En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida pro la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

-         Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.

-         Desarrollo de la pintura sobre tabla-         Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca,

y por eso se recrean detalles.-         Introducción del retrato a través de la imagen del donante-         Valoración de la luz-         Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas

en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.-         Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.-         Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz

de la realidad, captando todos los detalles.-         Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que

se realizan las obras Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck,

Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco. En España, la influencia flamenca destaca en los catalanes: Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castillo sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge Inglés y Fernando Gallego.

HERMANOS VAN EYCK

EL POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO es la obra maestra de estos hermanos. Contiene una gran diversidad de temas. Destacar su tabla central con la Adoración del Cordero Místico, en que la geometría y la suavidad de la luz, el color matizado y la arquitectura que dibuja el paisaje, nos ofrece una visión perfecta del primitivismo flamenco.

JAN VAN EYCK… Pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto con Robert Campin en Tournai, fue fundador de la Ars Nova (arte nuevo), estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el renacimiento en el norte de Europa. Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y por el logro de la ilusión óptica de espacios tridimensionales sobre superficies bidimensionales. Es probable que Jan van Eyck fuera oriundo de Maaseik, provincia de Limbourg. En 1422 trabajó en La Haya para Juan de Baviera, conde de Holanda. En 1425 Felipe el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservó hasta su muerte. La relación que mantenía con el duque era tan buena que éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas, le hizo regalos por el bautismo de uno de sus hijos e incluso intercedió por él al enterarse de que tenía problemas para cobrar su sueldo. Lo poco que se sabe de su primera época hace que se dé gran importancia a la relación artística que mantenía con su hermano Hubert. La oscuridad que rodea a la figura de Hubert ha provocado especulaciones y debates interminables entre los historiadores del arte y hasta se ha llegado a sostener que tal hermano nunca existió. Hoy se admite que pudo participar en la pintura de algunas obras que parecen ser de la primera época de van Eyck.

POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO.

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hemanos Hurbert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante. La tabla central que representa la escena de la Adoración es una obra fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas.

El panel central interior del políptico, junto con los paneles interiores de las puertas representa una composición basada en un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que dice :

"Después de esto, vi que había una multitud tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie delante del trono y delante del Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos, proclamaban en voz alta : La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero."

El políptico normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles, entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores.

Una serie de referencias esotéricas que llenan el retablo de simbolismo escondido, muy del gusto de los pintores flamencos junto a referencias cultas a la pintura italiana del Trecento, a Giotto e incluso a su contemporáneo, el pintor renacentista Masaccio, confieren al cuadro un notable interés, ya que Jan, el autor del panel central, fue capaz de reelaborar los elementos simbólicos dentro de los elementos visibles. Pero es su aportación innovadora a la representación de la realidad y al desarrollo del espacio pictórico lo que sitúa este retablo como un hito en la historia del arte que marca ya la transición del gótico al Renacimiento.En la escena contemplamos una campiña con la ciudad de Gante al fondo. Esta campiña presidida por el trono del Cordero es un espacio que alberga un despliegue efervescente de miles de figuras y detalles prodigiosamente concretos. Una ola de luz penetra toda la naturaleza, liga sin brusquedad todos los ambientes y une armoniosamente todas las materias, desde las telas de los ropajes y los metales de las hebillas y coronas, hasta la piel de los rostros o las hojas de los árboles y los edificios del fondo.

Cristo

La Virgen María

S. Juan Bautista

Ángeles

Músicos

Adán

Eva

Caín matando a AbelEl trabajo. Consecuencia del pecado original

Adoración del Cordero

(símbolo de Cristo)

La tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar. La sangre brota de su pecho y llena el cáliz. La paloma del espíritu Santo está sobre él y diversos ángeles con instrumentos de la pasión e incensarios están arrodillados adorándolo. Todo ello simboliza la Eucaristía

Los ángeles llevan los instrumentos de la Pasión de Cristo

La Santa Cruz

La columna de la flagelación

Los Látigos

En primer término hay una fuente rematada por un ángel; es la fuente de la vida y de ella mana el agua de la vida eterna. Simboliza el bautismo y la conversión al cristianismo. Dos semicírculos de personajes rodean la fuente, arrodillados en actitud de adoración. Los profetas, junto con los patriarcas a la izquierda y los apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos.

La Iglesia Católica

Las mujeres mártires

Paganos y judíos

Papas y Obispos

Los caballeros de Cristo

Los ermitaños

Los peregrinos

Los jueces

La Iglesia

El extraordinario detallismo de la naturaleza.

POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO. Cerrado

La Virgen María

El Arcángel San Gabriel

La donante. Lysbette

Borluut

El Donante.

Joos Vigdt

San Juan Evangelista

San Juan Bautista

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLLINJAN VAN EYCK.

Se mezcla lo REAL y lo DIVINO.

Lo VULGAR y lo SAGRADO.

El SILENCIO con el RUIDO.

Estamos ante el mejor PAISAJE de Jan Van Eyck

Tema: el Canciller está orando en un palacio y se le aparece la Virgen.

MATRIMONIO ARNOLFINI. JAN VAN EYCK.

Análisis Histórico:

Matrimonio de un rico comerciante de la floreciente ciudad italiana de Lucca (llamado Giovanni de Arrigo Arnolfini con Giovanna Cenami ), afincado en Brujas (Bélgica) que desempeño cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno de Borgoña (a cuyo imperio pertenecían entonces los Países Bajos y de cuya corte era pintor el autor de la obra), llegando a ser gobernador de finanzas de Normandia y a amasar una gran fortuna con los impuestos sobre las importaciones comerciales.

Análisis Artístico:La aportación de los pintores flamencos con la técnica del óleo a la pintura del Renacimiento posterior, será esencial pues esta pintura denominada “de caballete” y en formato pequeño, es minuciosa detallista y con clara tendencia naturalista, los verdaderos creadores, son los hermanos Van Eyck, nacidos cerca de Maastrich, en este caso se trata de Jan que junto con su hermano también realizo el Retablo de Cordero Místico para la catedral de San Bavon en Gante (Bélgica)

Análisis Formal :

Representación pictórica de 2 personajes: masculino y femenino cogidos de la mano, de pie, ricamente ataviados a la manera de la alta sociedad flamenca con ampulosos y coloridos ropajes, con sombrero y él y velo ella, dentro de una estancia iluminada de izquierda a derecha, de gran estética hogareña, en la que se aprecian varios objetos que junto con las figuras forman una composición simétrica

Análisis Funcional El cuadro parece cumplir una doble función:

- en primer lugar, aparece el testigo conmemorativo de un enlace matrimonial.

- en segundo lugar, : el retrato de dos

importantes miembros de la alta sociedad

Análisis Simbólico:-El perro: Fidelidad marital.-La vela: Fe y esperanza para estimular la fertilidad.-El rosario de cristal: la Pureza.-Santa Margarita con el dragón a los pies patrona de los partos o-Santa Marta al lado de la escobilla, patrona del hogar.-Espejo: testigo y certificación legal del hecho, además de “Vía Crucis” religioso con las escenas de la pasión alrededor.-La cama: el ciclo de la vida, la continuidad del linaje.-La naranja: alude al origen Mediterraneeo de los desposados y por afinidad con la manzana, a la inocencia frente al pecado.-Los zapatos: pisar descalzos el suelo asegura la fertilidad.

Espejo: testigo y certificación legal del hecho, además de “Vía Crucis” religioso con las escenas de la pasión alrededor.

La naranja: alude al origen Mediterráneo de los desposados y por afinidad con la manzana, a la inocencia frente al pecado.

El perro: simboliza la fidelidad marital.

Los zapatos: pisar descalzos el suelo asegura la fertilidad.

Una original interpretación del Matrimonio Arnolfini.

Fernando Botero

VAN DER WEYDENVan der Weyden se

inspira en la ESCULTURA, de ahí los FONDOS LISOS.

Es una GRAN COMPOSITOR DE ESCENAS y retrata modelos muy delgados y huesudos.

Sus obras están llenas de DRAMATISMO

DESCENDIMIENTO DE CRISTO

Tal vez sea este el cuadro más importante de este pintor, incluído entre los primitivos flamencos. De Van der Weyden conservamos grandes obras en el museo del Prado y en el Monasterio de El Escorial.El descendimiento de la cruz es un encargo que recibió Van Der Weyden de la cofradía de ballesteros (arqueros) de Lovaina y ya en la época causó una gran sensación, convirtiéndose en un cuadro muy popular.Lo más llamativo en principio es la maestría del pintor para encuadrar en un espacio reducido y cerrado por un fondo dorado como si fuese un muro, a diez figuras de gran tamaño, casi natural.El tema ha sido muy repetido en la historia del arte, pero Van Der Weyden nos crea una atmósfera especial con respecto al episodio que lo hace irrepetible.Se trata de la tabla central de un tríptico del que se han perdido las tablas laterales. Los personajes se disponen con arreglo a un único plano, no encontramos perspectiva que nos cree la ilusión de lejanía, sólo existe el primer plano, cerrado por un telón de oro. Sin embargo la falta de perspectiva la compensa el pintor con una poderosa corpulencia de las figuras, lo que, junto con un dibujo muy marcado, un ligero sombreado tras los personajes y unos pliegues en los paños muy volumétricos y muy angulosos, nos produce una sensación de tridimensionalidad de tal intensidad, que la obra se nos asemeja a un retablo esculpido y las figuras son casi escultóricas, parecen relieves. Por si fuera poco, puedes observar unas tracerías en los ángulos que imitan madera tallada como la de los retablos esculpidos y ello añade verismo a la sensación de corporeidad de los presentes

La disposición de los personajes bíblicos es muy inteligente y meditada, la composición parece enmarcada por dos figuras que adoptan la postura de dos paréntesis curvos, San Juan a la izquierda y María Magdalena a la derecha.El centro focal lo preside la cruz, resaltada en altura sobresaliente en el formato de la obra. Las figuras de Jesucristo y de la Virgen María se articulan en dos líneas paralelas inclinadas, con una postura muy similar y las manos muy próximas.Estas manos nos muestran la diferencia de color entre un fallecido (tono grisáceo) y la de la Virgen, que está viva aunque desmayada y presenta un tono pálido.Además estas manos son consideradas como las mejores de esa época en cuanto a expresividad y transmisión de sentimiento. El resto de los personajes son también tratados con enorme minuciosidad, vemos a un joven que descuelga el cuerpo del crucificado, otro personaje tiene un tarro de perfumes en su mano, delante de él está José de Arimatea quien sujeta los pies de Cristo y viste con gran lujo y refinamiento.

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El tratamiento de las figuras resulta tremendamente efectista y más allá de lo real, tanto por la expresión de sus sentimientos como por el tratamiento minucioso de sus vestidos. En el azul del manto de la virgen o en los espectaculares bordados en oro de la capa de José de Arimatea, el grosor de las capas, los rostros de sufrimiento y dolor profundos, los turbantes, todo está tratado con sumo detalle y preciosismo. Esto es verdaderamente difícil porque el tamaño de las figuras es muy grande y, cuanto mayor tamaño, más dificultad en perfeccionar los detalles. Y éstos resultan espectaculares, en las lágrimas de algunos personajes, tan reales que nos recuerdan cristales brillando, las uñas de las manos, los cabellos y las barbas con pelos individualizados, los nudos de la madera de la escalera y las texturas y apliques del vestuario.Por el suelo de hierba hay una calavera y huesitos deperdigados, según la tradición serían los restos mortales de Adán, el primer hombre, que hubiera sido enterrado al pie de la cruz , esperando la venida de Cristo y, por tanto, la resurrección de los muertos.La potencia excepcional de los colores se debe a la restauración de 1.993, que rescató la portentosa gama cromática original.

Los

personajes

María de Cleofás

S. Juan

La Virgen María

Cristo

NicodemoJosé de Arimatea

María Magdalena

El portador del frasco

El joven que ayuda a descender el Cuerpo de Cristo

EL BOSCO. ONÍRICO.

El Bosco vivió a caballo entre el s. XV y XVI.

Es muy conocido en España por la colección de Felipe II.

Se puede definir como: ORIGINAL, CARICATURESCO, ALEGÓRICO, IRÓNICO, BURLESCO, FANTÁSTICO, ONÍRICO…

Es precursor del SURREALISMO.

Esta mentalidad tan especial tiene una explicación:

Durante su infancia vivió un incendio, se crió entre ajusticiamientos públicos y sermones apocalípticos.

“El Bosco tuvo el valor de pintar a los

hombres como son por dentro”

Fray José de Sigüenza

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asímismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queribles por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico.En sus obras abunda el sarcasmo y la imaginería de tipo onírico,y lo grotesco. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto incide para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna.Tras su muerte, el rey Felipe II, conociendo la colección que de las obras de 'El Bosco' había hecho Felipe de Guevara, se interesó por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas; la atracción que Felipe II tenía por las obras de 'El Bosco' es curiosa: en su dormitorio del Monasterio de El Escorial mantenía al célebre Jardín de Las Delicias.Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

El Jardín de las Delicias es la obra cumbre del pintor holandés El Bosco, incluida en la exposición permanente del Museo del Prado de Madrid. Está realizado en óleo sobre tabla, y sus medidas son de 206 x 386 cm. Data del año 1503 y es un tríptico compuesto por una tabla central y dos laterales. En la historia del arte es considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes. Es una obra de gran simbolismo, que todavía no ha sido completamente interpretada. Sin embargo, es aceptado el que la obra tuviera una intención moralizante, comprensible por la gente de la época, ya que, por ejemplo, Felipe II, alguien poco sospechoso de herejía, estuvo interesado y adquirió el cuadro.

EL JARDÍN DE LAS DELICIASCerrado

Tradicionalmente, la imagen que muestra el tríptico cerrado se ha interpretado como el tercer día de la creación. El número tres era considerado un número completo, perfecto, ya que en sí mismo encierra el principio y el fin. Y aquí al cerrarse, se transforma, en el número uno, en el círculo, de nuevo nos permite vislumbrar la perfección absoluta y, quizá, a la trinidad de divina. En la esquina superior izquierda, aparece una pequeña imagen de Dios, y en la parte superior se puede leer la frase, extraída del salmo 33, Ipse dixit et facta sunt. Ipse mandavit et creata sunt, que significa Él lo dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue creado. Otros interpretan que pudiera representar la Tierra tras el diluvio.

La tabla central es el Jardín de las Delicias, propiamente dicho. Un falso paraíso en el que la humanidad ya ha sucumbido en pleno al pecado, especialmente a la lujuria y se dirige a su perdición. Decenas de símbolos diferentes, cuyas claves sólo pueden sospecharse, pueblan este espacio opresivo y angustioso en el que la locura se ha apoderado del mundo. Aparecen tanto hombres como mujeres, blancos y negros, desnudos. Se muestran todo tipo de relaciones sexuales y escenas eróticas, principalmente heterosexuales, pero también homosexuales u onanistas. Además, aparecen también relaciones eróticas o sexuales entre animales, e incluso entre plantas.

La Fruta: las cerezas, frambuesas, fresas, uvas, madroños, etc., son una clara alusión a los placeres sexuales. En la Edad Media, la expresión «coger fruta» equivalía a tener comercio carnal. Pero, al mismo tiempo, las frutas simbolizan la fugacidad de dichos placer, pues pasan en unos días de la frescura a la putrefacción Los pájaros, como el Petirrojo son también símbolos eroticos, en concreto de la lascivia. Las extrañas estructuras que aprisionan y oprimen a los personajes, a veces son como pompas, otras como costras, o conchas. Dan a conocer indirectamente que el pecado se apodera del ser humano, lo corrompe y atrapa para siempre. Los estanques no son limpios, sino focos de concupiscencia, fuente y origen de todos los males que refleja la pintura; de hecho, en aquella época, referirse al baño podía aludir a Venus y, por lo tanto, al amor carnal. Al fondo está la fuente de la eterna juventud. Plagada de diminutas figuras mujeres desnudas junto a edificaciones de arquitectura caprichosas donde se agazapan entes malignos. Más cerca, el estanque del adulterio, en el que se bañan las muchachas, mientras los hombres cabalgan en círculo alrededor, pavoneándose y montando todo tipo de animales reales o fantásticos (caballos, jabalíes, osos. leones, unicornios, grifos...). Se ha interpretado el uso de esos animales como símbolos de la lujuria, mientras que las mujeres que se encuentran en el centro del estanque, llevan tocados de pavos reales, símbolo de vanidad. En la parte inferior de la tabla, se puede apreciar otros dos elementos simbólicos. En la esquina inferior derecha, se ven representados, en una cueva, a Eva y Adán. Adán está señalando a Eva de forma acusatoria. Esto se ha interpretado como de nuevo una reponsabilización de esa situación hacia la mujer. Además, en la esquina inferior izquierda, hay un grupo de hombres que están señalando hacia la tabla anterior, la del jardín del Edén, y se ha interpretado como una advertencia de los peligros de la tentación, de Eva.

El panel izquierdo

En este panel izquierdo, se representa al fondo la Fuente de la Vida y en primer plano el jardín del Edén cuando Dios acaba de crear a Eva, y se la está presentando a Adán, sin embargo, el destino del ser humano ya está escrito en esta escena, ya que junto al primer hombre y la primera mujer aparece el Árbol de la Ciencia (una palmera), cuya fruta estaba prohibida y el Árbol de la Vida (un exótico drago). Dado que en el siguiente panel se representa un mundo lujurioso, se ha interpretado como una representación de los males del universo, que comenzaron con la mujer, continuando con esa idea Medieval. A los pies de ambos, sendos estanques de los que salen sabandijas, reptiles, aves de mal agüero e insectos, todos ellos con un aspecto maléfico. Estas alimañas van invadiendo todas las tablas del tríptico. Al parecer, porque no hay nada seguro, para el Bosco, estos animales simbolizan la perversidad de las personas ya que hacen referencia a la naturaleza primitiva e instintiva del hombre.

El árbol de la ciencia del bien y del mal

Dios Padre

Adán

Eva

Sabandijas. Símbolo del mal

El pecado femenino lo personifica en los bichejos que se arrastran por la tierra (insectos y reptiles) o nadan por el agua (anfibios y peces), ya que, de los Cuatro Elementos (tierra, agua, fuego y aire), la tierra y el agua eran consideradas esencias pasivas llenas de fecundidad que, como la mujer, reciben la semilla. El pecado masculino lo representan las alimañas que vuelan (insectos voladores, aves, murciélagos…), ya que el aire es considerado un elemento activo, asociado al fuego y opuesto a la tierra, por lo tanto, masculino. El demonio está escondido en los estanques y las rocas que son, para El Bosco, la guarida de los espíritus malignos. Por ejemplo, en la fuente de la vida vemos una estructura entre mineral y orgánica, con un orificio por el que asoma una lechuza, un explícito símbolo de la malicia, que también aparece en El Carro de Heno. A su derecha, una roca cuya forma es el rostro oculto del Diablo, del que surge la serpiente que se enrosca al Árbol de la fruta prohibida. Se ha discutido en alguna ocasión la presencia de animales reales, pero extremadamente exóticos, en la época de El Bosco, como jirafas, elefantes, leones, leopardos, cuando África era prácticamente desconocida en Europa. El autor sólo pudo tener referencia de esas bestias a través de los «Bestiarios mitológicos» medievales (que sin duda superó con creces) y los dibujos que comenzaban a circular gracias a la imprenta, sobre todo los que tenían Egipto como tema principal,

La lechuza

El demonio, con forma de roca

Animales. Símbolos del bien

Animales. Símbolos del mal

El jardín del Edén

El panel derecho

También conocido como El infierno musical, por las múltiples representaciones de instrumentos musicales que aparecen. Se ignora porqué El Bosco asocia la música con el pecado. La tabla se puede dividir en tres niveles. En el nivel superior se ve la típica imagen del infierno, con fuego y torturas. Ese incendio, que realmene representa el paisaje nocturno de una ciudad en llamas, se ha relacionado con un trauma del pintor, que vió como su localidad natal era pasto del fuego cuando era niño. La crítica parece coincidir en que el cuchillo unido a las dos orejas es un genital masculino, mientras que la gaita que un monstruo sostiene sobre la cabeza podría ser un elemento homosexual o, tal vez, femenino.

En la parte central, aparece un mundo onírico, con criaturas fantásticas, y cuya figura central en un "hombre-árbol", que se ha interpretado en numerosas ocasiones como el rostro del propio artista y que con un torpe vendaje intenta ocultar una llaga producida por la sífilis. Sus brazos, son como troncos de árbol y están descansando sobre barcas. Su tórax está abierto y hueco, y en su interior hay más seres. Debajo de él, hay un lago helado, sobre el que patinan algunos condenados, mientras el hielo se resquebraja. En la Edad Media se consideraba el contraste entre el frío y el calor como una de las torturas del infierno.

Destaca un personaje con cabeza de ave rapaz sentado en un retrete. Se piensa que podría ser Satanás devorando a los condenados y defecándolos en un pozo negro en el que otros personajes vomitan inmundicias o excrementan oro. Bajo el manto de Satanás una mujer es acosada por un ente cuya cara es un espejo donde se refleja ella misma

En la parte inferior, aparecen lo que sería el infierno musical propiamente dicho, en donde los instrumentos musicales aparecen transformados en instrumentos de tortura. Es un simbolismo de lo que ocurre a la gente del panel central, del Jardín de Las Delicias, debido a su comportamiento.

El Bosco (1450-1516). Se llamaba Hieronymus Van Aken, apodado Bosch (por su pueblo Den Bosch o 's-Hertogenbosch), en Holanda); tuvo una vida acomodada, ya que se casó con una mujer adinerada (Aleyt van Mervende). A pesar de vivir como un opulento burgués, estaba obsesionado con la religión, el pecado y el sexo. Se ha especulado mucho acerca de las ideas que, quizá, le sirvieron de inspiración: tal vez fuera un visionario, un hereje, un obseso sexual, o cofrade de alguna secta herética; aunque todo parece indicar que no fue nada de eso, simplemente era un moralista culto y comprometido éticamente con una causa, cosa que difícilmente apreciamos en Van Eyck, por ejemplo.