Los críticos de arte, los me-dios de comunicación -queson el soporte en el que

nos expresamos los críticos- y lasgalerías de arte, son elementosimprescindibles para la construc-ción de la historia del arte con-temporáneo, y como tal, un mo-tor para dinamizar la creación, elentusiasmo y el mercado; la his-toria nos ha demostrado que lasciudades donde se han valoradoel arte y la cultura han sido nú-cleos de gran florecimiento ar-tístico y cultural, con gran creci-miento de su patrimonio. Es bue-no hacer memoria.

En 1962, en la Ferus Galleryde Los Ángeles, un artista expo-nía 32 pinturas de latas de sopa;expuestas todas juntas, una al ladode otra, tan cotidianas y banales,conmocionaron los valores espi-rituales del expresionismo abs-tracto, el movimiento entonces

en boga. Se pusieron a la venta asólo 100 dólares cada una, IrvingBlum, el propio galerista, sor-prendido, las compró todas; na-turalmente, el artista era AndyWarhol. Leo Castelli supo reco-nocer que estaba ante algo ver-daderamente insólito, hizo unafuerte apuesta por él y una latavale ahora millones de dólares.

Aunque la situación de aque-llos míticos sesenta sea irrepeti-ble, aquí presentamos una selec-ción de artistas jóvenes escogi-dos por críticos de arte de pres-tigio; es puramente casual quetodos sean hombres -cuestión dedisponibilidad de los críticos en-cuestados-, pero ello no signifi-ca una mirada masculina del arte.La mayoría de los artistas tienenalrededor de 30 años y, según es-tos expertos, será bueno seguir-les la pista.

Marga Perera

El futuroes suyo

Promesasdel arteespañol

reportaje

Carlos Tárdez.(Foto: cortesía Galería Clave.Córdoba)

Amaya González Reyes.(Foto: cortesía Galería Pilar Parra &Romero. Madrid)

José MiguelPereñíguez(Foto: cortesíaGalería RafaelOrtiz. Sevilla)

Pablo Ibarbia(Foto: cortesía del artista)

Juan Zamora(Foto: cortesíadel artista)

Hugo Fontela(Foto: cortesíadel artista)

Rakel Eizaguirre(Foto: cortesíadel artista)

David Bestué & Marc Vives(Foto: cortesía Galería Estrany-de la Mota. Barcelona)

Mikel Belacortu(Foto: cortesía del artista)

Jordi Ribes(Foto: cortesía GaleríaSenda. Barcelona)

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TOMÁS PAREDESPresidente de la Asociación Madrileña deCríticos de Arte

Hugo Fontela (Grado, 1986) inicia suformación en Avilés y Oviedo, ingresa en TheArt Students League de Nueva York, 2004.Desde 2005 vive en Manhattan, ese año fuePremio BMW de Pintura; Premio de la Críticaal mejor artista de Estampa’07. No es fácildeslindar abstracción y figuración en supintura; ha conseguido estar, en sólo tresaños, en prestigiosas coleccionesinternacionales. Su talento tanto para lacreación como para la difusión de su trabajoes inmenso, brillante, evidente y lúcido.

Albano (Ávila, 1988), pese a encontrarseen segundo año de carrera, en la Facultad deBellas Artes de la Universidad Complutense,ha conseguido llamar la atención decertámenes y jurados, y en 2008 consiguióocho primeros premios. Viene pintandodesde niño y participando en concursosdesde 2002, cuando ya fue premiado. En2006, obtuvo la Beca del Premio BMW dePintura. Su pintura renueva la pintura y esuno de los valores en alza más seguros.

Rafa Macarrón (Madrid, 1981)pertenece a una saga familiar ligada al arte.Su abuelo es una leyenda; su padre,arquitecto. Ha sido ciclista profesional, perohace cinco años decidió convertirse en pintor.Ha expuesto en cuatro ocasiones y lo havendido todo, con un éxito asombroso,estando en colecciones de prestigio. Supintura figurativa expresionista es muypersonal y en ella se cruzan ecos de Fraile,Barjola, Saura. Se han hecho partícipes de suéxito El País, La Vanguardia, ABC, TVE, ElPunto…

Elisa Gómez Sobelman (Madrid1981) se forma en Madrid y Nueva York.Diseñadora y docente en el Instituto Europeode Design. Sus trabajos tienen un perfumedadaísta y creativo que los convierten enobras autónomas, como sus collages. Esdirectora de arte de Ediciones Asimétricas,hay pruebas de su quehacer en exposiciones,en Madrid y Nueva York; en Claves de laRazón Práctica, la portada del libro El artecomo revuelta de Carl Einstein,lampreave&millán, cuya figura recrea elMNCARS…

Carlos Tárdez (Madrid 1976) eslicenciado en Bellas Artes por la Univ.Complutense de Madrid. Ha realizadonumerosas colectivas y ocho individuales engalerías comerciales. Premio Joven de ArtesPlásticas UCM, ha logrado diversos premios-adquisición, estando en coleccionesimportantes. Magnífico pintor realista, perodonde creo que tiene un gran presente ymejor porvenir es como escultor. Su esculturaaúna forma, tiempo, materia y memoria, esuna suerte de aforismo ahíto de pensamientoy perspicacia.

Hugo Fontela.Industriallandscape,2005(Foto: cortesíadel artista)

Juan Zamora.Sin título, 2008

(Foto: cortesíadel artista)

Comprar arte a 0,10 eurosAmaya González Reyes ha presentado en ARCO, en el stand de la galería Pilar Parra& Romero, el proyecto Yo Gasto, en los que ha recolectado todos sus gastos en unperíodo de tiempo, desde fotocopias, comidas, artículos diversos... Los tickets decompra los hace lienzo y se venden al precio del ticket: desde 0,10 euros a 1.750euros. Una propuesta muy conceptual que recuerda On Kawara.

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George Hoyningen-Huene. “Horst y modelo”. Herbs Ritts. "Dama con ramas". Gelatina de plata

Herb Ritts. “Consuelo Paradise Cove”. Herb Ritts. “Torso masculino con velo, Silverlake”.

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JUAN DE NIEVESCrítico de arte. Ex director artístico del EACC-Espaid’Art Contemporani de Castelló

Rubén Grilo (Lugo, 1981). En su trabajo, realidad yficción confluyen/colisionan en pos de nuevos formatosnarrativos. Sus videos se conciben como procesos abiertosen los que la acción oscila entre ciertas formas asociadasal teatro y a la producción documental.

Amaya González Reyes (Sanxenxo, Pontevedra,1979). Desde un modo de hacer que remite sin disimulo alarte conceptual, su trabajo supone un irónico comentariosobre las dinámicas del consumo, la publicidad o elmercado del arte.

Fran Meana (Avilés, 1982). Su trabajo evidencia lafragilidad o el declive de algunas de las convenciones eideas que persisten en el ámbito de los ‘valores’ colectivos.Con su trabajo, efímero y manual, la galería o el museo serevaloriza como escenario para la utopía.

Nano 4814 (Vigo, 1978). Su trabajo parte de algunosrecursos y estrategias del street art, en donde se manejacon soltura sin caer en el tópico. En su paso al entorno‘protegido’ de la galería o del espacio institucional, suspiezas establecen un ingenioso equilibrio entre la estéticaurbana y el objeto de culto.

Manu Uranga (Zumaia, Guipúzcoa, 1980). En sutrabajo relaciona sin prejuicios los dominios de laescultura, el dibujo, el vídeo o la instalación. Losmateriales encontrados en el escenario urbano adquierenuna nueva dimensión simbólica y seudo funcional en susinstalaciones.

ÀLEX MITRANIVicepresidente de la Associació Catalana de Crítics d’Art

David Bestué & Marc Vives (Barcelona, 1980 y 1978).Trabajando juntos o por separado, son dos artistas a seguir de cerca.Irónicos y analíticos, crean maliciosas parodias de universos y desistemas retóricos, como el artístico. En David Bestué hallamos unaespecial capacidad para revisitar mitos culturales de la modernidad.Sabe plantear preguntas nuevas.

Pere Llobera (Barcelona, 1970). Pintor que explora nuevasformas de relatar lo íntimo y lo social con imágenes, a vecesinquietantes y otras poéticas, entre el documento y el gesto. Ha sidoartista residente en la Rijksacademie de Amsterdam.

Jordi Ribes (Barcelona, 1972). A partir de las mitologíascinematográficas, Jordi Ribes pinta y dibuja las vicisitudes de curiososhéroes. Aúna el recuerdo de las vanguardias románticas ysentimentales, como el Aduanero Rousseau, con la brillante frialdadde las imágenes virtuales.

Francesc Ruiz (Barcelona, 1971). En su trabajo se une lavoluntad narrativa, emparentada con el cómic, con un dibujoexquisito y la observación de rituales y espacios urbanos. Expande ycontamina los diferentes formatos del lenguaje gráfico.

Jacobo Castellano. Sin público. 2008 (Detalle de la instalación)(Foto: cortesía Galería Fúcares. Madrid)

Mikel Belacortu. Sin título. (Foto: cortesía del artista)

RAMON CASALÉCrítico de arte. De la Junta de laAssociació Catalana de Crítics d’Art

En conjunto, todos estos artistas tienenalrededor de treinta años, y los he vistopersonalmente, bien en exposiciones oparticipando en diferentes premios. Meparecen lo suficientemente interesantespara poder incluirlos en esta lista. Suaportación creativa se centraprincipalmente en entender la pinturacomo búsqueda de nuevos caminosideológicos y conceptuales; aunque lamayoría son artistas figurativos, peroentendiendo la figuración como unrecurso plenamente estético, y que hoydía podríamos considerar como figuracióncontemporánea. Todos ellos provienen deBellas Artes.

Isabel Blanco Prieto (Barcelona,1982) El paisaje urbano llega a ser unarealidad diferente al concepto de bellezaque se suele mostrar a nivel pictórico, yaque son frecuentes los derribos, losdesechos y todos los elementos queresaltan la fealdad y frialdad de lasparedes y los edificios reformados o enconstrucción.

Hanamaro Chaki (Tokio, 1976). Laartista japonesa vive y trabaja enBarcelona. La cultura oriental, y másconcretamente la del mundo de lailustración, configura una nueva manerade situar los personajes de ficción, o sea,inventados, en seres humanos que sepueden relacionar en determinadosámbitos de nuestra sociedad.

Isabel Cercós. El humor y la ironíacon los que se expresan los personajesque suelen aparecer en sus composicionesindican el grado de complicidad entre laartista y su entorno más inmediato.

Abel Pardo (Barcelona, 1974). Elhecho de mostrar la arquitectura urbanaconforma la existencia de un ambienteplenamente contemporáneo, donde elconcepto de espacio es muy evidente, asícomo su contribución a la creación de unnuevo imaginario urbano.

Ana García (Igualada, Barcelona,1974). La pintura de Ana García se muevedentro de un realismo que va más allá derepresentar personas, objetos y paisajesque le despierten un verdadero interés.Sabe sintetizar y dejar fuera lo superfluo.

José Miguel Pereñíguez.Ve, pensamiento. 2008

(Foto: cortesía Galería Rafael Ortiz. Sevilla)

David Bestué & Marc Vives.La Confirmación, 2008

(Foto: cortesía Galería Estrany-de la Mota. Barcelona)

Precios orientativosHugo Fontela. Desde 850 euros (obragráfica intervenida por el artista) a 5.000 y12.000 euros (pinturas)

Carlos Tárdez. De 1.000 a 3.000 euros; lamayoría, 1.800 euros

David Bestué & Marc Vives. Videos entorno a los 4.000 euros

Jordi Ribes. De 2.500 a 7.000 euros

Francesc Ruiz. En torno a los 3.000 euros

Isabel Tallos. De 1.000 y 1.600 euros

Pablo Ibarbia. Entre 550 y 1.100 euros

Mikel Belacortu. De 300 euros (grabadomonotipo) a 800 euros (escultura)

Rakel Eizaguirre. Entre 2.100 euros y2.200 euros

Fran Meana. De 300 euros a 3.000 euros

Juan Zamora. De 500 a 7.000 euros

Amaya González Reyes. De 0,10 euros a1.750 euros

Nano 4814. De 230 euros (serigrafía) a6.500 euros (instalación)

Isabel Blanco Prieto. A partir de 500 euros

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JOSÉ MARÍN-MEDINACrítico de arte. Ex vicepresidente de laAsociación Internacional de Críticos deArte

Para responder en especial al ‘espíritu’ deesta encuesta, en lugar de destacar unpequeño elenco de firmas sobresalientesde artistas treintañeros, he preferidofijarme en algunos que me interesan porrepresentar perfiles de ‘artista muyactual’. Son creadores jóvenes queconozco y con los que me interesadialogar.

Jacobo Castellano (Jaén, 1976).La escultura de Jacobo Castellano seintegra con materiales, objetos y residuosmuy cercanos, cargados desentimiento; se configura conformas y estructuras de registroconstructivo; y se constituye sobreespacios entre arquitectónicos yescenográficos. El trabajoresponde a conceptos yprocederes rotundamenteescultóricos, aunque a veces seaproxima a la configuración de lasinstalaciones. Su práctica funcionacomo reinvención de lugares ysituaciones de la experienciaíntima; por ejemplo: la vieja casafamiliar, abandonada y luegoreencontrada; el descubrimientoen el desierto de los corralesportátiles que construyen lossaharauis para proteger del calora sus cabras; los cuadriláteros delring, donde la violencia logra eléxito como premio… Opera sobreun entramado de ideaspostconceptuales (derivadas,sobre todo, de la estética del“arte pobre” y del artesociológico), sensaciones táctilesmuy ricas y relaciones entre elespacio perceptivo y psicológico,el espacio de los objetos, el de losfenómenos y las experiencias, y elespacio gnoseológico,categorizador de las cosas, las intuicionesy el conocimiento. Sus dibujos (grafitosobre imágenes fotográficas impresas enpapeles muy comunes) son de unaextraordinaria calidad, y ofrecenrepresentaciones diferenciadas (creativas)de propuestas escultóricas.

José Miguel Pereñíguez(Sevilla, 1977). El dibujo y la pintura dePereñíguez constituyen un conjuntonarrativo de escritura-ficción saturado defragmentos y pliegues de imágenesbiomórficas, paisajísticas, objetuales,arquitectónicas, letrísticas, oníricas…, quese componen a la manera de cartel o depintada underground. Esta obra conectala emblemática figurativa de la tradiciónculta barroca con la estética canalla de lasubcultura, reivindicando el trash como

motivo de deleite artístico, en el que laidea de perfección se ha democratizado(lo perfecto está al alcance de cualquiera,ya no es excepcional), y lo imperfecto y lotosco se afirman como valores a la alza.En estas obras el procedimiento demezcla no sólo se refiere a los motivostemáticos, sino también a los elementosde estilo: realidad y la ficción, signo ynarrativa, mancha del magma yestilización caligráfica, violencia deltrallazo y gusto por la fragilidad,representación frontal directa ydistanciamiento irónico potenciando unalectura antidogmática del mensaje… Elartista invita al espectador a “echarse alos caminos y recorrer la trastienda de loshombres; allá donde se ven forzados areconstruir modos de vida cercados por

una valla, encerrados en un galpón,almacenados en la memoria. Paradistinguirse alzan emblemas precarios,sencillas visiones (el ansia de ser parte dela cadena), que parecen pudrirse encatálogos o guías, dejando un saboracre”.

Barbara Fluxá (Madrid, 1974)pertenece a esa constelación de artistasque trabajan caracterizados por todo unconjunto de perfiles de registro objetual,tales como los siguientes: declarar obrade arte a los objetos; utilizar materialespobres; ejercer interacciones entre objetosde desecho y trabajo artístico; contradecirlos valores predominantes de la forma;

remarcar el interés de las aportacionesque provoca el proceso de realización;implicarse conceptual y emocionalmenteen la obra. En su ciclo emblemático deobjetos encontrados, el trabajo se centraen formar un registro fotográfico, unarestauración (de tipo arqueologista), unacatalogación y una presentación museal(en vitrinas) de conjuntos de objetos deconsumo (botellas, tapones, latas, envasesde plástico, neveras, colchones…), cuyosrestos ella va seleccionando entre losdesechos que localiza tirados en elentorno natural asturiano de los ríosNarcea y Nalón. El arte objetual conectaaquí con las actuaciones de arte-naturaleza, pues Fluxá realiza tambiénmapas de las localizaciones y dibujosprocesuales de cada restauración, así

como paneles fotográficos yreconstrucciones en escayola delos objetos deteriorados yerosionados, resaltando el valorformal y de diseño del repertoriode los actuales objetos de usocotidiano. La artista considera queen los objetos de nuestra ‘culturamaterial’ hay agregados unosvalores que constituyen yrepresentan lo que los filósofosllaman ‘la provisión deespiritualidad objetivada por laespecie humana en el curso de lahistoria’. Por eso Bárbara equiparanuestros objetos más comunes alos restos arqueológicos de otrostiempos, y los recarga de reflexiónde cara al futuro.

Juan Zamora (Madrid,1982). Dentro de la poética de losdibujos animados, son muchos losartistas actuales que, como JuanZamora, trabajan en el géneroespecífico de la ‘animaciónpobre’, que retoma caracterespropios de las imágenes de losorígenes de la historia -yacentenaria- de dar movimiento aldibujo a través de los trucos de las

máquinas del ‘teatro óptico’, y delcinematógrafo. Juan Zamora es dibujantey ‘creador sonoro’ (fundador del grupo demúsica experimental Eneybo), y combinaambas actividades en la animación de susdibujos a través de vídeos DVD. Losdibujos representan pequeñas figurasantropomorfas de diseño muy elemental -como infantil- y de notoria ambigüedadsexual; son figuras generalmente aisladasy dispuestas en un espacio neutro, queaparecen aprisionadas en la pequeñapantalla, y cuyos sumarios movimientos seacompañan de rítmicos efectos sonorosde carácter gutural. El espectador sienteinquietud o desconcierto ante estospersonajillos que se debaten entre lo realy lo irreal, y que, a veces, prolongan susmiembros con marcada intencionalidaderótica.

Isabel Blanco Prieto. Obra 1(Foto: cortesía de la artista)

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MASSIMILIANO TONELLIArtista, crítico de arte y escritor

Isabel Tallos (Madrid, 1983) es sinduda lo más fresco y poético de laperformance-fotográfica; sus últimasexposiciones lo demuestran, ya sonbastantes los críticos que se han fijado enella; a mi juicio, es lo mejor que ahora hayen el panorama internacional del arteespañol contemporáneo.

Andoni Fernández es un artistaversátil, posiblemente podríamosenmarcarlo dentro del arte visualcontemporáneo. Su mordaz mirada le sitúaentre la provocación y la justa visión de lascosas, que ambas se complementan,Andoni es esa mirada que investiganuestra psique humana y lo expone alpúblico provocando el yo interior delpropio espectador...

Pablo Ibarbia vive fuera de España yde su tierra, el País Vasco. En su arte,compone utilizando las diferentes técnicasnuevas dentro del panorama del artecontemporáneo, como: el video-arte, lainformática y la poesía visual. Pablo tieneun lenguaje complejo pero lleno de signosinteresantes que descubren el entramadode la vida misma...

Mikel Belacortu (Bilbao, 1982) es elmás joven de todos, pero ya sabe lo que esser ganador, actualmente ha ganado dospremios de fama nacional. Es escultor, yfiel a ello es también un dibujante deprimera, de ahí esa pasión por loinmediato, el trazo limpio y la mancha

como forma. Mikel posee esa fuerza quetanto buscamos dentro de la figurahumana. Todo un referente a no perder...

Juanjo Viota. Le conocí en aquel1995, cuando aún pintaba comoautodidacta sus paisajes solitarios y medioabandonados, con textura, mucha materiay colores sucios y oscuros. Luego surgió laalegría y Juanjo se volvió más colorista ymenos paisajista y más Pop. Ahora está amedio camino entre la figura comomancha y el fondo como un paisajeestático; es decir, ahora Juanjo puede darel cante de su pintura y abrir un caminonuevo dentro de la figuración abstracta...

Rakel Eizaguirre (Bilbao, 1973),joven, mujer muy guapa, inquieta,provocadora, y una fotógrafa como la copade un pino. Su zoom es como el pincel deun pintor que quiere sorprender el instanteexacto, su objetivo es como el bisturí del

cirujano preciso, exacto, rápido yprovocador, listo para disparar ysorprender. Sus fotografías sonbofetadas, son rasguños y al mismotiempo son caricias y besos dondeel resultado es una fotografíanueva y llena de sorpresas...

Javier Herrero es un pintorque está dentro de esa ola de losSchully, Koons, MacKoy, Appel,pero sin esa visión tan kitsch ocursi del color, sino más poético yalgo infantil, pero su color y sucomposición prometen un cambioen la forma y en esa visualidad del

campo, donde todo el cuadro canta,representando una composición armoniosallena de signos y de color que interpretanel sosiego del alma...

John Stone es inglés pero estudia,trabaja y vive en Bilbao. John tiene en susesculturas ese mundo surrealista de laetapa inglesa, desde Epstein, Moore,Hepworth, Gabo, Davis, Dacon, yFlanagan; pero John le añade el comic, lajuventud, la osadía del humor inglés, laextravagancia de utilizar materialesnaturales y interpretar ese mundoescondido de los niños y sacarlo a la luz, yexhibirlo. John es un escultor que dentrode 5 años más o menos nos sorprenderácon sus esculturas casi antropomorfasdonde la geometría existe por el contornoy no por la forma. Dando a la esculturatambién el color y el dibujo no como basesino como estructura en sí...

Nano 4814. Paliza. Autorretrato. 2008 (Foto: Cortesía Galería Ad hoc. Vigo).

Pablo Ibarbia (Foto: cortesía del artista)

Jordi Ribes. Prácticas de magia, 2007(Foto: cortesía Galería Senda. Barcelona)

AJohn Eskenazi es uno de los másafamados especialistas de arteasiático del mundo. Miembro de

una mítica dinastía de anticuarios, trasestudiar Historia del Arte, se unió al ne-gocio familiar en 1977 en Milán, inau-gurando en 1994 su propia galería en elexclusivo barrio londinense de Mayfair.Una década más tarde decidió cerrarlaal público, y desde entonces, él y su mu-jer Fausta, trabajan exclusivamente me-diante cita previa con sus clientes. Fun-dador del diario The Art Newspaper,Eskenazi es un profundo conocedor delarte indio y del Sudeste Asiático lo quele ha granjeado una reputación interna-cional y una distinguida clientela que in-

cluye museos como el Metropolitan deNueva York y el Victoria & Albert deLondres. Su galería participa con regu-laridad en las principales ferias comoTEFAF Maastricht y The Internatio-nal Asian Art Fair en Nueva York.

El apellido Eskenazi ha estado asocia-do al arte oriental desde 1925. Su pa-dre, Victor Eskenazi fue uno de losmarchantes más célebres, parece queusted estaba predestinado a seguir lasenda familiar...¡Definitivamente sí! Aunque tuve unabreve, aunque muy exitosa, carrera co-mo escenógrafo, la fascinación porOriente inducida por mis viajes, me

“El arte oriental esprofundamenteespiritual”

JohnEskenazi

Buda de pie. Gandhara (s. II-III).

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entrevista

cautivó totalmente y acabé por integrar-me en el negocio familiar

¿Recuerda cuál fue su primera expe-riencia relacionada con el arte?Se remonta a cuando tenía dieciochoaños y se cruzó en mi vida un extraordi-nario torso en bronce de la cultura je-mer propiedad de un coleccionista eu-ropeo. Esta escultura ejerció una in-fluencia decisiva en mi carrera; cuandopude comprarla, quince años más tarde,fue una de las obras que expuse en la in-auguración de mi galería en Londres en1994. Ahora está en el Museo de Cleve-land. Entrar en contacto con ella fueuna especie de revelación que me em-pujó a especializarme en la escultura.Como anticuario mis principales intere-ses abarcan el subcontinente indio –has-ta el siglo XII- la escultura del SudesteAsiático, los bronces tibetanos, losthangkas [pinturas místicas de los mon-jes tibetanos] y el arte originario deGandhara [región histórica que corres-ponde al sureste del actual Afganistán yal noroeste de India. Conquistada porlos griegos se mantuvo helenística conlos soberanos grecohindúes, hasta suanexión al imperio hindú de los Gupta.Como centro budista, su arte es conoci-do como arte ‘grecobudista’].

¿Qué cambios ha detectado en el mer-cado de las antigüedades orientales?Se ha producido un progresivo abando-no de esa especie de ‘coleccionismoobsesivo’ en favor de un acercamientomás estético y culto. En cuanto a mi es-pecialidad, parece que los comprado-res prefieren imágenes más poderosase icónicas. Los coleccionistas actualesson personas que han viajado mucho,son ilustradas y refinadas y buscan lasmejores piezas antes que las más ‘ex-travagantes’ que es lo que hasta ahorahacían a menudo.En 1997 usted fue co-fundador de laferia Arte Asiático en Londres y, en2004, de la Semana de la Escultura deLondres. ¿Cómo surgió la idea de cele-brar ambos eventos?La idea consistía en atraer a los colec-cionistas a Londres y sus galerías. Penséque sería magnífico contar con una pla-taforma que sirviera para mostrar la sa-biduría y la personalidad de cada gale-rista y evidenciara la fuerza del arte asiá-tico en Londres.

¿Qué opina del boom mundial que vi-ve el arte asiático –antiguo y contem-poráneo?Creo que obedece al interés que handespertado las culturas extranjeras y elaliciente que supone adentrarse en suidiosincrasia. La espiritualidad del arte

asiático es una dimensión muy aprecia-da por los coleccionistas occidentales.

¿Cuáles han sido las obras más valio-sas que han pasado por sus manos?Durante mi carrera, que dura ya más detreinta años, he tenido la oportunidadde vender piezas a instituciones y muse-os de todo el mundo así como a impor-tantes colecciones privadas.La lista sería muy larga pero no puedodejar de mencionar dos que fueron aparar a prestigiosas instituciones públi-cas; una en Londres, adquirida conjun-tamente por el British Museum y el Vic-toria & Albert, era un extraordinarioBuda del periodo Gupta, datado en elsiglo VII. La segunda venta de la que estoy parti-cularmente orgulloso fue un soberbiotorso de un Bodhissatva, realizado enesquisto gris, procedente de la regiónde Gandhara, datado entre el siglo I yII, que ahora está en la entrada de lassalas dedicadas a la India en el Metro-politan de Nueva York [los Bodhisattvason individuos que han superado las 10etapas de la perfección espiritual, peroeligen, por compasión, aplazar el pre-mio final, el ‘nirvana’, por la salvación detodos los seres sensibles transfiriéndolesel mérito].

¿Piensa que el mercado de las antigüe-dades, menos volátil, se verá afectadopor la crisis? ¿Volverán los precios aun nivel razonable?

No creo que las antigüedades vayan aver su valor o relevancia disminuido enel futuro pues serán piezas cada vezmás raras y cotizadas. Por otro lado,pienso que los precios del arte contem-poráneo se han vuelto inexplicables. Elcrecimiento seguro y sostenido del va-lor de las antigüedades lo convierte enun mercado más sólido en estos mo-mentos difíciles.

¿Qué le interesa como coleccionista?Colecciono un poco de todo, desde ter-ciopelos otomanos a escultura medievaloccidental, de fotografía moderna akitsch religioso hindú.

M. S

Entre dioses y mitos Coincidiendo con la Semana de Asia enNueva York (4-21 de marzo), Eskenazirenueva su colaboración con la galeríaAdam Williams Fine Art en cuya sedemostrará una selección de importantesesculturas. Destaca una magnífica cabezaleonina en terracota del siglo IV-V delreino de Nagarahara en Afganistán, querepresenta a Vajrapani –el guía espiritualde Buda- que está inspirada en lasimágenes helenísticas de Heracles. También se ofrecerá un Buda de pie,datado entre los siglos I-II, procedente dela mítica región de Gandhara, encrucijadade rutas de comerciales situada en laladera oeste del Himalaya, cuya riqueza lepermitió gozar de autonomía políticadentro del imperio Kushan. Los visitantes podrán admirar piezas delas diferentes regiones de India entre laque despunta una enigmática figura enarenisca, del siglo VI, procedente dePunjab que representa una deidad hindúvestida con los ropajes de un gobernadorsasánida [última dinastía de reyes persasantes de la conquista árabe]. Elcosmopolita arte de Punjab, regióndividida entre los imperios sasánida ygupta, era un híbrido de ambastradiciones culturales. Datado a finales del siglo XI, es unelegante bronce que representa aLakshmana, el hermano menor del dioshindú Rama quien, según la épica india,sacrificó su libertad personal por suhermano encarnando el símbolo de lafraternidad y altruismo.Entre las últimas adquisiciones de lagalería Eskenazi sobresale un importantebronce camboyano del siglo XII delperiodo Angkor Wat que plasma al diosVishnu a hombros de Garuda, figuramitológica mitad hombre, mitad pájaro.Este grupo escultórico se realizó bajo elreinado de Suryavarman II, el reyresponsable de la construcción de AngkorWat, el mayor complejo dedicado a lasdeidades hindúes fuera del territorio de laIndia.

“Los coleccionistasactuales son más cultos

y refinados”

Padmapani, Este de India, Bihar.Periodo Pala, IX-X.

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Art Dubai se ha consolidado comopiedra angular del boom del artecontemporáneo en Oriente Me-

dio. Cerca de 65 galerías se reuniránpor tercera vez en el lujoso resort deMadinat Jumeirah para tomar parte delprestigioso certamen dirigido por JohnMartin. Su director y fundador nos ex-plicó cómo fueron los primeros pasosde este proyecto que ha ayudado a ci-mentar la fama de Dubai como uno delos mercados más pujantes del mundo.

¿Cómo se percibe desde Occidente elarte contemporáneo de Oriente Me-dio?El interés por el arte de Oriente Próxi-mo ha florecido en apenas un par deaños. Hace poco asistí a una conferen-cia en la Tate sobre el tema, y había unalista de espera de 300 personas paracomprar entradas lo que te da una ideade la fascinación que ejerce sobre elpúblico. Sin embargo, detecto que to-davía existe una percepción algo confu-sa sobre los artistas que forman partedel denominado ‘arte de Oriente Me-dio’ y la discusión se fundamenta másen generalidades que en los méritos in-dividuales de cada uno. Las casas de subastas apuestan por unapintura conservadora desdeñando a losartistas que usan las nuevas tecnologíascuyo trabajo posee a menudo un altovoltaje político.

Existe también gran confusión acercadel papel que debería jugar la diáspora:la árabe e iraní desempeña un rol cru-cial en la identidad cultural del moder-no Oriente Medio, por lo que discrimi-nar a los artistas en función de su lugarde residencia es absurdo. Hablar de ‘arte de Oriente Medio’ eslo mismo que decir ‘arte de Occiden-te’. Es decir, nada. Ambos conceptosson geográficamente vagos, cultural ypolíticamente ambiguos, y eso ayuda a

explicar por qué artistas árabes e iraní-es (residentes en el extranjero) se sien-ten cada vez más frustrados pues tie-nen que enfrentarse a comisarios quejustifican sus elecciones en base a cli-chés occidentales sobre el mundo ára-be (fijémonos sólo en la cantidad deveces que sale a colación la palabra‘velo’ en cada certamen). El resultadoes que artistas excepcionales se ven in-justamente homologados con los me-diocres simplemente por compartirorigen.

Usted dijo que ve a Dubai “como unaplataforma para fomentar el comerciodel arte”. ¿Qué papel juega realmenteen el mercado internacional?Dubai se ha posicionado como núcleodel comercio artístico en una regióndonde tienen sucursales las mejores sa-las de subastas y se abren galerías casicada mes. Como capital financieracuenta con una infraestructura y unared de comunicaciones excelente. Haybastante cinismo sobre el mercado; es-toy convencido de que es un factoresencial para impulsar la escena artísti-ca generando beneficios culturales yoportunidades, tal como sucede enNueva York. Dubai es una ciudadpuente entre Oriente y Occidente–basta con echar un vistazo al mapa:está sólo a seis horas de Londres y Bei-jing-.

“ES EL MEJOR MOMENTOPARA COMPRAR”

JOHNMARTINDirector de Art Dubai

Flores rojas, venas negras, Jorge Mayet(Horrach Moya).

entrevista

33

¿Cómo ha afectado al mercado la pro-liferación de ferias en Dubai?No creo que ejerza ningún efecto ne-

gativo, más bien al contrario. Cada feriaatrae un público distinto y ayuda a am-pliar la base de coleccionistas. Comosomos los últimos en llegar tenemosque esforzarnos el doble; actualmenteestamos destinando casi la mitad denuestro tiempo y recursos a actividadesno lucrativas.

¿Cómo ve a Dubai en el contexto in-ternacional?No existe un equilibrio entre el merca-do y la producción artística. Aunque elmercado sigue creciendo a un ritmo in-creíble, el número de artistas que tra-baja sigue siendo relativamente exiguo.El alto coste de la vida, las pocas facili-dades para estudiar y la escasez de be-cas son algunas de las razones.En ese sentido Dubai es muy diferentede otras capitales del arte como Berlín oLondres, donde los estudios de los artis-tas suelen concentrarse en una zona delcentro de la ciudad. Los estudios de losartistas de Dubai, en cambio, están enBeirut, Teherán, Lahore o Bombay... Es-toy seguro de que todo esto irá cambian-do; de hecho ya puedes ver cómo las in-fluencias e ideas van propagándose a tra-vés de una red de artistas y cuando estasideas vayan depurándose y el ambientesea más propicio, es probable que loscríticos hablen de la ‘Escuela de Dubai’.

¿Como definiría la comunidad artísti-ca de Dubai? Hasta hace poco la ma-yoría de los artistas tenían que mar-charse a Nueva York o Londres paralograr el éxito . ¿Existen escuelas dearte, becas o subvenciones para el ar-te hoy en día?

Lo primero que te llama la atención es lojoven y ambiciosa que es la gente delmundillo artístico. Hay jóvenes de losEmiratos abriendo galerías, espacios nocomerciales, escribiendo, comisariando,etc... No veo ningún otro lugar donde suescena artística sea tan joven y dinámica. Dubai es una ciudad para aventureros,es muy competitiva; no es un sitio don-de puedas esperar que el gobierno ven-ga a darte las cosas hechas.Dubai es el mejor lugar para poner enmarcha un negocio y supongo que eseespíritu empresarial impregna su esce-na artística. Si tienes la actitud adecua-da, ¡esta ciudad puede ser verdadera-mente inspiradora!

¿Cómo definiría el perfil del coleccio-nista de Art Dubai? Sería virtualmente imposible definirlo.Es un error pensar que los coleccionis-tas son todos de Dubai. Nuestros clien-tes provienen de todas las partes delmundo, desde Los Angeles a Osaka. Loque nos diferencia es que intentamosatraer a los coleccionistas más audacesque deseen conocer artistas distintos delos que ya pueden encontrar en Basileao Miami... Gozamos de un enorme apoyo de loscoleccionistas de India y de todo Orien-te Medio, especialmente de los paísesdel Golfo, Arabia Saudí, Líbano, Egip-to y Jordania, pero también acuden mu-chos de Rusia y Grecia, aunque el añopasado el contingente más numerosofue el de Reino Unido. ¿Compran estosclientes su propio arte?. Depende delcoleccionista. La mayor parte suele em-

pezar así, pero pronto descubren queeso supone una gran limitación: el ham-bre de nuevos descubrimientos no pue-de confinarse a un solo país.

Teniendo en cuenta la crítica situacióneconómica, ¿cuáles son las previsionessobre visitantes y ventas?Art Dubai es un feria relativamente pe-queña y goza de una posición global úni-ca. Si tienes dinero, éste es el mejor mo-mento para comprar en los últimos vein-te años. Estamos vendiendo 50 entradascada día, y más de 40 museos y gruposde coleccionistas planean visitarnos. Talvez Art Dubai sea la excepción en unaño muy difícil. ¡Ojalá infundamos unrayo de optimismo en el mercado!

¿Colecciona? ¿Cuáles son sus prefe-rencias personales?Compro arte desde que tenía 18 añosaunque nunca he pensado que las obrasque he ido acumulando pudieran cons-tituir una colección. Solía comprar alazar y cuando podía: antigüedades, artemoderno, obras de colegas de la facul-tad de bellas artes y una mezcla de artecontemporáneo inglés e irlandés. Aho-ra, gracias a la feria, los artistas que es-toy conociendo han ampliado mis hori-zontes: algunos como Susan Hefuna,Moataz Nasr y Timo Nasseri se han in-corporado a mi colección. ¿Y quién sa-be? ¡Tal vez un día sea una verdaderacolección!

Vanessa García-Osuna

19-21 marzo 2009Madinat Jumeirah, Dubai

www.artdubai.ae

Third Line (Arwa Abuon).

“La rapidez con que crece la feria no deja de sorprenderme”

Un comienzo muy prometedor...“Art Dubai comenzó como la Feria del Golfo en 2007. Mi socio Ben Floyd sugirió la ideaen 2005 y durante una visita al Festival de Cine en diciembre, encontré el escenarioperfecto en Madinat Jumeirah. Una vez elegido el emplazamiento empezamos a buscargalerías. Inicialmente no estábamos seguros de que fuera a ser un evento exclusivamenteenfocado al arte contemporáneo. Dado que el mercado del Golfo estaba en su estadiomás embrionario, no teníamos ni idea de cómo podría recibirse una feria de artecontemporáneo, así que nuestra propuesta primera era mucho más ecléctica.Confiábamos en que el mercado nos señalase el camino a seguir. En una ciudad joven ydinámica como Dubai, el arte contemporáneo tiene un encaje natural. Como centrofinanciero –con una fiscalidad ínfima- situado a tiro de piedra de Delhi, Bombai, Teherán,Beirut, Dubai era un lugar ideal para celebrar una feria de calidad que acogiera a lasnuevas galerías asiáticas que no encontraban acomodo en Occidente. Nuestra confianzacreció al anunciarse los ambiciosos proyectos en el cercano Abu Dhabi, y con la primerade una serie de exitosas subastas celebradas por Christies desde 2007. En la primera edición la clave era ganar credibilidad con una apuesta por la calidad y elrigor intelectual. Además coincide con la 9ª Bienal de Sharjah, y con el más extensoprograma de eventos arte contemporáneo que hayan tenido lugar nunca en los EmiratosÁrabes; tendremos más de 5.000 visitantes internacionales y 200 periodistas acreditados.La rapidez con la que la feria sigue creciendo no deja de sorprenderme ¡aunque merepito que esto es muy normal en Dubai!, dice John Martin.

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La familia Rubell posee una de lascolecciones privadas de arte con-temporáneo más importantes del

mundo. Poco después de casarse, en1964, Don y Mera Rubell dieron susprimeros pasos en el mercado del arte;al poco tiempo la familia se amplió conla llegada de sus hijos Jason y Jenniferque han heredado la pasión coleccionis-ta de sus padres. La Colección Rubellcomprende obras de la década de los 60hasta la actualidad, y se alberga en unpeculiar edificio usado como almacénpor la Agencia Antidroga. Abierto alpúblico desde 1996, los Rubell organi-zan exposiciones itinerantes con obrasde sus artistas como Maurizio Cattelan,Marlene Dumas, Keith Haring, Da-mien Hirst, Anselm Kiefer, Jeff Koons,Takashi Murakami, Cindy Sherman yKara Walker entre los más destacados.Nuestra revista tuvo la oportunidad deconversar con Mera Rubell sobre losorígenes de su colección y sus proyec-tos futuros.

¿Cómo empezó a coleccionar?Todo empezó hace 45 años. Mi esposoacudía a la Facultad de Medicina y yodaba clases. Para ambos empezó siendocasi como una forma de vida, nunca tu-vimos la idea de formar una colección.En el proceso de conocer a nuestro ve-cindario, paseando por las calles durantelas pausas de estudio, descubrimos ununiverso de jóvenes artistas. En el trans-curso de aquellos recesos aprendimosmucho acerca de la gente creativa quevive en Nueva York y decidimos com-prar todo el arte que pudiéramos. En1964, cuando nos casamos, ¡teníamos 25dólares como presupuesto mensual paracomprar arte!. Al cabo del tiempo, nues-tros fondos fueron aumentando y com-prar arte se convirtió en una parte con-sustancial de nuestra vida. La colecciónfue creciendo y, antes de que se nos ocu-rriera la idea de crear una fundación pú-blica, la gente venía a visitar nuestra ca-sa y siempre quedaba fascinada con elarte joven que coleccionábamos.

¿Cuando y por qué decidieron mudar-se de Nueva York a Miami?Empezamos a venir a Miami cuandomi marido aún ejercía en Nueva York.Conforme nuestra colección crecía,fantaseábamos con la idea de lo bonitoque sería tener un lugar donde com-partir la colección con el público inte-resado. Cuando compras obras maravi-llosas adquieres una especie de com-promiso de mostrarlas al público, ¡nopuedes limitarte a meterlas en un al-macén!

En 1992 nos trasladamos a Miami ynos dimos cuenta de que era un sitiofantástico; había barrios enteros dondepodías encontrar edificios no demasia-do caros. Existían montones de oportu-nidades, porque era justo después delpaso del huracán Andrew; tambiénahora puedes comprar bloques de pi-sos con apartamentos nuevos por unafracción del precio que hubiera costa-do construirlos ahora. Adquirimos unedificio obsoleto que era un antiguo al-

MERA RUBELL

“El arte es el lenguaje íntimo del alma”

Don y Mera Rubell.© Foto Chi Lam.

grandes coleccionistas

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macén confiscado por la Agencia Anti-droga. Mi marido Don siempre decíaque este edificio tenía que ver con lasadicciones de la gente y que, en ciertamanera, nosotros habíamos traídonuestra adicción personal ¡el arte!.Efectuamos una renovación integraldel edificio para hacerlo más acogedory lo convertimos en la sede de la Co-lección Rubell.

¿Qué podría contarme de la Funda-ción? Cuenta con un museo, una granbiblioteca y según sus propias palabras“no es un escaparate, sino tan sólo par-te de la comunidad”. ¿Tiene que ver es-to con la idea de ‘servicio público’?No tengo ni la más remota idea deadonde nos llevará este proyecto, es co-mo cuando das el primer paso de un lar-go viaje y el sendero se bifurca.

Es muy excitante: te pasas el día ha-

blando con personas que sólo piensanen el arte, en cómo crear obras de artee interactuando con comunidades detodo el mundo. Iremos a cualquier sitioen busca de esta energía artística, noimporta lo lejos que esté.

¿Cuál es su misión?Apostamos por mantener nuestro com-promiso como coleccionistas. Existenun montón de museos que poseen ‘porcasualidad’ una colección, pero no lo-gran conformar una colección en senti-do pleno, todo lo más se limitan a expo-ner las obras. Nuestro caso es distinto.Este museo se beneficia de nuestra pro-pia experiencia como coleccionistas.Ofremos al público nuestro proyecto devida, nuestro compromiso con el arte ynuestro conocimiento. Ejercemos nues-tra labor de coleccionistas bajo el senti-do de la responsabilidad.

Uno se queda realmente impresionadopor el sentimiento de diálogo interge-neracional que desprende la coleccióny que se materializa en las distintas ex-posiciones que se desarrollan en el mu-seo. ¿Es una prioridad para usted?Nuestra colección empezó hace mu-chos años y ofrece una especie de testi-monio histórico; siempre intentamosarticularla como un diálogo entre artis-tas. Por ejemplo, en la exposición actual-“30 Americanos”- muchos de los artis-tas son jóvenes afroamericanos que‘dialogan’ con creadores que les hanayudado e influenciado. Por ejemploRobert Colescott, que ronda los ochen-ta años, y Mickalene Thomas, treinta-ñera. Las obras de Colescott que tene-mos tienen cerca de treinta años, él hadejado ya de trabajar ... pero realmenteera muy importante para Mickalene;Colescott estudió con Léger y sabe que

Not Afraid:Rubell Family Collection,

introduction by Mark Coetzee.£39.95 / ¤69.95. Phaidon Pr ess.

www.phaidon.com. Courtesy of Phaidon Press.

“Me encantaObama y aquello

que dijo de que ‘Nosvemos en el otro’”

"All in the Family" La Colección Rubell expone hasta elpróximo noviembre “30 Americanos”, unamuestra que versa principalmente sobre elarte afroamericano. “Sólo exponemos losque poseemos” dice Mera Rubell.“Hemos dedicado tres años a viajar por elmundo, hablando con todos los artistas,críticos y comisarios posibles, buscando ycomprando las mejores obras a nuestroalcance, y agrupándolas para ofrecer el mejorretrato del arte afroamericanocontemporáneo que nos permitennuestras limitaciones intelectuales, físicasy financieras”.Para los Rubell “la nacionalidad es unadeclaración de intenciones” y coleccionararte afroamericano ha sido una opciónnatural desde los años 60. Nombres comoAndy Warhol, Damien Hirst, Jeff Koons,Cindy Sherman, Takashi Murakami, KaraWalker, Marlene Dumas, Richard Prince,Maurizio Cattelan, Jean-Michel Basquiat,por nombrar solo unos pocos, sonalgunas de las estrellas de su colección,en permanente estado de expansión pueslos Rubell “coleccionan hasta el últimominuto antes de inaugurar unaexposición” y ésa es la razón por la que,en la muestra “30 Americanos”participen, en realidad, 31 artistas.

Bibliografía: Coetzee, Marc, Rubell Family Collection. NotAfraid, 2004 Phaidon Press Limited.

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podía haber ganado más dinero si sehubiera limitado a ser un pintor abs-tracto. Pero decidió plasmar la historiade los negros y, por ese motivo, sus pin-turas nunca se vendieron bien porqueera una temática que tenía pocos com-pradores potenciales...

¿Cómo ha sido el proceso de confor-mar una colección, con importantesgrupos de pintores alemanes, de LosAngeles ... ¿Cómo lo hacen? ¿Ejercende comisarios y coleccionistas?Organizamos una exposición sobre losartistas de Leipzig, con cerca de 100obras, también hicimos otra titulada“Ojo rojo” con creadores de Los Ánge-les. Sólo mostramos las obras que co-leccionamos; viajamos por el mundocon nuestro equipo. No quiero usar lapalabra ‘comisario’ prefiero la de ‘co-leccionista’ porque creo que un colec-cionista actúa como un comisario peroentabla una relación diferente con lasobras.

¿Tiene algún artista favorito entre losrepresentados en su colección? ¿Don-de reside la singularidad de su colec-ción?Eso es como preguntarle a alguien aqué hijo quiere más ... ¡es imposible decontestar!. Mientras charlo con usted,en nuestro jardín de esculturas, estoymirando un magnífico trabajo de Ri-chard Long que adquirimos en 1990.¡Qué experiencia tan bonita vivimos co-locando estas rocas de Richard!. Y aho-ra veo una mujer de Thomas Schutte,que parece estuviera viva tumbada aquímismo, es tan poderosa, sexual, mascu-lina y femenina, ¡es fantástica!. Para mí,la fuerza de la colección reside en su ca-

pacidad para inspirarme cada día. Ytambién a mi marido; seguimos madru-gando y charlamos sobre arte durantedos horas. ¡Mientras sigamos así, nues-tra coleccion tendrá fuerza!

¿Qué podría contarme de la exposi-ción ‘Polos opuestos: Arte Polaco Con-temporáneo’ de 2006. ¿Le acercó a susraíces polacas? Cuando decidimos comprar obra de jó-venes artistas polacos, no podíamos sa-ber si en el futuro serían de los ‘gran-des’ porque los artistas siempre son losjóvenes. Mi marido, mi hijo y yo vimosalgo en el arte polaco que nos sedujo.Tal vez fueran mis raíces polacas lasque me dieron más perspicacia o mejorentendimiento. El arte comparte unhermoso lenguaje común pero posee susingularidad; aunque todos seamos hu-manos, cada uno tenemos nuestra cul-tura propia, y en definitiva, nuestra in-dividualidad.

Adoro a Obama y aquello que dijo:‘Nos vemos en el otro’. ¡Me encanta!Todos somos diferentes, es como losidiomas, cada lengua es única ...¡cadapersona es especial e inimitable!

¿Cómo se les ocurrió la idea de crearArt Basel Miami?

Fuimos de los primeros americanos envisitar Art Basel y entender en qué con-siste el coleccionismo europeo. Hemosestado yendo a Basilea alrededor detreinta años, y la gente que organizabaArt Basel solía venir a Miami. Siemprevimos a Miami como una especie deBasilea de Suiza porque Miami es tam-bién una encrucijada, casi como Basileaque está muy cerca de Francia y Ale-mania, y casi en el centro de Europa.

Tenemos un aeropuerto internacio-nal y buenas comunicaciones con Sura-mérica. No te sientes perdido como su-cede en Nueva York, en Miami la gen-te puede sentir la cercanía, la proximi-dad, igual que en Basilea, lo que esademás una de las causas que explicanque haya funcionado tan bien.

Mi hijo Jason les dijo ‘¿Por qué nolleváis el arte a la playa, en un contene-dor?. Playa y Arte. ¡Será increíble!’. Yesta idea de los contenedores en la pla-ya les pareció genial y dijeron ‘¡Vamosa hacer algo inédito en Miami que nun-ca se haya visto en ningún otro lugardel mundo!’.

Alguien le preguntó una vez ‘¿Cuál esel propósito del arte? Usted replicóque ‘no trata sobre preguntas sino so-bre respuestas, es la vía para tener lamente abierta’. ¿Cómo contestaríaahora?Es probablemente el lenguaje íntimode nuestra alma y el buen artista logracomunicar de manera más profunda ypenetrante que cualquier palabra o dis-curso. ¡Todo tiene que ver con el hechode ser abierto de mente, sobre la co-municación y conocer al otro!

Teresa Pearce de Azevedo

Takashi Murakami. DOB in TheStrange Forest, 1999. FRP, resin,

fiberglass, acrylic, and iron. 304.8 x 304.8 x 127 cm. Photograph

© Mark Coetzee. Courtesy ofPhaidon Press from Not Afraid:

Rubell Family Collection.

“Ejercemos nuestralabor de

coleccionistas bajoel sentido de la

responsabilidad”

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En el número 136 del bulevardFaubourg Saint-Honoré de Pa-rís, en la mítica galería Cailleux,

fundada a principios del siglo XX, tienesu sede la galería de Patrice Bellanger,prestigioso anticuario especializado enescultura antigua. Son muy pocos losanticuarios dedicados en exclusiva a laescultura, apenas cuatro o cinco en Pa-rís, dos o tres en Nueva York y tres ocuatro en Londres. Es un ámbito muyreducido en el que Bellanger está con-siderado uno de los máximos especia-listas en escultura de los siglos XVII,XVIII y XIX. Promotor de numerosasexposiciones y autor de auténticos tra-tados de escultura, su galería semejaun museo donde se exhiben obras ex-quisitas de Carrier-Belleuse, Carriés yMarin o los neoclásicos Charles Des-piau y Alfred Janniot.

Su galería es una de las pocas que sededica exclusivamente a la escultura.¿Por qué se ha especializado en la es-cultura de los siglos XVII, XVIII yXIX?Mi especialización responde a mi parti-cular pasión por lo tridimensional, que,además, tiene la ventaja de huir de lasmodas.

Gracias a sus exposiciones la esculturaen terracota ha recuperado su valor ...El aspecto más importante de la escul-tura en terracota es el modelaje direc-to por el artista, sea por temas de estu-dio personal o proyec-tos de dimensiones másimportantes; algunasveces incluso monu-mentales: esculturas enmármol, bronce, etc.

Diderot decía que losbustos de J.B. Lemoyneparecían estar hechos‘en carne’, dada su increíble veracidad.¿Cuál es el periodo deesplendor de la terra-cota?Cada época está asociada a un material.Sin embargo, el arte de la terracota sepracticó desde finales del siglo XVIhasta el siglo XVII en Italia, y en los si-glos XVII y XVIII en Francia. Se tratade un material muy empleado en el ar-te del retrato a lo largo del siglo XVIIIen Francia.

¿Qué factores se deben tener en cuen-ta a la hora de valorar una escultura?

Lo más importante es su carácter ‘ori-ginal’, es decir, que sea una pieza úni-ca. Como le digo cada época tiene sumaterial; el bronce en el Renacimientoitaliano, la terracota en el siglo XVIIIpara la preparación de obras, y el yesoen el XIX. Evidentemente, todo estoson meras pinceladas y precisaría de undesarrollo mas extenso.

La escultura antigua y el Renaci-miento italiano influyeron en todoslos campos del arte... ¿En que mo-mento dejó de influir la escultura ita-liana en los artistas europeos?La infuencia de los artistas italianos,ellos mismos influenciados a su vezpor la civilización grecorromana, es lafuente del arte escultórico en Franciaque, sin embargo, escapa del arte ba-rroco por exclusiva voluntad estéticade Luís XIV.

¿Es difícil la catalogación y atribu-ción de una escultura?Los artistas, en el campo de la escultu-ra moderna [desde el Renacimiento]no siempre han firmado sus obras conlo que no resulta fácil identificar a unautor. De hecho, la atribución es másuna indicación del estilo y la escuela.

Durante el Renacimiento la copia deobras antiguas fue muy común, tam-bién durante el siglo XVIII y XIX losdescubrimientos arqueológicos pusie-ron de moda la réplica de estatuasantiguas, ¿de qué manera complicaesto la autentificación de las escultu-ras?La referencia al arte antiguo no com-

plica en absoluto el atri-buirles una fecha a lasobras posteriores puessiempre se infiltra algúnelemento que desvela laépoca de ejecución de laréplica.

Las últimas tendenciasgiran en torno al mini-malismo, el arte zen,etc... ¿cómo afectan asu galería las modas? La cultura grecolatina

disfruta por suerte de un prometedorfuturo, pues nuestros clientes sigueninteresados. Una escultura en terraco-ta en un entorno zen no desluce másque una escultura asiática o africana.

Lorena Mingorance

Galerie Patrice Bellanger136 rue du Faubourg Saint Honoré

75008 ParisT. +33 142 561 450

Bellanger es unode los máximos

expertosinternacionales

en esculturaantigua

PatriceBellanger “La cultura

grecolatina tiene unfuturo prometedor”

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Hablar de Sam Fogg es hacerlode uno de los más insignesmarchantes internacionales es-

pecializados, primordialmente, en artede la Edad Media aunque su galería,fundada hace un cuarto de siglo, cuen-ta también con departamentos de arteetíope, islámico y asiático. Por primeravez desde hace diez años, el expertolondinense vuelve a participar en la fe-ria TEFAF Maastricht, donde mostrarásu exposición El arte gótico y renacen-tista, articulada a través de una valiosaselección de manuscritos, esculturas,pinturas y artes decorativas y vidrierasde los siglos XI al XVI. Entre sus clien-tes se encuentran algunos de los másprestigiosos coleccionistas privados asícomo instituciones del mundo.

Con motivo de su participación enel certamen holandés nuestra revistaconversó con el afamado anticuario so-

bre su vocación y la evolución del mer-cado de las antigüedades.

¿Cómo descubrió que quería dedicar-se a las antigüedades? ...simplemente ocurrió así. Mi aspira-ción inicial era convertirme en artistamientras me ganaba la vida vendiendolibros de segunda mano como trabajocomplementario. Poco a poco fui intro-duciéndome en el campo de los librosde referencia para, al final, consagrar-me definitivamente a los manuscritosmedievales. Con el tiempo adquirí unabuena reputación en este área lo queme permitió profundizar en otras ramasdel arte medieval. Todas estrechamen-te vinculadas entre sí.

¿Recuerda cuál fue su primera expe-riencia relacionada con el arte?... desear ser artista e intentar pintar

¿Qué le interesa como anticuario?Me gusta descubrir tesoros ocultos...

¿Cómo se organiza su galería y cuálesson las prioridades de su programaexpositivo? Nuestra galería cuenta con un progra-ma expositivo regular, también partici-pamos en ferias (como este mes en Te-faf) y, otras veces, colaboramos con ga-lerías de Nueva York, París y Berlín, en-tre otras ..

En los últimos tiempos hemos cele-brado importantes exposiciones comoImágenes de Luz: Vidrieras 1200-1550 [El vidrio emplomado era desco-nocido en la antigüedad. Se inventóhacia 1000 d.C, y pronto adquirió unaposición dominante en las artes de laEdad Media, no sólo en iglesias sinotambién en contextos seculares. Consu aparición revolucionó las artes de-corativas de su tiempo -puede compa-rarse con la llegada de la televisión; aligual que la televisión implica que unhaz de luz atraviese una capa transpa-rente, en los vidrios emplomados seapoyan en la luz del sol en vez de laluz generada por la electricidad, con-siguiendo que la imagen de la vidrieraesté en constante movimiento confor-me la luz va variando su tonalidad]; ElArte de Etiopía [la singularidad del ar-te etíope obedece a su posición domi-nante en las montañas del Cuerno deÁfrica. Aunque remota y a veces aisla-da, Etiopía desarrolló una tradición,que se remonta al siglo IV a. C, im-pregnada de sus contactos con la cul-tura bizantina, europea e islámica].Por último, la exposición Tinta y Oroque ofreció una visión completa deldesarrollo de la caligrafía islámica a lolargo de mil años desde sus inicios enla Península Arábiga que se comple-mentó con una muestra en el Museode Cultura Islámica de Berlín.

“Me gustadescubrirtesorosocultos”

Sam Fogg© Foto. Joanne O´Brien.

SamFogg

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Las dos primeras exposiciones fueronun hito, no existían precedentes en nin-guna galería comercial. Un dato: el Mu-seo Getty compró todas las piezas quecomponían la muestra Imágenes deLuz.

Su galería no tiene rival en el área delos manuscritos medievales. ¿Cuáleshan sido los descubrimientos másemocionantes que ha efectuado en sucarrera?Una miniatura (página completa de unmanuscrito) que recreaba la Huida aEgipto de Jean Bourdichon, emblemá-tico pintor francés activo hacia 1500.Era una de las dieciséis miniaturas quese conservan de un Libro de las Horashecho para Luis XII, sin duda, uno delos más grandes manuscritos de sutiempo. Las miniaturas desperdigadasde este manuscrito regio, son anteriorespero se parecen mucho a las pinturasque este artista realizó en las Horas deAna de Britannia (1503-1508), y que se-rá una de las estrellas de mi stand enMaastricht.

Desde su privilegiado observatorio¿Cómo ha evolucionado el perfil delcoleccionista en los últimos años?...parece que hayan menos bibliófilos ymás compradores generalistas que co-leccionan arte medieval en sus distintasdisciplinas...

¿Se ha encontrado muchas falsifica-ciones en su carrera?... Sí, y algunos fraudes del siglo XIXson realmente sofisticados. Hay que te-ner mucho cuidado.

El arte contemporáneo es la locomoto-ra del mercado. ¿Cómo vislumbra elfuturo de las antigüedades?

Veo un crecimiento lento pero firme,en contraste con el ascenso meteóricodel arte contemporáneo que es un seg-mento más vulnerable que el de las an-tigüedades.

¿Han estado las antigüedades infrava-loradas esta última década? Si así fue-ra, qué explicaría este resurgir (en loque respecta al campo de la esculturamedieval, parece que es un nicho demercado cada vez más dinámico).... las antigüedades no han estado infra-valoradas aunque tal vez la cuestión seaque otros campos han estado sobredi-mensionados. Hoy día su valor se acre-cienta de manera sostenida y segura. Elarte medieval está viviendo un magnífi-co resurgir debido en parte a que susprecios no se han inflado en demasía ytodavía constituye una opción asumiblepara el coleccionista, y además todavíase descubren obras maestras. Aún noestá demasiado ‘trillado’ como dicen losexpertos en Maestros Antiguos.

R. O

15D Clifford Street . Londres W1S 4JZ T: 44 (0) 20 7534 2100 . www.samfogg.com

Algunos tesoros ocultos...Sam Fogg mostrará en su stand en la feriade Maastricht un amplio abanico de obrasde arte medieval cuyos precios oscilaránentre los 5.000 y los 500.000 euros.Una de las piezas más preciadas será uncofre de matrimonio o cofanetto demadera decorado con marquetería allacertosina en hueso, datado entre 1400 y1410, adornado con relieves de episodiosde la leyenda de Jasón y el Vellocino deoro. Entre los manuscritos iluminados yminiaturas se ofrecerá una miniatura quemuestra a Lancelot dando muerte a losgigantes, proveniente del Libro de Lancelot du Lac, iluminado c.1440 por elMaestro Dunois, sucesor del MaestroBedford, la figura por antonomasia en elcampo de la iluminación en París. La oferta de vitrales incluye una magnífica pieza de la colección de la Casade los Príncipes de Liechtenstein quemuestra una joven y bella pareja condistinguidos ropajes, sentados en un jardíncercado que representa una imagenidealizada del amor cortesano. Procedentede la colección de la Casa Real deHannover, del castillo de SchlossMarienburg, es un excelente panel quemuestra a la Virgen y el Niño, y que estuvoen la Iglesia de San Pedro de Colonia (c.1525-30). Este panel es un exponente delvidrio de mejor calidad producido en eltaller de Colonia en el primer cuarto delsiglo XVI. En pintura despunta unaCrucifixión del maestro de la Leyenda deSanta Bárbara (que algunos eruditosatribuyen a Aert van den Bossche) pintadoen Bruselas hacia 1480.

“Me he encontradocon falsificaciones

realmentesofisticadas”

La Huida a Egipto, de las Horas de Luis XII.Jean Bourdichon (1475-1521) Francia, Tours.

Maestro Dunois (¿Jean Haincelin?). Lancelot dando muerte a los gigantes. París, Francia. C.1440.