabe remarcar la influencia de dos artistas que los expresionistas consideraron como
precedentes inmediatos: el noruego Edvard Munch, influido en sus inicios por el impresionismo y el
simbolismo, pronto derivó hacia un estilo personal que sería fiel reflejo de su interior obsesivo y
torturado, con escenas de ambiente opresivo y enigmático –centradas en el sexo, la enfermedad y la
muerte–, caracterizadas por la sinuosidad de la composición y un colorido fuerte y arbitrario. Las
imágenes angustiosas y desesperadas de Munch –como en El grito (1893), paradigma de la soledad y la
incomunicación– fueron uno de los principales puntos de arranque del expresionismo. Igual de
influyente fue la obra del belga James Ensor, que recogió la gran tradición artística de su país –en
especial Brueghel–, con preferencia por temas populares, traduciéndolo en escenas enigmáticas e
irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un sentido del humor ácido y corrosivo, centrado en
Imagen 5. La iglesia de Auvers-sur-
Oise (1890), de Vincent Van
Gogh,Musée d'Orsay, París.
- EXPRESIONISMO
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figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas de carnaval. Así, La entrada de Cristo
a Bruselas representa la Pasión de Jesús en medio de un desfile de carnaval, obra que causó un gran
escándalo en su momento.
1.3.1 Influencias del expresionismo Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un país socialmente
desazonado en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la
pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y
concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.
Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende entre 1880 y
1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como un búsqueda en la cual el
artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos
subjetivos, las fantasías y los sueños.
Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo pasado por
encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor, mediante la utilización
de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de enmascarados y de personajes caricaturescos;
recreando la oposición hostil del individuo y la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor
se convierte en la expresión de lo amenazador y desconocido.
El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del miedo, la
desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que Munch
representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el grito sea la expresión pictórica de un
sentimiento de miedo personal mientras paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el
desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de otras culturas.
Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para
los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.
2. CARACTERÍSTICAS
A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente de dogmas, se
pueden establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras
expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay,
también se pueden ver aspectos comunes:
1. Distorsión de las formas para suscitar la emoción.
2. Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a la experiencia
interior.
3. Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.
4. Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración y representación
del concepto más profunda que la construcción misma.
5. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto.
- EXPRESIONISMO
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6. Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos,
el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter
más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el modernismo.
7. Uso del potencial creativo del artesano.
8. Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.
9. Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el empleo de
influencias de culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la India, o las
arquitecturas romana o griega.
10. Concepción artística de la arquitectura.
3. DESARROLLO La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria,
Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por
el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de
materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas
combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y
sociales producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y un
programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre
todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De
carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por su
monumentalidad, el empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de
excentricidad.1
Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal (1914) de Paul
Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo
por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914, de
Bruno Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919).2 La
arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für
Kunst, Der Ring y Neues Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar la
Escuela de Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut, Walter Gropius,
Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.
3.1 Movimiento arquitectónico expresionista.
Definen esencialmente el carácter expresivo en una obra:
➢ El Material
➢ La función
➢ La ornamentación
Un edificio es expresivo si este muestra la realidad constructiva, si en la fachada se muestra la función,
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13
definimos así arquitectura expresiva El término expresión según el diccionario significa: manifestación,
declaración y especificación de una cosa. Manifestación de un pensamiento, sentimiento o deseo.
Concepto y pensamiento del expresionismo en el arte. El expresionismo es aquella corriente artística que
buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la
realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del
XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento,
particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de
representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa
sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas
se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
El expresionismo es una manera de Potenciar, el impacto emocional del espectador a través del colorido,
las formas retorcidas, la composiciónagresiva, etc., estos son algunos de los objetivos de los artistas que
practican esta forma de pintar. Siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para
volcarse sobre la emoción interior.
Algunos de los grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en este sentido. Tal sería el
caso del Greco, cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas. También Edvar Munch fue un gran
cultivador del expresionismo en sus cuadros, así como Van Gogh, algunos cuadros de Gauguin, etc.
Según entraba el siglo XX el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los
"ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo.
Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la
literatura.
Munch, Edgard
Pintor de nacionalidad Noruega, nacido en el año 1863. Munch influyó en el Expresionismo alemán.
Su obra La Niña Enferma de 1885-1886 está inspirada en la muerte de su hermana por tuberculosis y en
ella se ve el expresionismo neurótico con que intensifica las imágenes de la realidad. Le fascinaba el arte
de Van Gogh y también le impresionó el brillante colorido del neoimpresionismo.
Caracteristicas Generales
• Realidad a partir del sentimiento de parte del Autor.
• Composición a través de pinceladas anchas y muy largas.
• Trazo arbitrario de color sin ninguna regla
El grito: Sentimientos del autor "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito
perforando la naturaleza". Estasfrases nos hablan de una hipersensibilidad del autor. La situación
personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y
traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de retratar lo
más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su
- EXPRESIONISMO
14
madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito
visceral.
Simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi
una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores,
violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al
espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos
testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima
perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla.
Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el
sentimiento del autor y no una verdad racional.
En estas pinturas que tenemos acá podemos ver una notable similitud en cuanto a la perspectiva forzada,
pero podemos ver también una notable diferencia en lo que se refiere a los trazos los colores y a las
formas que en la obra “EL GRITO” se presentan con más violencia. La madre muerta
La desesperación y el deseo de evasión se muestran en un personaje mediante la colocación de las
manos sobre la cabeza.
4. ARQUITECTURA
La arquitectura expresionista se desarrolló
principalmente en Alemania países
bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se
caracterizó por el uso de nuevos materiales,
suscitado en ocasiones por el uso de
formas biomórficas o por la ampliación de
posibilidades ofrecida por la fabricación en masa
de materiales de construcción como el ladrillo,
el acero o el vidrio. Muchos arquitectos
expresionistas combatieron en la Primera Guerra
Mundial, y su experiencia, combinada con los
cambios políticos y sociales producto de
la Revolución alemana de 1918, desembocaron en
perspectivas utópicas y un
programa socialista romántico. La arquitectura
expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van
de Velde,Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las
realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del ladrillo y la
composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.
Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal (1914) de Paul
Scheerbart, donde ataca elfuncionalismo por su falta de artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo
por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914,
de Bruno Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919). La
arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für
Kunst, Der Ring y Neues Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar
Imagen 6. Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner,Dornach.
- EXPRESIONISMO
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la Escuela de Ámsterdam. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut, Walter
Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf
Steiner.
“La expresividad de la Arquitectura depende directamente de las convicciones formales aceptadas por el
público”. El nuevo romanticismo en artesanal. En el periodo que siguió a la primera guerra mundial, se
también en un renacimiento, de los oficios manuales. La arquitectura expresionista `progreso
paralelamente en un boom de las industrias artesanales; después, cuando la vanguardia empezó a perder
interés por este tipo de industria, los días de expresionismo estuvieron también contados.
La actitud de los artistas exaltaba la estética de la máquina, pero por otro, diseñaban principalmente para
los métodos manuales de producción.
El mismísimo Meter Behrens, que en 1910 había denunciado todos estos sueños románticos y que en
1910 se había pronunciado contra una regresión de la producción industrial en serie que los oficios
manuales, promovía en 1922 estos oficios y aquel romanticismo diciendo que eran las cosas que hacían
soportable la vida. Este intento de retrasar el reloj de la historia es la cara reaccionaria del romanticismo.
Su cara progresista iba uncida a un pesimismo acerca del futuro de la civilización, algo que los
expresionistas comparten con los críticos del periodo moderno.
Las principal razón de que artistas y arquitectos tuviesen en tal alta estima los oficios manuales era que
parecían garantizar el contacto con el pueblo.
Adolf Verne le atribuía un sentido vigoroso y cordial de la forma, un color audaz y poderoso, un placer
por los perfiles atractivamente vivos, y una afición por lo novedoso y sorprendente. Se ignoraba el hecho
de que estas cualidades habían sido abstraídas de las obras del arte popular que hacía mucho tiempo
habían pasado a la historia. Como el retorno al campo, el retorno a los oficios manuales implicaba una
búsqueda romántica de los orígenes, una vuelta a la utopía conservadora.
4.1 Arquitectura escultorica
El carácter escultórico de los arquitectos de Ámsterdam intentaron dar a sus fachadas era: naturalmente
más fácil de conseguir en los edificios exentos. Muchas locuras de los arquitectos habrían sido
inaceptables de no haber presentado una remota similitud con propósitos familiares, pero sin embargo la
tradición tuvo también el efecto negativo ya que impidió a los arquitectos holandeses explorar
libremente sus inclinaciones al tratamiento escultórico de la forma.
Con su fidelidad al ladrillo, ignoraron las posibilidades del Hº. Aº. materia que Berlage había titulado el
material de la arquitectura monumental del futuro.
4.2 Arquitectura de facade
La arquitectura de los nuevos barrios residenciales de Ámsterdam era en gran medida una arquitectura
de fachada. Aplicando medios puramente formales se dio a cada calle y a cada bloque un carácter
distinto que permitía a sus habitantes identificarlos, muchos arquitectos comprendían que esta
característica chocaba con la esencia de la vivienda en serie pero una expresión estrictamente funcional
de estos suburbios con sus numerosas plantas idénticas, había desembocado en la monotonía.
Los arquitectos de la escuela de Ámsterdam rechazaban la monotonía inhumana. Los 22cm. del muro de
- EXPRESIONISMO
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fachada deben conseguir el milagro, deben provocar la liberación de los que el hombre teme
inconcientemente.
4.3 Forma de proyectar Del interior al exterior: la fachada como resultado. Cuando él se enfrentaba a un proyecto lo hacía caso por caso y
sin una idea común más allá que darle la importancia que él creía necesaria a la función de edificio. Esto producía
que sus edificios crecieran de dentro para fuera y sin darla más función a la fachada que mostrar el mero resultado
de lo que ocurría en el interior del edificio. Pese a eso, hubo de hacer encargos en los que sólo se encargó de
diseñar la fachada y lo hizo de forma más que notable.
Esta forma de pensar hace que edificios pasen casi desapercibidos para el peatón desde el exterior, pero que sean
obras de gran calidad formal, espacial y funcional. Esa importancia de la función hace que sus proyectos tengan
formas aparentementecaprichosas pero que en el fondo están meticulosamente estudiadas. Cuando Adolf Hitler
llegó al poder no se exilió voluntariamente de Alemania como lo hicieran otros compañeros de profesión, tuvo
que mantenerse con encargos de viviendas unifamiliares, ya que no comulgaba con la arquitectura del régimen
nacionalsocialista.
4.4 Deutscher Werkbund
La Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo) fue el primer movimiento arquitectónico
relacionado con el expresionismo producido en Alemania. Fundada en Múnich el 9 de
octubre de 1907 por Hermann Muthesius, Friedrich Naumann y Karl Schmidt, incorporó posteriormente
a figuras como Walter Gropius, Bruno Taut, Hans Poelzig, Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef
Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert Niemeyer y Richard Riemerschmidt. Heredera del Jugendstil y de
la Sezession vienesa, e inspirada en el movimiento Arts and Crafts, su objetivo era la integración de
arquitectura, industria y artesanía a través del trabajo profesional, la educación y la publicidad, así como
introducir el diseño arquitectónico en la modernidad y conferirle un carácter industrial. Las principales
características del movimiento fueron el uso de nuevos materiales como el vidrio y el acero, la
importancia del diseño industrial y el funcionalismo decorativo.
La Deutscher Werkbund organizó diversas conferencias publicadas posteriormente en forma de
anuarios, como El arte en la industria y el comercio (1913) y El transporte (1914). Asimismo, en 1914
Imagen 7. Pabellón de Cristal para la Exposición
deColonia de 1914, de Bruno Taut.
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celebraron una exposición en Colonia que obtuvo un gran éxito y difusión internacional, destacando el
pabellón de vidrio y acero diseñado por Bruno Taut. El éxito de la exposición provocó un gran auge del
movimiento, que pasó de tener 491 miembros en 1908 a 3000 en 1929. Durante la Primera Guerra
Mundial estuvo a punto de desaparecer, pero resurgió en 1919 tras una convención en Stuttgart, donde
fue elegido presidente Hans Poelzig –sustituido en 1921 por Riemerschmidt–. Durante esos años se
produjeron varias controversias sobre si debía primar más el diseño industrial o el artístico,
produciéndose diversas disensiones en el grupo.
En los años 1920 el movimiento derivó del expresionismo y la artesanía al funcionalismo y la industria,
incorporando nuevos miembros como Ludwig Mies van der Rohe. Se editó una nueva revista, Die
Form (1922-1934), que difundió las nuevas ideas del grupo, centradas en el aspecto social de la
arquitectura y en el desarrollo urbanístico. En 1927celebraron una nueva exposición en Stuttgart,
construyendo una gran colonia de viviendas, la Weissenhofsiedlung, con diseño de Mies van der Rohe y
edificios construidos por Gropius, Behrens, Poelzig, Taut, etc., junto a arquitectos de fuera de Alemania
como Jacobus Johannes Pieter Oud, Le Corbusier y Victor Bourgeois. Esta muestra fue uno de los
puntos de partida del nuevo estilo arquitectónico que empezaba a surgir, conocido como estilo
internacional o racionalismo. La Deutscher Werkbund se disolvió en 1934debido principalmente a la
crisis económica y al nazismo. Su espíritu influyó enormemente en la Bauhaus, e inspiró la fundación de
organismos parecidos en otros países, comoSuiza, Austria, Suecia y Gran Bretaña.
4.5 Escuela de Ámsterdam
Paralelamente a la Deutscher Werkbund alemana, entre 1915 y 1930 se desarrolló una notable escuela
arquitectónica de carácter expresionista en Ámsterdam (Países Bajos). Influidos por el modernismo
(principalmente Henry van de Velde y Antoni Gaudí) y por Hendrik Petrus Berlage, se inspiraron en las
formas naturales, con edificios de diseño imaginativo donde predomina el uso del ladrillo y el hormigón.
Sus principales miembros fueron Michel de Klerk, Piet Kramer y Johan van der Mey, que trabajaron de
forma conjunta infinidad de veces, contribuyendo en gran manera al desarrollo urbanístico de
Ámsterdam, con un estilo orgánico inspirado en la arquitectura tradicional holandesa, destacando las
superficies onduladas. Sus principales obras fueron el Scheepvaarthuis (Van der Mey, 1911-1916) y
el Eigen Haard Estate (De Klerk, 1913-1920).
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4.6 Arbeitsrat für Kunst
El Arbeitsrat für Kunst (Consejo de trabajadores del arte) fue fundado en 1918 en Berlín por el
arquitecto Bruno Taut y el crítico Adolf Behne. Surgido tras el fin de la Primera Guerra Mundial, su
objetivo era la creación de un grupo de artistas que pudiese influir en el nuevo gobierno alemán, con
vistas a la regeneración de la arquitectura nacional, con un claro componente utópico. Sus obras
destacan por el uso del vidrio y el acero, así como por las formas imaginativas y cargadas de un intenso
misticismo. Enseguida captaron miembros provenientes de la Deutscher Werkbund, como Walter
Gropius, Erich Mendelsohn, Otto Bartning y Ludwig Hilberseimer, y contaron con la colaboración de
otros artistas, como los pintoresLyonel Feininger, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil
Nolde y Max Pechstein, y los escultores Georg Kolbe, Rudolf Belling y Gerhard Marcks. Esta variedad
se explica porque las aspiraciones del grupo eran más políticas que artísticas, pretendiendo influir en las
decisiones del nuevo gobierno en torno al arte y la arquitectura. Sin embargo, tras los sucesos de enero
de 1919 relacionados con la Liga Espartaquista, el grupo renunció a sus fines políticos, dedicándose a
organizar exposiciones. Taut dimitió como presidente, siendo sustituido por Gropius, aunque finalmente
se disolvieron el 30 de mayode 1921.
Imagen 8. Torre Einstein (1919-22), de Erich Mendelsohn,
Potsdam.
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4.7 Der Ring
El grupo Der Ring (El círculo) fue fundado en Berlín en 1923 por
Bruno Taut, Ludwig Mies van der Rohe, Peter Behrens, Erich
Mendelsohn, Otto Bartning, Hugo Häring y varios arquitectos más,
a los que pronto se añadieron Walter Gropius, Ludwig
Hilberseimer, Hans Scharoun, Ernst May, Hans y Wassili
Luckhardt, Adolf Meyer, Martin Wagner, etc. Su objetivo era, al
igual que en los movimientos precedentes, renovar la arquitectura
de su época, poniendo especial énfasis en los aspectos sociales y
urbanísticos, así como en la investigación en nuevos materiales y
técnicas de construcción. Entre 1926 y 1930 desarrollaron una
notable labor de construcción de viviendas sociales en Berlín, con
casas que destacan por el aprovechamiento de la luz natural y su
ubicación en zonas verdes, destacando la Hufeisensiedlung (Colonia
de la Herradura, 1925-1930), de Taut y Wagner. Der
Ring desapareció en 1933 tras el advenimiento Del nazismo.
4.8 Neues Bauen
Neues Bauen (Nueva construcción) fue el nombre que se dio en arquitectura a la Nueva Objetividad,
reacción directa a los excesos estilísticos de la arquitectura expresionista y el cambio en el estado de
ánimo nacional, en el que predominaba el componente social sobre el individual. Arquitectos como
Bruno Taut, Erich Mendelsohn y Hans Poelzig se volvieron hacia el enfoque sencillo, funcional y
práctico de la Nueva Objetividad. La Neues Bauen floreció en el breve período entre la adopción
del plan Dawes y el auge del nazismo, abarcando exposiciones públicas como el Weissenhof Estate, el
amplio planeamiento urbano y proyectos de promociones públicas de Taut y Ernst May, y los
influyentes experimentos de la Bauhaus.
Imagen 9. Chilehaus (1923),
de Fritz Höger,Hamburgo.
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5. ESCULTURA
La escultura expresionista no tuvo un sello estilístico común,
siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en
su obra o bien la temática o bien la distorsión formal propias del
expresionismo. Destacan especialmente tres nombres:
Ernst Barlach: inspirado en el arte popular ruso –tras un
viaje al país eslavo en 1906– y la escultura medieval alemana,
así como en Brueghel y El Bosco, sus obras tienen cierto
aire caricaturesco, trabajando mucho el volumen, la profundidad
y la articulación del movimiento. Desarrolló dos temáticas
principales: lo popular (costumbres cotidianas, escenas
campesinas) y –sobre todo después de la guerra– el miedo, la
angustia, el terror. No imitaba la realidad, sino que creaba una
realidad nueva, jugando con las líneas quebradas y los ángulos,
con anatomías distanciadas del naturalismo, tendiendo a la
geometrización. Trabajó preferentemente enmadera y yeso, que
en ocasiones pasaba posteriormente al bronce. Entre sus obras
destacan: El fugitivo (1920-1925), El vengador (1922), La
muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El
bebedor (1933), Vieja friolera (1939), etc.
Wilhelm Lehmbruck: educado en París, su obra tiene un marcado carácter clasicista, si bien
deformado y estilizado, y con una fuerte carga introspectiva y emocional. Durante su formación
en Düsseldorf evolucionó desde un naturalismo de corte sentimental, pasando por un
dramatismo barroco con influencia de Rodin, hasta un realismo influido por Meunier. En 1910 se
instaló en París, donde acusó la influencia de Maillol. Por último, tras un viaje
a Italia en 1912 comenzó una mayor geometrización y estilización de la anatomía, con cierta
influencia medieval en el alargamiento de sus figuras (Mujer arrodillada, 1911; Joven de pie,
1913).
Käthe Kollwitz: esposa de un médico de un barrio pobre de Berlín, conoció de cerca la miseria
humana, hecho que la marcó profundamente. Socialista
y feminista, su obra tiene un marcado componente de
reivindicación social, con
esculturas, litografías yaguafuertes que destacan por su
crudeza: La revuelta de los tejedores (1907-1908), La
guerra de los campesinos (1902-1908), Homenaje a
Karl Liebknecht (1919-1920).
Los miembros de Die Brücke (Kirchner, Heckel, Schmidt-
Rottluff) también practicaron la escultura, ya que su
experimentación con laxilografía les permitió fácilmente pasar a
Imagen 10. El espíritu
guerrero (1928), de Ernst Barlach,
Gethsemanekirche, Berlín.
.
Imagen 11. Madre con
gemelos (1927), de Käthe Kollwitz,
Käthe-Kollwitz-Museum, Berlín.
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la talla de madera, material que les resultaba muy conveniente para su expresión intimista de la realidad,
ya que la tosquedad y el aspecto irregular de ese material, su aspecto bruto e inacabado, incluso
primitivo, suponían la perfecta expresión de su concepto del ser humano y la naturaleza. Se percibe en
estas obras la influencia del arte africano y oceánico, del que alababan su simplicidad y su aspecto
totémico, que trasciende el arte para ser objeto de comunicación trascendental.
En la década de 1920, la escultura derivó hacia la abstracción, siguiendo el rumbo de las últimas obras
de Lehmbruck, de marcada estilización geométrica tendente a la abstracción. Así, la obra de escultores
como Rudolf Belling, Oskar Schlemmer y Otto Freundlichse caracterizó por el abandono de la
figuración en aras de una liberación formal y temática de la escultura. Sin embargo, perduró un cierto
clasicismo, influido por Maillol, en la obra de Georg Kolbe, dedicado especialmente al desnudo, con
figuras dinámicas, en movimientos rítmicos cercanos al ballet, con una actitud vitalista, alegre y
saludable que fue bien recibida por los nazis. Su obra más famosa fue La Mañana, expuesta en
el Pabellón de Alemania construido por Ludwig Mies van der Rohe para la Exposición
Internacional de Barcelona de 1929. Gerhard Marcks realizó una obra igualmente figurativa, pero más
estática y de temática más expresiva y compleja, con figuras de aspecto arcaico, inspiradas en las tallas
medievales. Ewald Mataré se dedicó principalmente a los animales, de formas casi abstractas, siguiendo
el camino iniciado por Marc en Der Blaue Reiter. Otros escultores expresionistas fueron Bernhard
Hoetger, Ernst Oldenburgy Renée Sintenis, mientras que fuera de Alemania cabría citar
al francés Antoine Bourdelle, el británico Jacob Epstein, el croata Ivan Meštrović, el español Victorio
Macho, elholandés Lambertus Zijl, el polaco August Zamoyski y el finlandés Wäinö Aaltonen.
6. ARTISTAS INFLUYENTES
6.1 David Alfaro Siqueiros
(Chihuahua, 1898 - Cuernavaca, 1974) Pintor
mexicano, figura máxima, junto a Diego Rivera y
José Clemente Orozco, del muralismo mexicano.
Tributaria de la estética expresionista y la retórica
declamatoria que le exigía su radicalismo político,
su pintura aunó la tradición popular mexicana con
las preocupaciones del surrealismo y el
expresionismo europeos.
En 1914, con apenas dieciséis años, se alistó en el
ejército constitucionalista para luchar por la
Revolución, una experiencia que le llevaría a
descubrir "las masas trabajadoras, los obreros,
campesinos, artesanos y los indígenas... (y sobre
todo), las enormes tradiciones culturales de nuestro
país, particularmente en lo que se refiere a las
Imagen 12. Autorretrato de David Alfaro Siqueiros
- EXPRESIONISMO
22
extraordinarias civilizaciones precolombinas."
Pero si importante fue la influencia de este hallazgo en años clave para su formación, no lo fue menos la
huella que dejaron en él los tres años que pasó en Europa, hacia donde partió en 1919. La suma de
ambas experiencias determinó por igual su pensamiento artístico, que cristalizó en el manifiesto que
publicó en Barcelona en la revista Vida Americana en mayo de 1921, coincidiendo con los primeros
encargos de Vasconcelos.
Sin embargo, pronto se deterioraron sus relaciones con el gobierno. Su afiliación al Partido Comunista
de México, su decisiva participación en la fundación del Sindicato de artistas y de su periódico (El
Machete), junto a la creciente oposición a la política oficial manifestada a través de sus artículos,
hicieron que dejara de recibir encargos a partir de 1924 y que, al año siguiente, decidiera dedicarse
exclusivamente a las actividades políticas.
Siqueiros reiniciaría su trayectoria artística en los años treinta, pero fue la militancia ideológica la que
determinó el rumbo de su vida. En 1930, tras pasar varios meses en la cárcel por su participación en la
manifestación del 1 de mayo, Siqueiros fue mandado al exilio interior en Taxco. En 1936 volvió a
luchar, esta vez en la guerra civil española, al lado del ejército republicano. De 1940 a 1944 estuvo
desterrado en Chile por su participación en el asesinato de Trosky y en 1960 fue encarcelado de nuevo
acusado de promover la "disolución social". Cuando salió de la cárcel, cuatro años después, llevaba
consigo las ideas de la que sería su última obra: Marcha de la Humanidad en América Latina hacia el
cosmos.
Para Siqueiros socialismo revolucionario y modernidad tecnológica eran conceptos íntimamente
relacionados. Estaba convencido de que la naturaleza revolucionaria del arte no dependía tan sólo del
contenido de sus imágenes sino de la creación de un equivalente estético y tecnológico en consonancia
con los contenidos. Toda su vida artística estuvo presidida por la voluntad de crear una pintura mural
experimental e innovadora.
Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él
llamó la "arquitectura dinámica", basada en la
construcción de composiciones en perspectiva
poliangular. Para ello estudiaba cuidadosamente
los posibles recorridos de los futuros espectadores
en los lugares que albergarían sus murales y
definía así los puntos focales de la composición.
Siqueiros llegó a utilizar una cámara de cine para
reproducir la visión de un espectador en
movimiento y ajustar más eficazmente la
composición a esa mirada dinámica.
Su anhelo por lograr la adecuación entre las
Imagen 13. Detalle del Retrato de la clase media de
Siqueiros
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técnicas pictóricas y la contemporaneidad tecnológica le llevó a crear en 1936 un Taller Experimental en
Nueva York. Las prácticas del taller buscaban integrar la arquitectura, la pintura y la escultura con los
métodos y materiales ofrecidos por la industria. Allí se experimentaba a partir de lo que Siqueiros
denominaba "el accidente pictórico", esto es, la práctica de la improvisación mediante técnicas como el
goteo de pintura y las texturas con arena. Los chorreones y salpicaduras dejadas caer sobre el lienzo, que
luego pasarían a ser emblemáticas del expresionismo abstracto americano, fueron una práctica gestada
en el taller de Siqueiros, al que asistieron Jackson Pollock y otros jóvenes que llegarían a formar la
primera generación de artistas estadounidenses con un lenguaje propio.
El mural que realizó en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (1939-1940, Ciudad de México)
bajo el título Retrato de la burguesía, recoge el aprendizaje obtenido tras las investigaciones efectuadas
a lo largo de toda la década de los treinta y constituye una de las obras murales más significativas del
siglo XX. Siqueiros eligió para el mural la escalera principal del edificio.
La primera fase del proyecto, para el que contó con un equipo de ayudantes en el que figuraban artistas
tan significativos como Josep Renau, consistió en un análisis del espacio arquitectónico. El objetivo era
adecuar la composición de modo que las tres paredes y el techo quedaran integrados en una superficie
pictórica continua. Para Siqueiros crear un campo visual dinámico y continuo, en sintonía con el del
espectador que subiera o bajara la escalera, era tan importante como el tema representado.
6.2 José Clemente Orozco
(Zapotlán, actual Ciudad Guzmán, 1883 - México, 1949) Muralista mexicano. Unido por vínculos de
afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades
de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período
de entreguerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas
por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.
Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latinoamérica, aunque la afirmación tenga
sólo un valor relativo y deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba,
poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que
informó el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de
educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia revolucionaria y
nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso, sin demasiadas concesiones
al experimentalismo vanguardista.
A los veintitrés años ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos para completar su formación
académica, puesto que su familia había decidido que aprovechara sus innegables condiciones para el
dibujo en "unos estudios que le aseguraran el porvenir y que, además, pudieran servir para administrar
sus tierras", por lo que el muchacho inició la carrera de ingeniero agrónomo. El destino profesional que
el entorno familiar le reservaba no satisfacía en absoluto las aspiraciones de Orozco, que muy pronto
- EXPRESIONISMO
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tuvo que afrontar las consecuencias de un combate interior en el que su talento artístico se rebelaba ante
unos estudios que no le interesaban. Y ya en 1909 decidió consagrarse por completo a la pintura.
Durante cinco años, de 1911 a 1916, para conseguir los ingresos económicos que le permitieran
dedicarse a su vocación, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones, entre ellas El Hijo del
Ahuizote y La Vanguardia, y realizó una notable serie de acuarelas ambientadas en los barrios bajos de
la capital mexicana, con especial presencia de unos antros nocturnos, muchas veces sórdidos,
demostrando en ambas facetas, la del caricaturista de actualidad y la del pintor, una originalidad muy
influida por las tendencias expresionistas.
De esa época es, también, su primer cuadro de grandes dimensiones, Las últimas fuerzas españolas
evacuando con honor el castillo de San Juan de Ulúa (1915) y su primera exposición pública, en 1916,
en la librería Biblos de Ciudad de México, constituida por un centenar de pinturas, acuarelas y dibujos
que, con el título de La Casa de las Lágrimas, estaban consagrados a las prostitutas y revelaban una
originalidad en la concepción, una búsqueda de lo "diferente" que no excluía la compasión y optaba,
decididamente, por la crítica social.
Puede hallarse en las pinturas de esta primera época una evidente conexión, aunque no una visible
influencia, con las del gran pintor francés Toulouse-Lautrec, ya que el mexicano realizó también en sus
lienzos una pintura para "la gente de la calle", lo que se ha denominado "el gran público", y ambos
eligieron como tema y plasmaron en sus telas el ambiente de los cafés, los cabarets y las casas de mala
nota.
Orozco consiguió dar a sus obras un cálido clima
afectivo, una violencia incluso, que le valió el
calificativo de "Goya mexicano", porque
conseguía reflejar en el lienzo algo más que la
realidad física del modelo elegido, de modo que
en su pintura (especialmente la de caballete)
puede captarse una oscura vibración humana a la
que no son ajenas las circunstancias del modelo.
Conservó este sobrenombre para dar testimonio
de la Revolución Mexicana con sus caricaturas en
La Vanguardia, uniéndose de ese modo a la
tradición satírica inaugurada, a finales del siglo
XIX, por Escalante y Villanuesa.
Un año decisivo
Una fecha significativa en la trayectoria pictórica de José Clemente Orozco es el año 1922. Por ese
entonces se unió a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y otros artistas para iniciar el movimiento
muralista mexicano, que tan gran predicamento internacional llegó a tener y que llenó de monumentales
obras las ciudades del país. De tendencia nacionalista, didáctica y popular, el movimiento pretendía
Imagen 14. Dioses del mundo moderno (1932)
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poner en práctica la concepción del "arte de la calle" que los pintores defendían, poniéndolo al servicio
de una ideología claramente izquierdista.
Desde el punto de vista formal, la principal característica de los colosales frescos que realizaba el grupo
era su abandono de las pautas y directrices académicas, pero sin someterse a las "recetas" artísticas y a
las innovaciones procedentes de Europa: sus creaciones preferían volverse hacia lo que consideraban las
fuentes del arte precolombino y las raíces populares mexicanas. Los artistas crearon así un estilo que se
adaptaba a la tarea que se habían asignado, a sus preocupaciones políticas y sociales y su voluntad
didáctica; más tarde (junto a Rivera y Siqueiros) actuó en el Sindicato de Pintores y Escultores,
decorando con vastos murales numerosos monumentos públicos y exigiendo para su trabajo, en un claro
gesto que se quería ejemplarizante y reivindicativo, una remuneración equivalente al salario de cualquier
obrero.
Orozco era pues un artista que optó por el "compromiso político", un artista cuyos temas referentes a la
Revolución reflejan, con atormentado vigor e insuperable maestría, la tragedia y el heroísmo que llenan
la historia mexicana, pero que dan fe también de una notable penetración cuando capta los tipos
culturales o retrata el gran mosaico étnico de su país.
Embajador artístico e incansable viajero
En 1928 el artista decide realizar un viaje por el extranjero. Se dirigió a Nueva York para presentar una
exposición de sus Dibujos de la Revolución; inició de ese modo una actividad que le permitirá cubrir sus
necesidades, pues Orozco se financia a partir de entonces gracias a sus numerosas exposiciones en
distintos países. Su exposición neoyorquina tuvo un éxito notable, que fructificó dos años después, en
1930, en un encargo para realizar las decoraciones murales para el Pomona College de California, de las
que merece ser destacado un grandilocuente y poderoso Prometeo; en 1931 decoró, también, la New
School for Social Research de Nueva York.
Pero pese a haber roto con los moldes academicistas y a su rechazo a las innovaciones estéticas de la
vieja Europa, el pintor sentía una ardiente
curiosidad, un casi incontenible deseo de
conocer un continente en el que habían
florecido tantas civilizaciones. Los beneficios
obtenidos con su trabajo en Nueva York y
California le permitieron llevar a cabo el soñado
viaje. Permaneció en España e Italia, dedicado a
visitar museos y estudiar las obras de sus más
destacados pintores.
Se interesó por el arte barroco y, desde
entonces, puede observarse cierta influencia de
estas obras en sus posteriores realizaciones, Imagen 15. Prometeo (1944)
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sobre todo en la organización compositiva de los grupos humanos, en la que son evidentes las grandes
diagonales, así como en la utilización de los teatrales efectos del claroscuro, que descubrió al estudiar las
obras de Velázquez y Caravaggio, que le permitió conseguir en sus creaciones un poderoso efecto
dramático del que hasta entonces carecía, gracias al contraste entre luces y sombras y a las mesuradas
gradaciones del negro en perspectivas aéreas.
Se dirigió luego a Inglaterra pero el carácter inglés, que le parecía "frío y poco apasionado", no le gustó
en absoluto y, tras permanecer breve tiempo en París, para tomar contacto con "las últimas tendencias
del momento", decidió emprender el regreso a su tierra natal. Allí inició de nuevo la realización de
grandes pinturas murales para los edificios públicos.
Con la clara voluntad de ser un intérprete plástico de la Revolución, José Clemente Orozco puso en pie
una obra monumental, profundamente dramática por su contenido y sus temas referidos a los
acontecimientos históricos, sociales y políticos que había vivido el país, contemplado siempre desde el
desencanto y desde una perspectiva de izquierdas, extremadamente crítica, pero también por su estilo y
su forma, por el trazo, la paleta y la composición de sus pinturas, puestas al servicio de una expresividad
violenta y desgarradora.
Su obra podría enmarcarse en un realismo ferozmente expresionista, fruto tal vez de su contacto con las
vanguardias parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias estéticas del Viejo Mundo; el
suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes composiciones, las cuales, por su rigor
geométrico y el hieratismo de sus robustos personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos
ejemplos de la escultura precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y Siqueiros, el
"grupo de los tres" como les gustaba llamarse, defendían el regreso a los orígenes, a la pureza de las
formas mayas y aztecas, como principal característica de su trabajo artístico.
Una vastísima obra monumental
Cuando, en 1945, publicó su autobiografía, el cansancio por una lucha política muchas veces
traicionada, el desencanto por las experiencias vividas en los últimos años y, tal vez, también el
inevitable paso de los años, se concretan en unas páginas de evidente cinismo de las que brota un aura
desengañada y pesimista. Europa nunca llegó a comprenderle, porque sus inquietudes estaban muy
alejadas de las preocupaciones que agitaban, en su época, al continente, y porque no entendía, tampoco,
el contexto social en el que Orozco se movía.
Su gigantismo, sus llamativos colores, aquella figuración narrativa que caía, de vez en cuando, en lo
anecdótico, respondían a unas necesidades objetivas, a una lucha en definitiva, que parecieron exóticas
en el contexto europeo. Era un arte que pretendía servir al pueblo, ponerse al servicio de cierta
interpretación de la historia, en unos murales de convincente fuerza expresiva.
Hay que poner de relieve, como muestra del trabajo y las líneas creativas del pintor, las obras que
realizó, entre 1922 y 1926, para la Escuela Nacional Preparatoria de México D. F., entre las que hay
un Cortés y la Malinche, cuyo tema pone de relieve un momento crucial en la historia de México, en
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trazos transidos de luces y sombras. De 1932 a 1934, realizó para la Biblioteca Baker del Darmouth
College, Hannover, New Hampshire, Estados Unidos, una serie de seis frescos monumentales, uno de
los cuales, La enseñanza libresca genera monstruos, además de aludir oscuramente a su maestro Goya,
supone una sarcástica advertencia en un edificio destinado, precisamente, a albergar la biblioteca de una
institución docente.
Para la Suprema Corte de Justicia de México D.
F., Orozco realizó dos murales que son un
compendio de las obsesiones de su vida: La
justicia y Luchas proletarias, pintados durante
1940 y 1941. Por fin, en 1948 y para el Castillo
de Chapultepec, en México D. F., Orozco llevó
a cabo el que debía ser su último gran mural,
como homenaje a uno de los políticos que, por
sus orígenes indígenas y su talante liberal, más
cerca estaban del artista: Benito Juárez.
Miembro fundador de El Colegio Nacional y
Premio Nacional de Artes en 1946, practicó
también el grabado y la litografía. Dejó, además,
una abundante obra de caballete, caracterizada
por la soltura de su técnica y sus pinceladas
amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a
veces una sinfonía de tonos oscuros y sombríos,
mientras en otras ocasiones su paleta opta por
un colorido brillante y casi explosivo.
Entre sus cuadros más significativos hay que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de
su primer interés por los ambientes sórdidos de la capital;Combate, de 1920, y Cristo destruye su cruz,
pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la actitud vital e ideológica que
informó toda la vida del artista. De entre sus últimas producciones en caballete, el Museo de Arte
Carrillo, en México D. F., alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.
En la producción de sus años postreros puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar
con nuevas técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización utilizó
fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la pintura nacional y la importancia
de su figura artística decidieron al presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura
en el Panteón de los Hombres Ilustres.
Imagen 16. Cortés y la Malinche
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6.3 Jorge González Camarena
La historia de México, sus raíces e imaginario nunca fueron tan majestuosos como cuando los retrató
Jorge González Camarena, uno de los grandes pintores que ha dado el país, tan genial como su gran
amigo Diego Rivera, pero sin el reconocimiento mundial de éste.
Hoy lunes 24 de marzo se cumplen cien años del nacimiento del artista, quien dedicó casi toda su vida al
muralismo, la pintura de caballete (más de 2 mil piezas) y la escultura, sobre todo para narrar, mediante
su obra, la época que le tocó vivir, “con un profundo compromiso nacional”, como él mismo explicó al
recibir el Premio Nacional de Artes en 1970.
No obstante la gran relevancia del legado del pintor jalisciense, éste padece la indiferencia oficial: “si
viviéramos en otra época sería distinto, pero a la actual burocracia cultural la obra de mi abuelo
simplemente no le interesa o ni la conocen”, explica Marcel, el nieto mayor de González Camarena.
Es por ello que el homenaje para celebrar el centenario del natalicio del artista no será hoy, como
correspondería a su gran talento, en el Palacio de Bellas Artes, donde se encuentra su espléndido
mural Liberación, en el cual plasma que el hombre sólo puede librarse de sus ataduras por medio del
conocimiento, sino en una sencilla ceremonia organizada por el Instituto Politécnico Nacional (IPN),
que exhibe en sus muros Alegoría de la ciencia y la tierra.
Jorge González Camarena nació el 24 de marzo de 1908 en Guadalajara, Jalisco, donde residían sus
padres, Arturo González y Sara Camarena, originarios de Arandas, quienes inculcaron en su familia el
amor y el respeto por la riqueza cultural del país.
Tuvo siete hermanos, entre ellos Guillermo (el inventor de la televisión a color y con quien
frecuentemente se confunde al muralista).
Desde niño, Coque (como lo llamó siempre con afecto su nieto Marcel) se sintió atraído por el arte. Sus
primeros trabajos los realizó tallando guijarros hasta darles la forma que quería, moldeando arcilla que
cocía en un horno construido por él mismo o bien dibujando tiras cómicas protagonizadas por personajes
de su invención, losChiquinitos, las cuales vendía a sus compañeros de la escuela.
Cuando la familia González Camarena se mudó a la ciudad de México, el maestro de pintura de la
primaria donde estudiaba Jorge, el pintor Francisco Zenteno, reconoció sus dotes artísticas y le aconsejó
ingresar a la Academia de San Carlos.
Así fue como, a los 14 años, el muchacho comenzó a asistir a la institución donde pronto se convirtió en
ayudante de Gerardo Murillo, Dr. Atl, al tiempo que demostró su interés por defender al gremio artístico.
Promovió el movimiento estudiantil para llevar a Diego Rivera a la dirección de San Carlos, y formó
parte del consejo de maestros y alumnos para formular un plan de estudios más avanzado.
En 1929, a los 21 años, cuando se perfilaba ya como el gran artista que llegó a ser, comenzó a escribir y
dibujar para publicaciones como Revista de Revistas y Nuestro México. Al mismo tiempo, realizaba sus
primeras investigaciones sobre arte prehispánico y popular, elementos que formaron parte esencial de su
composición plástica.
En 1932 fue comisionado para restaurar los frescos del siglo XVI del convento de Huejotzingo, Puebla,
donde radicó durante dos años.
“Tras redescubrir los frescos del convento franciscano, publicó un estudio sobre el resultado de sus
investigaciones en la Revista Futuro, descubriendo que en esos muros trabajó el último pintor azteca y
primer artista mexicano Marcos Cipactli, quien, como demostró mi abuelo, también pintó el lienzo
original de la Virgen de Guadalupe, desmintiendo así su origen sobrenatural”, explica, en entrevista
con La Jornada, Marcel González Camarena.
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Así como preparaba sus pinturas con pigmentos naturales, inspirado en las técnicas de los tlacuilos del
México antiguo, el pintor fue un apasionado de la música, “se incorporó tanto a la vida cotidiana de
Huejotzingo, que inclusive se integró a la orquesta del pueblo, un cuarteto de música prehispánica,
tocando la chirimía. Ahí comenzó a estudiar también el pensamiento mágico y las tradiciones de los
antiguos mexicanos”.
En 1939, el artista pintó su primer
mural, Alegoría de Zimapán, en el hotel
Fundición, de Zimapán, Hidalgo. Poco más
tarde, realizó uno de sus mejores trabajos,
el Díptico de la vida, mural compuesto por
dos tableros, pintado en el edificio
Guardiola, de la ciudad de México.
Esta obra causó polémica, ya que González
Camarena representó el tema de la vida con
un hombre y una mujer desnudos, “dueños
de la fuerza cósmica que respira la
humanidad”, decía.
En defensa de la obra, recuerda Marcel,
“Salvador Novo comentó ‘no es si son
morales o inmorales, sino si son murales o
inmurales’. Finalmente, el temblor de 1957 le causó pequeñas grietas al edificio, pretexto suficiente para
que las autoridades decidieran destruir la obra”.
González Camarena es autor de obras como La erupción del Xitle, mural al óleo-cera que se ubica en el
museo de sitio de la zona arqueológica de Cuicuilco, en el Distrito Federal; el bajorrelieve policromado
en piedra, mosaico y pintura de hule realizado en el muro exterior de la Casa de Estudios del Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, “que hoy es el símbolo de esa escuela y se reproduce
incluso en los anillos de sus graduados”; así como del impresionante mural Belisario Domínguez, de 130
metros cuadrados, pintado al óleo en el plafón, y los tres muros del cubo de la escalera del edificio del
Senado de la República.
El artista también trabajó en la fachada del edificio que ocupó Televicentro, ahí realizó una obra de 900
metros cuadrados, titulada Frisos de la televisión, a base de relieves escultóricos en cemento
policromado con incrustaciones de cerámica, mismos que tras las remodelaciones de Televisa fueron
destruidos.
En 1950 hizo otra de sus grandes obras en el edificio del Instituto Mexicano del Seguro Social de Paseo
de la Reforma: en el vestíbulo pintó el mural México, con técnica a la vinilita, donde representa la
construcción de nuestro país. Además, en la entrada principal realizó dos grupos escultóricos, El
Trabajo y Maternidad.
En el Museo Nacional de Antropología pintó el mural en acrílico Las Razas, que se utilizó para
imprimir, el 12 de octubre de 1992, un sello postal en conmemoración de los 500 años del
descubrimiento de América.
Su obra muralística cruzó fronteras: en la universidad de la ciudad de Concepción, en Chile,
está Presencia de América Latina, obra hecha en 300 metros cuadrados que se reprodujo en una
Imagen 17. Mural en Bellas
Artes.
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estampilla postal que conmemoró el 75 aniversario de esa casa de estudios y que, en un certamen
realizado en Viena en 1996, fue premiado como “el más hermoso del mundo”.
En 1978, dos años antes de morir, realizó su último mural: Trilogía de Saltillo, pintado en el cubo de la
escalera principal del edificio de la Presidencia Municipal de Saltillo, Coahuila.
**
México también debe a González Camarena la salvación del fuerte de San Juan de Ulúa, en Veracruz.
En 1953 pretendían destruirlo para construir en su lugar unas bodegas y un muelle.
En esa época el maestro se encontraba pintando Águila en Vuelo, mural al óleo de 250 metros cuadrados
realizado sobre el plafón del edificio del Banco de México, “al saber del atentado que se pretendía
cometer, con gran conciencia cultural, fundó el Comité Pro Defensa y Restauración del Castillo de San
Juan de Ulúa, y gracias al apoyo de distinguidos veracruzanos, logró salvar ese patrimonio nacional”,
señala su nieto.
El 23 de junio de 1966 González Camarena se convirtió en miembro titular del Seminario de Cultura
Mexicana. Además, gracias a un concurso en el que resultó triunfador, realizó la representación pictórica
del retrato escultórico de Michelangelo Buonarotti, obra que se encuentra en la casa natal del artista
italiano en Caprese. Por este retrato, el gobierno de Italia le otorgó al pintor mexicano la condecoración
al Mérito en Grado de Commendatore della Republica.
A finales de los años 70, el gobierno de México le encargó a González Camarena un obsequio para el
pueblo búlgaro, un San Jorge. El maestro fue invitado a Bulgaria a develar el cuadro, y las autoridades
de ese país, encantadas con el cuadro, le ofrecieron realizar una exposición itinerante que recorrería
varios países durante un año, comenzando por su capital Sofía, y concluyendo en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York.
“Pero la colección personal de mi abuelo era de apenas cinco pinturas, pues todo lo vendía. Le
compraban hasta los lienzos en blanco, le preguntaban, ‘maestro, ¿qué va a pintar en esa tela?’, él decía,
‘no sé’, y le respondían, ‘pues lo que sea se lo compro, no importa cuando lo termine’.
“Para la exposición en Bulgaria, sabedor de que los coleccionistas no prestan sus cuadros por tanto
tiempo, propuso que le diera un año para preparar una colección personal. Durante el último año de su
vida, a marchas forzadas, produjo cerca de 80 cuadros, considerados por él como lo más representativo
de su obra.
“Desafortunadamente para el pueblo mexicano y para el mundo la exposición itinerante nunca se
realizó: mi abuelo murió el 24 de mayo de 1980 debido a un derrame cerebral. Fue velado en el Palacio
de las Bellas Artes, donde se le rindió un homenaje nacional de cuerpo presente. Sus restos reposan en la
cripta familiar en el panteón de Dolores, nunca hemos querido que se le traslade a la Rotonda de las
Personas Ilustres, aunque nos lo han solicitado en diversas ocasiones.
“Jorge González Camarena fue, antes que un gran artista, un hombre sencillo. Nunca buscó la fama,
aunque mantuvo relación con todos los políticos de la época, siempre pensó que sólo le quitaban el
tiempo y que eran unos hipócritas. Por eso decía que toda la historia estaba manipulada y quería plasmar
en sus murales lo que consideraba la verdad.
“Disfrutaba, por ejemplo, sentarse en un ladrillo a comer con un albañil porque le gustaba mucho la
compañía de la gente humilde, decía que era más honesta, más auténtica”, señala Marcel.
La obra que González Camarena pintó durante el último año de su vida se repartió entre su familia,
como él lo dispuso en su testamento, luego de ganar un pleito legal de 13 años con el crítico Antonio
Luna Arroyo, quien involucró a la Universidad Nacional Autónoma de México para pelear 22 cuadros.
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La mayor parte de sus trabajos de caballete se encuentran en colecciones privadas, tanto nacionales
como extranjeras (por ejemplo, el museo Soumaya, o el acervo del empresario estadunidense Henry
Ford).
Algunos de sus cuadros también se encuentran en el Museo de Arte Moderno y se sabe que uno de sus
grandes coleccionistas fue el ex presidente José López Portillo.
A cien años de su nacimiento, hay muchos pendientes para que su legado sea conocido y apreciado, en
primera instancia, en esta tierra que retrató con pasión y esplendor: “la historia se encargará de darle el
lugar que le corresponde, quien vea su obra sabrá por qué, de eso no tengo la menor duda”, concluye
Marcel.
6.4 Diego Rivera
(Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Pintor mexicano, considerado uno de los principales
muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en
especial, España, Francia e Italia), donde se
interesó por el arte de vanguardia y abandonó el
academicismo.
Las obras de este período reflejan, por un lado, un
acusado interés por el cubismo sintético (El
guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina,
y por otro, una gran admiración por los
fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por
Giotto), lo que motivó su alejamiento de la
estética cubista anterior.
Identificado con los ideales revolucionarios de su
patria, Rivera volvió desde tierras italianas a
México (1922), en un momento en que la
revolución parecía consolidada. Junto con David
Imagen 18. Mural en el ITESM.
Imagen 19. Diego Rivera y Frida
Kahlo
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Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma
significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento
(como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento
muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.
Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar
grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca,Palacio Nacional y Palacio de las
Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera
abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del
pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo
vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que
evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a
las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).
Artista comprometido políticamente, Rivera
reflejó su adhesión a la causa socialista en sus
propias realizaciones murales y fue uno de los
fundadores del Partido Comunista Mexicano.
Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de
nuevo en México, se casó con la pintora Frida
Kahlo, que había sido su modelo.
En la década de 1930 marchó a Estados Unidos,
donde puso su arte al servicio de la exaltación del
maquinismo; realizó diversas exposiciones y
pintó grandes murales en las ciudades de San
Francisco, Detroit -decoración del Instituto de
Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -
Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por
sus contenidos socialistas.
De 1936 a 1940 Rivera se dedicó especialmente a la pintura de paisajes y retratos. Ensayista y polémico,
publicó junto a André Breton un Manifeste pour l'Art Révolutionnaire (1938). Por otro lado, este gran
pintor mexicano legó a su país una destacada colección de figuras indígenas que instaló en su casa
museo, llamada elAnacahualli.
Imagen 20. El porteador de flores, de Diego Rivera
Kahlo
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CONCLUSION
Aportes relevantes para la arquitectura del siglo XX.
El siglo XX ha sido testigo de los enormes saltos tecnológicos que han alterado radical y
fundamentalmente las normas de vida de los últimos cien años.
Tuvo importantes desarrollos de las nuevas tecnologías y materiales relativos a la construcción:
➢ Construcción de losa plegable
➢ Prefabricación estructural
➢ Estructuras de tensión
➢ Construcción de cascarón de concreto
➢ Sistemas radiales de encristalado han tenido un fuerte impacto sobre la expresión de las formas.
Los grandes estadios, las salas de concierto, las iglesias, los aeropuertos, las estaciones de trenes, los
complejos industriales y las instalaciones culturales: una amplia gama de construcciones inspiradas en la
tecnología se desarrolla por estar centrado en obras cuya estructura ha sido llevada al punto de
desarrollar su retórica propia, y por haberse convertido en el elemento más sobresaliente en la definición
de la construcción, el enorme alcance de la tecnología y su repercusión en la arquitectura a través de la
ingeniería.
El manejo de la línea curva como expresión de ligereza y flexibilidad, dominio de los materiales
explotando al máximo sus cualidades, tanto del hormigón como del vidrio.
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BIBLIOGRAFIA
Crepaldi, Gabriele (2002). Expresionistas. Electa, Madrid. ISBN 84-8156-330-7.
De Micheli, Mario (2008). Las vanguardias artísticas del siglo XX. Alianza Editorial,
Barcelona. ISBN 978-84-206-7883-2.
Rodríguez Ruiz, Delfín (1993). La arquitectura del siglo XX. Historia 16, Madrid.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siqueiros.htm
http://www.jornada.unam.mx/2008/03/24/index.php?section=cultura&article=a10n1cul