Ensamblajes de Folklore Andino La artesanía de Ecuador como motivo para un proyecto escultórico a través de

procesos de ensamblaje

(TFM-CURSO: 2013-14)

Autor: Haeckel Rivadeneira Jaramillo Tutor: Miquel Planas

Master en Creación Artística y Tratamientos del entorno

Universidad de Barcelona

Ensamblajes de Folklore Andino

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ARTISTA: FAUSTINO RAYO

Ensamblajes de Folklore Andino

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AGRADECIMIENTOS

Gracias a Dios llegué a la culminación exitosa de esta Tesina. Es un esfuerzo realizado con las aportaciones de todo quienes conformamos este Master, quienes creyeron en mi potencial y aquellos que con su experiencia lograron encausar mi trabajo hacia el producto final.

Aquellas personas responsables de mi desarrollo a nivel de posgrado, los profesores del master que me apoyaron: El área de Configuración del Entorno, en especial a mi tutor Dr. Miquel Planas, a mi familia, y sobre todo a mi amada esposa Camila a quien le dedico este trabajo final de master, a ella que está conmigo en los momentos más importantes de mi vida dándome ánimo para seguir adelante, por nuestro hijo Arnau que está en camino.

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ABSTRACT:

Estudiaremos la elaboración de artesanías en Ecuador, como motivo de una creación escultórica moderna, mediante un acercamiento teórico-práctico al assemblage, entre lo popular, el antepasado aborigen culturalmente arraigado de mi propio mestizaje, políticamente adherido a un sistema occidentalizado. Se estudiará y recopilará y reorganizará la información existente sobre el contexto cultural, social y técnico de la actualidad en el mundo del arte global desde una visión andina en el presente siglo entre la producción artesanal y los adelantos de la tecnología.

Se desarrollará un breve esquema asociando los materiales y las técnicas artesanales con sus indicadores y causales de acuerdo a las zonas etnográficas, tanto rural como urbanas, basando cada argumento en sus precedentes, tanto en la historia del arte mundial como en la esfera regional.

Se realizan propuestas de las posibilidades de ensamblaje en cada técnica y material artesanal en casos hipotéticos breves para luego utilizar pequeñas muestras de materiales: ya sea barro, metal, o materiales alternativos industrializados para realizar un número limitado de obras escultóricas que comprendan una muestra contundente de la tesis planteada en ensamblaje como técnicas y de materiales con base en la artesanía andina.

Palabras clave: assemblage, escultura

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Tabla de contenido

INTRODUCCIÓN ................................................................................... 1

El concepto etnográfico en el arte.- ........................................................................................ 2 Objetivos ............................................................................................................................ 3 Metodología: ...................................................................................................................... 4

Metodología .......................................................................................... 6 CAPÍTULO I: CATALOGACIÓN DE LA ARTESANÍA EN EL ECUADOR ....... 6

1.1 Generalidades: .............................................................................................................. 7 1.2 Reseña Histórica: .......................................................................................................... 8 1.3 Materiales ................................................................................................................... 12

1.3.1 Textiles ......................................................................................... 12 1.4 El Arte de América Latina.- ......................................................................................... 18 1.5 Escultores ecuatorianos contemporaneos.- ...................................................................... 20

CAPÍTULO II: ESTUDIO Y ANÁLISIS DEL ENSAMBLAJE COMO TÉCNICA ARTÍSTICA (DESDE 1912). ..................................................................... 24

2. 1 El Collage: .- .............................................................................................................. 25 2.2 ................................................................................................................................... 26 El Assemblage.- ................................................................................................................ 26 2.3 ................................................................................................................................... 29 Maestros del Assemblage.- ................................................................................................. 29

CAPÍTULO III: CREACIÓN ARTÍSTICA DE LA OBRA DE ENSAMBLAJE .... 33

3.1Técnicas y Materiales: .................................................................................................. 35 CONCLUSIONES .................................................................................. 53 Bibliografía ........................................................................................... 56

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Ensamblajes de Folklore Andino La artesanía de Ecuador como motivo para un proyecto escultórico a

través de procesos de ensamblaje

INTRODUCCIÓN

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El concepto etnográfico en el arte.- Ante el reto personal de abordar una nueva propuesta de creación artística, surge la posibilidad de crear un ensamblaje artístico a partir de la artesanía ecuatoriana, destacamos la importancia del giro etnográfico del arte, para desarrollar un criterio, sobre el análisis general del uso de la artesanía, como una expresión de la sociedad multicultural1 como un rasgo etnográfico. En el transcurso del Máster de Creación Artística de la UB procuramos traslapar la plástica y la poética de las artes visuales, por medio de la transversalidad de las disciplinas técnicas, así vamos implementando de procesos creativos nuestro bagaje de ideas hasta llegar al concepción, estructuración y desarrollo de una pieza artística. Hemos descubierto, en la obra de arte la razón de ser del arte, intentando cimentar, éticamente, darle un sentido y un fin a nuestro trabajo, objetivo de nuestra labor al inicio del máster, alimentar estas formas requiere de conocimientos relacionados a la etnografía para apreciar claramente la realidad objetiva de nuestro campo de estudio, siendo la moderna región andina la muestra escogida sobre su prácticas sociales dentro del contexto de la producción artesanal. Los datos etnográficos demuestran que la producción artesanal en Ecuador es parte de su identidad social e histórica constituyendose una cultura artesanal “el 60% del total de la población, entre 12 y 64 años, se dedica a la labor artesanal tanto patrimonial como de otros oficios no artesanales, pero que aplican tecnología artesanal en sus procesos. Casi 700 mil unidades económicas emplean entre 1 y 9 personas, sin discriminar si son operarios o aprendices. Casi 245 mil unidades artesanales emplean a 1, 22 365 personas con un promedio de casi 5 personas por unidad, no obstante en un rango que, como se acaba de anotar, va de uno a nueve. La manufactura en unidades artesanales significa 25,98% del total de ingresos productivos al país”2 reflejando un balance desigual entre la ganancia y las escalas de producción debido principalmente a limitaciones competitivas a nivel global pues esa demanda es del mercado nacional hacia los intermediarios, quienes provocan un desfase en la distribución de la riqueza producto de la comercialización de artesanías.

1 La sociedad multicultural es ciertamente un fin en sí misma, en términos de tolerancia ética hacia los demás. Sin embargo, el multiculturalismo nada asegura sobre los méritos – la calidad, por utilizar una palabra muy desprestigiada- de la literatura, la pintura, la música y la arquitectura creados. Lo que importa en el arte es la persona multicultural, el individuo que es más complejo que sus orígenes, y que puede hablar a las complejidades de los demás.” Hughes, R. 2001 2 Fuente : Estudio Propuesta para el posicionamiento de la Artesanía Patrimonial del Ecuador : Informe Final, 2010 MIPRO

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Así podemos demostrar la importancia histórica del sector artesanal en Ecuador y en Latinoamérica en general, lo que nos ha hecho plantearnos la inquietud, de buscar un desarrollo artístico que rinda honor y magnifique la producción artesanal nacional, además confiriéndole un valor de modernidad, por medio de la combinación de materiales y objetos cotidianos, industriales y referentes de la actualidad.

Objetivos

Este trabajo de investigación artística tiene el objetivo de proponer un estilo original de escultura por medio de la búsqueda de nuevas experiencias escultóricas que permita expresar lo que sentimos y tenemos en común con la sociedad, por medio del quehacer artístico. Se buscará penetrar en el campo de la estética como una provocación, frente a la realidad que nos rodea, valiéndonos de los objetos artesanales y los materiales escultóricos disponibles para activar uno de los circuitos del sistema cultural, desde un plano local de la cultura andina hacia la globalidad, actuando en el devenir cultural en un ensamblaje que se plasmará en la obra artística, por medio de las múltiples amalgamas que componen la unidad escultórica, juntando retazos de distintos materiales y reciclando objetos que cuotidianos, como manifestación de la cultura ecuatoriana y la globalidad.

La nueva obra propuesta, se enfocará en la producción artesanal del Ecuador como motivo para generar una propuesta escultórica actual con base en el assemblage, es decir, el ensamblaje de artesanías y objetos encontrados y portantes de valor, por la carga étnica y el simbolismo que encierra una pieza artesanal, con la combinación de elementos industrializados de uso cotidiano en busca de una composición armónica en el espacio, por las posibilidades de ensamblarse, traslaparse, recombinarse, a pesar que sean incongruentes y provengan de distintos procesos productivos. La finalidad de esta obra es de articular enunciados, construcciones y provocaciones de una nueva sensibilidad cultural a la vez que tectónica y urbana en sus rasgos tradicionales.

La escultura representará en este caso el hilo conductor del artista que desde su localidad, urbana-andina se proyecta al plano global por medio de su potencia creativa y compositiva, entreverada y lúdica, representando en su obra los entramados de una sociedad contemporánea. La búsqueda de la nueva experiencia escultórica, expresa, por medio de materiales cotidianos que se encuentran en las relaciones de producción utilizados con fines escultóricos, un ensamblaje que fusiona en sus obras artesanías, con formas orgánicas, abstraídas de la realidad inmediata.

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A partir de un estudio autocrítico se ha encaminado la investigación, hacia un enfoque concreto para encaminar el proceso de creación a catalogar los formas artesanales de Ecuador, mediante lo cual, se establecerá un conjunto de referentes que potencien un modelo creativo, que conduzca a la realización de esculturas, que tengan como eje las formas artesanales de Ecuador, y, como proceso constructivo técnico-conceptual el assemblage. Por lo tanto este trabajo pretende, por medio de un ensamblaje artístico, dejar un hito distinto y auténtico de la realidad expresada en esculturas andinas, tropicales y mundiales a través de un caleidoscopio multicultural, que combinar pasado y actualidad, y global y local. Para soportar nuestro argumento a manera de plataforma, daremos un recorrido virtual por la obra de artistas reconocidos como: Pablo Picasso, Joan Miró, Robert Rauschenberg, y Nam June Paik. Estos artistas desarrollaron su producción con un místico y depurado conocimiento del entorno.

El resultado final de la investigación consiste en aplicar este conocimiento en la práctica; en el TFM se propone una investigación que culminará en una producción creativa y escultórica que finalmente pretende ser desplegada en una exposición pública. Se pretende realizar un mínimo de cinco esculturas con base en el tema planteado.

El objetivo es concluir una nueva forma de ensamblaje artístico, demostrar que existe un potencial en traslapar la cultura artística global en mi escultura, para expresar una nueva poética del sentimiento andino contemporáneo con la máxima expresividad, sencillez y claridad.

Metodología:

x Conocer, estudiar y analizar la artesanía de Ecuador en la actualidad y una breve reseña de la última década desde el 2000, para definir rasgos y características de la misma, así como, su importancia y trascendencia en el desarrollo cultural del país.

x Catalogar dichas obras y establecer un dossier ordenado de las mismas que permita crear un vocabulario de formas concretas.

x Estudiar el juego formal en el arte de ensamblaje como herramienta de reinterpretación de la escultura tradicional.

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x Buscar referentes artísticos que hayan desarrollado el “assemblage” a lo largo del siglo XX-XXI.

x Buscar técnicas y procesos vinculados con el “assemblage” tanto pictórico como escultórico.

x Iniciar un proceso creativo escultórico mediante el ensamblaje que permita obtener un conjunto de obras referidas al arte ecuatoriano.

x Presentar, mediante la técnica de “assemblage” la estructuración de un lenguaje estético en la composición escultórica.

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CAPÍTULO I: CATALOGACIÓN DE LA ARTESANÍA EN EL ECUADOR

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1.1 Generalidades: Según la definición de artesanía manifiesta por la UNESCO: “Los productos artesanales son los elaborados ya sea totalmente a mano, o con la ayuda de herramientas manuales o incluso medios mecánicos, siempre que la contribución manual directa del artesano siga siendo el componente más importante del producto acabado”. La artesanía del Ecuador trasciende a nivel mundial por su calidad, pues mezcla con creatividad los diseños indígenas con la herencia ancestral gracias a que el país conserva aun raices indígenas. La artesanía ecuatoriana manifiesta aún esta característica de diseño precolombina en sus productos.

Los artesanos expresan su creatividad en las coloridas reinterpretaciones de temas tribales y naturalistas, utilizando la propia mano de obra en producir tejidos, utensillos, pinturas. En cada región del Ecuador se puede apreciar diferentes tipos de artesanías, como la utilización de lana tinturada como materia prima en los tejidos de la región sierra.

Las expresiones artesanales tienden a manifestarse en madera o tagua logradas con refinamiento de la técnica. Tal nivel de perfección se ve reflejada en la artesanía de la región costa aun en una escala que alcanza niveles de exportación, tal es es caso de los sombreros artesanales tejidos en “paja toquilla”5. Otros materiales que se trabajan dentro de las artesanías son los textiles, la alfarería y el cuero. La artesania de Ecuador se ha desarrollado hasta el punto de alcanzar demanda internacional por su calidad y originalidad.6

A continuación desarrollamos un dossier que sirva de diccionario de la estética esencial de la artesanía ecuatoriana.

- Arte precolombino - Textiles - Madera - Alfarería - Tagua - Toquilla

5 Tiras fibrosas de las hojas de la palma de la Iraca. http://pajatoquillabarcelona.blogspot.com.es/ 6 Las artesanías ecuatorianas son consideradas, en el imaginario colectivo, arte popular.

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Las artesanías serán transportadas por el artista hacia una fase de producción por su cualidad de autenticidad y refinado nivel de desarrollo, tanto en el proceso de creación, cuanto en la obtención de materia prima de fina calidad

“Para que un artículo artesanal sea considerado como arte popular se requiere que el objeto tenga características artísticas, que sea auténtico, que refleje la identidad del autor, que conserve las técnicas de trabajo autóctonas, sin contaminarse con la producción en masa.

Lo manifestado no significa que el arte popular para que sea genuino tiene que permanecer en el museo, hay que considerar los aspectos específicos de la producción artesanal, no solo la de los artistas en forma individual, sino la de los pueblos, de las zonas, con sus propias características, sus costumbres, su forma de vida y su cultura, o sea la influencia de la cultura popular.” Econ. O. Silva (﴾2005)﴿.

Dentro es este grupo de productos y artesanías mantenemos al margen aun algunos de los elaborados mas refinados en textiles, confecciones, cuero y calzado, que aunque podrían ser clasificados como artesanales; habren un nuevo sector específico donde se entretejen con especial distinción, junto a los cuales es nuestro objetivo, clasificar nuesra propuesta estética. Hasta que lleguemos a final de este capítulo no nos dedicaremos a otra cosa que analizar el sector productivo de la artesanía y su potencial desarrollo dentro del contexto global e histórico, en relación a la realidad economico-social del panorama contemporáneo, para sacar posteriormente conclusiones que justifiquen con argumentos el proyecto artístico en el que nos encontrados sumidos y en el cual se potencia con cada estudio en que se adentra esta investigación.

1.2 Reseña Histórica:

Arte Precolombino La producción artesanal tiene enraizados vínculos con el ancestral arte precolombino, tan importante por la perfección que alcanza en las técnicas tanto de la alfarería, cuanto de la orfebrería, logrando importantes descubrimientos en el diseño de sus piezas. Como ejemplo de ese potencial nombraremos a las vanguardias del modernismo europeo quienes recurrieron a las esculturas aborígenes de los continentes colonizados para incursionar en su avanzada abstracción de las formas y

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aprovechamientos de las expresividades formales de los materiales orgánicos (máscaras tribales), tal es el caso de artistas como Gauguin, Picasso o Miró. Aprovechando la abundancia de materiales finos en arcillas y metales preciosos, el habitante americano desde épocas precolombinas promovió las artes y organización social que alcanzaran las culturas aborígenes de Sudamérica, basadas en la agricultura, que sustentó el desarrollo de grandes imperios en el corazón de la selva y las cordilleras, de las cuales se desconoce en detalles como alcanzaron un nivel de desarrollo tan organizado si poseer el manejo de la escritura o las máquinas como la rueda; en el que disfrutaron de las técnicas más refinadas tales como la fundición del platino, en joyería, que son extremadamente valoradas aun en nuestros días.

En Sudamérica se desarrollaron, tardíamente, imperios y tribus de la región andina; dentro de los mismos como eje de las sociedades, se crearon las magníficas cultura Nazca (Siglo I-VII), Inca (Siglo XII-XVIII), que sucedieron a sus vecinos del norte Aztecas (VIII-XV) y Mayas (XII A.C.- II A.C.). Muestra de las sociedades de aquella era, es el arte que ha trascendido al coloniaje, que conocemos con el nombre de arte precolombino.

El arte precolombino presenta rasgos culturales, evidencia de un gusto y una estética altamente perfeccionados.

La costa oeste de América del sur es muy poco conocida arqueológicamente, y ahora se redescubrirá brevemente, susceptible de develar algo nuevo, en el siguiente estudio sobre los vestigios arqueológicos que se encuentran en Ecuador. En este territorio es licito admitir que, antes que entraran los incas, ya estaban asentados al menos cinco centros de cultura, de estos centros en la región montañosa desde la actual provincia de Imbabura conocida su capital Otavalo; Quito mismo (Quitu, poblado desde 900 acá) fue el centro de otra cultura ancestral, los Caras que llegaron por mar a las costas de Manabí y subieron la cordillera Para evolucionar en un nuevo pueblo llamado los Chiris (Quitu-caras) los Carisquis, entretejido así un delicado entramado de intercambio, una red comercial que comunica su lengua, sus productos; cada pueblo entre las regiones naturales del paisaje entre la costa y la cordillera. Siguiendo el vuelo de los cóndores hacia el sur, los Puruñas y, los Cañarís, estos últimos más influenciados por la Civilización Inca que los centros del norte, es decir que geográficamente se encuentra más cerca de la frontera norte con Perú.

Estas tribus llegaron a establecer lazos de intercambio más allá de la costa con otras tribus de centro América, así tenemos las tribus de la costa como la cultura Valdivia (4000-1500 a.c. periodo formativo) reconocidos como unos de los primeros grupos ceramistas en América.

Ellos utilizaron la técnica de cordel para la fabricación de tinajas con forma de mujer y vasijas religiosas mediante diseños de gran esquematismo y de abstracción de las

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formas, pasando el Real Alto vamos tras los objetos que están encabezando la lista de objetos, los asientos de piedra de Cerro de Hojas y Cerro Jaboncillo en Manabí por los cuales esa parte de América del sur es notoria pero lo que la mayoría desconocen son los bajo relieves8.

8 BAJO RELIEVES.- El último grupo de esculturas de piedra, que son quizá, aún más interesantes que los asientos de piedra, son fragmentos de bajo relieves, de los cuales una gran cantidad ha sido juntada en esta colección. Estos son todos de Cerro Jaboncillo. Nosotros conocemos solo de un ejemplar de bajos relieves de Manabí que han sido descritos hasta ahora: este está ahora en el Museo del Trocadero en Parás.

La ilustración dada por Hamy muestra que la escultura está probablemente completa (ver bajo

relieve).

IMAGEN 1: MAPA DEL ECUADOR PRECOLOMBINO

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EJEMPLOS DE BAJO RELIEVES ECUATORIANOS (1800 ac. - 2100 a.c.) SIMILARES EN ANTIGÜEDAD A LA ESCULTURA DE CHAC MOOL.

Bajo relieve Chac Mool

En Ecuador en particular, conserva parte de su herencia aborigen, en ese sentido sigue un cause muy arraigado en las formas ancestrales, representadas por los antiguos habitantes, de ese territorio contenido entre los trópicos (4000 A.C.)

2. Vasija antropomorfa/ Capulí1100 - 1532/Vasija

3. Máscara/ Capulí/ 1100 – 1532/ Máscara

4. Parto Capulí/ 1100 – 1532/ Figurines

5. Vaso Chorrera/ -950 - -350/ Vaso Cerámica 18,4 cm

6. Botella Antropomorfa/ Chorrera-950 - -350/Botella

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1.3 Materiales

1.3.1 Textiles.- La manufactura de esta prenda artesanal es reconocida entre la sociedad andina, el tejedor o tejedora que ha demostrado su destreza a realizar uno de estos tejidos, es sumamente respetado, pues se trata de expertos manejando la técnica del tejido y manejo de los telares, comúnmente utilizados en la región andina. Para crear distintas prendas como ponchos, llicllas, cinturones, chuspas10 y cintas, los telares pueden ser de varias clases y su uso depende del tejido, sirven al artesano para confeccionar los tapices, dando tensión a los hilos. La selección de ciertos hilos determina la forma y construcción del diseño con los colores ayudados con un huso puntiagudo de llama (wich´una). Con cada paso de la lanzadera se estira con fuerza una tira de madera o hueso. Las técnicas de hilado y tejido se combinan así para dar las características de densidad de puntos y tirantez a las fibras que han adquirido tanta fama. La confección de uno de estos tapices es tan meticulosa y detallada que puede llevar hasta seis meses; la mayoría de estos entramados se tejen por ambos lados logrando un efecto de los colores en negativo y positivo por el derecho y el reverso del tejido siendo cada vez más valioso por su categoría artística si se toma en cuenta los detalles en la calidad de la lana y a su compleja elaboración convirtiendo su realización en una fuente de prestigio.

Debido a que el artesano no dispone de un circuito de distribución propio, generalmente, deberá aceptar los precios que se le pague por su obra, por parte del intermediario quien además distribuye la materia prima, a elevados precios, colocando en una posición desfavorable al artesano. Esta situación recuerda el tiempo de los indios en los obrajes en la época colonial, propiciando más bien, un entorno en desigualdad y aislamiento económico para el artesano al que se le dificulta la acumulación de capital por el incremento de su trabajo.

Los intermediarios son al final los que más ganancia obtienen del comercio de los tejidos que se comercializan como suvenires en el mercado turístico. Debido a esa razón el atributo ceremonial de la prenda, se va cambiando por características más estandarizadas determinadas según la exigencia del comprador final, que ejerce influencia sobre los motivos de los tapices (Pallais) que eran específicos por ser distintivos de cada comunidad11.

10 chuspas (bolsitas)/ llicllas (especie de capa o manta muy fina) 11 “Las condiciones que han favorecido el paso del valor de uso por el de cambio de los tejidos andinos, así como el monopolio que detentan los intermediarios, naturalmente han transformado la producción textil andina. Los motivos tradicionales de las telas (pallais), que eran específicos de cada comunidad, tienden a estandarizarse en el proceso de comercialización de los textiles. La demanda exterior no solo ha incorporado

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Borde de manto Máscara de manto funerario Camisa- unku

Los textiles son considerados espacios vivos13 que transmiten códigos que sus propios creadores desconocen cómo descifrar. A través de sus colores, los motivos y las formas los tejidos andinos son un medio de comunicación, así mismo, el simbolismo de los textiles está en la torsión de los hilos y las técnicas de tejido, constituyen parte de la identidad étnica de los individuos, añadiendo una dimensión ceremonial al espacio.

Para bien de la mano de obra indígena la manufactura de estos tejidos refuerza su identidad andina, que en estas circunstancias han promovido la circulación de sus

diseños prehispánicos inspirados en descubrimientos arqueológicos recientes, así como motivos de origen occidental, sino que provoco asimismo una producción dedicada exclusivamente al mercado turístico en la forma de tapices. Estos cambios he imitaciones se deben a la iniciativa de los intermediarios, que tienden a adaptar la producción textil a los gustos de los consumidores. La unidad doméstica andina se adapta igualmente a esta nueva coyuntura económica, y el tejido de orientación comercial, generalmente, ya no es una especialización por el sexo y la edad, como lo fuera antes. En ciertas comunidades, la utilización del telar de pedal ya no es exclusivamente masculina y lo mismo pasa con el telar de cintura, que era femenino en su origen.” (Memoria textil…) 13 “La percepción de la organización del espacio andino se refleja en la disposición de algunos motivos o colores en los textiles. El tejido andino es un medio de comunicación que transmite mensajes (a través de los motivos, los colores, la forma…) sobre la realidad social y la cosmología local. El tejido se percibe como un ser vivo, y así “cortar un tejido es hacerlo morir”…Lo simbólico en el textil se encuentra asimismo en los tipos de torsión de los hilos y las técnicas de tejidos que materializan algunas de las múltiples facetas del dualismo andino.”

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textiles en el mercado mundial, poniéndolos en circulación en el contexto global. En Ecuador, la producción artesanal de tapices y vestidos, alcanza un importante renglón entre las cifras de productos ecuatorianos, 36% de los artesanos se a la artesanía textil. Esto podría reflejar un alto desarrollo cultural pero en la realidad no se ve esa riqueza sino que los artesanos complementan esta labor con la agricultura entre sus actividades económicas dentro del núcleo de las familias andinas, junto a las migraciones y el trabajo de jornalero, como lo menciona Anath Ariel de Vidas

“Pero aunque la artesanía comercial no sea el medio más eficaz de aumentar los ingresos de los artesanos, la expansión y la evolución de la producción artesanal andina, donde predomina el sector textil, prueba que, a pesar de todo, la artesanía constituye una alternativa o un complemento para la precaria economía agrícola.”

Actualmente en Ecuador, la actividad textil en los Andes de ha diversificado entre una comunidad u otra de los pueblos indígenas que se mantienen hasta hoy, extendidos a lo largo de la región montañosa del país, de sur a norte, cada una de estas culturas busca diferenciarse del contexto tardo capitalista que la rodea; debido a que conocen su calidad y el valor de su manufactura, aunque no dispongan la autoridad sobre el fin que pudieran alcanzar estas finas mercancías, puesto que otros intermediarios disponen tanto, la materia prima, cuánto los canales de distribución. Entre los tejidos encontramos los paños (chalinas jaspeadas) de Cuenca, las alfombras de puntos anudados de Guano, suéteres tejidos en Mira, bordados y tapices de algodón de Cañar (actividad particular de los presos de la cárcel local) y la producción de tapices y alfombras de Otavalo y Salasaca.

“Estos ejemplos ilustran la evolución de la artesanía textil local y, más exactamente su transformación en objetos de consumo para grupos sociales extraños al grupo productor.

En ambos casos, la producción, aunque profundamente alterada, se basa en una económica de origen tradicional. Pero, a pesar de que el tipo de producción sea más o menos parecido, la comercialización de la producción textil se realizó de manera totalmente diferente en cada caso (...) la iniciativa y los intereses exteriores, convergieron en una explotación comercial donde se entrecruzan tradición y modernidad”.14

14 Esta evolución de la tradición artesanal actualmente representa un 36,2% de los artesanos en Ecuador dedicados a la fabricación de textiles y vestidos finos.

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La producción de tapices, tejidos, telas y vestidos, tanto de Ecuador, como de los países vecinos de Perú y Bolivia, difieren en esencia, prácticamente, no han variado los elementos estéticos y técnicos a lo largo de la madeja que hila el delicado proceso de readaptación de la estética andina a las nuevas situaciones socioeconómicas, manteniendo una línea evolutiva matizada y coherente con su contexto antropológico como eje de la sociedad.

Fragmento de camisa

Degradaciones de color (k` isas) en el borde de una banda

Esta evolución de la tradición artesanal actualmente representa un 36,2% de los artesanos en Ecuador dedicados a la fabricación de textiles y vestidos finos.

1.3.2 Madera.- Según la provincia y la región natural, es la clase de artesanía, utilizando la materia prima de la naturaleza circundante, que se encuentre de forma abundante, así, los cantones que destacan en la talla de la madera, Ibarra y San Antonio que alcanzaron en la actualidad el desarrollo de la ebanistería, talla escultórica y elaboración de instrumentos musicales y de percusión.

Los efectos de esta actividad artesanal de la madera de San Antonio son beneficiosos para las personas que allí viven, la cultura de este grupo étnico en particular se

Tapiz con incrustados de Tagua

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manifiesta en la actividad artesanal15, reflejando el rasgo etnográfico que los diferencia como cultura del resto de pueblos vecinos. Pero este fenómeno se produce a consecuencia de la construcción de vías de comunicación que permitieron a esta cultura darse a conocer.

Guitarra de juguete

Arado

Máscaras rituales

Utensilios

15 Los censos arrojan que 97% de los habitantes se dedican a la talla en madera, atrayendo un volumen de turismo cada vez superior a este pueblo, desde 1966 con la apertura de la vía Panamericana Norte contribuyendo a la integración de los artesanos desde el plano local en que se encontraban hacia la aldea global del mercado internacional, atrayendo el ingreso del turismo desde 1970 lo que motiva a su vez la cultura artesanal.

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1.3.3 Tagua (Microcarphas Phitelephas).-

La tagua es una palma de la cual se extrae el material conocido como “el marfil vegetal”. Este producto se encuentra en la zona subtropical de la cordillera de la cordillera andina, en las costas de Manabí y Esmeraldas.

Este producto que representa un renglón económico para el Ecuador desde 1850 utilizada para la manufactura de botones de alta calidad y, se comercializaba en los puertos de la costa ecuatoriana; varias provincias se dedican a la creación de diseños decorativos y utilitarios en el proceso de transformar la tagua en artesanía.

FaustinoRayo 2009. “RUEDA” Ensamblaje, madera rústica, sogas, rueda de bicicleta. 170 cms x 60 cms x 35 cms.

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1.

2.

3.

4.

5.

1. Tagua policromada / 2. Piezas de ebanistería / 3. Utensilios / 4. Botones para ropa / 5. Bisutería

1.4 El Arte de América Latina.-

En la transición hacia el siglo XXI debe atravesar la barca conceptual entre “conquista” hacia el “encuentro” de los mundos depurando los vestigios de conciencia colonialista por una visión mundializada en el plano político, económico, cultural, en una relación de respeto entre Europa y América superando la imagen conservadora y retórica de la “Madre Patria” y sus “Hijas” de América. El nuevo contrato, es motivado por nuevos intereses económicos y geopolíticos de la recientemente iniciada integración europea. El proceso viene formando su propio cause, atravesando el Modernismo y los problemas estéticos del siglo veinte tratados desde la realidad artística, comprendiendo las diferencias estéticas y culturales que manifiestan los diversos

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países fomentadas por esa tradición que caracteriza a cada uno, siguiendo cierta homogeneidad vista a través del cristal de la postmodernidad, caracterizada por “lo primario” o “ lo telúrico” como denominador común para el arte en Ecuador y sus vecinos más conocidos de Sudamérica como Colombia, Perú o Brasil, determinadas por su carácter fuertemente folclórico o exótico, económicamente debilitados frente a las construcciones culturales y racionales de la civilización europea.

“No obstante, y teniendo siempre en cuenta esa pluralidad u diferencias constitutivas, (...) los artistas de Latinoamérica (...) actúan hábilmente sin excusas culturalistas, con la libertad que esta sedimentada en las obras, en las experiencias mismas. Abiertos a la información del ancho mundo pero lejos de la enfermedad historicista y de las modas vertiginosas que atenazan a muchos creadores en otras latitudes.” J. Jiménez, 2001

“El cuarto espíritu americano es la fusión, en parte por ser la única tierra que durante cinco siglos ha sido tierra de migración y acogida, en parte por América vive de la escenificación de un futuro permanente. Para los demás continentes, especialmente para los europeos y asiáticos, América ha sido y es la promesa de lo nuevo, no solo en cuanto a lugar diferente y virginal, sino también en cuanto al escenario en que toda representación es posible. América ha crecido en un espíritu de fusión impensable para Europa. En muchos sentidos eso la ha colocado en una situación ventajosa o al menos avanzada.” J. Jiménez, 2001

La región interandina produce un nuevo modelo concibiendo la ciudad como territorio de fusión general de todas las tradiciones, de sincronía entre idiomas, de lucha entre religiones, de cruce entre futuro y pasado, de conciencia universal. La Metrópolis Tribal. En ella queda destrozada cualquier noción precedente de ciudad preestablecida, como germen de civilización, por la hibridación que transgrede permanentemente los límites.

“Opulencia y miseria se alimentan mutuamente mientras la más sofisticada tecnología convive con los ritos ancestrales.” J. Jiménez,

2001

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1.5 Escultores ecuatorianos contemporáneos17.- El espíritu de la fusión: Se trata de esa América radical y extrema en medio del vacío, en el seno de la anti-ciudad donde se han construido megalópolis monstruosas. Visto desde el cielo nocturno el continente americano es una mancha oscura en la que, de repente surgen difusos puntos luminosos, con excepción de esas “grandes serpientes lumínicas”, ciudades agazapadas en la penumbra, Cuidad de México o Sao Paulo, ciudades-mundo, con poblaciones que hace un siglo solo era concebible para países enteros; que le dan a Suramérica esa suerte de fusión universal de razas, culturas y memorias. J. Jiménez, 2001

17 Escultores ecuatorianos contemporáneos: Jesús Cobo (Chunchi 1953): Mi maestro durante los años del grado en la técnica de escultura en piedra. Es un riguroso y prolijo escultor; guiado por la corriente del modernismo de Arp y Moore, evolucionando hacia ideas más personales, jugando con las formas y elementos de la naturaleza alrededor de conceptos como Río, Playa, Sed, Cascada, etc. Que responden al naciente interés del artista por el entorno geográfico. Luis Viracocha (Quito 1954): Escultor de línea directa, lleva un legado ancestral de su padre y su abuelo, la estirpe que según el mismo afirma está ligada al dios Viracocha el cual le dejó el legado de esculpir y trabajar la piedra “soy un descendiente del dios Viracocha, que fue adorado por siete mil años, tiempo que duró el imperio del Tahuantinsuyo” L. Viracocha. Oswaldo Viteri (Ambato 1931): “Viteri plantea su permanente preocupación por el mundo contemporáneo, por su propio contexto, por la necesidad de afianzamiento, de reconocimiento e identidad en América.” Rodríguez, 2011 “…Los artistas han incorporado a su obra materiales y objetos simplemente encontrados o expresamente hechos por comunidades locales, en un intento de acercarse a estas culturas que no son las suyas. Oswaldo Viteri, que había estudiado Antropología, reúne pequeñas muñecas de trapo de brillantes colores, fabricadas por los campesinos del Ecuador, y realiza con ellas composiciones metafóricas, como ocurre en "Ojo de luz". En sus "collages" puede aludir también, por medio del color y de los materiales, al pasado precolombino y a la indumentaria colonial. El título "Mestizaje" es la referencia más directa a las corrientes interculturales que se aprecian en su obra, la cual, como ocurre con la de muchos representantes de la más joven generación de artistas cubanos, se integra completamente en el contexto local y en el internacional (…)". "ARTE EN IBEROAMERICA" 1820-1980, Dawn Ades, Curadora General de la Exposición 1989

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JESÚS COBO.-

Guarda la depurada técnica y disciplina en la escultura, utiliza los procesos industriales para la producción de su obra en el tratamiento de la lava volcánica y el acero logrando así manejabilidad con los pesos y la dureza característicos de cada material. Su obra trata el abstraccionismo y la depuración de la técnica en el manejo de los materiales.

Artista: Jesús Cobo S/T, ensamblaje, 220cm, 2000

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LUIS VIRACOCHA.-

Posee profundos conocimientos del oficio y además se acerca a su trabajo con la pasión de la creación, relacionándose a la piedra desde un alma panteísta como un dios otorgándole a ese ser inerte, características humanas.

ARTISTA: Luis Viracocha

Bípedos depredadores, Piedra.

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OSWALDO VITERI.-

Es un poderoso artista neo-figurativo que provoca nuevas lecturas a través de los materiales y el gesto en el manejo de los colores. Ganó su reconocimiento como artista pictórico pero lo que nos interesa es su trabajo en el collage, nuestro principal interés en su obra artística, aunque su trabajo propone técnicas que incluyen dibujo, pintura, grabado y mosaico.

ARTISTA: Oswaldo Viteri “La sombra hace luz, la luz hace sombra”, Ensamblaje sobre madera, 122 x122cm, 2007.

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CAPÍTULO II: ESTUDIO Y ANÁLISIS DEL ENSAMBLAJE COMO TÉCNICA ARTÍSTICA (DESDE 1912).

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El ensamblaje como técnica artística de construcción, rompe con el viejo esquema del cuadro-ventana clásico, y establece una nueva categoría artística entre la pintura y la escultura, se desarrolló a partir de las innovaciones vanguardistas del cubismo para interpretar una nueva concepción de la realidad en el arte, mediante la abstracción visual, allanamiento de la imagen, desorientación espacial y temporal, ruptura de las jerarquías clásicas, inmersión en la cultura de masas, destrucción del realismo plástico y participación de lo real tridimensional real y táctil. Este nuevo arte es una expresión artística del modernismo, las grandes potencias industrializadas (Europa y USA), la producción en serie de la revolución industrial, la modernidad; es conocido también con otros nombres, según el país donde se implementaba esta estética 18 como assemblage (de Picasso), ready-made (de Duschamp), apropiación, objet trouvé, descontextualización, arte objetual, combine paintings (de Rauschenberg), Merz (de Schwitters), estas propuestas artísticas que tenían un fuerte impacto en la sociedad, surgieron en los años sesenta y se estructuran sobre los cimientos que pusieron los cubistas (Picasso, Braque y Gris) hacia principios de siglo XX.

2. 1 El Collage: .-

Pablo Picasso, realiza la maqueta “Guitarra”, concebida como construcción-escultura, aunque se trata de un relieve muy frágil en cartón, esta determinará la evolución de las propuestas escultóricas de la época, mediante la superposición de superficies planas en un espacio tridimensional fiel a la propuesta cubista. Esta sería la primera manifestación de un arte que podría llamarse de ensamblaje, pero Picasso no la ve como una transmutación escultórica de la pintura sino como una nueva expresión que denomina papiers collés, su consistencia es aun frágil y se basa en pegar los retazos de las piezas con goma, de ahí que se le diera el nombre de collage19, que en francés

18Estética: Forma de la realidad que adquiere la belleza en una sociedad. 19 El Collage y los Massmedia.- Nace con la introducción del periódico, que es un elemento cotidiano y además

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significa, algo así como, encolar o pegar con goma, esta primera propuesta obedece al postulado del cubismo20, tendencia artística esencial para el posterior desarrollo de las vanguardias, tanto en pintura cuanto a escultura. Hasta tal punto el collage es que treinta años más tarde sería considerado por William Seitz como la materia primigenia o technica mater para muchas de las prácticas artísticas del siglo XX. La importancia del collage como propuesta está más allá del mero artificio en la técnica, como lo afirmara Margaret Miller décadas después, siendo curadora de una exposición sobre los collages21.

2.2 El Assemblage.- La expresión assemblage se popularizó dentro del marco de una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York durante 1961, denominada The Art of Assemblage, comisariado por William C. Seitz; este concepto fue elegido para catalogar la muestra con el fin de abordar “todas las formas del arte compuesto y las maneras de yuxtaposición”.22 Dadas las circunstancias el collage ya no era un término que describiera el movimiento artístico de la época, porque ahora se producían obras artísticas totalmente tridimensionales, desde esculturas, instalaciones, performances, intervenciones, proyectos, etc., así mismos se hacían trabajos bidimensionales, planos, relieves, por eso no bastaba con el concepto de construcción ya que el assemblage define mejor a la acumulación, la constitución entre partes heterogéneas que de por una herramienta de los massmedia por su alcance propagandístico, como objeto ready-made explotando hábilmente su carga social y democratizadora (frente a la explosión demográfica y la revolución industrial estableciendo un manifiesto en contra de la política en la sociedad moderna y los círculos del “poder”) utilizando un mensaje “mixto yuxtapuesto”, de los ochenta collages que Picasso trabajase entre 1912 y 1913, 52 de esas obras tenían periódicos empastados. “El compromiso anti militar y anarquista de Picasso, que había madurado en su estancia en Barcelona, se hace evidente en su arte y encuentra el collage como la mejor vía de expresión de estos sentimientos.” Simó Mulet, Antoni, 2004.

20 El Cubismo es el movimiento desarrollado en Francia por Pablo Picasso, Juan Gris y George Braque, esencial para la vanguardia de inicios del siglo XX, pues daría pista para el despegue del resto de tendencia artísticas a lo largo del modernismo, propone nada más y nada menos que la ruptura de la pintura tradicional. Fragmenta la forma de las cosas por medio de figuras geométricas en líneas y superficies como si viéramos a través de un cristal resquebrajado, perdiéndose la perspectiva tradicional en las pinturas por una “perspectiva múltiple” en la que se representa todas las partes de un objeto en un mismo plano. 21 "El collage no puede ser definido como una mera técnica de cortar y pegar, ya que su significación radica no en su excentricidad técnica sino en su relevancia en dos de las cuestiones que han sido planteadas en el siglo XX: la naturaleza de la realidad y la naturaleza de la pintura misma. El collage ha sido el medio a través del cual el artista incorpora la realidad en la pintura sin imitarla." (Seitz, 1965:6) 22 (Elderfield, 1979:7). Vid., por ejemplo, Diane Waldman Collage, Assemblage and The Found Object,

Harry N. Abrams, Nueva York, 1968. Katherine Hoffman, Collage: Critical Views UMI Research Press, Ann Arbor, 1989; Allan Kaprow, Assemblages, Environments and Happenings, Harry N. Abrams, Nueva York, 1966.

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separado mantienen su propia identidad, pero, traslapadas introducen una unidad diferente traduciendo una lectura más amplia.

El arte como actividad social, busca representar una realidad en una reinterpretación de las costumbres y las prácticas cotidianas que caracterizan a cada clase protagonista de el cambio social; en la etapa de las vanguardias, también se representaba las actividades de la producción derivadas del modelo social para el desarrollo de la cultura, en este caso, de la producción industrial, surge una nuevo arte, como una crítica al modelo productivo y los medios masivos de comunicación y propaganda; desde esta perspectiva podemos decir, que el ensamblaje o montaje esta indirectamente relacionado a un sistema de organización industrial llamado Fordismo 23 (organización de producción dentro de los fenómenos sociales que 23 En los años cincuenta y sesenta los mercados locales e internacionales (con especial referencia a los de bienes de consumo manufacturados en masa) se caracterizaron por una demanda creciente, en términos de volúmenes, y estable, en términos de calidad y características de los productos. En este contexto, la mayoría de los sectores industriales estuvieron dominados por grandes empresas monoproducto, integradas verticalmente y caracterizadas por el típico modelo fordista de organización de la producción. Las empresas, ante una demanda en constante crecimiento y el conocimiento de la existencia de una única tecnología eficiente -de un paradigma tecnológico ganador (Piore y Sabel,

Guitarra, Assemblage. 1914.

Lámina de metal, cuerdas y alambre. 77 x 35 x 19,3 cm.

Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Mandolina y Clarinete, Escultura.

1913-1914. Madera.

77 x 35 x 19,3 cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

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afectaran a los artistas de la época) y, refiriéndonos al arte, los términos ensamblar y montar ya eran sinónimos populares de ese principio en la industria automovilística, por la conocida cadena de montaje implementada por Henry Ford. La apropiación de la palabra assemblage fue estratégica porque cubre una gran gama de actividades artísticas de la época como el collage, el décollage, el découpage, el montaje, el fotomontaje, etc. junto a otros factores que produjeron impactos sociales como los massmedia (el periódico como herramienta política) que intervendrían en los cambios que afectaron a la sociedad en la modernidad.

Dentro de ese marco podemos explicar también el décollage que se pusiera en boga por los años cincuenta y sesenta, creado por W. Wostell, M. Rotella y R. Hains que consiste en despegar trabajos que estaban yuxtapuestos o adheridos, son los affiches lacerées o carteles rasgados de los nuevos realistas de París. Tratando de recuperar el problema de la relación entre el arte y la vida cotidiana, allanando así un terreno propició los posteriores happenings en su apropiación consiente de la realidad.

“La obra entre lo absurdo, lo mundano y lo violento, con elementos de crítica sociopolítica…” FLUXUS

“Fluxus es lo que Fluxus hace, pero nadie conoce el misterio que encierra.” WILLIAMS E.

El interés por el Assemblage y el Collage en 1961, manifiesta una postura diferente ante la sociedad en la que vivían, esta nueva técnica de ensamblar objetos de uso 1984; cap. 2)-, optaron, para todos los años cincuenta y sesenta, por un continuo crecimiento dimensional que cubriera la demanda potencial, de modo que no se dejara espacio a nuevos posibles competidores. No obstante, en un modelo tal de competencia, también encontraban espacio un cierto número de pequeñas empresas. Efectivamente, existían, en cada sector, unos segmentos limitados de mercado que las grandes empresas encontraban conveniente dejar a empresas de pequeña y mediana dimensión productoras de bienes diferenciados (Piore y Sabel, 1984; cap. 3).

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cotidiano por medio de traslapar entre si elementos muchas veces disímiles, en un mismo contexto, componiendo así una nueva lectura, partiendo de la libertad técnica que les ofrecía el collage de los años 30 y 40, complementando el desfase que quedaba inconcluso entre el cubismo y el surrealismo.

"Figurativamente, la práctica del assemblage eleva los materiales desde el plano de las relaciones formales al de la poesía asociativa, precisamente como las palabras y los números, por el contrario, tienden a formalizarse. La transmutación tiende a moverse en dirección opuesta en la pintura del expresionismo abstracto, en la que el argumento es absorbido por el medio" (William C, Seitz)

2.3 Maestros del Assemblage.-

El assemblage refleja en las obras la abundancia y el derroche de la ciudad moderna, con sus desperdicios y sus aglomeraciones urbanas; transmite un mensaje sumergiendo la capacidad sensorial, en la estimulación, en la dispersión, derivados del desarrollo industrial, de los bienes materiales; según el criterio que expresa el crítico Lawrence Alloway cuando se refiere al trabajo de Rauschenberg artista plástico que participó en el grupo Fluxus "acción en el desnivel entre arte y vida" (J. Cage) en su instrucción dentro del Black Mountain College.

“De la misma forma que Cage permitía que cualquier sonido se convirtiera en música, Fluxus permitía que cualquier cosa se utilizara para el arte”. Demsey, A. 2008

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Robert A. Rauschenberg.-

Cuando apreciamos en una galería una obra como las esculturas de Robert Rauschenberg, tambalean nuestros paradigmas sobre la estética y lo que debe significar el arte contemporáneo. ¿Hacia dónde debe ir encaminada la creatividad de los artistas? A través de los nuevos materiales la humanidad ha modificado totalmente la composición de la realidad y, en lo que respecta a la escultura, simplemente se trata de utilizar estos lenguajes sintéticos parta recomponer ese discurso sobre la belleza con objetos que, sacados de sus contexto, se convierten en un signo (el urinario por ejemplo), es así que la cabra de R. Rauschenberg nos abre una nueva dimensión a la reflexión enfrentados a la pieza en un museo como detonante de la revolución del arte moderno.

ARTISTA: ROBERT RAUSCHENBERG INSTALACIÓN “MONOGRAMA” MODERNA MUSEET ESTOCOLMO

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Nam June Paik.- Nam June Paik describió su carrera artística como “Nada más que la extensión de un suceso memorable en Darmstadt en el 1958”. Su trabajo toma un giro trascendental gracias a la influencia positiva de John Cage.

ARTISTA: NAM JUNE PAIK TÍTULO: TV BUDDHA VIDEO Y POSMODERNISMO

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Joan Miró.-

Un hito en la historia del arte del siglo XX, es Miró, el realiza la obra de arte más sincera en su relectura de la realidad según la visión moderna del arte y la sociedad, el surrealismo, muy diferente de lo que planteaba el arte un siglo antes (siglo XIX), pero aun así notamos que la secuencia va siguiendo prácticamente el mismo recorrido inspirador europeo basado en la seducción de los sentidos, en esa huida romántica, productora de mitos, con base en la producción de corte académico, estableciendo nuevos paradigmas. Incursiona con su técnica en variedad de lenguajes plásticos, como reacción escapista hacia los modelos eclécticos, desarrollando su arte para trascender la pintura y la escultura por medio de sus creaciones, emulando la gloria alcanzada cien años antes, en el siglo de oro de la escultura por medio de su estilo.

Joan Miró. Femme sur la place d'un cimetière (Mujer en la plaza de un cementerio), 1981-1983. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

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CAPÍTULO III: CREACIÓN ARTÍSTICA DE LA OBRA DE ENSAMBLAJE

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Desde que se concibe la idea moderna de las ciudades en los años ´20, basadas en el gusto por las imágenes mecanizadas, impersonales y abstractamente urbanizadas, crece así mismo, el gusto opuesto que encierra un interés por lo que era primordial, “primitivo”, mítico y estaba vinculado al mundo natural (Hughes, 2001). En la actualidad el fruto de esa concepción de la humanidad se traduce en la sociedad latinoamericana, dentro de la cual podemos sentir la combinación de tales vibraciones.

“El Arte, al final, raramente queda al margen de las corrientes profundas que se mueven en la sociedad que lo rodea”. Hughes, R. (﴾2001)﴿24

Siguiendo la beta esencial del arte aborigen25 encontramos una forma que encaje en el espacio como un icono inspirador de nuestra propuesta escultórica basados en ciertas preferencias estéticas universales sobre estructuras visuales caracterizadas por su simetría y equilibrio en consonancia con los postulados de la Gestalt (Gubern, 1996). Seguimos una formula con honestidad para no desviar el discurso de la obra que a su vez será leída y reinterpretada por los espectadores y críticos según subjetividades que determinan su valor, según formato y escala, categorizadas.

24 “Toda afirmación de identidad es también una exclusión de los otros. Aun así, no parece el sentimiento más apropiado para un artista o escritor. Los deseos que entran en juego en la creación de una obra de arte pueden ser muy complejos y conflictivos, y tal vez no tengan nada que ver con la pertenencia. (La mayor parte de la historia del arte moderno es un relato de exilio y desarraigo.) Uno hace arte para permitir que se exprese el yo desconocido, desconocido para los demás pero también para el propio artista; la obra se abre paso a tientas guiada por tal resolución, y los eslóganes de la identidad pueden ponerle trabas.” Hughes, R. 2001 25 “…retrocedamos hacia el capital genético humano a través de las observaciones de los psicólogos y etólogos, como Irenäus Eibl-Eibesfeldt. Según tales experimentos, efectuados con chimpancés, con niños y con miembros de tribus contemporáneas que viven en la edad de piedra, existen ciertas preferencias estéticas universales hacia formas o estructuras visuales caracterizadas por su simetría, equilibrio, etc.” Gubern R. 1996

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3.1 Técnicas y Materiales:

Guiado por un proceso intuitivo, como si se tratara de estabilizar un trípode, o, como si iniciásemos un programa informático nuevo, sin un manual de instrucciones; tejemos una trama de ideas sobre un concepto para resolver el por qué, el para qué y el cómo, pero sin utilizar los paradigmas convencionales en un primer punto de partida, esto determina cierto grado de dificultad, puesto que se trata de conceptualizar una idea sobre la realidad, basada en la amalgama de los distintos materiales y objetos logrados a partir de las técnicas artesanales de la cultura popular de la identidad ecuatoriana, hacia una propuesta simple, ensamblar arcilla sobre metacrilato, mediante resinas, tornillos, enlazando una sola estructura.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO WORK IN PROGRESS “ENSAMBLAJE FOLCLÓRICO” 2014

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Costo de producción.-

La fuerza de trabajo es la que determina el costo en la producción de la obra de arte, corresponde una factor esencial de la creación pues es ella es el fruto de la inventiva, el razonamiento y la creación artística, no valorar es factor desmerecería el esfuerzo de la colectividad que intercambia su fuerza de trabajo en por su jornal, justo pago por el desgaste de energía, la obra de arte, implica un valor que excede ampliamente la media de los costos, en cuanto a la relación tamaño/volumen, así como, en su potencial de suplir las necesidades básicas, tanto es así, que lo convierte en un objeto de lujo. Pero esta no es su finalidad, sino, la de manifestar los rasgos de una cultura por medio de la actividad artística, es sus relaciones comerciales y su valor de cambio, y, si queremos volverla exequible deberá siempre ser mucho mayor el costo de la mano de obra al de los materiales de producción, de lo contrario, reflejaría tan solo el coste del objeto industrializado.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO ENSAMBLAJE BRONCE Y CLAVIJAS “MUSICALIDAD FEMENINA” 2014

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Cada técnica implica un valor en la creación de la pieza final, representa juntamente con los materiales, al igual que en la construcción de los bienes muebles o inmuebles a los cuales accedemos en las relaciones comerciales de adquisición de los bienes.

El escultor Haeckel Rivadeneira en la construcción de su ensamble artístico de una pieza de bronce con clavijas de guitarra y cables de bronce

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Técnica Fundición del bronce

Con base en las formas aborígenes y los paradigmas culturales de la belleza precolombina, se logran los volúmenes orgánicos y delicados de las figuras, como embriones a cada composición, que se fusionaron a partir del modelado en barro, trayendo a colisión quizá, piezas cocidas con técnicas industrializadas pero concebidas desde una perspectiva de la otredad, artísticamente hablando.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO DETALLE DE TEXTURA ESCULTURA EN BRONCE “ENSAMBLAJES FOLKLÓRICOS” 2014

ARTISTA: FAUSTINO RAYO DETALLE DE ROSTRO ESCULTURA EN BRONCE

“ENSAMBLAJES FOLKLÓRICOS” 2014

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Modelado (cerámica):

ARTISTA: FAUSTINO RAYO ESTUDIOS DE COMPOSICIÓN, ARTESANÍA Y

RECICLAJE 2014

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ARTISTA: FAUSTINO RAYO PIEZAS DE BARRO COCIDO DE FORMAS ORGÁNICAS BASADAS EN LA ESENCIA DEL FORMALISMO ABORIGEN 2014

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ARTISTA: FAUSTINO RAYO WORK IN PROGRESS MODELADO EN BARRO BLANCO TÉCNICA DE CORDEL 1ERA FASE 2014

ARTISTA: FAUSTINO RAYO WORK IN PROGRESS MODELADO EN BARRO BLANCO TÉCNICA DE CORDEL TEJIDO DE LOS CORDELES 2014

ARTISTA: FAUSTINO RAYO WORK IN PROGRESS MODELADO EN BARRO BLANCO TÉCNICA DE CORDEL CONSERVACIÓN DE LA HUMEDAD 2014

ARTISTA: FAUSTINO RAYO MODELADO EN BARRO BLANCO TÉCNICA DE CORDEL ESTADO PREVIO A LA COCCIÓN 2014

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Parte del curso sobre creación artística, consiste en experimentar con todas las técnicas posibles a partir de los procesos de producción inmediatos y accesibles con el fin de enriquecer mi obra y darle ese estilo cargando, cada pieza con nuevo conocimiento, fuera de los límites de mi propio lenguaje; ese fue el caso de la presente colección de piezas preparadas para el TFM, en esta ocasión la técnica de cerámica era en sí misma, significa para el escultor, una novedad, luego la cocción de las piezas en el horno, trayendo consigo un grado de dificultad agregado dado que esta cualidad artística será nuestra diferencia competitiva frente al contexto visual actual.

Líneas de tensión (Cuerdas):

Desde las tensiones que generan los pesos y las cargas en una construcción tanto arquitectónica o las partituras escritas sobre un pentagrama, mi escultura, se refiere a lo musical, en términos del conocimiento básico inmediato a todos, utilizaremos cuerdas de guitara, cable de bronce o hilos de nylon para amarrar, ajustar y comunicar unión entre las partes, destinadas tanto para sujetar y/o en su defecto a provocar vibraciones sonoras a raíz de la materia prima industrializada.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO DETALLES DEL ENSAMBLAJE BRONCE Y CLAVIJAS “MUSICALIDAD FEMENINA” 2014

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Faustino Rayo “Analogía femenina” Bronce 60cm x 22cm x 11cm

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Artesanías.-

Mediante la acumulación de objetos artesanales quiero crear la fachada más pintoresca en mi escultura, expresando la alegría del pobre, la ingenuidad, la certeza, de lo perdurable con cierto dramatismo que festeja la picardía del doble sentido y, la dualidad arraigada en las culturas andinas y, puestas en acción con iluminación, que se entrelacen con los cables y las cuerdas entre las vasijas y el metacrilato, logrando así darles una nueva vistosidad. El único riesgo es la cercanía formal y a los productos de traídos y comercializados desde China, en cuyo caso estaría denunciando un problema distinto.

Faustino Rayo “Sin fin de espejos”

Artesanía con Iluminación LED

67cm x 28cm x 13cm

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En la imagen superior se juntan objetos artesanales disimiles entre sí, lo más sencillo posible, en la construcción de nuevos imaginarios, es aquí donde la composición le otorga un valor artístico de objeto nuevo, formando algo de la nada, ocupando un lugar en el espacio-tiempo con un gesto perenne, gracias a las técnicas constructivas del arte en escultura. El sistema de producción, que desenvuelve nuestro entorno, desde la poscolonialidad sudamericana, de la historia precolombina, productora de artesanía, donde la mano de obra altamente calificada, realiza objetos de calidad consistente, pocas ideas pero lúdicas y simples, juntando objetos diversos, deconstruyendo viejas imágenes mediante una relectura de sus formas, tal vez, utilizando materiales alternativos.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO ESTUDIO DE COMPOSICIÓN ENSAMBLAJE DE ARTESANÍAS 2014

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Metacrilato.-

Reciclaje de una estantería rota encontrada en la vereda, consiste la materia prima que buscábamos para los tabiques de este ensamblaje con nuevos materiales industrializados.

Faustino Rayo “Composición Amónica”

Ensamblaje de barro y Metacrilato.

75cm x 28cm x 21cm

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Iluminación y sonoridad.-

Una escultura estaría iluminada desde el interior, otra está sonorizada con audio preparado exclusivamente para la pieza y sonorizados por medio de mp3 y audífonos

Es interesante cómo se aprende haciendo, tratando de armar un mensaje que sea captado de forma visual, para lograr una experiencia estimulante en nuestro espectador, componer la exposición, con factores se van sumando caóticamente dentro de una organización entre los lenguajes artísticos que componen la muestra, sincronizando con el motor que generara la imagen real hacia el enlace sensorial del mensaje en el receptor.

ARTISTA: FAUSTINO RAYO SECUENCIA LUMINOSA DE LA ESFERA

DENTRO DE UN ENSAMBLAJE ARTÍSTICO TÍTULO DE LA OBRA: RIZOMA

2014

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Faustino Rayo Título: “Rizoma” Ensamblaje, barro y Textiles. 60cm x 30cm x 40cm

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Entre las disciplinas artísticas, que derivan del proceso de la percepción, se traslapan como reflejo del desarrollo de las disciplinas estéticas, nuevas subjetividades, así surgen nuevas técnicas de exponer, ya sea, algo científico o artístico, interviniendo en ello el factor comunicación; consiste en negociar, organizar, y reunir los distintos medios, para llegar con mayor claridad y limpieza a comunicar un mensaje artístico, cuando se trata de exponer la obra de arte en una galería o espacio público determinado fuera del museo, hacia el espectador.

Escultura “Faustino Rayo” 2009

El gesto de comunicar con los materiales en la escultura es una práctica actual de la cultura visual.

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El escultor con soldadura eléctrica como especialidad, desarrolla la técnica artísticamente hasta jugar con el arco reflejo y el metal en su estado de incandescencia, cada retazo compone un fragmento del enunciado total logrando así obras de arte, mediante la adición de material, proyecta una técnica escultórica de alto nivel, ideal es luego, ceder el podio al bronce como la técnica más refinada, la fundición de los metales; quedamos ingrávidos

Frente al universo de la escultura, cuando la materia es un elemento físico en estado libre, se nos presenta como algo sólido, tridimensional, o, tan sutil y efímero como la luz, el sonido, la misma información digital, que es donde finalmente nos encontramos, donde las cosas no importan por su forma y uso, en cuanto a su capacidad de estimular la percepción.

Faustino Rayo Título: “Tucán”

Ensamblaje, Cubiertos metálicos y desperdicios

metálicos. 2009

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3.2 Curaduría de la Muestra (la galería).- Esta es una nueva espacialidad en el arte a partir de la modernidad, que surge con la crítica de arte en los centros de exposición que recibía ahora la participación de los historiadores del arte y filósofos, cuando se experimentaba, reuniendo todas las actividades humanas dentro de un cubo blanco (la galería) filtrando el discurso estético por la crítica de arte. Aunque lo que diferencia esta muestra es su marginalidad en relación del mercado del arte (González, 1974), sentimos la motivación de generar un impulso, su comunicación para sacarla a la calle antes que llegar al museo. Resumido en un breve relato, se implementa un plan de acción, el primer paso es encontrar el lugar de la intervención, luego que previéramos un breve esquema mental de la escena ideal para la exposición de esta obra, con su correcta integración a un determinado contexto (no es tarea fácil), dentro de la producción total de la muestra de escultura. Se cuenta con los participantes entre los que cuentan un pintor, (Louis Pierre), un video artista (Frida), una arquitecta (Irene) y un escultor (Rayo). Se cuenta con el respaldo del “Espai Mescladís”, además por cuenta de esta labor surge la oportunidad de exponer en un centro cultural gracias al Casal del barrio Pou de la Figuera en Barcelona (﴾…manos a la obra).

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Cartel de la Exposición Diseño Gráfico: Frida Ocampo

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CONCLUSIONES

El resultado es un crisol de las nuevas texturas plásticas, orgánicas y pureza biológica, que proponen una distinta expresividad en la cultura visual y, establecen paralelismos estéticos frente a los materiales que ofrece el mercado occidental, de marcado tinte industrializado, que entablan un diálogo entre el material, la mano de obra artística y el discurso de conservación escencial de un “rizoma” aborigen arraigada en la cultura popular y los círculos sociales cultos.26

El altísimo grado de florecimiento cultural, que logra la civilización indígena en los Andes combina la pluralidad y riqueza cultural del Continente, destruye el estereotipo homogeneizador del “indio”, del “salvaje” entendido como lo primigenio acercándose a una forma verdaderamente abierta y no eurocéntrica, rica en tradiciones culturales autóctonas, del mestizaje y su gran diversidad formada del proceso de “Descolonialización” frente a la fuerza homogeneizadora del mercado y los medios de comunicación.

A pesar de que los assemblage describan una realidad caótica de la sociedad no dejan de lado la sensibilidad del artista, esta se revela en la obra de arte, buscando marcar, emparentar, plasmar una huella cada vez más personal, en una suerte lúdica de fundir el contenido en la estructura, con un sabor particular y enigmático en la obra (este sería el estilo que fue lográndose). Nos encontramos frente a un tipo de iconoclasia, que deconstruye el modelo clásico de escultura, en sus técnicas y formas de representación desde el arte egipcio hasta Brancusi, como artistas, que debíamos representar la forma en el espacio desde sus 26 “Por lo que el impulso que se le debe dar a un sector que elabora productos de naturaleza distintiva que nos identifica como país desde tiempos ancestrales se vuelve una necesidad, no solo de identificarnos internamente, sino de la forma como nos proyectamos al mundo. Como expresa la UNESCO, la naturaleza especial de los productos artesanales se basa en sus características distintivas vinculadas a la cultura, tradiciones significativas religiosa y socialmente.” Dirección de Inteligencia Comercial e Inversiones 20/12/2012 SG

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tres dimensiones, trascendemos los soportes, intentando traslapar las realidades desde distintas materias adaptando a la adición, la yuxtaposición, por medio de la utilización de objetos y pigmentos en la escultura. El proceso de creación artística formó su cauce, atravesando el modernismo y sus problemas dialécticos propios del siglo veinte, tratados desde la realidad cotidiana, comprendiendo las diferencias estéticas y culturales que manifiestan los diversos países fomentadas por la tradición que caracteriza a cada uno, vista a través del cristal de la postmodernidad. La obra desarrollada para el trabajo fin de master tomó un carácter marcado por “lo primario” y “ lo telúrico” como denominador común para el arte en Ecuador y sus vecinos más conocidos de Sudamérica (como Colombia, México o Brasil), determinadas por lo folclórico y lo exótico, aunque económicamente debilitados frente a las construcciones culturales y racionales de la actual globalización, mantienen rasgos sencillos y originales de una visión iconográfica distinta, y, a la vez manteniendo un contacto con la actualidad tecnológica, gestando una propuesta de lo étnico, y lo tectónico.

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INDICE DE IMÁGENES

Artesanales:

- Unku-Museo Chileno de Arte Precolombino http://www.precolombino.cl/sala-textil/fragmento-de-camisa-unku-2/ http://www.paula.cl/tendencia/a-telar (jun 23 2014) (pdf) p. 12

- Primeros textiles precolombinos de Chile http://www.precolombino.cl/sala-textil/mascara-funeraria-pintada/ (jun 23 2014) p.15

- Primeros textiles precolombinos http://www.precolombino.cl/sala-textil/borde-de-manto-funerario/ p.12

- http://alabado.org/culturas-precolombinas/cultura-valdivia (2014-06-23) (PDF)

Maestros del Assemblage:

- Joan Miró: http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/joan-miro-colecciones-museo-nacional-centro-arte-reina-sofia (julio 31 de jul. de 14) p.32

- Robert Rauschenberg: http://sintonison.wordpress.com/category/uncategorized/page/9/ (2014-08-01) p.30

- Nam June Paik: http://www.brittanystanley.com/Blog/archives/tag/nam-june-paik (2014-08-01) p.31

BIBLIOGRAFÍA:

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Alianza, (1979) (pdf) pp.28-29 - CICLOTRÓN, Lourdes. Las Claves de las vanguardias artísticas en el siglo XX.

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Globalización: - JIMENEZ, José. El Final Del Eclipse. 2001. Fundación Telefónica - Madrid. Pp.18-

20 - HUGHES, Robert, 1938- Visiones de América. 2001. Galaxia Gutenberg. - GONZÁLEZ, Martín J.J. 1974. Historia del Arte. 1999. Madrid. GREDOS. - Artistas Ecuatorianos: - Jesús Cobo: http://www.centrocultural-quito.com/ccmq.php?c=1111 (2014-06-

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- PIORE, J. Michael, The Second Industrial Divide: Possibilities for Prosperity, 1984, New York. PDF. p.27