EBAU FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TAMARA DE LEMPICKA Y COCO CHANEL

EBAU TEMA 6. FUNDAMENTOS DEL ARTE II. EL PAPEL DE LA MUJER EN EL ARTE DE PRINCIPIOS DEL XX:

LA PINTURA DE TAMARA DE

LEMPICKA Y LA REVOLUCIÓN EN EL TRAJE FEMENINO DE COCO CHANEL

Fundamentos del Arte II Profesora Ana Galván Romarate-‐Zabala

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EBAU TEMA 6. EL PAPEL DE LA MUJER EN EL ARTE DE PRINCIPIOS DEL XX: LA PINTORA DE TAMARA DE LEMPICKA Y LA REVOLUCIÓN EN EL TRAJE FEMENINO DE COCO CHANEL 1.Introducción. El Papel de la Mujer en el Arte de Principios del Siglo XX Durante siglos el papel de la mujer en el mundo del arte ha estado relegado a mero objeto representado, icono sexual o musa artística. Esta visión estereotipada de ella más como objeto que como sujeto del arte debe ser superada huyendo de una visión androcéntrica del arte. A lo largo de la materia de Fundamentos I y II hemos ido destacando la labor desempeñada, por méritos propios, de mujeres artistas a través de distintas épocas y estilos: entre otras, la ilustradora de Beatos mozárabes Eude o Ende; la renacentista Sofonisba Anguissola; las pintoras barrocas Artemisia Gentileschi y Clara Peeters; la rococó francesa Marie-‐Louise-‐Elisabeth Vigée-‐Lebrun en el siglo XVIII o las impresionistas Mary Cassatt y Berthe Morisot en el XIX. Afortunadamente, desde los inicios del siglo XX, cada vez con mayor intensidad y no con pocas dificultades, las diseñadoras y artistas lograron formar parte de los movimientos de vanguardia como el Dadaísmo 1 , Surrealismo2, la Bauhaus,3 el Orfismo4 o el Constructivismo ruso5. En paralelo a las vanguardias anteriormente citadas, en el Art Déco –estilo suntuoso de los años 20 y 30-‐ Tamara de Lempicka será su pintora más emblemática del mismo modo que en esa época, la diseñadora francesa Coco Chanel será el baluarte de una moda revolucionaria que contribuirá en cierta medida a la emancipación y liberación de la mujer. 2. Los Felices Años 20. El Art Déco Tras la Primera Guerra Mundial (1914-‐18), uno de los conflictos más mortíferos de la historia, se inicia una etapa que ha sido denominado como los felices o locos años veinte -‐ roaring twenties en inglés-‐. Fue la época del jazz, del cine, del Charlestón y de una desenfrenada alegría de vivir en una época de expansión económica, optimismo hacia el futuro y auge del consumo.

Con el término Art Déco denominamos a un movimiento artístico complejo y contradictorio que se desarrolla, en sentido estricto en los años 20 pero, en sentido general, desde aproximadamente 1910 hasta 1939. Hoy por hoy, todavía está a debate la definición exacta y el alcance de esta corriente cultural. Su nombre es un apócope del término francés décoratif alusión a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, celebrada en Paris en 1925, donde se presentó por primera vez este estilo. Fue una muestra de diseño de interiores, objetos decorativos, cerámica, muebles, lámparas, esculturas, piezas textiles, moda, etc. Participaron casi todos los países europeos, con la excepción de Alemania, entonces el país que había perdido la guerra.

1 Hanna Höch. 2 Leonora Carrington, Remedios Varo, Maruja Mallo, la fotógrafa Dora Maar y la diseñadora de moda Elsa Schiaparelli. 3Marianne Brandt, Gunta Stölz, Lucia Moholy, etc. 4 Sonia Delaunay. 5 Tal es el caso de Barbara Stepanova, esposa por lo demás de Rodchenko.

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El vocablo déco surgió en torno a los años 1965-‐1966 en Inglaterra e Italia, coincidiendo plenamente con el revival retro de este estilo.

El Art Déco fue el primer y último estilo suntuoso del siglo XX. Surgió en Francia, concretamente en París y su difusión ha sido amplísima por todo el mundo: Estados Unidos, Italia, España, Inglaterra, la India, Australia, Japón, etc. Tuvo una expansión global pero sin ningún corpus teórico o manifiesto que lo sustentara. Lo complejo de este movimiento y su carácter incierto propició que más que de Art Déco podemos hablar de art Décos –en plural-‐ dada la variedad de soluciones formales que vamos a encontrar en esta corriente artística. Fue fundamentalmente un estilo arquitectónico y de artes decorativas, un capítulo altamente fértil en la historia de las artes aplicadas. Preconizaba la idea de arte total y que este estilo impregnara toda la vida cotidiana (desde la moda, hasta el mobiliario, pasando por el diseño industrial, joyas o artes gráficas). Produjeron desde objetos de lujo hasta diseños industriales. La intención era crear obras modernas y elegantes que simbolizaran riqueza y sofisticación. Fue básicamente un movimiento artístico “de moda”, con la voluntad intencionada de crear estilo.

Ha sido un estilo muy menospreciado y minusvalorado durante décadas por los artistas de vanguardia y los críticos de arte por su carácter fuertemente esteticista. Y es que los artistas déco buscaban sin reparos la belleza, la excelencia, utilizando materiales costosos6. Fue considerado como un estilo frívolo, nostálgico, sentimental, e incluso anticuado y kitsch. De hecho, en los libros canónicos de historia del arte moderno no solía aparecer. Una copiosa bibliografía y exposiciones internacionales sobre el tema –celebradas en París, Londres o Madrid por poner solo tres ejemplos-‐ han hecho que paulatinamente se vaya reivindicando este movimiento. Hoy se piensa que el Art Déco es, a la vez, una alternativa y una síntesis de las primeras vanguardias7. Particularmente el cubismo y el futurismo italiano están en la base de muchas de sus propuestas.

6 El Movimiento Moderno, y en especial Le Corbusier, fueron los principales antagonistas de este movimiento, puesto que en su opinión, solo atendían a clientes selectos con sus piezas únicas o de edición limitada. 7 Cfs. el ciclo de Conferencias de la Fundación March llamado “Universo Déco” en el que intervinieron Estrella de Diego http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100372 y Román Gubern http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100370


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El surgimiento del Art Déco coincide con la época de la Belle époque, es decir, los llamados felices años 20 aunque sabemos que se extiende también durante los años 30.

Aunque este estilo pasó de moda durante la Segunda Guerra Mundial, durante los años 60 hubo un renovado interés por el diseño Art Déco (se le denominó Retro). No se entiende el Art Déco sin tener en cuenta a su predecesor, el Modernismo o Art Nouveau. Cronológica y estilísticamente, es evidente que hay una cierta continuidad y evolución de un estilo al otro. El Modernismo está finiquitado hacia 1910, fecha aproximada en la que se va forjando el Déco. Ambos comparten muchos puntos en común: *Son estilos esteticistas, que preconizan como valor supremo la belleza. Buscan embellecer la vida cotidiana. En cierto sentido son herederos del Romanticismo y del Movimiento Arts & Crafts.

El contrapunto al Art Déco sería la Bauhaus, escuela artística alemana que huye de la ornamentación y del esteticismo, intentando crear formas limpias y geométricas vinculándolas con la producción industrial. *Desean que su estilo abarque las Bellas Artes y las Artes Decorativas y el Diseño por igual. Es la búsqueda del arte total o Gesamtkunstwerk. Se podría decir que en ambos, las artes aplicadas son las artes mayores. Aun así, no son estilos compactos y homogéneos. Presentan variantes según los países, artistas, etc. *Ambos movimientos pretenden ser reflejo de la modernidad de su época. Recordemos que el lema de la vertiente modernista vienesa, la Secesión, señalaba: “a cada época su arte, a cada arte, la libertad”. *El Modernismo pretendía ser el arte de la burguesía triunfante. El Art Déco contaba entre sus comitentes con elites adineradas. Paulatinamente, los diseños exclusivos de uno y otro se imitarían, popularizarían y difundirían entre todas las clases sociales. Así por ejemplo, el estilo Déco lo podemos encontrar en hoteles, restaurantes, transatlánticos, cines, teatros y gasolineras.

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*La fortuna crítica de estos movimientos ha sido particularmente negativa, por parte sobre todo de los artistas de vanguardia. En general, ambos estilos son hoy en día apreciados, especialmente el Modernismo *No reniegan de la ornamentación. Para ninguno de estos dos movimientos el ornamento es “delito”, como sí afirmaría Adolf Loos en su célebre ensayo8, pionero del racionalismo arquitectónico y del Movimiento Moderno. Si en el Modernismo primaba la decoración de carácter floral y los sinuosos arabescos –como el célebre golpe de látigo de Víctor Horta-‐ en el Déco prefieren los motivos ornamentales geométricos y depurados, de formas simples y claras, estilizadas y simétricas. En esa pasión por lo geométrico está presente la huella cubista así como la fascinación por la velocidad y las máquinas de raíz futurista. Los temas omnipresentes en el estilo déco son las diagonales, las líneas en zigzag, las líneas rectas, círculos, cuadrados, ciervos, galgos, gacelas, las fuentes, olas, espirales, estrellas, palmas, rayos de sol, y por supuesto, la temática femenina –vestida o desnuda-‐. Si en el Modernismo encontrábamos mujeres de silueta reloj de arena con pelo largo y ondulado –como vemos en Alphonse Mucha-‐ en el Art Déco en cambio, aparecen muchachas andróginas, con silueta cilíndrica y pelo corto a lo garçonne. En ambos estilos está presente el influjo oriental. *Las influencias perceptibles en el Art Déco son muy variadas. Aparte del arte de vanguardia hay que destacar: la naturaleza, el arte egipcio, aborigen, africano, maya y azteca, los ballets rusos de Diáguilev... A estos elementos hay que añadir, a partir de 1925, el creciente impacto de las máquinas, que se plasmaban repetidas o solapadas y en los años treinta se impusieron formas derivadas del diseño aerodinámico. La línea recta se convirtió en una fuente de belleza. *El Art Déco difiere del Art Nouveau que enfatizaban el carácter único y la originalidad artesanal de formas orgánicas. Con el tiempo los objetos art déco se difundieron masivamente gracias a su producción industrial. 3. La pintora déco Tamara de Lempicka (1898-‐1980) Si hay una pintora que podemos considerar como epítome del Art Déco, ésa es sin duda María Górska, más conocida como Tamara DE LEMPICKA. Transgresora, independiente y moderna, es la pintora del estilo Art Déco por antonomasia, un compendio del espíritu de esa época. Nació en el seno de una familia adinerada en Varsovia (Polonia) en 1898 que, a la sazón, era una ciudad perteneciente al Imperio ruso. Su padre abandonó a la familia cuando era pequeña y será criada por una abuela y su tía. Estudió en Suiza. Vivió en San Petersburgo (Rusia) y allí se casó muy joven con un abogado ruso, Tadeusz Lempicka, de quien tomaría el apellido. Desde niña sintió fascinación por el arte y el lujo. Le encantaban las joyas, particularmente las esmeraldas, los diamantes y los rubíes. Artista cosmopolita y viajera, vivió en Polonia, Rusia, Francia, Estados Unidos y Méjico. En Méjico pasó sus últimos años y allí murió en 1980.

8 Ornamento y delito, 1910.


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Cuando estalló la revolución bolchevique en 1917 huyó con su marido a París donde viviría una vida mundana, de fiestas y excesos, pero donde también se convertiría en la retratista de las celebridades de la época. En 1926 se divorció de su primer marido. Viajó en numerosas ocasiones a Italia y allí fue amiga del decadente esteta italiano, el escritor Gabrielle D´Annunzio. A pesar de su aparente vida glamurosa, sufrió intensas depresiones que no le daban tregua. Esta fascinante artista, que tuvo una vida de película, fue adorada y despreciada a partes iguales, pues para algunos vanguardistas “bienpensantes” representaba el paradigma de lo kitsch o un personaje esteticista de otra época. Recordemos que la vanguardia “seria” consideraba que el Déco era una reminiscencia del arte del siglo XIX, como algo anticuado aunque, en verdad, fuera todo lo contrario. Ella y su arte eran considerados como la esencia de la frivolidad. Su pasión por la belleza y el lujo no casaban con los artistas de vanguardia comme il faut. Aunque no la faltó trabajo como retratista de las elites aristocráticas9, en el mundo del arte siempre fue una especie de outsider, no siendo aceptada en general, ni por su colegas pintores ni por los críticos de arte. Su objetivo como pintora no era copiar la realidad sino crear un nuevo estilo, brillante y de colores luminosos donde predomine la elegancia de las figuras representadas. Y es que Lempicka se especializó en retratos de mujeres déco, con fondos arquitectónicos de rascacielos de ese estilo, muy abundantes en sus cuadros. En sus obras retrata el nuevo paradigma de la mujer de los años 20 y 30, mujeres que pretenden ser emancipadas, que fuman, conducen su propio coche, adoptan una indumentaria un tanto andrógina, con cabello Bob o a lo garçon, que hacen deporte, viajan y disfrutan de la vida... Muchos retratos de líneas netas y pulidas son desnudos y en ocasiones, muestra abiertamente escenas de homosexualidad femenina. Los cuerpos que pinta suelen ser muy escultóricos, con formas rotundas, como si fueran estatuas clásicas pero sin estar basadas en las proporciones perfectas del canon griego. Las miradas de los retratados suelen ser melancólicas, tristes o pensativas. Consideraba que se autorretrataba en todas sus obras. Sus referentes estéticos son muy variados: oscilan entre la pintura italiana del Renacimiento –en especial adoraba la obra de Bronzino-‐, las conexiones con las odaliscas rotundas10 del neoclásico francés Jean-‐Auguste-‐Dominique INGRES –deliberadas o no-‐, y sobre todo el influjo del Cubismo.

Las líneas depuradas, facetadas y geométricas que dominan su obra también nos remiten a PICASSO11, y no solo al cubista, sino también al más “clásico” de la “vuelta al orden” de los años 20. Entre sus profesores en París destacan André Derain y el neocubista André LOTHE (1885-‐1962). Sin duda Lothe es el que más profundamente marcó su obra pictórica y de él asimiló un cubismo “blando”. Según Alain Blondel, Lempicka consiguió un proceso de síntesis sorprendente y único en sus retratos entre el arte renacentista y el neocubista. Asimismo, hay ciertas concomitancias entre Lempicka con los pintores alemanes de la Nueva Objetividad, en particular con Christian SCHAD. Los retratos de Schad como el del aristócrata Graf St-‐Genois d'Anneaucourt, epitomizan el glamour decadente de la época de la República de Weimar (1919-‐1933). Sus pinturas parecen imágenes de revistas de moda. Concede mucha importancia a la pose, la vestimenta, incluso el maquillaje. Incluso ella misma posaba como si fuera una estrella de cine, siempre sofisticada, siempre

9 Retrató a escritores, actores, artistas, científicos, industriales y muchos nobles de Europa del Este exiliados en París. Fue la pintora de la alta sociedad de su tiempo. 10 Véase por ejemplo, Baños turcos (1862) de Ingres. 11 Véase la pintura Dos desnudos (1905) de Picasso.

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elegante y a la última. De hecho la llegaron a comparar con la mítica Greta Garbo con la que guardaba un cierto parecido.

Su etapa dorada como pintora coincide plenamente con el período déco, fundamentalmente en la década de los años 25 al 35. Se casó dos veces –la segunda en 1934-‐ y tuvo una hija Kizette, a la que retrató con frecuencia en cuadros que están entre lo mejor de su producción. En los años 40 se estableció en Estados Unidos con su segundo y millonario marido e inició allí una etapa abstracta intentando formar parte de la pintura americana con escaso éxito. Las celebridades hollywoodenses adoran los cuadros de Tamara de Lempicka. Es frecuente que el estilo déco o neodéco decora muchas de sus mansiones. Por eso no es extraño que la actual y principal coleccionista de las obras de Lempicka sea Madonna y también, aunque en menor medida, el actor Jack Nicholson y la cantante Barbra Streisand. Entre sus pinturas podemos destacar: la Duquesa de la Salle (1925) es un retrato maravilloso que muestra a una mujer andrógina, que viste un tuxedo de corte masculino. Las referencias arquitectónicas no faltan en el fondo del cuadro. En La bella Rafaela, de 1927, se han observado reminiscencias del tenebrismo de Caravaggio con su énfasis en el juego entre luces y sombras. Pero en esta obra el foco se ha centrado en el cuerpo escultural de la mujer representada. Su Autorretrato en un Bugatti verde (1929) es su cuadro posiblemente más conocido. En ella se representa como una mujer moderna y distinguida, llevando guantes y un sombrero muy ajustado tipo cloche. Aparece conduciendo un coche deportivo Bugatti–que nunca tuvo-‐ sugiriendo la idea de velocidad y las máquinas temas que fascinaban a los artistas de vanguardia, en especial a los vinculados con el futurismo italiano. Capta, como en una fotografía, un momento exacto. Esta pintura fue un encargo para la portada de una publicación alemana llamada Die Dame especializada en promover la imagen de una mujer moderna. Por eso es una obra que está a caballo entre las bellas artes y el diseño gráfico y de moda. El maquillaje también es muy déco. La música (1929) es una bella alegoría sobre este arte. Es representada como una elegante mujer de pelo oscuro, absorbida en su interpretación musical. Recordemos que las referencias a la música fueron muy habituales en la pintura cubista a inicios del siglo XX. El más ávido coleccionista de las obras de Tamara de Lempicka fue el doctor Boucard al que retrató con apariencia de espía de película en 1929. De hecho, durante la Segunda Guerra Mundial tangencialmente se vio envuelto en actividades de espionaje. Su yate fue utilizado por la Resistencia francesa para transportar municiones y andando el tiempo lo adquirió el magnate griego Aristóteles Onassis. En este cuadro, el famoso bacteriólogo aparece con los simbólicos tubo de ensayo y microscopio para que no nos quede duda de su filiación laboral. Como ganó mucho dinero con sus investigaciones médicas pudo adquirir retratos de Lempicka. Este retrato nos transmite una imagen muy glamurosa del doctor, muy lejana al trabajo real de un científico. Esta pintora también retrató a la esposa e hija de Boucard.


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4. Coco Chanel12 y la revolución del traje femenino Durante los locos años 20 coincidente con el auge del Art Déco asistimos a la aparición de un nuevo paradigma de mujer: las flappers. Son mujeres modernas, sofisticadas y glamurosas, hasta cierto punto liberadas, que trabajan, conducen, fuman y llevan el pelo con el corte Bob o a lo garçonne. También hacen deporte y viajan. Les apasionan el cine y el jazz, así como los automóviles y todo lo que suponga un avance en la modernidad. Suelen manifestarse contra los convencionalismos sociales. Lucen siluetas andróginas, cilíndricas o tubulares, que son precisamente la antítesis de la silueta reloj de arena del Modernismo, que enfatizaba la cintura finísima con opresores corsés. Llamaron la atención de eminentes escritores como por ejemplo Evelyn Waugh o F. Scott Fitzgerald.

12 Documentación sobre Coco Chanel extraída de la conferencia de Joana Bonet en la Fundación March http://www.march.es/conferencias/detalle.aspx?p5=100010&l=1 y de http://www.rtve.es/alacarta/videos/flash-‐moda-‐monograficos/flash-‐moda-‐monograficos-‐chanel-‐casa-‐leyenda/3664257/ yhttp://imladyrebel.com/2015/10/entrevista-‐sobre-‐chanel-‐inmaculada-‐urrea/

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Coco CHANEL refleja en sus diseños la nueva realidad de la mujer de esa época, favoreciendo su emancipación a través de una moda.13 La escalera de caracol es una metáfora que podría resumir la vida de Coco CHANEL: su ascensión social, cultural y económica, su relación con el éxito y la fama, y al mismo tiempo su soledad, sus altibajos amorosos y su coraza con la que se protegía del mundo. Por otro lado, la escalera de su Maison de París en su vida era su lugar emblemático ya que le encantaba observar desde ella a las modelos, dando los últimos retoques a sus diseños antes de ser mostrados en los desfiles. Gabrielle Bonheur “Coco” Chanel nació el 19 de agosto de 1883 en Saumur (Francia) y murió en París un domingo, el 10 de enero de 1971, precisamente el único día de la semana que no trabajaba.

Tuvo una vida de novela o de película, llena de luces y sombras, de golpes maestros y genialidades. Como Tamara de Lempicka, era una gran fabuladora sobre sus vivencias, marcadas por diversos traumas –como el abandono de su padre-‐ o la muerte en accidente de tráfico del que fuera su gran amor, el británico rico y cultivado Arthur Edward “Boy” Capel14. A los 12 años se queda huérfana de madre e ingresa con sus dos hermanas en la Abadía de Aubazine para ser educada por las monjas ya que su padre no se hizo cargo de ella. En ese monasterio-‐orfanato aprendió a coser y se quedó fascinada con el arte sacro, en particular las vidrieras de la iglesia, futura fuente de inspiración para su logotipo. Desde muy joven trabajó como dependienta de una mercería y como corista por las noches. Muy solicitada por los oficiales, se enamoró de uno de ellos, un jinete de buena familia, gracias al cual se inicia como sombrerera en París. En 1910, con tan solo 27 años, abrió su propia casa de modas en el 21 de la Rue Cambon parisina, y dos años más tarde, en Deauville y Biarritz, estalló su fama. Chanel no fue una diseñadora más. Fue una creadora de vanguardia que revolucionó la moda propiciando la formación de un nuevo paradigma de mujer: moderna, elegante, sofisticada y libre, ajena a corsés e imposiciones. Favoreció así, la emancipación de la mujer a través de la indumentaria. Es la innovadora que fulmina la moda

13 Otros grandes diseñadores de la época que muestran la riqueza de tendencias de aquellos años déco fueron Patou, Lanvin, Poiret, Madeleine Vionnet, Sonia Delaunay, etc. 14 Capel financió la creación de sus primeros tiendas de moda.


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decimonónica con sus diseños de inspiración masculina, un tanto andróginos en sus inicios, pero de una gran feminidad al mismo tiempo.

Fomentó el corte de pelo Bob. Aun así, recordemos que fue su rival, el diseñador Paul POIRET (1879-‐1944), apodado “el Magnífico”, uno de los primeros modistas en eliminar el corsé15 de la vestimenta femenina, aunque su creación de una silueta tubular era bastante incómoda para andar. Y conviene recordar que el artista multifacético granadino Mariano FORTUNY (1871-‐1949) revolucionó el mundo de la moda a inicios del siglo XX con sus fascinantes diseños –sin corsé y pegados al cuerpo-‐ de inspiración griega como el vestido Delphos, creado en la temprana fecha de ¡1907! anterior a Chanel y en paralelo a Poiret. Las actrices y aristócratas más modernas no dudaron en llevar este vestido del que incluso, hoy en día se siguen haciendo versiones.

Chanel, en sintonía con su época, transformó la silueta femenina de una manera revolucionaria: acortó la falda, eliminó el corsé, liberó la cintura, favoreció la libertad de movimientos. Esta nueva silueta sencilla que tiene mucho que ver con el sobrio funcionalismo arquitectónico de su tiempo, lo plasmó en su diseño más icónico y revolucionario: la Petite Robe Noir (PRN) o Little Black Dress (LBD), un vestido negro de cóctel que creó en 1926. Se hizo tan famoso que lo denominaron con el “modelo Ford T de Chanel”. Chanel fue de las primeras diseñadores en valorar el negro16 como el color epítome de la elegancia. Hasta entonces era un color de luto y el color de la servidumbre. In 1912–13, la actriz Suzanne Orlandi fue una de las primeras mujeres en llevar este vestido hecho de terciopelo. Sea como fuere, el LBD es un diseño clásico, atemporal. Supuso en cierta medida la democratización de la moda porque este atuendo podía ser fácilmente imitado. El largo de la falda tenía que ser justo por debajo de la rodilla, lo que se conoce como “el largo Chanel”. Le horrorizaban las minifaldas y que los hombres y mujeres vistieran igual. Le encantaban los pantalones y los tejidos de punto. Interpretó de una forma nueva la feminidad, convencida de que la independencia proporciona el poder. Chanel también puso de moda broncearse la piel. Para ella el aroma era tan importante como la indumentaria por eso se dedicará también a crear perfumes. Asimismo, fue la primera modista diseñadora de joyas con diamantes. La revista Time la eligió como una de las 100 figuras más influyentes del siglo XX. Chanel se codeó con lo más granado de la intelectualidad y los artistas de la época. Fue amiga de la mítica Misia Sert y también de su marido, el pintor español José María Sert; viajaba con el cineasta Visconti; también trató a

15 Galicismo. En francés: corset. 16 Por lo demás, recordemos que ya en el Renacimiento el color negro se puso de moda en las cortes europeas como sinónimo de elegancia.

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Picasso y Dalí; defendió a muerte a Diáguilev –le costeó su entierro en Venecia-‐ y apoyó sin ambages al músico Igor Stravinsky costeando sus colaboraciones con los Ballets Rusos para que él tuviera trabajo. También ayudó con frecuencia a Jean Cocteau, especialmente para que abandonara sus adicciones. Fue una apasionada de la literatura como se pudo comprobar en la exposición Coco Chanel, la donna che legge en Venecia17.

En los años treinta empezó a diseñar para Hollywood: Marlene Dietrich, Greta Garbo, Gloria Swanson… La escritora Colette escribió su vida. Al estallar la II Guerra Mundial cerró su casa de modas y se convirtió en sospechosa colaboracionista de los nazis por sus amistades con un oficial alemán. Después de pasar un tiempo en Suiza, en los años cincuenta reapareció en el mundo de la alta costura con gran éxito. Sus diseños más emblemáticos, aparte del LBD, son: *Las camelias. *Los zapatos bicolores. *El bolso 2.55. *El sastre (traje en dos piezas) Chanel en tweed. Para este traje de chaqueta se inspiró en el uniforme de su orfanato. *El perfume Chanel nº 5. *Los collares de perlas. *El rouge Chanel.

Hecha a sí misma, fue la personificación de la elegancia y luchó en igualdad de circunstancias que los hombres. Creó un gran emporio que llegó a tener más de 3500 empleados y que abarcaba la moda, la joyería y el maquillaje. Coco Chanel fue una diseñadora que creó un estilo que sería imitado por las mujeres de distintas clases sociales. Controvertida, exigente y difícil, trabajadora incansable, siempre creando e innovando, su temperamento y su talante dejaron un legado que hoy sigue estando vigente. Chanel es la marca de más éxito de todos los tiempos.

17 http://www.elespanol.com/estilo/planes/20161024/165483845_0.html


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BAREMACIÓN EBAU TEMA (PARTE TEÓRICA)

FUENTES DE IMÁGENES Y DOCUMENTACIÓN Blog de Redondus: https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home www.artehistoria.com http://www.march.es/conferencias/ http://www.theartstory.org/movement-‐art-‐deco.htm http://www.vam.ac.uk/content/articles/a/study-‐guide-‐art-‐deco/ http://www.thefader.com/2011/04/08/reheater-‐the-‐fantastic-‐lives-‐of-‐sonia-‐delaunay/ http://pinterest.com/hidartist/coco-‐chanel-‐and-‐art-‐deco-‐designs/ http://www.art-‐deco-‐style.com/art-‐deco-‐fashion.html http://imladyrebel.com/2015/10/entrevista-‐sobre-‐chanel-‐inmaculada-‐urrea/ h ttp://www.vogue.fr/communaute/wiki-‐de-‐la-‐mode/articles/coco-‐chanel-‐le-‐chic-‐tout-‐simplement/20593 http://www.portaildelamode.com/histoire-‐mode-‐chanel/ http://www.ipyme.org/publicaciones/firmaslujo.pdf http://www.harteconhache.com/2014/07/el-‐ballet-‐le-‐train-‐bleu-‐vacaciones-‐en.html http://www.delempicka.org http://culture.pl/en/artist/tamara-‐lempicka-‐tamara-‐de-‐lempicka http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/10/1925-‐cuando-‐el-‐art-‐deco-‐sedujo-‐al-‐mundo.html http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/02/cine-‐y-‐moda-‐el-‐art-‐deco-‐i.html http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2015/04/el-‐gusto-‐moderno-‐art-‐deco-‐en-‐paris-‐1910.html http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2013/04/la-‐nueva-‐version-‐del-‐gran-‐gatsby-‐cine.html http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2017/01/tamara-‐de-‐lempicka-‐icono-‐del-‐art-‐deco.html

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