El Arte Visual Del Rock Progresivo (1era Parte)

1

El arte visual del rock progresivo (1era parte)

Por Juan Carlos Cortés Stefanoni

Maestro en Estética y Arte

Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP)

[email protected]

El rock progresivo fue resultado de una evolución de la música rock de los años 60, en

particular del rock británico y del rock psicodélico estadounidense, y se caracterizó por

poseer una mayor complejidad en lo musical, lo temático y lo visual.

En lo musical, se experimentó con nuevas y más complejas armonías, melodías,

técnicas vocales, métricas y timbres. Los pasajes instrumentales fueron cada vez más

largos y elaborados. Hubo un marcado énfasis en el virtuosismo, por lo que muchos de

los músicos de rock progresivo fueron verdaderos maestros de su instrumento. Así

mismo, fue muy común la incorporación de elementos tomados de otros géneros y

estilos musicales dentro de las piezas, lo cual dio como resultado una variada gama de

sub-estilos, entre los cuales podemos encontrar el symphonic-rock, el folk-rock, el jazz-

rock, o el indo/raga-rock, por citar algunos. Hubo también un intento deliberado por

expander las formas musicales más allá de los límites de las convenciones básicas de

versos y coros, por lo que pronto las piezas comenzaron a ser cada vez más complejas

en estructura y largas en duración, alcanzando los 15 o 20 minutos, y hubo incluso

ocasiones en que una sola pieza ocupaba una cara completa del disco o el disco entero.

De ahí que adquirieron enorme popularidad las piezas multi-partes, algo similar a las

suites barrocas (S. XVII-XVIII) o a la song-cycle romántica (S. XIX). En este sentido,

el concepto de “opera-rock” se volvió inmensamente popular. Por otro lado, la

inclusión de instrumentos inusuales dentro del rock como flautas, clarinetes, trompetas,

trombones, órganos, sintetizadores, mellotrón, clavecín, así como orquestas y coros

enteros fue recurrente. Se hizo uso de efectos de sonido y música concreta. Además, se

emplearon nuevas técnicas de grabación en el estudio, mismo que se convirtió en un

elemento indispensable para la creación de esta música.

En lo temático, las letras de las canciones comenzaron a ser más profundas y

elaboradas. Se abandonaron por completo los temas de amor y pasión adolescente para

comenzar a componer piezas con temáticas más elevadas, tomadas de la ciencia ficción,

la fantasía, la mitología, la religión, la literatura, la psicología, o la política. Fue debido

mailto:[email protected]

2

a esto que proliferaron los álbumes concepto, los cuales se convirtieron prácticamente

en una regla dentro del género.

En lo visual, el rock progresivo puso un mayor cuidado en el arte y presentación

de los discos, de ahí que las portadas comenzaron a ser cada vez más sofisticadas y

elaboradas en cuanto a su diseño, añadiendo nuevas dimensiones de significado a la

música misma. Además, los conciertos en vivo fueron un componente vital del

movimiento progresivo, por lo que se puso un mayor énfasis en la teatralidad y

majestuosidad de los mismos, se emplearon efectos de luces y de video, se diseñaron

escenarios novedosos y grandilocuentes, incluso se utilizaron disfraces y maquillajes.

Es precisamente este último aspecto, el visual, el que nos interesa analizar en el

presente trabajo. Como Edward Macan ha señalado, “no es inapropiado hablar de un

estilo visual que rige el género”.1 En este sentido, podemos afirmar que el rock

progresivo no fue solamente un estilo musical, sino que fue también un estilo artístico-

visual, el cual involucró no sólo músicos, sino también a una gran cantidad de artistas

plásticos, entre los cuales podemos encontrar fotógrafos, pintores, dibujantes,

caricaturistas, cartelistas, diseñadores e incluso cineastas. Aunque el rock progresivo

recibió cierta difusión a través de la radio y la televisión, éstas no fueron en absoluto los

medios privilegiados a través de los cuales esta música se propagó: “fue principalmente

a través de la adquisición de álbumes y a través de la experiencia del concierto en vivo

que las audiencias del rock progresivo pudieron experimentar la música de sus grupos

favoritos”.2 Ello nos lleva a dividir nuestro estudio en estas dos categorías. Ambas,

tanto el diseño de los álbumes como los conciertos en vivo, tuvieron una dimensión

artístico-visual muy fuerte, de la cual daremos cuenta en este apartado.

El arte en el diseño de los álbumes.

Como hemos señalado líneas arriba, los álbumes se convirtieron en “la forma artística”

por excelencia del rock progresivo. Éstos fueron el principal vehículo de difusión de la

música, y por lo tanto debían reflejar el sentido y profundidad de la misma. Si ésta era

cada vez más experimental, compleja y sofisticada, con letras más profundas y elevadas,

1 MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.

New York: Oxford University Press. p. 57

2 Ídem, p. 57

3

eso debía verse reflejado también en el diseño de las portadas y demás accesorios del

álbum.

Como en muchos otros aspectos, los grandes innovadores en esta área fueron los

Beatles, quienes desde muy temprano en su carrera comenzaron a prestar mayor

atención en el diseño de las portadas de sus álbumes, las cuales debían, de alguna

manera, estar en concordancia con su estilo musical. Ejemplo de ello es la asociación

que tuvieron con el fotógrafo y diseñador Robert Freeman, quien fue responsable de las

fotografías y diseño visual de sus álbumes más tempranos: With the Beatles (1963), A

Hard Day‟s Night (1964), Beatles for Sale (1964), Help! (1965) y Rubber Soul (1965).

Cada una de ellas resultó muy innovadora para la época, y, en este sentido, dan muestra

de una cada vez mayor preocupación y énfasis en el diseño visual y artístico de los

álbumes.

Durante el período anterior a los años 60, el propósito principal de las portadas

había sido mostrar a los artistas. Sin embargo, es a partir de 1966 en adelante, con los

Beatles y otras bandas coetáneas que siguieron su ejemplo, que las portadas comenzaron

a cambiar significativamente de función. Su papel ya no sería simplemente mostrar a los

artistas, sino reflejar, sobre todo, la profundidad y sofisticación que las bandas estaban

consiguiendo tanto en lo musical como en lo temático, y en ese sentido reforzar el

concepto, agregando también nuevos y más ricos niveles de significación.

Nuevamente, son los Beatles quienes marcan el rumbo a seguir en este respecto,

con los originales e innovadores diseños visuales de sus obras Revolver (1966) y Sgt.

Pepper‟s Lonely Hearts Club Band (1967), las cuales marcan el punto de partida de una

tremenda revolución músico-cultural que dos años más tarde daría como resultado el

nacimiento de un nuevo tipo de rock: el progresivo. En palabras de Ramón Moreno,

“Revolver representa una extraordinaria conjunción entre letra y música, pero también

significó la entrada definitiva del arte visual en el mundo del rock”.3 Este álbum venía

acompañado de una extraordinaria portada en blanco y negro, idea del artista Klaus

Voorman –amigo del grupo desde sus días de Hamburgo–, y consistía en un collage de

dibujos y fotografías. Éstas últimas, obra de Robert Whitaker, quien acompañó a los

Beatles en sus giras por E.U.A. (1965) y Japón (1966), logrando fotografías que hoy por

hoy son consideradas clásicas.

3 MORENO, Ramón. (1998). Diccionario de los Beatles. Valencia, España: Editorial La Máscara. p. 166

4

Quizá sea importante detenernos unos instantes en la figura de Robert Whitaker,

pues fue él quien diseñó una de las portadas más controvertidas y polémicas de la

historia del rock. En 1966, Whitaker citó a los Beatles en su estudio para la realización

de lo que él llamó “una pieza de arte conceptual”, la cual llevaría por título “A

somnambulant adventure”. Resultado de aquella sesión fue una fotografía que mostraba

a los Beatles vestidos con batas de carnicero y cubiertos con pedazos de carne y

muñecas de plástico descuartizadas. Si bien esta fotografía no había sido pensada

originalmente para ser utilizada como portada de algún disco, fue a McCartney a quien

le pareció buena idea rescatarla para tal propósito cuando Capitol Records, subsidiaria

de EMI en E.U.A., decidió editar un álbum recopilatorio en ese país. McCartney

describió la imagen diciendo “es nuestro comentario acerca de la guerra”4, así mismo,

Lennon vio en ello una manera divertida de protestar “por los constantes

descuartizamientos que sufrían sus discos en Estados Unidos”5 tras la controversia

causada por sus comentarios acerca de Jesucristo. El primer tiraje del álbum, que llevó

por título Yesterday and Today, constó de cerca de 750,000 copias. La reacción no se

hizo esperar: pronto esta portada, la cual ha pasado a la historia con el nombre de “the

butcher cover”, causó escándalo e indignación entre la puritana sociedad

estadounidense, por lo cual fue inmediatamente censurada y Capitol tuvo que sacar del

mercado las copias que aún no se habían vendido. La controvertida portada fue entonces

reemplazada por una nueva imagen más convencional y discreta. Las copias que

4 GAFFNEY, Dennis (2008). "Antiques Roadshow | Follow the Stories | The Beatles' "Butcher" Cover".

En PBS.org. http://www.pbs.org/wgbh/roadshow/fts/jackpot_200302A14.html. (Última consulta:

09/11/2011).


Klaus Voorman / Robert Whitaker

The Beatles’ Revolver– portada

Collage: dibujo a lápiz y fotografías

1966

http://www.pbs.org/wgbh/roadshow/fts/jackpot_200302A14.html


5

sobrevivieron, con la portada original, constituyen hoy uno de los principales objetos de

colección de los Beatles.

Aunque el grupo protestó por la censura de la portada, alegando que era “igual de

relevante que Vietnam”6, no logró impedir que ésta fuera sacada del mercado. Sin

embargo, “the butcher cover” enseñó una importantísima lección a los Beatles y a los

grupos de rock coetáneos: aprendieron que las portadas de los álbumes no eran, en

absoluto, un elemento secundario, pues las imágenes artístico-visuales podían

incrementar el alcance y repercusión de su música y letras, convirtiendo al álbum en un

poderoso vehículo de expresión.

Desde esta nueva perspectiva, en 1967 los Beatles dieron a luz uno de los álbumes

más importantes de la historia de la música rock –y de la música popular en general–,

un trabajo que mostraba, mejor que ningún otro, el nuevo rumbo que la música rock

estaba a punto de tomar. Sgt. Pepper‟s Lonely Hearts Club Band fue un proyecto

ambicioso, complejo, experimental y ecléctico, tanto en lo musical como en lo temático.

Fue el primer LP concebido como una unidad temática y espiritual. Desde luego, un

álbum de tales características ameritaba un diseño artístico-visual de iguales

proporciones. Para tal propósito, convocaron no a un solo artista, sino a todo un

contingente de artistas, el cual estaba conformado por el galerista y diseñador artístico

6 GAFFNEY, Dennis (2008). "Antiques Roadshow | Follow the Stories | The Beatles' "Butcher" Cover".

En PBS.org. http://www.pbs.org/wgbh/roadshow/fts/jackpot_200302A14.html. (Última consulta:

09/11/2011).

Robert Whitaker

The Beatles’ Yesterday And Today –portada original (izq.); segunda portada (der.)

Fotografía

1966



6

Robert Fraser, los renombrados artistas “pop” Peter Blake y Jann Haworth, el fotógrafo

Michael Cooper, el diseñador Manuel Cuevas, el artista de feria Joe Ephgrave, y otros

más. Los Beatles querían un diseño artístico-visual original e innovador, que encarnara

el concepto y espíritu de la música y letras de su nuevo álbum, y por ello pidieron a los

artistas que no escatimaran en gastos.7 Blake tuvo la idea de crear una escena que

mostrara a “la Banda del Sargento Pimienta” actuando en un parque, rodeada de un

largo grupo de personalidades destacadas. Entre todos, crearon una lista de más de 70

personajes famosos, entre los cuales hay escritores, músicos, estrellas de cine, y una

serie de gurús hindúes, todos ellos personajes que los Beatles admiraban. Haworth se

encargaría de pasar en madera prensada y a tamaño natural las fotografías en blanco y

negro de cada uno de estos personajes, para posteriormente pintarlas a mano. Así

mismo, los Beatles vestirían uniformes militares de vivos colores fluorescentes

diseñados por Manuel Cuevas. El diseño del bombo rotulado fue obra de Joe Ephgrave,

mientras que los artistas de la casa Madame Tussaud se encargaron de realizar las

figuras de cera de los “antiguos Beatles” que pueden verse en la portada del álbum.

El enorme collage a tamaño real fue montado por Blake y Haworth en el estudio

de Michael Cooper, quien finalmente tomó las fotografías del mismo el 30 de marzo de

1967, en una sesión que duró tres horas. Fue así como cobró vida la célebre portada del

Sgt. Pepper: “el resultado fue una inmensa obra de arte y un perfecto complemento

visual a la grandeza musical del disco”.8 Además, en el reverso del álbum se

imprimieron las letras de las canciones, lo cual resultó completamente innovador para la

época, pues era la primera vez en la historia que esto se hacía. Así mismo, el álbum

venía en formato gatefold, es decir, una especie de “estuche-portafolio” cuyas tapas se

podían abrir como si fuese un libro, lo cual permitió incluir fotografías en el interior, así

como una serie de aditamentos recortables –un bigote, unos galones de sargento y un

logotipo de la banda–, todo ello con la finalidad de que la integración del escucha en el

proyecto fuera completa. En total, el diseño artístico-visual del Sgt. Pepper tuvo un

costo de cerca de £2,868 5s 3d (equivalentes hoy a £38,823), una asombrosa suma de

dinero, 100 veces más el costo promedio del diseño artístico de un álbum en aquellos

días9, lo cual prueba la enorme importancia que los músicos de rock estaban


8 Ídem, p. 175

9 Tomado de http://www.culture24.org.uk/art362437 (Última consulta: 12/11/2011)

http://es.wikipedia.org/wiki/%C2%A3

http://es.wikipedia.org/wiki/%C2%A3

http://www.culture24.org.uk/art362437

7

comenzando a concederle al diseño artístico-visual de los álbumes. Los demás grupos

de rock no harían sino seguir las mismas pautas marcadas por los Beatles.

Sgt. Pepper contribuyó a afianzar la idea de álbum concepto en la música rock.

Las bandas de rock comenzaron a concebir sus trabajos discográficos como una unidad

temática. Ello significó un cambio drástico en la manera cómo la música rock era

difundida: el álbum cobró mayor relevancia, por encima de los singles (sencillos) que

anteriormente habían sido lo más importante. En palabras de E. Macan, “los músicos de

rock de finales de los 60 y 70 usaron el término “concepto” exactamente en el mismo

sentido en que los compositores del siglo XIX utilizaron el término “programa”.”10

Es

decir, los músicos de rock progresivo concebían al álbum concepto como una “obra de

arte total”, en el sentido wagneriano del término: una Gesamtkunstwerk, en la cual la

música, las letras y el arte visual se combinaban para crear un “programa” artístico

completamente unificado. Es verdad que los grupos de rock no siempre hicieron

álbumes concepto, en dado caso, el diseño del álbum reflejaba la temática de la pieza

más larga o más significativa del mismo.

Para mediados de 1967 podemos distinguir ya un estilo artístico-visual propio de

la música rock, el cual estaba estrechamente vinculado con la revolución psicodélica.

Las razones de ello debemos buscarlas en la estrecha relación de la música rock con la

10

MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.

New York: Oxford University Press, p. 58

Peter Blake / Jann Haworth / Michael Cooper

The Beatles’ Sgt. Pepper‟s Lonely Hearts Club Band

–portada (izq.); contraportada (der.)

Collage / Fotografía

1967

8

contracultura de los 60, particularmente con el movimiento hippie, motivo por el cual se

estaba convirtiendo en el equivalente musical de la experiencia alucinógena.11

Como

Richard Neville recuerda: “todos los sonidos relevantes parecían de alguna manera estar

asociados con el ácido y el amor universal. The Beatles, Donovan, Cream, Jefferson

Airplane, Quicksilver Messenger Service, The Grateful Dead, The Doors, Country Joe

& the Fish, todos celebraban la experiencia del ácido y revivivían nuestra fe en los

demás”.12

Los diseños artístico-visuales de los álbumes de este período, en especial

aquellos realizados entre 1967 y 1968 dan muestra de ello: diseños que constituyen “una

explosión de brillantes colores y líneas que se retuercen y se superponen en una infinita

variedad de patrones, reflejando la experiencia alucinógena en su nivel más

elemental”.13

Algunos ejemplos importantes de este estilo psicodélico son los álbumes

Disraeli Gears (1967) y Wheels of Fire (1968) de la banda Cream, ambos realizados por

el pintor “pop”, caricaturista, compositor y cineasta australiano Martin Sharp.

Sobre su diseño en Disraeli Gears, Sharp ha dicho:

“Encargué a mi ex-compañero de estudio, Robert Whitaker, que tomara algunas fotografías,

las cuales utilicé para un collage en la contraportada. Creo que la foto utilizada en la portada era

una foto publicitaria que obtuve de Eric Clapton. Yo estaba usando pinturas fluorescentes en ese

11

WHITELEY, Sheila. (1992). The Space Between the Notes: Rock and the Counter-Culture. New York:

Routledge. pp. 3-4

12 NEVILLE, Richard. (1971). Play Power. London: Paladin, p. 14

13 MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.


Martin Sharp

Cream’s Disraeli Gears –portada (izq.); contraportada (der.)

Pintura / Collage

1967

9

momento. Era el momento cumbre de la psicodelia. Algunos de los ingredientes de la cubierta se

componen de grabados decorativos de la era Victoriana. La hice primero en blanco y negro y

después la pinté con colores fluorescentes. Traté de capturar la cálida alegría y vitalidad de las

canciones de Cream.”14

Los trabajos de The Moody Blues, Days of Future Passed (1967), In Search of the

Lost Chord (1968), In the Threshold of a Dream (1969), To Our Children‟s Children‟s

Children (1969), A Question of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favour

(1971) y Seventh Sojourn (1972) son, tanto en lo musical, lo temático y lo visual,

ejemplos clásicos de lo que algunos autores han denominado estilo proto-progresivo. El

primero de ellos, Days of Future Passed (1967), es un álbum conceptual cuya portada,

obra del artista David Anstey, da muestra del estilo psicodélico que imperaba en el

diseño artístico-visual de los álbumes de rock en ese momento. Por otro lado, el diseño

de los demás álbumes sería obra de Philip Travers, cuyo estilo apuntaba ya la tendencia

surrealista que más tarde sería común en el arte visual del progresivo de los años 70.

14

Tomado de: http://en.wikipedia.org/wiki/Martin_Sharp (Última consulta: 29/11/2011)

David Anstey

The Moody Blues’

Days of Future Passed

–portada

Pintura

1967

Philip Travers

The Moody Blues’ In Search of the Lost Chord (1968) (izq.); To Our Children‟s Children‟s

Children (1969) (centro); A Question of Balance (1970) (der.) –portadas –pintura

10

Otros trabajos, como la portada del álbum Axis: Bold as Love (1967) de The Jimi

Hendrix Experience, dan muestra de la profunda fascinación que flotaba en el aire de

los 60 por las religiones y prácticas orientales.

El álbum de King Crimson, In the Court of the Crimson King (1969), es señalado

por muchos autores como el primer álbum de rock progresivo en sentido estricto. El

diseño del mismo fue obra de Barry Godber. El líder de la banda, Robert Fripp, ha dicho

al respecto: “el rostro del exterior es “the Schizoid Man”, y en el interior está “the

Crimson King”, si a éste le cubres la sonrisa verás que los ojos revelan una increíble

tristeza. ¿Qué puede uno agregar? refleja la música.”15

15

Tomado de: http://www.elephant-talk.com/wiki/Interview_with_Robert_Fripp_in_Rock_and_Folk

(Última consulta: 27/11/2011)

Roger Law

The Jimi Hendrix

Experience’s Axis:

Bold as Love –portada

Pintura

1967

Barry Godber

King Crimson’s

In the Court of the

Crimson King –cubierta

(arriba); inteiror (abajo)

Pintura

1969

11

Como Macan ha señalado, “la inclinación de los hippies por los alucinógenos

fomentó el desarrollo de un estilo visual surrealista en el rock progresivo”.16

Para 1969

y 1970, período durante el cual el rock progresivo emergió como un estilo diferente, una

tendencia más sutil se hizo evidente tanto en las fotografías como en los diseños

pictóricos de muchas de las portadas del momento: comenzó a hacerse presente un tipo

de surrealismo que recordaba a los trabajos de Salvador Dalí, Man Ray o Magritte, así

como a las complejas perspectivas de M. C. Escher. Se puso “una atención realista muy

meticulosa en el detalle, el cual se utilizó para representar paisajes imposibles y

yuxtaponer objetos no relacionados en situaciones inesperadas. Gran parte de las

portadas de rock progresivo, desde 1970 en adelante, son surrealistas exactamente en

este sentido”.17

Ejemplo de ello son las pinturas que Paul Whitehead realizó para los álbumes

Trespass (1970), Nursery Cryme (1971) y Foxtrot (1972) de Genesis, y H to He, Who

Am the Only One (1970) y Pawn Hearts (1972) de Van Der Graaf Generator.

16



17 Ídem, p. 59

Paul Whitehead

Genesis’ Trespass

–cubierta

Pintura

1970

Paul Whitehead

Genesis’ Nursery Cryme

–cubierta

Pintura

1971

12

Dos tipos de temática fueron ampliamente explotadas por las bandas de rock

progresivo: la fantasía/ciencia ficción y los temas mitológico-espirituales. Por supuesto,

éstas debían verse reflejadas en los diseños artístico-visuales de los álbumes. Algunos

ejemplos del primer tipo de temática son los álbumes Tarkus (1971) y Brain Salad

Surgery (1973) de Emerson, Lake & Palmer. En el primer caso, la cubierta del álbum,

obra de William Neal, gira en torno a la temática de la pieza que da título al trabajo, la

épica suite “Tarkus”, que ocupa todo el lado A del disco.

Paul Whitehead

Genesis’ Foxtrot

–cubierta

Pintura

1972

Paul Whitehead

Van Der Graaf Generator’s

Pawn Hearts

–cubierta

Pintura

1971

William Neal

ELP’s Tarkus

–cubierta

Pintura

1971

13

En ella se representa a una criatura fantástica mitad armadillo y mitad tanque de

guerra avanzando a través de un paisaje psicodélico vacío excepto por los huesos

destrozados de sus víctimas. Así mismo, la pintura del interior muestra las distintas

batallas que Tarkus libra contra otras criaturas cibernéticas antes de ser finalmente

derrotado por un Manticornio.

El diseño visual de Brain Salad Surgery es obra del renombrado surrealista suizo

H. R. Giger, quien años más tarde ganaría fama internacional por sus diseños para la

película Alien (1979). En este caso, el diseño refleja el conflicto entre las fuerzas de la

tecnología y la espiritualidad humana, que es el tema del álbum.

Por otro lado, la banda YES se caracterizaría por sus letras de corte espiritual y

mitológico, las cuales apelaban a un despertar de la conciencia, a una transformación

espiritual, dibujando con marcado entusiasmo mundos imaginarios, utópicos y

cósmicos. Esto se ve reflejado perfectamente en los diseños que Roger Dean realizó

William Neal

ELP’s Tarkus

–interior

Pintura

1971

H. R. Giger

ELP’s Brain Salad Surgery –portada (izq.); interior (der.)

Pintura

1973

14

para la banda. Este artista es quizá una de las figuras más importantes dentro del ámbito

del diseño artístico-visual del rock progresivo, razón por la cual es preciso detenernos

unos instantes en su figura. Roger Dean estudió primero en la Canterbury School of Art,

donde obtuvo un diploma en diseño. En 1968 se graduó de la Royal College of Art de

Londres e inmediatamente se puso a trabajar. Su primer encargo sería la cubierta del

álbum The Gun (1968) para la banda del mismo nombre. Entre 1968 y 1970 realizó

portadas para varios grupos de rock progresivo, entre los cuales podemos citar a Earth

& Fire, Nucleus, Lighthouse o Atomic Rooster, entre otros. Pero fue en 1971 cuando

Roger Dean llamó la atención con el diseño artístico-visual del álbum Osibisa (1971) de

la banda británico-africana del mismo nombre. La portada de este álbum mostraba ya el

inigualable estilo por el cual Roger Dean es hoy ampliamente reconocido.

Más tarde, en ese mismo año, Dean inició su sociedad con YES, por la cual fue

internacionalmente reconocido. En palabras de E. Macan, la sociedad Roger Dean-YES

muestra “la manera cómo artistas específicos son a menudo asociados con grupos

particulares”18

. Así, Roger Dean es hoy sinónimo de YES, y más aún, es sinónimo de

rock progresivo, ya que “para muchos, los míticos paisajes de Dean se convirtieron en el

símbolo visual del rock progresivo”.19

El primer diseño que realizó para YES fue el del

álbum Fragile (1971), el cual muestra a un pequeño planeta en el frente, mientras que

en la contraportada éste ha empezado a romperse y la población escapa en un planeador

espacial de madera, un concepto que más tarde serviría de inspiración para el álbum

Olias of Sunhillow (1976) de Jon Anderson, así como para la película Floating

Islands.20

Posteriormente, Dean continuaría esta especie de “relato” en el trabajo

18

Ídem, p. 59

19 Ídem, p. 59

20 Tomado de: http://en.wikipedia.org/wiki/Fragile_(Yes_album) (Última consulta: 30/11/2011)

Roger Dean

Osibisa’s Osibisa

–cubierta

Pintura

1971

15

artístico del álbum Yessongs (1973). Además, el LP venía acompañado de un folleto

promocional, en el cual se podían apreciar otros dos cuadros de Dean.

En 1972, Dean diseñó el álbum Close to the Edge, que mostraba, por primera vez,

el ahora ya clásico logotipo de la banda en forma de “burbuja”.

La suite “Close to the Edge”, que ocupa todo el lado A del álbum, está inspirada

en el libro Siddhartha, del escritor alemán Hermann Hesse, y tiene como tema la

búsqueda del individuo por la verdad espiritual. Esto está magníficamente representado

por el fantástico paisaje que Roger Dean realizó en el interior del álbum. E. Macan ha

descrito esta pintura en los siguientes términos:

“… el paisaje es el protagonista. Vemos este paisaje –el cual parece ser un mundo aparte del

nuestro– desde la cumbre de una montaña (¿en nuestro mundo?); un largo y estrecho puente, de

aspecto peligroso, se extiende sobre un abismo nebuloso hacia este “otro” mundo. El elemento

surrealista de este paisaje resulta del hecho de que, aunque aparentemente es una isla, está rodeada

por niebla, no por agua, y está delimitada en sus bordes exteriores no por tierra, sino por mar.

Aparte de su rareza, el aspecto más notable de este panorama es que, incluso desde una gran

distancia, desde nuestro punto de vista, es una tierra claramente prístina y virgen (…) Así, la

pintura de Dean parece reflejar el concepto de la pieza: la iluminación espiritual y la verdad

Roger Dean

YES’ Fragile –portada (izq.); contraportada (der.)

Pintura

1971

Roger Dean

YES’ Logo

Diferentes

versiones

Pintura

1972-2011

16

(simbolizada por el prístino paisaje) es extraordinariamente difícil de alcanzar (de ahí el estrecho y

peligroso puente), pero una vez obtenida, es fuente de paz y alegría”21

Además de los ya mencionados, Roger Dean realizó también las portadas de los

álbumes Tales From Topographic Oceans (1973), y Relayer (1974), que son algunos de

los trabajos más importantes de YES y del rock progresivo en general. Así mismo, Dean

colaboró con otras bandas importantes del momento, entre las cuales podemos

mencionar a Babe Ruth, Uriah Heep, Gentle Giant, Greenslade, Budgie y ASIA, entre

otras.

Por último, debemos mencionar a la firma Hipgnosis, la cual fue fundada por los

artistas y diseñadores gráficos Storm Thogerson y Aubrey Powell a finales de los años

60. Hipgnosis se caracterizó por poseer un estilo teatral y surrealista fuertemente

orientado hacia la fotografía, terreno en el que desarrollaron una amplia gama de

técnicas innovadoras para la época, tales como la decoloración mediante la exposición a

21



Roger Dean

YES’ Close to the Edge

–portada (izq.); interior (abajo)

Pintura

1972

17

la luz natural y mediante el uso de químicos, los retoques pictóricos, diversos efectos

visuales, recorte y pegado mecánico (algo muy similar al photoshopping actual), etc.

Posteriormente, Thorgerson y Powell reclutaron a otros artistas, entre los cuales

podemos mencionar a Peter Christopherson, Richard Evans y George Hardie. La firma

trabajó para una gran cantidad de artistas y grupos durante los años 70, entre los cuales

estuvieron muchos de rock progresivo como Emerson, Lake & Palmer, Genesis, YES

(cuando su sociedad con Roger Dean fue interrumpida temporalmente), Caravan,

Renaissance, y sobre todo, Pink Floyd.

Hipgnosis

Pink Floyd’s

A Saucerful of Secrets –portada

Pintura / Fotografía

1968

Hipgnosis

Pink Floyd’s Dark Side of the Moon –cubierta (arriba); interior (pág. 18)

Pintura / Fotografía

1973

Hipgnosis

Pink Floyd’s

Wish You Were Here –portada

Fotografía

1975

18

Al igual que en el caso Roger Dean-YES, Hipgnosis y Pink Floyd se convirtieron

también en casi sinónimos, ya que la firma ha diseñado casi todos los álbumes de la

banda desde A Saucerful of Secrets (1968), pasando por los destacados trabajos de Dark

Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975) y Animals (1977), entre otros.

Finalmente, debemos decir que, por razones de espacio, han quedado fuera de este

trabajo un gran número de artistas y grupos importantes, cuyas portadas son testimonio

de la enorme creatividad y esfuerzo que los músicos de rock progresivo invirtieron en el

diseño artístico-visual de sus álbumes. Para mayores detalles consúltese la bibliografía y

discografía anexas al final de este trabajo.

Hipgnosis

Pink Floyd’s Animals –cubierta

Fotografía

1977

19

BIBLIOGRAFÍA:

COVACH, John. (1997). “Progressive Rock, „Close to the edge‟ and the

boundaries of style”. En Covach, John y M. Boone, Graeme (ed). (1997).

Understanding Rock: Essays in Musical Analysis. (pp. 3-31). New York: Oxford

University Press.

COVACH, John. (1998). “The Hippie Aesthetic: Cultural Positioning And

Musical Ambition in Early Progressive Rock. En http://www-

3.unipv.it/britishrock1966-1976/pdf/covacheng.pdf

HERTSGAARD, Mark. (1996). A Day in the Life: The Music and Artistry of the

Beatles. Delta

MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and

the Counterculture. New York: Oxford University Press.

MARTIN, Bill. (1997). Listening to the Future: The Time of Progressive Rock,

1968-1978. USA: Open Court Publishing Company.

MARTIN, Bill. (1996). Music of Yes: Structure and Vision in Progressive Rock.

USA: Open Court Publishing Company.

MORENO, Ramón. (1998). Diccionario de los Beatles. Valencia, España:

Editorial La Máscara.

SNIDER, Charles. (2008). The Strawberry Bricks Guide to Progressive Rock.

Strawberry Bricks Publishers.

WELCH, Chris. (2003). Close to the Edge: The Story of Yes. London: Omnibus

Press.

WHITELEY, Sheila. (1992). The Space Between the Notes: Rock and the

Counter-Culture. New York: Routledge.

FUENTES EN INTERNET:

VARIOS: http://rateyourmusic.com/list/raulg/selected_fantasy_cover_arts

http://tralfaz-archives.com/coverart/C/C.html

MOODY BLUES: http://www.webwriter.f2s.com/moody/lyrics/albumart.htm

PSYCHEDELIC ART: http://en.wikipedia.org/wiki/Psychedelic_art

HIPGNOSIS: http://www.hipgnosiscovers.com/home.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Hipgnosis

http://rateyourmusic.com/list/raulg/selected_fantasy_cover_arts

http://tralfaz-archives.com/coverart/C/C.html

http://www.webwriter.f2s.com/moody/lyrics/albumart.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Psychedelic_art

http://www.hipgnosiscovers.com/home.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Hipgnosis

20

ROGER DEAN: http://en.wikipedia.org/wiki/Roger_Dean_(artist)

Sobre R. Dean y Avatar: http://fortegaverso.blogspot.com/2009/12/avatar-roger-

dean-yes.html

PINK FLOYD BIBLIOGRAFíA: http://pinkfloydhyperbase.dk/books.htm#top

SGT. PEPPER PORTADA INTERACTIVA:

http://www.oxforddnb.com/public/sgtpepper/

http://www.peppercover.com/

http://en.wikipedia.org/wiki/Roger_Dean_(artist)

http://fortegaverso.blogspot.com/2009/12/avatar-roger-dean-yes.html

http://fortegaverso.blogspot.com/2009/12/avatar-roger-dean-yes.html

http://pinkfloydhyperbase.dk/books.htm#top

http://www.oxforddnb.com/public/sgtpepper/

http://www.peppercover.com/

21

DISCOGRAFÍA:

BEATLES, The: Revolver. (Parlophone. PCS 7009). 1966

BEATLES, The: Sgt. Pepper‟s Lonely Hearts Club Band. (Parlophone. PCS

7027). 1967

BEATLES, The: Magical Mystery Tour. (Capitol /Parlophone. SMAL 2835).

1967

BEATLES, The: The Beatles (White Album). (Apple. PCS 7067/8). 1968

BEATLES, The: Abbey Road. (Apple. PCS 7088). 1969

BEATLES, The: The Beatles Anthology 1. (Apple). 1995



CREAM: The Very Best Of Cream. (Polydor), 1995

EMERSON, LAKE & PALMER: Brain Salad Surgery. (Manticore

Records/Rhino Records), 1973

PINK FLOYD: The Dark Side of the Moon. (EMI/Capitol Records), 1973

PINK FLOYD: Wish You Were Here. (EMI/Capitol Records), 1975

YES: The Yes Album. (Atlantic Recors), 1971

YES: Fragile. (Atlantic Records), 1971

YES: Close to the Edge. (Atlantic Records), 1972

YES: Relayer. (Atlantic Records), 1974

YES: Going for the One. (Atlantic Records), 1977

VIDEOGRAFÍA:

Documental: The Beatles Anthology DVD Box Set. (2003). Apple Corps.

Documental: YES: Yesyears DVD (1991). Michael McNamara, (Director).Warner Music Vision.

Documental: Prog Rock Britannia: An Observation in Three Movements. BBC Four

Documental: Seven Ages of Rock: Art Rock “White Light White Heat”. Vh1 L.A.

Documental: Seven Ages of Rock: Stadium Rock “We Are the Championst”. Vh1 L.A.

Documental: Time Shift: Progressive Rock. BBC Four. En línea:

http://v.youku.com/v_show/id_XNzYxNjI1MjQ=.html

Documental: Rockin' At the Red Dog: The Dawn of Psychedelic Rock DVD. (2005). Works,

Mary (Director). Monterey Video.

Documetal / Concierto: The Jimi Hendrix Experience Live At Monterey DVD. (2007). D. A.

Pennebaker (Director).

http://v.youku.com/v_show/id_XNzYxNjI1MjQ=.html

El Arte Visual Del Rock Progresivo (1era Parte)

Documents

Transcript of El Arte Visual Del Rock Progresivo (1era Parte)