REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELAMINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN SUPERIOR

INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO “SANTIAGO MARIÑO”

El Renacimiento

Realizado:Samuel GarcíaC.I. 19,806,382

Porlamar, octubre del 2015

• Renacimiento ItalianoArquitectura

Basílica de San Pedro. La cúpula, finalizada en 1590, fue diseñada por Miguel Ángel

La arquitectura renacentista nace en Italia durante el Quattrocento. Sus características más importantes son:

• Deseo de realizar edificios perfectos desde el punto de vista de "perfección técnica", basándose en cálculos matemáticos y geométricos, para obtener la máxima armonía y proporción.

• El efecto ascensional del gótico es trocado por la horizontalidad.• Tiene preferencia el espacio unitario. Es decir, se busca que

desde el interior se pueda tener una visión total del edificio, sin importar el punto de vista del observador.

• Se busca la belleza formal.

• Sustentante continuo: el muro recupera su valor como sustentante. Es frecuente que estén articulados con pilastras, líneas de imposta, etc.

• El arco que se emplea es el arco de medio punto.

• Como cubiertas, se emplea las planas con casetones o bóvedas (de cañón o de arista). La cúpula adquiere un especial protagonismo y va a ser una constante preocupación técnica de los arquitectos renacentistas.

Elementos decorativosSe utilizan:Elementos constructivos para decorar: pilastras, entablamentos...• Medallones o tondos (círculos con relieves en el centro).

Sillares almohadillados• Guirnaldas.• Columnas abalaustradas.• Conchas.• Grutescos (seres fantásticos mezcla de humanos, animales y

vegetales).• Es frecuente que la decoración se disponga a candelieri (con un

eje central en torno al que surgen los elementos ornamentales)

Pintura

La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511.

Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.Es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre

Características

• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.

• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.

• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.

• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.

• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).

• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.

• Se extiende el uso del lienzo,

Escultura

Moisés, tumba de Julio II, Miguel Ángel 1513-1515

Característicasfinalizado durante una de las

reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte SinaíEl cuerpo humano representó la Belleza absoluta• Un papel fundamental fue la figura del mecenas,

representados por la iglesia y personajes de la nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda política

• Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana, que se había olvidado casi por completo durante la Edad Media en la labra de piedra finas (salvo algunas muestras de arte bizantino), y desde el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de gusto clásico, tan perfectos que, a veces, llegan a confundirse con los antiguos

• La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera

• La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad.

Renacimiento en Español

Monasterio de El Escorial

El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca y un monasterio. Se encuentra en la localidad de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de Madrid, España, y fue construido entre 1563 y 1584.El estilo escogido fue el del Renacimiento, muy depurado y sin la profusa decoración plateresca. El orden arquitectónico predominante es el toscano, el más sencillo del clasicismo, y el dórico en la iglesia. Pese a su austeridad y aparente frialdad, el Monasterio de El Escorial fue un símbolo del salto entre una España medieval y otra moderna. Su arquitectura, el mejor ejemplo del Renacimiento español y modelo del estilo denominado "Herreriano" o "desornamentado", no puede dejarnos indiferente. Felipe II y sus arquitectos, de acuerdo con su gran cultura humanista aprendida en sus viajes por Italia, Alemania y los Países Bajos, contrapusieron el retorno al clasicismo romano al desbordante plateresco de la época. Se trata de una de las principales obras maestras de la arquitectura española, tal vez su página más brillante. Debe destacarse la fina sensibilidad de la fachada sur, superior a sus imitaciones del siglo XX en un tema tan difícil como es la repetición de tantas ventanas en un único lienzo.

Pintura

La elevación de la cruz, Peter Paul Rubens 1610-1611

Rubens pintó La Elevación de la Cruz a su regreso a Flandes después de haber estado en Italia. La obra muestra una clara influencia del Renacimiento italiano y de artistas Barrocos tales como Caravaggio, Tintoretto y Miguel Ángel. El panel central muestra la tensión existente entre la multitud de hombres musculosos tratando de levantar la cruz y el peso aparentemente insoportable de Cristo en la cruz.

El escorzo de Miguel Ángel es evidente en las contorsiones de los hombres que se esfuerzan en colocar las correas. Cristo corta el panel central en una diagonal, en un estilo similar a El Entierro de Cristo de Caravaggio, donde tanto el descenso como el ascenso están en juego en un momento clave. Movimiento, espacio y tiempo se muestran junto con la lucha por poner en posición vertical a Cristo. Rubens utiliza el color dinámico y el claroscuro con valentía, un estilo que va a ser más sutil con el tiempo.

Escultura

Trascoro de la Catedral de Barcelona, obra de Bartolomé Ordóñez.

La aparición del arte renacentista en España se consolidó casi un siglo después de los comienzos de este estilo en Italia. El quattrocento no existió como tal estilo renacentista pues predominaban todavía las formas y el gusto por el gótico. En el siglo XVI, el cinquecento italiano, aparecieron las primeras demostraciones, como consecuencia de las relaciones políticas y militares con Italia y bajo el mecenazgo y tutela de los reyes y de la nobleza.

La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnaldas de frutos y follajes, volutas, medallones y grutescos. El mármol y el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado

Renacimiento Francés

Château de Chenonceau

El castillo presenta una planta cuadrada, con un vestíbulo central al que se abren cuatro habitaciones, una por cada lado. En la planta baja hay una capilla, junto con la habitación de Diana de Poitiers y el gabinete de trabajo de Catalina de Médicis. Desde el final del vestíbulo se accede a la galería que se encuentra sobre el río Cher. La galería existente en la planta baja cuenta con un enlosado clásico en plan hipodámico, en forma de tablero de ajedrez en colores blanco y negro, siendo la parte del edificio que durante la Primera Guerra Mundial albergó un hospital militar. En la planta baja se encuentran igualmente la habitación de Francisco I y el salón Luis XIV.

Las cocinas se encuentran ubicadas en los pilares del molino anterior a la construcción del castillo. Se encuentran dotadas de un muelle de acceso directo a las mismas, lo que permitía la llegada de las mercancías a ellas destinadas en forma directa, sin tener que atravesar las dependencias nobles del castillo. Las escaleras, rectas y en dos tramos, resultan accesibles a través de una puerta que se encuentra en medio del vestíbulo. Por medio de las mismas se accede al vestíbulo de Catherine Briçonnet (esposa de Thomas Bohier a cuya fortuna se debe la reconstrucción del palacio), en el primer piso. En dicha planta encontramos de nuevo otras cuatro habitaciones: la habitación de las Cinco Reinas, la habitación de Catalina de Médicis (situada justo encima de su gabinete decorado en verde), la habitación de César de Vendôme y la habitación de Gabrielle d'Estrées, la favorita de Enrique IV de Francia.

En el segundo piso del edificio, la habitación de Luisa de Lorena-Vaudémont sigue presentando el aspecto de luto por el fallecimiento de la esposa de Enrique III, destacando los colores negros dominantes del artesonado, las pinturas macabras que adornan las paredes, el reclinatorio encarado hacia la ventana y la diversa decoración de tipo religioso evocadora del duelo por Luisa de Lorena-Vaudémont.

Arquitectura

Pintura

El rapto de Helena, 1530-1539. Francesco Primaticcio

La pintura, antes en Francia que en Italia, se benefició de la demanda principesca de decoración de los châteaux. Así el condestable Anne de Montmorency hizo decorar su mayor posesión, el Château d'Écouen,1 por un gran número de artistas, unos célebres y otros desconocidos (el escultor y arquitecto Jean Goujon, el ceramista Masseot Abaquesne,13 etc.) Algunos de entre ellos procedían de Italia y se hicieron famosos por su trabajo en Écouen. Todas las chimeneas del château fueron pintadas en un estilo italianizante, los muros decorados con grandes frisos y los suelos decodados con fayenza de colores.

Renacimiento Alemán

Lucas Cranach el Viejo, 1520-1530

El cardenal Alberto de Brandeburgo arrodillado ante Cristo crucificado es una pintura de Lucas Cranach el Viejo. Data de hacia 1520-30. Está realizada al óleo sobre tabla de pino y mide 158 cm de largo por 112 cm de ancho. Pertenecía a la Iglesia colegiata de Aschaffenburg, pasando en 1829 a propiedad de la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania), donde se expone con el título de Kardinal Albrecht von Brandenburg vor dem Gekreuzigten kniend.

Esta obra es una pintura religiosa en la que aparece el donante, el cardenal Alberto de Brandeburgo, arrodillado frente a Jesucristo en la Cruz. Detrás del Gólgota puede verse la representación de una tormenta en el mar. El retrato de Alberto se basó en un grabado de Durero. A diferencia de los cuadros de donante propios de la pintura gótica, aquí no hay santo patrón del nombre del donante que haga de intermediario frente a la divinidad: el cardenal se presenta directamente ante Cristo. Además, el tamaño de ambas figuras es semejante, y no más pequeño el cardenal. Se enfatiza así la importancia y prevalencia de la figura mundana, que ocupa todo el primer plano en su vestimenta cardenalicia de llamativo color rojo. Alberto no mira directamente a Cristo, sino que parece más bien desviar la vista hacia el exterior del cuadro. La representación de la tormenta es una de las más intensas de la pintura alemana, junto con la Crucifixión de Matthias Grünewald.

Pintura

Arquitectura

Palacio de Heidelberg

El palacio de Heidelberg o castillo de Heidelberg (en alemán: Heidelberger Schloss )? es un famoso castillo de origen medieval parcialmente en ruinas de Alemania y monumento de Heidelberg. Las edificaciones del palacio figuran entre las más importantes estructuras renacentistas al norte de los Alpes.

El palacio ha sido reconstruido sólo parcialmente desde que fuera derruido en los siglos XVII y XVIII. Se encuentra 80 metros arriba de la ladera septentrional del Königstuhl, y por lo tanto domina la vista de la vieja ciudad. Se llega a él por una estación intermedia del funicular Heidelberger Bergbahn que va desde el Kornmarkt de Heidelberg hasta la cumbre del Königstuhl.