El Espectáculo Teatral nº 69 enero 2012

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el mundo del espectáculo teatral

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Editorial

Un sociólogo, experto en técnicas de estudio de mercado, es el nuevo Ministro de Educación, Cultura y Deportes. Un Ministro no perteneciente al PP y que, además, es colaborador habitual de El País. De hecho, en una de sus últimas columnas, Josep Ramoneda afirma, literalmente, refiriéndose al nuevo gobierno, “si Wert no lo remedia, no habrá espacio ni para un susurro de discrepancia en el Consejo de Ministros”… ¡Qué quieren que les diga! En ese artículo del ex-director del CCCB –cesado por los paletos de CiU, a los que cualquier atisbo de cosmopolitismo y visión internacional asusta–, titulado “Aires de regresión”, lo único que me proporcionaba cierto optimismo era, precisamente, esa alusión a José Ignacio Wert.Él es quien va a encargarse de dar cuerpo a las decisiones políticas de Mariano Rajoy, entre las que ya se avanzó la supresión de las subvenciones nominativas, pero también la modificación y desarrollo de la Ley de Mecenazgo. Sabemos que la falta de subvenciones directas puede suponer la muerte para muchas pequeñas empresas culturales, pero como con el pataleo no conseguimos nada, habrá que hacer como si nada y seguir “p’alante” en la medida de nuestras posibilidades, conscientes de que estamos protagonizando, en tiempo real, “la evolución de las especies” de Darwin: sobrevivirá quien mejor se adapte al medio hostil. Si determinadas iguanas aprendieron a bucear para alimentarse de algas y líquenes pegados a las rocas submarinas de las islas Galápagos, no sé porqué los teatreros no vamos a poder sobrevivir en circunstancias adversas a partir de este mismo instante.No suelo referirme a nuestros anunciantes, pero en este mismo ejemplar podemos observar en las páginas centrales cómo una empresa de pedigrí teatral cien por cien como Pentación anuncia su recién creada división musical, en la que se gestiona la contratación de artistas como Antonio Carmona, Pilar Jurado, Rosario Flores o La Orquesta Mondragón. Eso se puede analizar desde, al menos, tres puntos de vista no excluyentes: como adaptación al nuevo medio, como diversificación del riesgo empresarial y, más importante aún, como señal de hacia donde se dirige el futuro…Si son los ayuntamientos los que hasta ahora ocupaban la programación de espectáculos musicales y teatrales y coreográficos, ¿está Pentación enloqueciendo? Al contrario: da la sensación de que piensa que el futuro de los espectáculos musicales no pasa por el pago de cachés exorbitantes en las fiestas patronales, sino por aumentar la presencia de este tipo de artistas en los teatros existentes, terreno que la empresa conoce bastante bien. Vistos estos indicios no me importaría apostar porque la gestión privada (o mixta) de los espacios públicos vaya a ser lo que suceda en un futuro no muy lejano.Podremos oponernos o no, podremos seguir peleando por tratar de convencer a quienes nos acompañan de que las cosas hay que hacerlas de otra manera, pero lo que no podemos hacer mientras tanto, bajo ningún concepto, es negar la evidencia. Si Rosario Flores –acostumbrada a que la pagaran decenas de miles de euros por actuar gratis en las fiestas de Bollullos del Condado– acepta el riesgo de ir a taquilla, los demás tendremos que hacernos a la idea de que parte de nuestros ingresos tendrán que venir por ese lado.Nuestro propio proyecto editorial está, actualmente, seriamente amenazado: caída de la facturación y “retrasos” en los pagos, como el del FIT de Cádiz (con facturas pendientes desde 2009), la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha, o el Festival de Mierda (el baile de letras es a propósito y se dirige al Patronato que lo dirige y a los políticos “de mérida”), pero nos negamos a tirar aún la toalla cuando seguimos siendo capaces de encontrar apoyos, aliento y ánimos por parte de la profesión. Así que, si tenemos que ir a taquilla, pues a taquilla…

Jesús Rodríguez LeninEditor

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRIDTel.: 91 304 04 88

Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁ[email protected]

Director de arte: ENRIQUE PÉ[email protected]

Redactora Jefe: CRISTINA RELLO [email protected]

Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER.

Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES

Publicidad: ABEL VALERO [email protected]

Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍ[email protected]

Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L.Depósito Legal: M-46213-2005Imprime: Gráficas Villena.Distribuye: National Post.

SUMARIO:

7 PREMIOS - 7: Premio El Espectáculo Teatral

8 INSTITUCIONES - 8: Entrevista a Ernesto Caballero

12 FERIAS Y EVENTOS - 12: MADferia y Festival de Jerez - 13: Te Veo en Danza

16 COMPAÑÍAS - 16: Teatro de texto - 25: Humor - 27: Danza - 28: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO

OPINIÓN - 6: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 14: El Hereje, de Eduardo Galán - 26: El Apuntador, de Joserra Martínez - 33: La Técnica, de Jordi Planas - 34: La reflexión, de Robert Muro

¿A taquilla?

Pues a taquilla

Por un error completamente involuntario, en la página 25 del número 68 de la revista EL ESPECTÁCULO TEATRAL, en el titular de la noticia dedicada al monólogo “Tengo una familia moderna”, de Pilar Ordóñez, aparecía como fecha de su estreno el 22 de enero, cuando en realidad será el 23 de enero cuando se podrá ver por primera vez este espectáculo en la sala Galileo Galilei de Madrid.

Fe de erratas

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heteatrodoxias

En España, el sistema público de cultura estaría en crisis aún sin cri-

sis económica, lo cual debería obligarnos a reflexionar más allá de la coyuntura económica que nos afecta. En los últimos meses las palabras recorte, morosidad, revisión e incluso desaparición forman parte del dialogo habitual entre empresas, compañías y agentes del sector cultural. Las artes escénicas no son una excepción y escenifican, en alguna medida, el punto central de la problemática cultural teniendo en cuenta las características intrínsecas de su naturaleza funcional: reciben dinero público pero tienen un potencial económico autónomo dado que establecen una relación directa con el usuario a través de la venta de entradas.Otros sectores culturales como el cine o la televisión tienen una problemática añadida dado que la producción de contenidos sólo puede realizarse si existe un encargo, o unas ayudas previas; y algunos como la música y más recientemente el libro deben afrontar una profunda reestructuración proveniente del cambio digital.El teatro escenifica perfectamente este tipo de actividad cultural a la que las nuevas tecnologías añaden posibilidades en el terreno artístico y sobre todo en los procesos de mercadotécnia, pero no le alteran esencialmente su cadena de valor. Por eso es tan resistente a la crisis en términos de públicos y por eso, también genera la sensación de que podría funcionar con menos ayudas públicas.En la actual situación hablamos mucho de dinero y muy poco de política cultural. Se pone de manifiesto la fragilidad de este imaginario pacto social entre el estado y la Cultura al cual nos hemos referido tantas veces y sobre el cual fundamentamos una pretendida idea de democracia cultural. En realidad ni los políticos ni los agentes del sector han sabido convencer a la ciudadanía de la importancia fundacional de la cultura,

de sus valores fundacionales, ni de su peso estratégico en la creación de nuevas dinámicas económicas. A ello me refiero cuando hablo de una crisis dentro de la crisis. En realidad me preocupa más la crisis del sector cultural que la económica.La economía del teatro tiene soluciones económicas relativamente sencillas. Una buena estrategia de comunicación permitiría incrementar la ocupación de nuestros teatros con cierta facilidad (tenemos un 45 % de desocupación, lo que da un enorme margen de maniobra). Un ajuste progresivo de los precios añadiría liquidez al sector lo que supondría mayor capacidad de inversión. Una mayor contundencia en la aplicación de fondos reintegrables en aquellas aportaciones de carácter comercial (política que por cierto sólo está desarrollada en Catalunya) generaría una mayor eficacia en aquellas partidas de subvención a fondo perdido para las producciones de mayor riesgo artístico. Un acuerdo de productividad en los teatros públicos permitiría producir lo mismo y a igual nivel de calidad con presupuestos más reducidos. Un acuerdo institucional interterritorial facilitaría la consolidación de circuitos estatales que añadieran eficacia y sostenibilidad a las producciones escénicas de mayor ambición y una evaluación rigurosa de las propuestas de producción escénica que eliminaran las ayudas a aquellas que no tienen viabilidad comercial o un mínimo interés artístico (por la vía de la calidad contratada o del riesgo experimental) ayudaría a equilibrar oferta y demanda con los imprescindibles correctores de riesgo a los que debe comprometerse cualquier política pública.Visto así, un pacto real y sensato entre administraciones y sector teatral podría perfectamente estabilizar la situación a costes más bajos y con mayores posibilidades de consolidar un ámbito de la cultura que tiene una demanda creciente.

Pero ello supondría poner los bueyes antes que las carretas, lo que en contra del sentido común, parece imposible en la actual coyuntura. Hablamos de dinero y no hablamos nada de política cultural cuando lo razonable sería hablar de objetivos y aplicarles después los recursos existentes, aún sabiendo como todos sabemos que son escasos.El sector se entretiene buscando falsos culpables y aprovechados potenciales. El fantasma de la privatización o la dialéctica equivoca entre teatro comercial y teatro de calidad generan un debate endógeno que nadie entiende y que allana el camino del recorte fácil sin apenas contestación popular.Los teatros españoles no pueden privatizarse; es técnica y económicamente imposible, salvo aquellos en Madrid y Barcelona que son intrínsecamente privados. Mas allá de su nefasta gestión, Arteria demuestra que el sector teatral sólo puede funcionar en términos privados si se sustenta en una altísima capacidad de producción de contenidos; lo otro es hacer de empresario de paredes. Si los teatros municipales se privatizaran para cambiar al empresario de paredes no cambiaría absolutamente nada y en cualquier caso no sería a peor.España necesita establecer un pacto escénico y existen las condiciones para realizarlo: talento, capacidad de crecimiento económico, madurez empresarial e infraestructuras en perfecto estado de revista. Hay que garantizar la diversidad de contenidos, la calidad media de cada producción y unos niveles de productividad y eficacia social evaluables. Y hay que ser corresponables con la actual crisis económica.Si planteado en estos términos, con rigor y credibilidad sectorial las Administraciones no quieren, entonces, sólo entonces la guerra estaría justificada.

Xavier Marcé

Una guerra no justificadaNuestro colaborador Xavier Marcé comienza su primer artículo del año asegurando que en nuestro país habría crisis teatral aunque no hubiera crisis económica. Incluso enumera una serie de medidas para contribuir a solucionar la problemática económica que afecta a nuestro sector, pero deja claro que ninguna de ellas tendría ninguna eficacia si no se establece antes una serie de objetivos culturales a través de un pacto escénico entre las diversas partes implicadas.

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el mundo del espectáculo teatralpremios

Un formidable ejercicio de escritura, descarnado y certero, rezumante de

violencia larvada y pasión, que merece el mejor de los elogios para un texto teatral: cuando uno lo lee siente irrefrenables de-seos de verlo sobre un escenario”. Con es-tas sentidas palabras el crítico teatral Javier Villán se ha referido a “Apología del amor”, obra con la que la dramaturga y directo-ra Juana Escabias se alzó con la quinta edición del premio El Espectáculo Teatral. Precisamente el pasado 15 de diciembre se produjo la presentación de la edición impresa de la obra, recompensa con la que la revista EL ESPECTÁCULO TEATRAL y Ediciones Irreverentes –convocantes del premio– dotan a sus ganadores.La sede madrileña de la SGAE acogió este acto al que, además de la autora de este texto que narra el conflictivo encuentro de una noche entre una prostituta y un cliente, asistieron el articulista y crítico teatral Juan Ignacio García Garzón y el director y editor

Premio El Espectáculo Teatral

De izda. a dcha: Jesús Rodríguez, Juan Ignacio García Garzón y Juana Escabias durante la presentación de “Apología del amor”.

El 15 de diciembre se presentó “Apología del amor”, texto ganador de su quinta edición

de EL ESPECTÁCULO TEATRAL Jesús Rodríguez Lenin. Tras la presentación de la obra se procedió a la lectura teatralizada de

la misma, de lo que se encargaron Adriana González, Jesús Meneses y Santiago Ruiz Omeñaca.

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instituciones

- Nos gustaría que explicaras qué define tu propuesta para dirigir el Centro Dramático Nacional, ganadora del concurso público según el Código de Buenas Prácticas.- Lo que plantea mi proyecto es conservar, difundir y fomentar el teatro español contemporáneo. La creación dramática española contemporánea necesita un impulso de cara al relanzamiento de esa idea de Teatro Nacional que soñaron Margarita Xirgú, Max Aub o, más recientemente, Luis Escobar. Eso consiste en hacer visible un repertorio de teatro español contemporáneo vivo que, creo, es una de las asignaturas pendientes de esta casa.Sobre eso, yo he planteado un proyecto ambicioso que traspasa las paredes del Centro Dramático y que precisa el apoyo del mundo académico. La presencia de la creación dramática tiene que estar en los departamentos de Hispánicas de

las universidades y en todos los demás niveles.Por otro lado, planteo una política que no quiero llamar de “captación de públicos”, pero que sí pasa por el cuidado y el fomento del espectador y que consiste en llevar a cabo una serie de actividades de pedagogía social con respecto al repertorio que se presenta. Yo quiero evitar la idea de estrenos espasmódicos y pretendo que cada autor, obra o creador esté explicado y situado de cara a la sociedad.Finalmente, tengo un especial empeño en abrir el centro a todos los territorios españoles, promoviendo la movilidad de las producciones al mayor número de ciudades posibles e, incluso, fuera de España. El teatro español tiene que tener una presencia internacional. Para ello he trazado un proyecto de colaboración con las empresas privadas, compañías o productoras, porque creo que el

Teatro Nacional no es el que hacen las instituciones…- Perdona que interrumpa, pero es que esa me parece una gran idea, porque consigues romper esa “cuarta pared” del funcionariado, que corta el ritmo del trabajo artístico en cuanto se cumple el horario laboral…- Yo he trabajado en sus dos espacios y conozco a su personal, que es extremadamente cualificado… Los espacios son referentes… Esta solución que propongo puede hacer más ágil la difusión del espectáculo. ¡Pero es que mi idea parte del convencimiento, no sólo de la necesidad! El teatro público y el teatro privado son, ambos, servicios públicos y ambos tienen que colaborar de una manera estrecha. Como iba a decir antes, Teatro Nacional es el que hace cualquiera en la piel de toro y lo que tiene que hacer este centro es sentar las bases para no

Director del Centro Dramático Nacional

“Tengo un especial empeño en abrir el centro a

todos los territorios españoles, promoviendo la

movilidad de las producciones al mayor número

de ciudades posibles e, incluso, fuera de España”

Desde este mes de enero, y por un periodo de cinco años, será el reconocido autor teatral, director

de escena, profesor y gestor de diversas compañías –entre las que destaca Teatro del Cruce–

Ernesto Caballero el encargado de dirigir el Centro Dramático Nacional (CDN). Así lo decidió

el INAEM, institución pública de la que depende este órgano teatral, en el que fue su quinto

proceso para la selección de la dirección de uno de sus centros artísticos. Tal y como informó la

anterior ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el proyecto integral de gestión presentado

por Ernesto Caballero fue una de las 14 propuestas –nueve de hombres y cinco de mujeres– que

optaron a la dirección del CDN. El Consejo Artístico del Teatro del INAEM seleccionó un número

reducido de candidaturas, entre las que valoró de forma positiva y unánime la firmada por

Caballero, la cual pasará a ser el Plan Director del CDN durante el próximo lustro.

Ernesto Caballeroentrevista

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convertirse en una torre de cristal. No puede ser una “isla de excelencia”, sino que tiene que convertirse en la “casa de todos”: de todo el teatro que se hace. Y tiene que impulsar proyectos y ser un termómetro de lo que se está haciendo. No puede quedarse en que sirva para saldar deudas, dando cancha a un creador para que estrene, esté en cartel dos meses y después, si te he visto no me acuerdo… Porque después se vuelve al desierto y al desamparo y al “búscate la vida”. Yo creo que la política de coproducciones con compañías privadas va en esa línea de hacer proyectos de largo recorrido, lo que facilitará la difusión del repertorio contemporáneo, que es de lo que se trata.- Imagino que conoces la queja de parte del sector privado acerca de la competencia, a su juicio, “desleal” que ejerce la institución, con precios políticos en taquilla que no cubren las producciones…

- Evidentemente, ya me he sentado muchas veces con esos sectores y con otros, como son las salas alternativas, y coincido con todos ellos en que hay cosas que no se deben de hacer. Hay obras que no las tiene que hacer una institución pública porque se compite directamente con la empresa privada. Y hay otras obras en las que las instituciones públicas tienen que colaborar para que salgan adelante. Cada espacio hay que respetarlo y, además, buscar los puntos de concomitancia.En cuanto al precio de las entradas, es un aspecto político de difícil solución. No es imposible, pero sí hay que considerar que procede de un modelo muy arraigado en el tiempo, y va más allá de mis competencias, aunque entiendo la demanda de la empresa privada.- A ti se te conoce fundamentalmente como creador (autor, director, etc.), pero ¿qué experiencia aportas como gestor?

- Como gestor tengo múltiples experiencias en distintas compañías. He sido administrador único de Teatro del Cruce y de muchas otras formaciones. Y eso se tuvo en cuenta a la hora de valorar mi propuesta, al igual que sucedió en el caso de Helena Pimenta para dirigir la Compañía Nacional de Teatro Clásico. La gente de compañía estamos acostumbrados a optimizar los recursos y la tentación del despilfarro ni siquiera se nos ha aparecido. Yo creo que eso, en estos momentos, es oportuno. Además, durante mi breve paso por la comisión gestora de la SGAE –que abandoné inmediatamente para no incurrir en ninguna incompatibilidad con la dirección del CDN– fui el encargado de dirigir el inicio del proceso de “desamortización” de la red de teatros Arteria.- ¿Y entras con equipo propio o tendrás que trabajar con el personal que ya existe?

Ernesto Caballero junto a la anterior ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, durante su presentación como nuevo director del Centro Dramático Nacional.

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instituciones- Puedo confeccionar parte de mi equipo, un núcleo reducido de tres o cuatro personas. En esta casa hay 250 trabajadores y la mayoría de ellos son funcionarios fijos, gente muy valiosa.- ¿Cuándo empiezas a desarrollar tu programación?- Entro en enero y mi programación comenzará en septiembre de 2012, la cual presentaré en junio.- ¿Cómo se van a estructurar las relaciones internacionales? ¿Cuál es el mejor “mercado” para nuestra dramaturgia: Latinoamérica, por el idioma, o Europa, por la proximidad geográfica?- Las dos son nuestras áreas naturales. Pero hay que contar con nuestra lengua y con las posibilidades que ello nos abre: el Instituto Cervantes y las universidades. La presencia del teatro español en América hay que incrementarla y existen vasos comunicantes: ciclos de lectura, coproducciones y la presencia del centro a través de cursos, talleres, etc. Y en sentido opuesto también: la lengua es uno de los aspectos fundamentales de mi proyecto y ahí entran actores mexicanos, colombianos, argentinos, etc.Pero mi proyecto no se para en la lengua castellana. Cuando digo que este es un teatro nacional, digo que éste comprende el euskera, el gallego y el catalán y en mi proyecto figuraba la creación de ciclos de teatro en otras lenguas, bien sobretitulado o bien en dobles versiones. O, incluso, habrá producciones en otros idiomas que no tengan obligatoriamente que pasar por las sedes del María Guerrero o el Valle Inclán. Se puede estrenar una obra en euskera en el teatro Arriaga o hacer una gira y el CDN tiene que estar también ahí.Es que Ángel Guimerá forma parte de mi patrimonio cultural, tanto como Valle Inclán o Lorca. Y, de hecho, Ángel Guimerá se estrenó antes en Madrid que en Barcelona, traducido por Echegaray. Y creo que hay que volver a esa normalidad. La proporción de literatura dramática en castellano es apabullante, con respecto a las otras lenguas, pero en sus proporciones hay que atender esa realidad, porque forma parte de nuestro patrimonio común.

La SGAE

- En estos momentos, es inevitable preguntarte también por la SGAE, después de que formaras parte de la junta directiva que ganó las elecciones que ahora se van a repetir para evitar suspicacias con respecto a la actuación de Teddy Bautista.

La SGAE no es sólo una entidad de gestión musical, sino teatral, pero esta faceta ha estado relegada durante mucho tiempo por el peso específico de los autores de música…- La SGAE la crearon Sinesio Delgado, que es un dramaturgo, y Ruperto Chapí, un

70 u 80 en los grandes generadores de derechos y los dramaturgos, que eran quienes más derechos generaban en el pasado han perdido poder frente a las cifras de los compositores.- Lo que yo he visto en los últimos treinta años es que la SGAE ha sido el auténtico Ministerio de Cultura para el mundo de la música, porque se ha ejercido una labor de difusión, nacional e internacional, ingente, que jamás ha realizado ningún ministro, mientras que la labor que se realizaba en pro de los dramaturgos se limitaba a las lecturas dramatizadas o a la publicación de textos. ¿Sabes si hay planes para potenciar la dramaturgia en los próximos tiempos que se avecinan en la SGAE?- Los hay. Todas esas acciones de promoción están contempladas por ley: a partir de un sobrante de la recaudación la SGAE está obligada a realizar este tipo de labor y se hizo a través de la Fundación Autor.

Luego, la Fundación Autor se convirtió en otra cosa… la abastecedora de fondos para un proyecto megalómano que era la red Arteria, que consistía básicamente en la adquisición de teatros o en su construcción.Y se fue quedando tan escuálida y anémica esa labor de promoción cultural

que, en algunos lugares, se ha corrido el riesgo de su desaparición. Me viene a la cabeza la Muestra de Autores de Alicante, que ha estado a punto de perder los 30.000 euros que creo que aportaba la SGAE, aunque no sé si era una cifra menor… Bueno, pues hasta eso se estaba racaneando cuando se estaban gastando millones en ladrillos…Eso, afortunadamente, se está modificando para que la Fundación Autor vuelva a ser lo que nunca tuvo que dejar de ser: un lugar en el que se hace labor asistencial y de promoción. En los últimos años se ha aplicado una política errónea que iba mermando líneas de acción básicas. Pero es que la red Arteria también es criticable en sus planteamientos artísticos, porque su programación teatral consistía, con todos mis respetos, en Los Morancos… Y yo pregunté a sus responsables “¿por qué es así?”. Y me decían que se necesitaba que el recinto se llenase para amortizarlo… Así, pierde todo su

sentido.El modelo más adecuado, porque la idea en sí no es mala, es el que se ha aplicado en la sala Berlanga, que funciona más como La Casa Encendida, es decir, con un criterio real de promoción.

“Lo que plantea mi proyecto es

conservar, difundir y fomentar el

teatro español contemporáneo.

La creación dramática española

contemporánea necesita un

impulso de cara

al relanzamiento de esa idea

de Teatro Nacional que

soñaron Margarita Xirgú,

Max Aub o, más recientemente,

Luis Escobar”

“Hay obras que no las tiene

que hacer una institución

pública porque se compite

directamente con la empresa

privada. Y hay otras obras

en las que las instituciones

públicas tienen que colaborar

para que salgan adelante.

Cada espacio hay que

respetarlo y, además, buscar

los puntos de concomitancia”

compositor. Pero el que más aporta, con un sistema de ponderación de votos, es el que más poder tiene y así ha sucedido con la música en los últimos años. Los que representaban el colegio de “pequeño derecho” se han convertido desde los años

entrevista

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ferias y eventos

Eduardo Perez Rasilla se estrena en la dirección artística de MADferia en

una de las ediciones más austeras de este evento madrileño, que ha visto reducida su duración de cuatro a tres jornadas: se celebrará del 23 al 25 de enero. Sin embargo, este encuentro organizado por Artemad, asociación empresarial de ar-tes escénicas de Madrid, aún puede dar gracias ya que al menos se va a llevar a cabo, al contrario que otras de sus ferias “hermanas” de COFAE, que ya el pasado año no vieron la luz. Doce compañías ofrecerán sus nuevos proyectos en el marco de este escaparate de las artes escénicas madrileñas en sus cinco recintos anfitriones: las salas Cuarta Pared, Pradillo y Triángulo, el Centro Cultural Conde Duque y el teatro Alfil. Durante la jornada inaugural se podrán ver “ProtAgonizo”, de Rotura Producciones, escrito, interpretado y dirigido por Ester Bellver; “Métanse en sus asuntos”, de Compañía Licenciada Sotelo e Compañía; “Más pequeños que el Guggenheim”, de Los Guggenheim; y “Otra manera de encontrarse”, de la Compañía Teresa Navarrete. Los cuatro espectáculos que se representarán durante la segunda

MADferia La feria escénica madrileña concentra su programación en tres jornadas

El estreno de dos espectáculos marca-rá la apertura y el cierre del XVI Fes-

tival de Jerez, que tendrá lugar entre el 24 de febrero y el 10 de marzo en la localidad andaluza. La apertura de puertas corres-ponderá al Ballet Flamenco de Andalucía, que presentará “Metáfora”, mientras que la clausura tendrá como protagonista el nuevo trabajo de Joaquín Grilo, titulado “La

mar de flamenco”. Entre ambos, y durante 16 días, se desarrollará este evento dedi-cado al baile flamenco y español pero que también incluye ciclos de cante y guitarra. La muestra gaditana hará hueco a un tercer estreno, el que protagonizará la pareja artística formada por los bailaores Andrés Peña y Pilar Ogalla: “El aire que me lleva”. No obstante, al margen de los debuts,

la muestra cuenta con otros atractivos de interés. Por ejemplo, en esta edición concurren varios Premios Nacionales de Danza. Es el caso de Rocío Molina con “Vinática”; María Pagés con “Utopía; e Israel Galván con “La curva”; sin olvidar al reciente ganador de tal distinción en la faceta creativa, el cordobés Javier Latorre, que coreografía “¡Viva Jerez!”. Una de las novedades del certamen es la mezcla de guitarra/baile y cante/baile. Este formato mixto lo ofrecerán el guitarrista Gerardo Núñez con el baile de Alfonso Losa, y la cantaora Carmen Linares junto a la bailaora Belén Maya. La escuela bolera estará representada por Francisco Velasco y Penélope Sánchez. Además, habrá hueco para los ciclos “Con nombre propio”, “Solos en compañía” y “Los Novísimos”, en el que tendrán cabida los más jóvenes talentos.

Foto: Javier Fergo.

Festival de Jerez

La bailaora flamenca Belén Maya.

Su inauguración y su clausura estarán marcados por dos estrenos

La actriz Petra Martínez en “La madre pasota”, de Uroc Teatro.

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ferias y eventos

jornada, por su parte, son “El cementerio de neón, guía ilustrada de existencias criminales”, de Dekomikos; “El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos”, de Denise Despeyroux; “Animal”, de la Cia. Daniel Abreu; y “La madre pasota” y “Cosas nuestras de nosotros mismos”, de Uroc Teatro. Y ya en la jornada de clausura serán Quasar, con “El rufián en la escalera”; Churras, con “My own life”; Producciones Micomicón, con “Santa Perpetua” e [in]constantesteatro, con “Pedro y el capitán” los encargados de mostrar su talento.Por otro lado, este año se celebrará una serie de showcases de teatro dirigido al público infantil. Los espectáculos que los más pequeños de la casa tendrán la oportunidad de disfrutar son “Ñam, ñam, pum”, de Sueños de Humo Teatro; “La isla”, de Factoría Teatro; “Juntos es mejor”, de Susana Toscano Producciones; “Historias de cachivaches”, de Títeres Sol y Tierra; “La princesa Ana”, de Tarambana; “Zirocco”, de Cascai Teatro; “La hija de Shakespeare”, de La Mar de Marionetas; “Los tres cerditos, o cuatro”, de Teatro de la Luna Títeres; y montajes de la compañía Sin Fin.

El Mercat de les Flors de Barcelona abrirá sus puertas entre los días 26 y 28 de enero a la primera edición de Te Veo en

Danza, un espacio de reflexión y encuentro entre profesionales y público para profundizar en las programaciones y los espectá-culos de danza dirigidos a la infancia y la juventud. Este evento ofrecerá un completo programa dirigido a profesionales de la danza, la educación y la cultural, y a las familias y los alumnos. Para participar en la parte dedicada al debate y la reflexión la asociación Te Veo ha invitado a profesionales internacionales como Emma Gladstone (Sadler’s Wells) y Dominique Hervieu (Maison de la Danse de Lyon). En el apartado de exhibición, por su parte, habrá muestras de las propuestas escénicas y los talleres de las compañías Da.te Danza, Nats Nus y Aracaladanza, entre otras actividades. La asociación Te Veo –teatro para niños y jóvenes, creada en 1996 y formada por compañías de todo el territorio español– nació con el objetivo general de crear un marco de referencia en las artes escénicas dedicadas a los públicos más jóvenes. Desde entonces promueve la organización de distintos encuentros y jornadas para el debate y la dinamización de los procesos culturales entre profesionales del sector y agentes del sector educativo.

La compañía Da.te Danza ofrecerá “Río de luna” en el marco de este evento.

Te Veo en DanzaLa asociación Te Veo, dedicada a las artes escénicas para niños y jóvenes, organiza este evento

“Santa Perpetua”, de Producciones Micomicón.

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el mundo del espectáculo teatralopinión


el hereje

Jordi Galcerán está demostrando con reiterada obstinación en este segundo

milenio que el autor español actual goza del apoyo del público cuando se le progra-ma con normalidad en teatros de Madrid, Barcelona y del resto de España. Baste con citar títulos suyos como “El método Gronholm”, “Fuga” (actualmente en el teatro Alcázar de Madrid, en su segunda temporada) o “Burundanga” (en el teatro Maravillas). Y otros muchos autores, como mi apreciado y admirado Juan Carlos Ru-bio, quien ha arriesgado su dinero para producir sus comedias con una socie-dad propia. Autor representado en medio mundo, incluido EEUU, que goza además del privilegio de escribir guiones de cine y televisión. Podría citar a muchísimos otros autores que escriben en muy diferentes registros, pero supondría siempre dejarme en el olvido a otros de indudable calidad. Basten los dos mencionados a modo de ejemplo.Sin embargo, los responsables de los más importantes espacios escénicos de Madrid se han olvidado de la necesidad de producir y exhibir obras de autores españoles actuales. Necesidad para la propia supervivencia y evolución de las artes escénicas. Y necesidad para el público, que disfruta de la actualidad de los textos de hoy. De la misma manera que los lectores de novela leemos novelas contemporáneas, los espectadores de cine asistimos a las salas a ver películas de los cineastas de nuestro tiempo y los aficionados a la música acudimos a conciertos de bandas actuales. Por supuesto, en armónica convivencia con la tradición y lo clásico.Los premios Lope de Vega han desaparecido de la programación habitual del teatro Español con la excusa de que los textos no acaban de encontrar un público fiel... El público hoy en día, ¿o alguien lo duda?, depende del reparto, de los actores conocidos. Un buen reparto llena, por lo general, un teatro. ¿Y qué ha sido de la programación de autores españoles actuales que llevaba a cabo el Centro Cultural de la Villa (hoy teatro Fernán

Gómez) en la época en que fue dirigido por el desaparecido Antonio Guirau? El Ayuntamiento de Madrid, durante la gestión cultural de Alicia Moreno, ha arrinconado al autor español actual. En mi opinión, una política cultural regresiva y contraria al progreso de las artes escénicas. Madrid sigue siendo, desde el teatro público, la ciudad que no cree en los autores españoles de hoy. Algunos teatros privados están mostrando con éxito la autoría española. ¿Qué política referida al autor español ha desarrollado Gerardo Vera en el Centro Dramático Nacional? Frente a la gestión de Pérez de la Fuente, que apostó por la dramaturgia nacional contemporánea, Gerardo Vera ha obviado la pujanza de los autores de hoy. Con cuatro salas, no ha creído conveniente apoyar con fuerza la autoría española. ¡Qué pena que en España no tengamos una Royal Court! ¡Qué pena que no miremos a Cataluña en la promoción de los autores! El ejemplo del Teatro Nacional de Cataluña debería ser un estímulo para los teatros públicos productores de nuestro país. Y es que no podemos esperar que la iniciativa privada se vuelque con la autoría hispana de hoy si antes la iniciativa pública no crea las condiciones mínimas para facilitar la captación de espectadores. Es imprescindible que lo público prestigie la actividad creadora de los autores. Y con la iniciativa pública llegará también el apoyo de los medios de comunicación. ¿Por qué la mayoría de los medios de comunicación no entrevistan a los autores cuando estrenan sus obras? Y no me refiero solo a Madrid y a Barcelona. Pienso en cualquier ciudad española: lo habitual es entrevistar al actor conocido que encabeza el reparto. Como autor, me sobra experiencia para saber el olvido generalizado, con sus excepciones, al que la prensa somete al autor. Desde que el ABC de Luis María Ansón no es “el verdadero ABC”, como le gusta escribir al conocido periodista, desaparecieron de sus páginas de espectáculos las célebres antecríticas de los autores españoles el día de su estreno.

Los autores reflejan el latir de los pueblos, el ritmo de las vidas anónimas, la lucha de los pueblos y de sus gentes por vivir, soñar, amar… Y hoy estamos escatimando a nuestro público el sentimiento de los diferentes pueblos españoles y, en definitiva, nuestra cultura presente y viva...Creo que es una obligación de las administraciones crear las condiciones necesarias para promover la dramaturgia española actual en nuestro país así como de favorecer el fomento de nuestro teatro en el extranjero. Cultura en español a través de los Institutos Cervantes, cultura en español como reflejo de las vivencias comunes de un país que hoy en día encuentra dificultades para mostrar una identidad común a la vez que diferente.Confío en que las políticas culturales de las administraciones puedan encontrar el sosiego necesario para confiar, como en los grandes Estados occidentales (EEUU, Gran Bretaña, Francia, Alemania...), en los autores propios (como se hace también en Cataluña). Políticas de promoción, de fomento, de apoyo mediante subvenciones, de mecenazgo, de desarrollo de redes de teatro, de incentivación de estudios universitarios, de proyección en la televisión pública... Y en esta tarea se deben aunar esfuerzos con la Fundación Autor (SGAE), que en los nuevos tiempos debería buscar la forma de promover la autoría española (teatro, danza, música, audiovisual) fuera de nuestras fronteras, frente a políticas megalómanas de construcción o compras de teatros y construcciones de redes absurdas como ha sido Arteria.Y cuando las administraciones sean capaces de construir las autopistas por las que deben transitar los autores españoles, posiblemente las empresas privadas podrán encontrar también hondas satisfacciones en apostar de una forma más decidida por la autoría propia, no solo como forma de negocio (que lo es en muchos casos), sino como forma de contribuir al enriquecimiento de las artes y de la cultura española y en español.

¿Hay o no hay autores?por Eduardo Galán

En el siguiente artículo Eduardo Galán reclama de manera contundente una mayor atención sobre la dramaturgia española contemporánea, sobre todo desde los teatros públicos, que en su opinión deben de servir para promocionar a nuestros autores de cara a que los aplausos que reciban se contagien a los teatros privados. La transmisión de la cultura española no corresponde solo a instituciones como el Instituto Cervantes; su permeabilidad se multiplica gracias a las obras de los dramaturgos de nuestro país.

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el mundo del espectáculo teatralteatro de texto


compañías

En la vida todo es verdad y todo mentira” es un drama complejo en que se concitan muchas de las características de la vasta y

heterogénea obra de Pedro Calderón de la Barca. Principalmente se trata de un drama filosófico, emparentado con “La vida es sueño”, que en esta ocasión lleva a escena la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) bajo la dirección de Ernesto Caballero. Su estreno tendrá lugar el 12 de enero en el teatro Pavón de Madrid, donde permanecerá hasta el 18 de marzo. El actor Ramón Barea encarna a Focas, un tirano incapaz a lo largo de la obra de alcanzar una certidumbre que oriente sus acciones. Esa suspensión de juicio (epoké) ira abismando al protagonista en un creciente estado de desasosiego que le llevará a recurrir a las artes del mago Lisipo –interpretado por Jesús Barranco– para que disponga de una representación dentro de la representación y así vislumbrar alguna evidencia capaz de calmar su ánimo.

La CNTC lleva a escena este drama de Calderón de la Barca

En la vida todo es verdad y todo mentira

Cuatrocientos años de historia. Hamlet resiste los embates de su propia existencia, una re-

presentación tras otra el personaje-actor-mito muere y mata, duda y reta. Una y otra vez. Hamlet resiste y se resiste a su Yo no dividido, entre la ficción y la rea-lidad, la incomodidad de continuar con un destino asignado por la mente de un escritor que abandonó a su suerte a un ser humano que será encarnado por otros seres humanos, con sus diferencias, con sus virtudes, con sus miedos, con sus dudas... El 14 de enero Cuarteto Teatro estrenará “Yo era Hamlet” en el teatro Latorre de Toro (Zamora).“Hamlet”, de William Shakespeare, y “Máquina Hamlet”, de Heiner Müller sirven de base a este maduro proyecto artístico en el que el “no ser” se traduce en la negativa de Hamlet de representar su vida, a intuir que su existencia no le interesa a nadie, amenazado e instado por quienes sí quieren ser y continuar. Pablo Rodríguez, Roberto Pérez, Inés Acebes, Raúl Escudero y Beatrice Fulconis interpretan este montaje que dirige Xiqui Rodríguez y que distribuye Algo Diferente.

La rebelión del personaje shakesperiano a cargo de Cuarteto Teatro

Yo era Hamlet

Más información en la edición digital

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compañías

Un rey, Lear, viejo y cansado, decide repartir su reino entre sus tres hijas, con todas las riquezas, autoridad, poder y obligaciones que conlleva, manteniendo para sí

mismo solo la corona y el titulo de monarca. Sin embargo, las hijas le traicionan, cada una a su manera, y el rey se ve solo, enfermo y despreciado, enfrentado a un destino miserable que él mismo ha puesto en marcha. Arrastrándose a la muerte, conocerá la locura, la vergüenza, la fidelidad, la alegría y el horror. En el montaje que Ultramarinos de Lucas ofrecerá en el madrileño teatro Pradillo del 12 al 15 de enero será un único actor el que ponga en escena su versión de “El rey Lear”, de Shakespeare. Un único intérprete se ha empeñado en contar la tragedia del soberano Lear. Pero, ¿acaso es posible? El actor lucha contra sí mismo, contra su miedo –a juzgarse, a la crítica, al fracaso, a resultar patético, a ser incapaz de jugar–, se pone la soga al cuello y pelea...Ultramarinos de Lucas nace en Guadalajara en 1994 de la mano de un grupo de profesionales de las artes escénicas formados en escuelas como las de Jacques Lecoq, en París, o el Teatro de La Abadía, la Escuela de Movimiento de Marta Schinca o la de María del Mar Navarro, en Madrid. Desde su creación, la compañía se ha consolidado como un núcleo estable de trabajo, con espectáculos tanto para el público adulto como para el infantil y juvenil. Sus espectáculos se caracterizan por su cuidada calidad artística y por la calurosa acogida recibida por parte de crítica y público.

La sombra de Lear. ShakespeareUn solo actor se enfrenta al famoso monarca escénico

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El vampiro Drácula sigue sobrevolando nuestra geografía. Ahora le toca el turno a Madrid, donde el personaje ideado

por Bram Stoker tomará forma humana sobre el escenario del teatro Marquina a partir del 12 de enero. El actor Ramón Langa dará vida al conde transilvano mientras que su oponente, el pro-fesor Van Helsing, estará encarnado por Emilio Gutiérrez Caba. El reparto lo completan Martiño Rivas, María Ruiz, Amparo Climent, César Sánchez y Mario Zorrilla.

Tras el éxito que cosecharon con “La mujer de negro”, con la que recorrieron todos los rincones de la geografía española, Emilio Gutiérrez Caba y Jorge de Juan –director de la obra junto a Eduardo Bazo– han querido reincidir en el género de terror con esta versión de “Drácula” que se estrenó el pasado 22 de septiembre en el teatro Lope de Vega de Sevilla. La empresas Marcus Teatral y Tanchal 98 producen este montaje que distribuye Iraya Producciones.

Drácula Emilio Gutiérrez Caba y Ramón Langa llegan dispuestos a aterrorizar al público madrileño

Desde el 14 de enero y hasta el 5 de febrero la sala pequeña del teatro Español de Madrid acogerá las

representaciones de “José K. Torturado”, un texto teatral escrito por Javier Ortiz en el que el autor plantea la siguiente situación: un terrorista, José K., hará estallar una bomba en una gran plaza repleta de gente. Es detenido, y las au-toridades cuentan con una hora antes de que la bomba estalle, por lo que deciden torturarle. ¿Es en este caso lícita la tortura para evitar la masacre?El actor Pedro Casablanc se enfrenta en solitario a esta pieza bajo las directrices de Carles Alfaro. Por su parte, la empresas Studio Teatro y Emilia Yagüe Producciones se responsabilizan de la producción y la distribución de la obra respectivamente.

José K. TorturadoPedro Casablanc protagoniza este texto que gira alrededor de la tortura


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compañías

Cuando se conmemora el 60º ani-versario de su estreno en España

(1942), “El tiempo y los Conway” (1937), del dramaturgo británico J.B. Priestley, au-tor de otras dos de las obras más influyen-tes del teatro europeo del siglo XX como son “Esquina peligrosa” (1932) y “Llama un inspector” (1945), sigue recorriendo nuestra geografía de la mano de Juan Car-los Pérez de la Fuente. Este montaje que él mismo dirige y produce, y que comenzó su brillante andadura hace un año, el 14 de enero de 2011, permanecerá entre el 18 de enero y el 5 de febrero en la sala Roja de los Teatros del Canal de Madrid. Pero durante este primer mes del año también se podrá ver en el teatro Rosalía de Castro de La Coruña los días 13 y 14 y en el teatro Jofré de El Ferrol el día 15. Ya en febrero, será el teatro Cuyás de Las Palmas de Gran

El tiempo y los ConwayEste brillante ejercicio escénico de salto en el tiempo llega a Madrid

Canaria el que acoja dos de sus represen-taciones los días 10 y 11. Luisa Martín, Nuria Gallardo, Alejandro Tous y Juan Díaz encabezan el reparto de este montaje que narra dos noches en la vida de la familia Conway. En la primera, en otoño de 1919, celebran una fiesta de cumpleaños y la alegría por el inminente final de la I Guerra Mundial. Todos sueñan, hacen proyectos convencidos de que se avecina un futuro prometedor para todos

ellos. En la segunda noche han pasado casi veinte años. Los mismos personajes están angustiado porque se avecina una nueva guerra, y porque sus sueños se han desvanecido con el paso del tiempo. En tan solo 50 segundos de pausa escénica, Juan Carlos Pérez de la Fuente nos trasladará de 1919 a 1937 en un efecto sorprendente e insólito que ha hecho de esta joya de la literatura dramática universal una experiencia teatral única.

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compañías

El exilio, la emigración, la guerra y los campos de refugiados son los mim-

bres con los que Remiendo Teatro ha ur-dido “Un horizonte amarillo en los ojos”. Del 20 al 22 de enero la compañía grana-dina recupera en el teatro Alhambra de su ciudad natal el drama apocalíptico con el que arrancó su trayectoria profesional en 2004. Su autora, Gracia Morales, ha sido merecedora de galardones tan importantes como el premio SGAE de Teatro 2008 o el reciente premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil 2011.En un mundo devastado, un hombre

Un horizonte amarillo en los ojosRemiendo Teatro recupera su primera producción, un drama futurista y apocalíptico

arrastra un carro en el que transporta varios sacos. Con el miedo pegado al cuerpo, cada noche esparce la tierra que contienen, para recogerla a la mañana siguiente. La pieza, dirigida por Antonio Hernández Centeno y protagonizada por Carlos Gil Company, continúa con la línea de teatro comprometido, indagador e interrogante que sigue la compañía desde sus inicios, y en ella se reflexiona sobre el desarraigo y la identidad. Dos pilares fundamentales de la propuesta son la incorporación de audiovisuales y la música. John Dickie se ha encargado de

nutrir el monólogo de imágenes reales. Las grabaciones han sido rodadas en Super 8 en diferentes partes del mundo y definen las vivencias del protagonista. La composición musical, por su parte, recoge la locura y los recuerdos traumáticos que resuenan en la cabeza del personaje, pero también los ecos de la tierra. Para su realización, Mar Barea y Jaime Serradilla, sus responsables, han utilizado instrumentos tradicionales de diversas culturas como el acordeón, el koto, la kalimba o percusiones diversas, y los han mezclado con sonidos electrónicos, bases programadas y sintetizadores.

Orgíame” es una propuesta de teatro íntimo-sensorial donde los sentimientos encontrados

son muy diferentes según el rol que protagonices dentro de la misma: ya seas el “dealer” (actor), el cliente o clienta (actor o actriz) o el voayeaur (espec-tadores). Este montaje, que es una versión libre de algunos de los textos de la obra “Orgía”, de Pier Pao-lo Pasolini, adaptados por Santi Senso –que también lo protagoniza–, se podrá ver en la sala Triángulo de Madrid desde el 13 de enero. Simbolia (Teatro de los Sentimientos) es la compañía responsable de este montaje que se desarrolla en la intimidad de una habitación, en ese espacio que hace que nuestras vidas estén llenas de imaginación, descanso, aventuras, pasiones, desenfrenos, tomando esa estancia como un lugar de encuentros, de reencuentros, e incluso de desencuentros. Es allí donde nuestros deseos se manifiestan, haciendo y diciendo en ese mismo instante lo que sentimos, un acto de generosidad que en muchas ocasiones solo dura una noche.

Orgíame Santi Senso realiza una versión libre de textos de Pier Paolo Pasolini

Foto: Joaquín Casanova.

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compañías

Lola y Ortiz tienen una sola cosa en co-mún: Dani. Lola es su madre y Ortiz

su tutor. Obligados a citarse los días de tu-toría, ambos entablan una relación forzada. Por un lado, Lola lucha por sobrevivir ante unas circunstancias nada fáciles que la vida se empeña en ponerle. Ortiz, cansado de luchar por la educación de sus chavales y defraudado por el sistema educativo, está a punto de jubilarse. Pero Dani, un buen chico que está atravesando por una adolescencia complicada, hará que los dos personajes acaben teniendo un objetivo común: ende-rezar su educación. Eduardo Galán firma “Historia de 2”, una obra que protagonizan los actores Ana Ruiz y Jesús Bonilla –quien también se encarga de la dirección junto a Gabriel Olivares– que verá la luz el próximo 21 de enero en el Teatro Circo de Albacete. Esta producción de El Reló Producciones, La Castellana Eventos, Línea Cultural Teatral, Arteatro y Secuencia 3 –de cuya distribución se encargan estas dos últimas empresas– se podrá ver también en San Fernando (Cádiz) el 28 de enero, en Valladolid los días 11 y 12 de febrero y en las localidades madrileñas de San Martín de Valdeiglesias y Arroyomolinos los días 18 y 25 de febrero respectivamente.

La directora artística del teatro La Villarroel de Barcelona, Carol López, creó un nuevo equipo para llevar al escenario un traba-

jo de autoría autóctona y contemporánea que ha dado identidad a la temporada 2011-2012 del recinto catalán. Para “El año que viene será mejor”, un proyecto eminentemente femenino, ha apostado por un texto escrito por cuatro dramaturgas catalanas –Marta Bu-chaca, Mercè Sarrias, Victòria Szpunberg y la propia Carol López–, que interpretan cuatro jóvenes actrices –Neus Bernaus, Alba Flo-rejachs, Mireia Pàmies y Vannesa Segura– y que dirige Mercé Vila. Tras triunfar en la Ciudad Condal, del 11 al 22 de enero este espectáculo, que combina humor inteligente, ácido e irónico y que relata un collage de historias sobre la sociedad actual y la realidad cotidiana, se ofrecerá en el teatro Bellas Artes de Madrid. A través de un lenguaje directo, situaciones cotidianas y la identificación con los personajes, este montaje transmite al espectador una sensación positiva y de esperanza de que “el año que viene será mejor”, tan necesaria en los tiempos que corren.

El año que viene será mejorRecala en Madrid tras su éxito en el teatro La Villarroel de Barcelona

Historia de 2Jesús Bonilla y Ana Ruiz protagonizan esta historia escrita por Eduardo Galán

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Un joven escultor tiene el convenci-miento de que esta será una noche

extraordinaria para su carrera artística porque un influyente coleccionista de arte acudirá a su estudio a ver sus esculturas. Por fin su obra verá la luz... Su novia, por su parte, ha pensado que esta puede ser una noche extraordinaria para su relación amorosa, por eso ha convencido a su pa-

El apagónDivertidos enredos de la mano de Gabino Diego y Eva Santolaria

dre, un severo ex militar, para conocer a su prometido... ¡Por fin el amor iluminará su vida! ¿Qué ocurriría si pasara algo impre-visto? ¿Tal vez un apagón? ¿La visita de una indiscreta vecina? ¿De una ex novia? ¿La vuelta anticipada de un vecino? Todas las respuestas se desvelarán en “El apagón”. Gabino Diego y Eva Santolaria dan vida a la pareja protagonista a la que acompañan

sobre las tablas Aurora Sánchez, Ana Arias, Diego Molero, Paco Churruca y Ramón Merlo. El dramaturgo británico Peter Shaffer, autor de “Equus”, obra por la que obtuvo los premios de la New York Drama Critics y Antoinette Perry, es el responsable del texto de esta producción de Yllana que se podrá ver en el teatro Alcazar de Madrid a partir del 12 de enero.

El actor Agustín Jiménez, autor de la nueva versión teatral de “La extraña pareja”, define a la perfección la esen-

cia de esta obra, que es de alguna manera también la de la amistad: “¿Tú limpias o ensucias? Así de fácil. La convivencia se reduce a eso. No le den más vueltas. Podría desarrollar un extenso discurso sobre los límites de la amistad; sobre los con-tratos sociales que adquirimos con el prójimo. Podría profundi-zar en los chantajes emocionales que vivimos a diario o exaltar las virtudes de tener un amigo del alma... ¿Para qué? Todos sabemos que la amistad se basa en limpiar y ensuciar. Hay que dar brillo a las virtudes. Manchar a golpe de sarcasmo los defectos. Pulir las asperezas. Emborronar los malos recuerdos. Remendar lo dañado. Romper el silencio de la soledad. Lucir una sonrisa ante un arrugado ceño... Así de fácil”. Olympia Metropolitana, Nearco Producciones y Cobre Producciones producen esta obra que dirige Juan José Afonso. A sus ordenes dos grandes actores de comedia: Juanjo Cucalón y Raúl Cimas, que encabezan un reparto que completan Alfredo Alba, Celine Tyll, Jorge Cabrera, Marta Rubio y Javier Losán.

La extraña parejaJuanjo Cucalón y Raúl Cimas dan vida a estos dos peculiares compañeros de piso

Foto: Javier Naval.

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el mundo del espectáculo teatralhumor


compañías

Cuando a Guillermito su madre le diferencia de sus hermanos con la frase a voz en grito “¡Gui-

llermito y los niños, a comer!”, él no puede evitar per-derse en una maraña de preguntas: “¿no soy enton-ces un niño? Si no soy un niño, ¿qué es lo que soy?”. El actor Secun de la Rosa interpreta a este curioso personaje que, sobre el escenario, emprende un viaje a la edad adulta repleto de situaciones tan explosivas como desternillantes cuyo final a todos sorprenderá. El teatro Lara acogerá a partir del 20 de enero esta historia de un hombre etiquetado erróneamente por mirarle sin verle de verdad. Guilllaume Gallienne firma este monólogo de gran éxito en Francia que

recibió el premio Molière 2010 al Espectáculo Revelación. La versión española, producida

por Lazona, está adaptada y dirigida por Julián Quintanilla.

Guillermito y los niños... ¡A comer!Secun de la Rosa protagoniza este monólogo a partir del 20 de enero

Después de más de dos años de éxi-to en Barcelona con la obra “Con

todos mis respetos”, la productora Saben Aquel que Diu... Producciones vuelve con un nuevo espectáculo interpretado por Reugenio. Se trata de “Hablamos”, un montaje dirigido por Gerard Jofra, hijo del mítico humorista Eugenio, que cuenta con un repertorio actualizado compuesto por algunos de sus chistes estelares y otros in-éditos que el genial artista no pudo llegar a contar. “Hablamos” es un revival de lo mejor de Eugenio y está lleno de sorpresas en su puesta en escena, que culminará en un diálogo virtual con el recordado humorista. El público madrileño podrá reír a mandíbula batiente con este espectáculo del 11 al 22 de enero, cuando se representará en el teatro Bellas Artes de la capital en un programa doble junto a la obra teatral “El año que viene será mejor”.

HablamosSaben Aquel que Diu... Producciones vuelve a homenajear al humorista Eugenio


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el mundo del espectáculo teatralopinión


el apuntador

Un amigo tenía una frase que repetía a menudo, sobre todo cuando defendía algo que el resto no veíamos claro o no entendíamos su objetivo: “Tenemos que intentar ver cómo queremos que sea el teatro dentro de 20 años, y caminar hacia ello”. Hoy tenemos un problema: el día a día no nos deja ver más allá. Como dice el proverbio, primero vivir, después filosofar. Y hoy estamos en lo primero. Y a duras penas. No vale quejarse de qué deberíamos haber hecho cuando tuvimos tiempos de muchos bolos, cuando no se cuestionaba ni nuestra capacidad artística ni nuestro caché, cuando llenar el depósito de la furgoneta era más barato. No vale quejarse de lo poco que aprovechamos un buen momento económico y creativo para generar públicos, para obligar a que los precios en las entradas fueran reales, para lograr estructuras estables y para conseguir una vinculación de los centros públicos de producción con las empresas privadas de creación. TODOS los agentes que participamos en las artes en vivo somos responsables. Pero no es momento de arrojarse culpas. Sólo me gustaría pensar que, a pesar de la que está cayendo, podemos ser capaces de organizar un discurso coherente para el futuro. Para descubrir un análisis certero de lo que nos sucede a cada compañía cada mañana, leed, por favor, el artículo de Marcos Ordóñez de EL PAIS, 24/11/11, “Teatro español: el viaje a ninguna parte”. Gracias por esta reflexión que proviene de alguien cercano. Habla de los problemas para cobrar, de los impagos, de cachés impuestos desde la organización, de que incluso la taquilla no es un valor de cobro seguro. De la disminución de funciones. El artículo acaba con una pequeña luz de esperanza: “el teatro es como un corcho en mitad del mar: parece frágil y minúsculo pero no hay ola que se lo lleve al fondo”. Y esto me provoca una reflexión instantánea: la parte de abajo del corcho, la parte sumergida, la que no se puede ver pero que es fundamental para que el corcho se mantenga a flote, son las artes de la calle.Si en las artes escénicas las redes de exhibición están menguando y apagándose, en las artes de la calle nunca ha existido algo parecido a un circuito. Si la taquilla es, en ocasiones, difícil de cobrar, en las artes de la calle ni siquiera es planteable (siempre quedará pasar la gorra, aunque mejor no dar ideas). Si las artes escénicas tienen un reconocimiento cultural, de servicio público, en las artes de la calle no existe esta consideración, cuando por espacio y definición es la más pública de las artes. Hemos visto festivales de calle que desaparecen sin que nadie se despeine. Hemos visto festivales que

reducen o eliminan sus programaciones de calle sin que nadie mueva un dedo. Y comentarios de profesionales: “si no hay dinero ni para la programación en el teatro, ¿cómo vamos a hacer algo en la calle?”. Efectivamente, somos la parte de abajo del corcho. Pero hay que seguir resistiendo. Debemos pensar en las artes de la calle dentro de 20 años. Me ha llegado la revista francesa Stradda, dedicada a las artes de la calle (aquí tenemos Fiesta y Cultura, ¿se puede hacer publicidad de otra revista ;)?). El nombre completo es “Stradda, la revista de la creación fuera de los muros” (es hasta donde llega mi francés). Es una publicación de una institución que se llama Hors Les Murs, algo así como un INAEM francés, pero exclusivo y específico de las artes de la calle. Lo que ha llamado en esta ocasión mi atención es que en el interior hay una entrevista con el ministro de Cultura, Frédéric Miterrand, donde explica las líneas de su ministerio para las artes de la calle. Ilustra el reportaje una foto del ministro acompañando a un artista en uno de los festivales de calle más importantes de Francia. ¿Alguien puede imaginar esto aquí? Y entre sus directrices, él destaca el reconocimiento efectivo de los Centros Nacionales de las Artes de la Calle (el reconocimiento quiere decir que el Estado interviene en ellos en forma de ayudas). Centros donde se produce, se reside, se crea. En la entrevista, la frase final del ministro es algo así como “las artes de la calle son un formidable laboratorio de relaciones entre la creación y el espacio” (entendido como sitio, y como zona territorial).Cerramos la boca. De la fascinación que produce pensar que es posible que las artes de la calle tengan un reconocimiento al mismo nivel que las artes escénicas. Pero esto no cae del cielo. Es algo que hay que trabajarlo. No es solo problema de nuestros políticos que no estén presentes en los festivales de artes de calle. Aunque llevemos décadas trabajando en la calle, está en nuestra mano concienciar de la importancia de nuestra labor a público, responsables de programación y responsables políticos. A pesar de nuestros logros artísticos y de haber conseguido entretener, emocionar o interesar a millones de espectadores, debemos explicar como si de algo nuevo se tratara, en qué consiste esto tan curioso y tan nómada como son las artes de la calle. Me gusta pensar en nuestro arte dentro de 20 años, y quiero imaginarme unos políticos que hacen política cultural, con unos objetivos (incluso aunque no todos los compartiéramos) coherentes y consecuentes. Donde se posibilita la creación, donde las artes de la calle están integradas en los circuitos como una oferta

más de espectáculo en vivo. Donde se abren o cierran temporadas de los teatros con espectáculos en la calle, grandes o pequeños, diurnos o nocturnos, de circo, de danza o de teatro… Donde las artes de la calle son una posibilidad para acercar una oferta de calidad a poblaciones sin infraestructura. Y casi sin que venga a cuento, con excepciones, por supuesto. En muchas poblaciones se hacía mucha programación en la calle, hasta que se hicieron teatros. Entonces, al mismo tiempo que se abrieron las puertas del recinto, se cerraron las puertas de la calle. Y así se cerraron también las puertas de acceso a este tipo de arte a un inmenso porcentaje de población¿Tenemos que mostrar que la nuestra es una forma de arte reconocida en Europa y que alcanza a grandes segmentos de población? Además de la creación, ¿también eso depende de nosotros? Y es ahora cuando puedo poner punto final al artículo y pasar unas notas de trabajo. Recordad que en marzo comenzó a andar la Plataforma de Artes de Calle, con una web www.artesdecalle.org, con una página en Facebook “Red-de-profesionales-de-las-Artes-de-Calle”, con un correo de contacto: [email protected]. Es, sobre todo, una plataforma con ganas de imaginar que nuestro universo creativo puede ser más amplio que un espacio cerrado. La labor inmediata de las compañías, empresas, productoras, distribuidoras de artes de calle es conseguir visibilidad. Cuando seamos presentes en el universo creativo, podremos seguir trabajando para mostrar nuestras especificidades. Y finalmente, lograremos un reconocimiento de nuestro quehacer que permitirá tener espacios de residencia, circuitos estables de difusión y exhibición, reconocimiento de la creación y de la escritura dramática para nuestras apuestas artísticas…Recuerdo el poema de Bretch, aquel de que un día vinieron a por mi vecino judío, pero como no soy judío no hice nada; y otro día a por mi vecino comunista, pero como yo no era comunista, no hice nada; y otro día… al final vienen a por mi, pero ya no queda nadie que pueda decir nada. Las artes de la calle, las artes escénicas, la danza, el circo, el teatro para público infantil… ¿tienen, en el fondo, problemas parecidos? Yo creo que sí. Por eso deberíamos mostrar una respuesta única y unida a lo que está pasando. Que sea la academia de las artes en vivo, que sea un gabinete de crisis, que sea un chat virtual que nos ponga de acuerdo, pero algo que nos saque de nuestras reivindicaciones de cartón y nos permitan acciones comunes. En solitario no podemos.

La parte de abajo del corchopor Joserra Martínez

La cultura es la hermana pobre en la política. Las artes escénicas son el ratón que nunca ha podido salir del bolsillo de esa hermana pobre. Las artes de calle son la cola del ratón. Este año nació la Plataforma de las Artes de la Calle, una iniciativa de numerosas compañías de espectáculos en vivo y responsables de programación. Su principal objetivo es buscar la visibilidad de estas artes. La reivindicación es un espacio abierto en las mentes y en las plazas para poder seguir mostrando este arte nómada. La compañía Markeliñe es una de las adheridas a este manifiesto. Joserra Martínez, uno de sus integrantes, nos envía este artículo.

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el mundo del espectáculo teatraldanzacompañías

La pieza “Many”, ideada por el coreógrafo afin-cado en Barcelona Thomas Noone para 12 bai-

larines, se verá por primera vez en varios escenarios franceses a lo largo de las próximas semanas. Duran-te el mes de enero será el teatro La Filature de la ciu-dad de Mulhouse el que acogerá sus representacio-nes los días 22 y 24. Y en febrero se podrá disfrutar en el teatro municipal de Colmar los días 4 y 5 y en la Opera de Estrasburgo los días 15, 16, 17, 18 y 29. El tema que hila esta coreografía es la contraposición entre lo individual versus lo colectivo, de cómo buscamos desmarcarnos distanciándonos del grupo, pero a la vez, paradójicamente, de cómo necesitamos la aprobación de la gente. La pieza juega con la idea de los números, del grupo, uniendo y rompiendo este concepto. También con el acompañamiento y el contacto, con la incongruencia de reclamar nuestro espacio cuando a la vez no deseamos sentirnos solos. Al igual que el estilo de su creador, la obra es física, emotiva y atlética. Por otro lado, es importante destacar que la música es del compositor británico Phillip Sheppard.

Foto: Mat Hale.

ManyTres escenarios franceses albergarán esta pieza de Thomas Noone Dance

El coreógrafo Thomas Noone.

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el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

Uno de los espectáculos más didácticos de los que los peque-ños madrileños han podido disfrutar las pasadas Navidades

ha sido “Abrazos, el musical” en el teatro Arlequín. Este montaje, dirigido al público familiar, forma parte de Canciones Cuento, un proyecto educativo que bajo el lema “Divertir, ayudar, enseñar” pretende inculcar a los niños valores como la amistad, la solidari-dad, el compañerismo, la tolerancia, el respeto a los mayores y el amor por la Naturaleza a través de divertidas y pegadizas canciones. El pequeño Luis, protagonista de este musical, se siente triste y solo porque todavía no tiene amigos, por lo que inicia un viaje a su mundo interior en compañía de la estrella Lía. Los personajes que se encontrará por el camino, como el cocodrilo Danilo, el elefante Tatarí, el gato Serafín, o don Abacú, les harán comprender, al final del cuento, que todo se puede resolver con un simple abrazo. La dirección musical corre a cargo de Edith Salazar, compositora, pianista, cantante y famosa por su labor como directora de la Academia de Operación Triunfo durante dos ediciones. Además el tema “Abrazos”, que da título a esta producción, cuenta con la colaboración especial del mítico guitarrista británico “The Astronomer”.

Abrazos, el musicalPegadizas canciones para transmitir un mensaje muy positivo

La literatura de la lengua española es rica en personajes de dimensión uni-

versal. Es, además, una caja de sorpresas, una ventana abierta al mundo. Estos son solo algunos de los valores que la produc-tora Pumarull Producciones quiere trans-mitir al público joven, especialmente a los alumnos de secundaria y bachillerato, a través de su espectáculo “Show de letras”, que vio la luz el pasado mes de diciembre en Paterna (Valencia).

Show de letrasContagiar el amor por la literatura española a los más jóvenes es su objetivo

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Para la realización de este espectáculo se han escogido poemas, fábulas o fragmentos de obras literarias que van desde la Edad Media hasta el Barroco para crear, a partir de estos textos, situaciones que se acerquen y adapten a los gustos del joven espectador, entrelazadas, siempre de forma muy amena, con algunos contenidos didácticos, música y canciones. Así, autores como el Arcipreste de Hita, Fernando de Rojas, Fray Luis de León, Cervantes, Quevedo o Lope de Vega tienen su hueco en este montaje de una hora de duración que dirigen e interpretan Manuel Puchades y Reyes Ruiz.

Desde el 21 de enero multitud de fabu-losas y fascinantes marionetas de hilo

invadirán el teatro Galileo de Madrid. “The puppet circus”, el gran circo de las marione-tas de la compañía Alauda, ofrecerá un desfile de curiosos personajes, todos ellos presenta-dos por el director de pista, Mario Net.Sorpresas y emociones vendrán de la mano de los originales artistas que forman parte de la caravana de este circo. El exótico fakir Ravi Ghiringh, venido directamente de la India, se atravesará con una espada sobre su lecho de clavos, lanzará fuego, encantará serpientes y volará sobre alfombras. La fabulosa prima donna Karina Kurisha demostrará sus habilidades para el bel canto y su capacidad transformista, al convertirse ante el gran público en una auténtica gallina canora. También actuarán el hada Betelgeuse, venida recientemente desde los confines del país de las Hadas; The Boston Sister, las dos bellezas gemelas americanas que nos harán disfrutar y conocer el riesgo de sus ejercicios sobre el trapecio y el alambre; la inquietante y misteriosa flor carnívora Gastrum Silvis; el perrito amaestrado Pincho y la terrible bailarina voladora Mantis Religiosa. Y para deleite del público madrileño acudirá como artista invitado Frango (O rei dos Frangos), quien arriesgará su vida a nada menos que 50 cm del suelo... ¡Y sin red!

The puppet circusUn desfile de exóticas y originales marionetas circenses

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Cuentos de arena”, la nueva producción de Markeliñe, es un viaje por el estado aní-

mico de un padre obsesionado por la salud y la pérdida de la infancia de su hija enferma de cáncer. La historia que se cuenta no es la de la enfermedad de la niña, sino la del esfuerzo y el tesón del padre por entretener a esa exigente espectadora. Tratará de divertirla durante todo el tratamiento, que se alargará durante sema-nas, meses...La acción se desarrolla exclusivamente en la habitación del hospital donde está ingresada la pequeña, aunque las acciones y narraciones de ese cuentacuentos, payaso, actor, mago, malabarista... en que se convertirá el padre nos transportarán a distintos paisajes que mostrarán la vida que hay más allá de esas cuatro paredes. A pesar de lo que pudiera parecer, la obra pretende tener grandes dosis de humor. No hay concesiones a la realidad del cáncer; la historia se basa en lo positivo, en la esperanza y en lo aprendido en ese proceso. Este montaje, dirigido a niños de entre 8 y 14 años, se estrenará los días 20 y 21 enero en el Zornotza Aretoa, de Amorebieta-Etxano (Vizcaya).

En Calamar Teatro a la música le conceden un papel central en cada uno de sus proyectos es-

cénico. Es lo que ha ocurrido en “La pulga y el piojo se quieren... casar”, su nuevo montaje, en el que esce-nifican e interpretan, en diversos idiomas, canciones infantiles tan conocidas en nuestro país como “Cucú cantaba la rana” y otras procedentes de otros lugares como “Bobobo” (Zaire), “Kalinka” (Rusia), “Au claire de la lune” (Francia) o “Yau yau” (Perú), entre otras muchas. Para esta nueva aventura que establece lazos entre distintas culturas, la compañía vallisoletana cuenta con la colaboración del músico José Emilio Ramos. En un principio iba a ser simplemente un concierto, pero poco a poco se convirtió en un espectáculo con sus personajes, historias, momentos tiernos, pequeñas escenas de circo, títeres que aparecen y desaparecen y, sobre todo, ritmo, mucho ritmo. Calamar Teatro tuvo el placer de presentarlo en su propia ciudad los días 20 y 21 de diciembre, en la sala Concha Velasco del Laboratorio de las Artes de Valladolid.

La pulga y el piojo se quieren... casarCanciones infantiles de todo el mundo en este colorista espectáculo

Cuentos de arenaUn enfoque positivo y lleno de humor ante la enfermedad


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el mundo del espectáculo teatral equipamiento

L’Illuminé” es la nueva producción de Marc Hollogne que reúne cine y tea-

tro en vivo y se encuentra recorriendo en gira Francia, Suiza y Bélgica. Ydeo, com-pañía asociada al fabricante de proyecto-res Christie, es la encargada de aportar el servicio técnico para este montaje.Marc Hollogne es un artista apasionado tanto del teatro en vivo como del cine y durante tres décadas ha ido desarrollando un concepto innovador, el del “cine-teatro”, un híbrido artístico que combina la escena y la proyección. Los actores en el escenario se unen a la acción proyectada, dialogando con sus homólogos fílmicos y entrando y saliendo de la pantalla para interrelacionarse con ellos. En esta ocasión Hollogne recurre al proyector de vídeo Christie Roadster HD10K-M.“El encuentro con Marc Hollogne ocurrió de repente: se encontraba presentando su espectáculo a los productores del Festival de Aviñón de 2010”, recuerda Freddy Claverie, presidente y director general de Ydeo. “Aunque Marc estaba acostumbrado a trabajar con otra firma, nos pidió consejo. En cuanto explicó lo que necesitaba, supimos que el Christie Roadster HD10K-M era la solución adecuada: en primer lugar por su rendimiento y por el Twist de Christie, una tecnología de corrección fundamental; y luego porque sus dos lámparas reducen el riesgo de averías durante la actuación en vivo. Así fue cómo comenzamos a trabajar juntos. Y hace ya casi dos años de eso”.“Desde fuera podría parecer que el espectáculo estaba lleno de artilugios complejísimos. Nada más lejos de la realidad”, subraya Freddy Claverie. El filme, producido y dirigido por Marc Hollogne, está almacenado en el Aja Ki Pro, célebre por su sencillez y fiabilidad. En cuanto a la consola de iluminación, al estar

Ydeo y ChristieEn “L’Illuminé”, la nueva producción de cine+teatro de Marc Hollogne

calibrada con el código de tiempo de salida de Ki Pro, va cambiando los diversos clips en función de las exigencias de la trama. Y todo supervisado por un solo técnico.En el escenario, la pantalla de proyección mide 9 metros de ancho por 2,3 de alto. Cuando la escena lo requiere, se desplaza desde la izquierda hacia la derecha del escenario, generando una anchura de proscenio de 16 metros.“Para conseguir arreglárselas con un solo Christie Roadster HD10K-M y no tener que modificar la posición del proyector tras el desplazamiento de la pantalla al otro lado del escenario, Marc Hollogne recurre a un truco que aprovecha la resolución HD (1920 x 1080) del Roadster y la distancia entre la pantalla y la primera fila del público”, revela Claverie.

El truco consiste en proyectar una imagen de 16 metros de ancho –la anchura total del escenario visible– por 9 metros de alto en píxeles 1920 x 1080, con una imagen útil que cubre únicamente el área de la pantalla (9 m x 2,3 m). Con el proyector ya registrado y la escala de la imagen útil ajustada al límite de un solo píxel (gracias a la función Twist del Christie Roadster HD10K), es la pantalla la que se desplaza de derecha a izquierda para acomodarse al contenido del Ki Pro. La imagen útil se despliega dentro de una imagen negra en la fuente almacenada en el Ki Pro. “Cuando no se usa la resolución completa de la matriz HD del Roadster, la distancia entre la primera fila del público actúa como compensación virtual de esa resolución deliberadamente baja”, concluye Claverie.

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el mundo del espectáculo teatralreflexiónla técnica, instrucciones de uso

Cuando hablamos de la exposición al rui-do en el espectáculo y el ocio, nos refe-

rimos casi exclusivamente a la música. Desde este punto de vista, damos la razón a Napo-león al que se atribuye la frase “La música es el menos molesto de los ruidos” aunque, eso sí, despojándola del sesgo peyorativo. Para el prevencionista, la música es considerada rui-do y estudiada como tal. De la misma manera que analizamos las consecuencias de la ex-posición al ruido de los trabajadores aeropor-tuarios, estudiaremos las consecuencias de la exposición a la “música” de los trabajadores de nuestro sector.El Real Decreto 286/2006, de 10 de marzo, “sobre la protección de la salud y la seguridad de los trabajadores contra los riesgos relacionados con la exposición al ruido” tiene algunas dificultades de aplicación en algunos ámbitos, incluido el nuestro. Consciente de ello, el mismo RD estableció la creación de una Guía Técnica que debía complementarse con un “Código de Conducta con orientaciones prácticas para ayudar a los trabajadores y empresarios de los sectores de la música y el ocio a cumplir con sus obligaciones”. Al mismo tiempo en Disposición Transitoria se decía que el RD “no será de aplicación en los sectores de la música y el ocio hasta el 15 de febrero de 2008”.Para cuando llegaron esas fechas, seguíamos sin referencias de cómo aplicar las disposiciones del RD en nuestro sector ya que no fue hasta 2010 cuando el Instituto Nacional de Seguridad e Higiene en el Trabajo (INSHT) publicó dos NTP (Notas Técnicas de Prevención 864 y 865) directamente relacionadas con el ruido en los sectores de la música y el ocio. Estos documentos, dirigidos a los profesionales de la prevención, sientan los principios básicos referentes a la evaluación del riesgo y el control de la exposición al ruido de los trabajadores del espectáculo y ocio.El principal daño para el oído del profesional es la pérdida de la capacidad auditiva, la cual puede aparecer de forma paulatina o repentina. Es característica de las lesiones auditivas su carácter general acumulativo e irreversible. Así pues, cada exposición inadecuada al ruido nos acerca más a la enfermedad. Existe otra panoplia de daños como los acúfenos (oír pitidos o zumbidos sin fuente que los genere), la hiperacusia (intolerancia a los ruidos naturales del ambiente), la distorsión (audición de los sonidos con poca claridad), el reclutamiento (dolor a niveles cada vez más bajos de sonido), entre otros, todos ellos especialmente incapacitantes para músicos y técnicos de sonido. La caracterización del riesgo se hace estudiando el nivel al que se expone el sujeto

Con la música a otra parteLa exposición al ruido de los profesionales del sector del espectáculo y del ocio es uno de los aspectos olvidados en la prevención. Posiblemente se deba a la particular relación del español con el ruido: ¡no en vano somos el segundo país del mundo en contaminación acústica! Recientes regulaciones vienen a aportar algo de claridad en este panorama.

y el tiempo de exposición. Para entender cómo funciona esta doble medida, nos será de ayuda recordar un ejemplo que hemos visto en algunas películas: ante la necesidad de penetrar en un área con contaminación radiológica, los trabajadores acceden por períodos cortos de tiempo, cada vez más breves cuanto más alto es el nivel de radioactividad. Lo mismo ocurre con el sonido. Mediremos el nivel sonoro (nivel de pico) y el tiempo de exposición (nivel promedio diario o semanal). Veamos, a modo de ejemplo, dos valores extremos de la escala: para un violinista tocando “piano”, (85 dbA), será necesaria una exposición de 8 horas diarias para superar el valor superior de exposición; sin embargo, para un técnico en el foso del escenario de un concierto de rock, (115 dbA), el tiempo de exposición que dará lugar a intervención es únicamente ¡de 30 segundos! El RD del 2006 al que hacíamos referencia, propone las medidas preventivas a tomar para los casos de exposición al ruido entre las que destacamos:

Eliminar el ruido en su origenModificar la concepción y disposición de lugares de trabajo Modificar la organización del trabajo (limitación de la exposición y ordenación del tiempo de trabajo)Informar, formar al trabajador

Esta aproximación al tipo de medidas preventivas es interesante puesto que antepone las medidas de carácter colectivo a la simple utilización de equipos de protección individual. Recordemos que los equipos de protección individual (protectores auditivos en nuestro caso), deben utilizarse cuando las demás medidas preventivas no pueden aplicarse y hemos llegado a la conclusión de que lo único que podemos hacer es poner una barrera entre el trabajador y las causas de la lesión. Si consideramos la aplicación de estas medidas en una orquesta sinfónica, en la que la capacidad de actuación es limitada, veremos que no es tarea fácil. La aplicación de la directiva europea ha llevado a las orquestas a reconsiderar su práctica e incluso eliminar determinadas obras del repertorio no sin una cierta resistencia de un público ajeno a los riesgos acústicos. No debemos ver en ello un ataque a la cultura ni un exceso de regulación. Se trata de la puesta al día de valores y prioridades, de una adaptación del repertorio a la mentalidad del siglo XXI. En el caso de la música amplificada, la enorme potencia desplegada supera con facilidad el umbral de riesgo para el músico

y frecuentemente también para el espectador. La NTP 865 hace una detallada relación de medidas preventivas. Sin embargo, en este ámbito es muy recomendable la lectura detallada del documento “Ruido en los sectores de la música y el ocio. Código de conducta con orientaciones prácticas para el cumplimiento del Real Decreto 286/2006 en los sectores de la música y el ocio” que encontraremos en la web del INSH. Este documento, aparecido en abril de 2011, es una adaptación a España del “Sound Advice, Control of noise at work in music and entertainment”, publicado en 2008 por el Health and Safety Executive (HSE) de Inglaterra. La ventaja de este código es que está pensado tanto para el prevencionista como para el profano, siendo de agradable y fácil lectura. En él encontraremos, además de una introducción sobre los principios básicos, una serie de anexos específicos sobre cada subsector como: “Orquestas”; “Rock y pop. Música amplificada interpretada ante público”; “Estudios. Instalaciones de grabación y/o emisión de música en directo”; “Bares y clubes. Música amplificada reproducida en clubes nocturnos, bares, pubs y restaurantes”; etc. En cada uno de ellos se dan pistas para la evaluación del riesgo y se proponen medidas preventivas y ejemplos de aplicación.El abanico de documentos a los que hemos hecho referencia son una gran ayuda en la aplicación de la prevención de los riesgos vinculados a la exposición al ruido en nuestro sector, tanto para el prevencionista como para el profesional. Es necesario hacer especial mención a un aspecto de vital importancia al que se hace referencia de forma abreviada en el “Código de conducta…” y al que el documento inglés dedica un apéndice entero: los contratos como ayuda para el control del ruido. Para que la prevención de riesgos sea efectiva, no sólo debemos planificarla sino que es necesario “querer” aplicarla. Frecuentemente la prevención se queda en el papel y no llega al escenario. Los empresarios implicados pueden utilizar la herramienta de las condiciones técnicas del concierto o espectáculo (“rider” o ficha técnica anexos al contrato) para incluir las especificaciones relativas a la prevención de la exposición al ruido. Y deben también pelear por ellas de la misma manera que se exigen las facilidades para el camerino de los artistas o se pelea por las especificaciones técnicas de tal o cual equipo. Más vale prevenir antes de que nos manden “con la música a otra parte”.

Jordi Planas


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el mundo del espectáculo teatralreflexión


la última

No soy nada amigo de señalar lo que no debe hacerse, porque me gus-

ta más orientar en positivo, lo que puede o/y debe hacerse. Pero vivimos momentos de empujones, en los que a la Cultura se la está expulsando del terreno de juego a base de cortarle la hierba bajo los pies. Son momentos de plantarse, de poner los pies colectivos en la pared del “hasta aquí”. De señalar, en definitiva, la frontera de lo que no estamos dispuestos a permitir, las líneas rojas que no deben ser atravesadas, porque si se cruzan todos estaremos ha-blando ya de otro país, de otra democra-cia, una por la que no luchamos y que no nos seduce. No solamente en Cultura. Son tiempos de carreras por abaratar los costes de funcionamiento de la sociedad demo-crática. Tiempos en los que la estrategia de reajuste hace peligrar las mejoras logradas con tanto esfuerzo en las últimas décadas. Me sorprende, por ejemplo, que no existan líneas rojas en sanidad, educación o inves-tigación, y que, por lo tanto, se estén re-duciendo drásticamente los presupuestos destinados a la salud, a la formación y a la investigación/innovación, vía reducción, vía privatización, vía despidos. El pensa-miento estratégico de nuestros dirigentes es tan limitado y su seguidismo político de otros modelos tan grande, que parecen no percibir el riesgo de des-invertir en cohe-sión social, en formación de las futuras ge-neraciones de españoles, o en innovación y por tanto en competitividad. ¿De verdad necesitamos en este periodo tantas rotondas sin apenas tráfico, tantos aeropuertos de usar y cerrar, tantos altos cargos, tantas autovías y autopistas de peaje superfluas…? Es probable que nuestro país precise medidas –coyunturales– de reforma laboral, orientadas sobre todo a sacar a la luz el desmesurado porcentaje de economía sumergida que sufrimos; o medidas impositivas excepcionales, que por cierto deben buscar el dinero sobre todo en grandes fortunas y en especuladores y ladrones institucionales. Esas medidas, temporales, podrán suprimirse en unos años, cuando entre todos mejoremos la situación. Pero el retraso producido en sanidad, educación, cultura y en investigación –si recortamos

Qué fronteras no cruzar en Cultura

La agresiva estrategia de recortes, provocada en última instancia por un modelo de desarrollo económico poco productivo y con fortísima presencia de la banca y la especulación, está llevando a los políticos a saltar constantemente fronteras, y en realidad a asaltar mejoras sociales que han ido configurando España en las tres últimas décadas. En este número de la revista, Robert Muro propone algunas “líneas rojas” en Cultura.

sus presupuestos drásticamente, como se está haciendo de modo irresponsable–, tardará décadas en poder recuperarse. Líneas rojas, pues, en esas áreas. Y en Cultura.Ya sé que defender hoy que la Cultura no debe ver reducida su posición en la política del Estado y en los presupuestos que las instituciones públicas le dedican, es poco correcto políticamente. Hoy, lo que ha conseguido la chatísima estrategia psicológica de reajuste –sin inversión– a lo Merkel es que aceptemos cualquier cosa con tal de que no nos sigan disparando tristezas. O que consideremos la Cultura como lastre a echar por la borda. La presumible sonrisa de banqueros, especuladores y sinvergüenzas que han provocado esta situación y a los que su penosa hazaña les va a salir gratis –perdón, rentable– me persigue hasta en sueños. Pues no, en Cultura –y en otras áreas– hemos de decir que no. Que la Cultura cohesiona a la sociedad, integra las diferencias, reduce las barreras, hace patria, estado, ciudadanía. Que no es lo mismo una sociedad que dispone de acceso a la cultura que otra a la que se le reduce o se le niega. Y encima, enriquece: la Cultura tiene un muy relevante peso económico y productivo, más y más creciente.Pero además, ESPAÑA ES CULTURA. Somos percibidos por ella. Es su marca. Su lugar diferencial en el mundo tiene que ver con la cultura: la lengua, el patrimonio, la literatura, el arte… Y, extensamente, –en asociación– la gastronomía, el ocio, el sol y las bellas y diversas costumbres que nos unen (por cierto, toros incluidos). Todo ello configura nuestra peculiar fortaleza en un mundo competitivo en el que es imprescindible diferenciarse y reforzar aquello en que somos mejores. Así que, líneas rojas en cultura. ¿Cuáles? Ahí van algunas.La primera, la acción cultural exterior, es decir, nuestra presencia cultural en el mundo, con su buque insignia, el Instituto Cervantes. Disponer de la segunda lengua de relación del mundo es un capital de inapreciable valor que es obligatorio impulsar, en el que es imprescindible

invertir más. No solamente es preciso no reducir presupuestos de todo cuanto impulse la presencia de la cultura y la lengua en el mundo; es necesario incrementar notablemente las partidas dedicadas a esa estratégica tarea.La segunda, el patrimonio –pictórico y museístico, histórico…– que figura entre los más valiosos del mundo y que genera riqueza (dinero, puestos de trabajo, posicionamiento en el mundo…), fruto principalmente del turismo que lo aprecia y que nos visita para conocer la cultura y tradiciones –entendidas ampliamente– de nuestro país. No vale no tocarlo: hay que apoyarlo con dinero y leyes que permitan su proyección, su mejor puesta en valor.La tercera, la creación y la exhibición de arte. El estado no debe reducir ni un milímetro el espacio –y el dinero, la atención– dedicado al cine, al teatro, a la música... Todas esas artes tienen su territorio autónomo comercial en el que una parte puede y debe sobrevivir de sus propios públicos y patrocinadores, pero la innovación artística, la creación más arriesgada, la danza, el circo, el teatro para niños…, requiere en estos momentos la decidida entrega de las instituciones a la tarea de salvaguardarlo. El estado como garante de la innovación, más aún en tiempos de dificultad. La cuarta, –y termino, que si pones muchas líneas rojas algunos políticos pueden pensar que es demasiada la tarea y que es mejor pisar raya– la defensa de la extensa red de centros culturales públicos que en la mayor parte de ciudades y pueblos garantizan el acceso social a la cultura básica, incluidas bibliotecas. La red, construida y desarrollada a lo largo de casi treinta años, debe mantenerse íntegramente al servicio plural de los ciudadanos. Y al margen de que se opte por una fórmula de gestión en la que intervenga la iniciativa privada.Lástima que para pintar líneas rojas en el suelo no baste con quejarse y haga falta organizarse, unirse…, y arriesgar.

Robert Murowww.robertmuro.wordpress.com

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El Espectáculo Teatral nº 69 enero 2012

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