EBAU APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. IMPRESIONISMO

EBAU TEMA 2. FUNDAMENTOS DEL ARTE II. EL IMPRESIONISMO: CARACTERÍSTICAS

GENERALES, CRONOLOGÍA, AUTORES Y OBRAS

Fundamentos del Arte II Profesora Ana Galván Romarate-‐Zabala

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TEMA 2. EL IMPRESIONISMO: CARACTERÍSTICAS GENERALES, CRONOLOGÍA, AUTORES Y OBRAS 1. Características Generales y Cronología Denominamos Impresionismo al movimiento pictórico que surge en París en el último cuarto del siglo XIX. Se aplica no sólo a la pintura sino también a la música y a la literatura. Podemos definirlo como un estilo que tiende a captar más la impresión sobre el ánimo que la copia de la realidad. Es más sensual e inmediato que intelectual. Cronológicamente, el Impresionismo se fragua hacia la década de 1860 hasta 1880, e incluso durante los años 90 del siglo XIX. La primera exposición del grupo impresionista fue en el año 1874 en el taller del fotógrafo Nadar.

Habitualmente exponían al margen del Salón oficial parisino, a la sazón, controlado por la Academia de Bellas Artes francesa. Su marco geográfico es Francia, concretamente París y sus alrededores, aunque también podemos hablar de un impresionismo americano, italiano –los Macchiaioli-‐, etc. El contexto histórico de este estilo es la Francia de Napoleón III-‐ el Segundo Imperio Francés-‐ con hechos relevantes como la guerra franco-‐prusiana de 1870, el fracaso en la Comuna de París (1871) y la posterior proclamación de la III República. Se producen avances científicos, el auge del capitalismo, la industrialización y el proletariado mientras se consolida definitivamente la burguesía como clase rectora de la sociedad.

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El Impresionismo nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa del siglo XIX. Recordemos que la base del Impresionismo fue el Realismo, una corriente cultural que surge como disyuntiva al Romanticismo ya desde mediados del siglo XIX. De hecho, el término “realismo” surgirá en 1857 en Francia y aglutinará a pintores como Courbet o Millet y a escritores de la talla de Flaubert, Zola o Balzac. El término “Impresionismo” procede de un cuadro de Monet titulado“Impresión, sol naciente”. En los primeros momentos se utilizaba el vocablo impresionismo con carácter despectivo. Se asociaba con la idea de lo temporal, lo efímero, lo llamado a desaparecer (sol, luna, agua…). Podemos considerarla una tendencia pictórica más aristotélica que neoplatónica ya que hasta cierto punto busca más la imitación de la realidad que la creación. El Impresionismo no fue una escuela, ni un grupo que se uniera en torno a un manifiesto o programa concreto. Ningún interés de tipo ideológico o político unía a los impresionistas. Cada uno creó su propio estilo. No tenían un programa concreto aunque coincidían en: *Su aversión por el arte académico. *Desinterés total por el “tema” entendido en un sentido tradicional (mitología, historia…). Se interesan por los motivos de la vida burguesa (la ciudad, la noche, los cafés, los teatros, las reuniones domingueras las regatas, los paisajes). Cualquier objeto afectado por la luz y el color, puede convertirse en tema artístico. *Preferencia por el paisaje pintado al aire libre: plein air1. *Preocupación por captar el instante, fijando lo móvil sin perder la movilidad. *La luz es la protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. La luz y sus efectos cambiantes son los verdaderos temas del cuadro. Un mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. Las formas y los objetos cambian en función de la intensidad de la luz. El cuadro es simplemente un efecto de luz. *Coloración de las sombras: desaparecen los contrastes de claroscuro, y el dibujo se extingue o se reduce. No utilizan prácticamente ni el blanco ni el negro porque no existen en la naturaleza. Emplean tonos puros, usan solo colores complementarios para indicar sombras. *Pincelada suelta: prefieren la mancha pastosa y gruesa. Utilizan toques yuxtapuestos de colores para producir un efecto a cierta distancia. Generalmente no hay un dibujo que proceda al cuadro. Aspecto inacabado, aparente improvisación, pintura de mancha. *La influencia de la fotografía. A mediados del siglo XIX se inventó la “fotografía instantánea” que tuvo un gran impacto en los impresionistas. Influye en la nueva valoración del espacio y la composición con ángulos y encuadres más atrevidos con grandes diagonales, que nos remiten, también, a la influencia de las estampas japonesas. Las figuras, a veces, no ocupan “el centro” del cuadro y están cortadas por los bordes del cuadro. Otorga una especie de dinamismo o flou a los personajes. Degas y Monet fueron grandes fotógrafos, Monet incluso tuvo un taller de fotografía en Giverny.

En un principio, los impresionistas contaron con la oposición del público. Pero pronto tuvieron el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte2, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchantes, los vendedores de arte. Propiciaron el desarrollo del marcado del arte y el coleccionismo privado ya que exponían con galeristas como Vollard o Durand Ruel. 1 Como señaló Renoir, si no hubiera habido pintura en tubo no habría habido impresionismo, porque ello propició poder pintar al aire libre. 2 Las tertulias, los Salones extra-‐oficiales y el propio escándalo se convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo.


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En sus inicios, la crítica de arte les acusaba de atacar las buenas costumbres artísticas, que no respetaban a los maestros, que sus pinturas no tenían “tema”, que les faltaba dibujo y que dejaban las obras sin terminar. Además, provocaban grandes carcajadas en el público que asistía atónito a ver los cuadros. El Impresionismo cuenta con varias influencias en su configuración: *los paisajistas del Realismo francés del siglo XIX (Escuela de Barbizon). *el romántico inglés Turner. *las referencias, especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español (Velázquez sobre todo). También Goya con la lechera de Burdeos. *las estampas japonesas3, muy de moda en la época. La pintura impresionista es amable, hedonista, alegre, frecuentemente de paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. Están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas. El Impresionismo ha sido uno de los movimientos pictóricos más valorados en toda la historia del arte. Algunas pinturas impresionistas han alcanzado precios estratosféricos en las subastas internacionales de arte y las exposiciones de sus obras suelen atraer a miles de espectadores. Ha sido clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del Neoimpresionismo o Puntillismo de Seurat y Signac y del Postimpresionismo -‐Toulouse-‐Lautrec, Cézanne, Van Gogh, Gauguin-‐ y las vanguardias (Nabis, Fauvismo, etc.). Aparte de en colecciones privadas, la pintura impresionista se conserva en grandes museos de todo el mundo como los Museos d´Orsay y Marmottan de París, el Musée des Impressionnismes en Giverny (Francia), el Courtault Institut de Londres, el Metropolitan de Nueva York, la Phillips Collection de Washington, el Museo Pushkin de Moscú y el Hermitage de San Petersburgo, el Thyssen de Madrid, etc. 2. Autores y Obras Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Édouard MANET (1832-‐1883), un artista eslabón entre el Realismo y el Impresionismo. Fue un excelente pintor incomprendido, aunque al final de su vida el gobierno francés le concedió la condecoración “Legión de Honor”. No fue plenamente impresionista, aunque éstos le consideraban el cabecilla del grupo. Le apasionaba la temática española, y de hecho adoraba a Velázquez “el pintor de los pintores” para él, y Goya. Ambos le influyeron muchísimo. Un crítico de arte en Francia le llegó a denominar “el parisino español”.4 Manet rechazaba la pintura pompier o academicista vigente en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX. 5 Los principales representantes del Impresionismo fueron Claude Monet, Pierre-‐Auguste Renoir6, Edgar Degas (que nunca quiso que le llamaran impresionista), Camille Pisarro (de origen español), Alfred Sisley (de origen inglés), Bazille, Berthe Morisot, Mary Cassatt, etc. Degas fue el pintor de las bailarinas y caballos –entre otros temas-‐ con profundas diagonales y perspectivas de influencia japonesa y de fotográfica. Édouard MANET en 1863 expuso el célebre Almuerzo en la hierba o almuerzo campestre que causó desolación y escándalo. Fue tachada de pornográfica. El público se preguntaba ¿dónde está el tema? No era mitológico, ni literario. Si todas las figuras hubieran ido desnudas no habría existido ningún problema. En la disposición de las figuras se inspiró en un grabado basado en Rafael. 3 Desde el punto de vista plástico, en estas estampas se utilizaban principalmente grandes masas planas de color, con una casi completa ausencia de sombras, una despreocupación por la perspectiva, encuadres asimétricos de las escenas y una gran capacidad de síntesis por parte de los artistas para plasmar los temas. 4 Baudelaire lo quería muchísimo, decía de él: me parece difícil no amar su carácter tanto como su talento. 5 Este arte normativo de raíz neoclásica pretendía basarse en el ideal de la cultura grecorromana. El pintor Jacques-‐Louis David fue el modelo a seguir. Los pintores pompier dibujaban maravillosamente pues dominaban la técnica que aprendían en las escuelas de arte donde imperaba el ideal académico. 6 Su hijo Jean Renoir fue uno de los más importantes cineastas franceses.

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En este cuadro hay muchos elementos nuevos: la luz, el paisaje difuminado, el contraste entre las carnes blancas de los desnudos femeninos y las levitas oscuras de los caballeros, y, en primer término, la naturaleza muerta, que tiene protagonismo por sí misma. Por otra parte, este lienzo se convirtió en la Biblia estética de los impresionistas por su novedoso tratamiento formal. La luz se difunde por el aire en todo el cuadro yuxtaponiendo zonas claras y oscuras por todo el lienzo.

Probablemente el más importante y representativo pintor del Impresionismo es Claude MONET (1840-‐1926). Nació en 1840 en el seno de una familia de comerciantes. Viajó a Londres y a Holanda. Llegó a pintar cerca de tres mil cuadros, la mayoría paisajes, marinas y escenas fluviales. Es el gran pintor de flores y del agua. Su máxima preocupación es la captación de la luz a distintas horas del día como se observa en la serie de pinturas sobre la catedral de Rouan.

En muchas de sus obras camina ya hacia la abstracción. Los problemas económicos serán una constante durante buena parte de la vida de Monet. Afortunadamente, paulatinamente, la fama de Monet va subiendo al igual que


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su cotización, y fue tomando parte en mayor número de muestras -‐ exposiciones Internacionales, individuales, colectivas-‐. Sus pinceladas eran muy sueltas y cortas. Murió casi ciego. Entre sus obras destacamos Impresión, sol naciente; los nenúfares; la estación de San Lazare; la catedral de Rouan, etc. Impresión, sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol lucha por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. Intenta captar como la luz incide sobre el mar. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética. Pierre-‐Auguste RENOIR (1841-‐1920) fue el más popular de los impresionistas y también de los más falsificados. Quiere transmitir la alegría del ambiente parisino: escenas de la vida urbana, bañistas, bailes, etc. Es menos paisajista y más retratista. Es el pintor de la mujer. Y nadie como él ha pintado a los niños. En él tenía un fuerte peso de la tradición (técnica que en algún momento recuerda a la de Tiziano y sus mujeres gruesas a Rubens). Es un pintor un tanto “almibarado” que utilizaba colores primarios para captar las vibraciones de la luz que se tamiza a través de las hojas. Todo ello se puede admirar en su obra Le Moulin de la Galette donde sigue los principios del movimiento impresionista: pintura al aire libre, pincelada suelta, colores puros, sombras coloreadas, disolución del dibujo, captación de la luz sobre los objetos.

Le Moulin de la Galette era un verdadero molino abandonado situado en la cima de Montmartre, el paraíso de la bohemia parisina habitado por artistas, literatos, prostitutas y obreros. Los domingos y festivos eran días de baile en Le Moulin, llenándose con la población que habitaba el barrio. Allí bailaban y merendaban vino y galletas. En su deseo de representar la vida moderna -‐ elemento imprescindible para los impresionistas -‐ Renoir inmortaliza este lugar en uno de los lienzos míticos del Impresionismo. Su principal interés es representar a las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras. El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo Renoir a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal. La composición se organiza a través de una diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan, elementos clásicos que no olvida el pintor. Las figuras están ordenadas en dos círculos: el más compacto alrededor de la mesa y otro más abierto en torno a la pareja de bailarines. La sensación de ambiente se logra al difuminar las figuras, creando un efecto de aire alrededor de los personajes. La alegría que inunda la composición hace de esta obra una de las más impactantes no sólo de Renoir sino de todo el grupo, convirtiéndose en un testimonio de la vida en el París de finales del siglo XIX. El propio Renoir comentó que necesitó alquilar una mansión rodeada de un gran jardín en Montmartre para pintar el lienzo, lo que perjudicó su precaria economía.

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Picasso, entre otros pintores, también pintó el Moulin de la Gallete. Aunque menos conocidas que los impresionistas mencionados, Berthe Morisot y Mary Cassatt destacaron, dentro de los presupuestos estéticos de este movimiento, especialmente como pintoras de maternidades, retratos y escenas intimistas.

Berthe MORISOT (1841-‐1895) procedía de una familia con una larga historia de exitosos pintores. Fue la única mujer aceptada y respetada por el círculo impresionista. Sirvió con frecuencia como modelo de Manet, que por lo demás, era su cuñado. Mary CASSATT (1844-‐1926) fue una pintora impresionista de origen estadounidense. Viajó a Francia para formarse como artista y allí permaneció buena parte de su vida. Fue la única pintora americana que, ocasionalmente, expuso con los impresionistas en París.


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En su paleta, muy suelta, predominan los tonos pastel y se aprecia la influencia del Japonismo. Sus contactos con artistas, marchantes y coleccionistas, propiciaron la difusión y apreciación del Impresionismo en Estados Unidos.

Durante la segunda mitad del siglo XIX, el impacto del Impresionismo en España dio lugar a algunos seguidores, que al menos, tangencialmente, se dejaron influir por este estilo pictórico. Es el caso de Aureliano de Beruete, nuestro más conspicuo representante del Impresionismo español, y también de Darío de Regoyos y Santiago Rusiñol, aunque estos últimos con menor medida.

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Aureliano de BERUETE (1845-‐1912) Para Julián Gállego, este pintor es el único impresionista español, vinculado además, al luminismo. Fue coleccionista de arte (Miguel Ángel, el Greco…) y su hijo, con el mismo nombre y apellido, fue historiador del arte y el primer director del Museo del Prado no artista. Fue de los pocos pintores españoles de su época que viajaba a París continuamente. Allí conoció a Claude Monet. Pintaba paisajes del natural –en plein air-‐ y su pincelada, corta y pequeña, era muy matizada. Pintó al Madrid campestre de una forma exquisita como no se veía desde Goya. Imitaba a Sisley pintando ríos inundados. Fue muy amigo de Sorolla.

Darío de REGOYOS (1857-‐1913) Para algunos expertos como Juan San Nicolás, Regoyos fue el único pintor genuinamente impresionista en España7. Nació en Ribadesella (Asturias) y se formó en la Escuela de San Fernando con Carlos de Haes. Se trasladó a París y a Bruselas y finalmente se estableció en el País Vasco.

Conoció el Impresionismo al entablar contacto con Degas, Monet, Pisarro y Signac y usará las nuevas técnicas para expresarse en un lenguaje propio. Recorrió toda la península ibérica buscando nuevas temáticas y posibilidades lumínicas para su obra. Regoyos fue fundamentalmente paisajista, aunque en sus paisajes también aparecen figuras humanas que se integran en el entorno que las rodea. Entre sus retratos destaca el de Doña Dolores Otaño ya dentro de la técnica puntillista, también llamada divisionista o neoimpresionista. La Influencia del IMPRESIONISMO en Canarias Aunque en Canarias no encontramos artistas a los que con propiedad podríamos denominar impresionistas, si podemos detectar su influencia en algunos pintores como en Nicolás MASSIEU o incluso en el modernista-‐simbolista NÉSTOR MARTÍN FERNÁNDEZ DE LA TORRE. Massieu viajó a Inglaterra a los 18 años, luego a Italia y París, donde relacionó con artistas del momento entre los que sobresalen los impresionistas Manet, Monet, Renoir y Degas. Después de una etapa dedicada fundamentalmente a retratos y escenas costumbristas, se enfrentó a la luz de su tierra plasmando el paisaje en

7 Véase la microsite de Regoyos del Museo Thyssen http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688


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breves pinceladas al modo impresionista. Un ejemplo claro de esto lo tenemos en su cuadro Almendros en flor, en la Casa de Colón de Las Palmas de Gran Canaria.

En el caso de Néstor, artista muy viajero y siempre en contacto con las tendencias estéticas y los artistas de su tiempo, la influencia impresionista es detectable en su pintura Calle Mayor de Madrid, del Museo Néstor de Las Palmas. El LUMINISMO de JOAQUÍN SOROLLA. Vidas paralelas: SOROLLA versus SARGENT8 Joaquín SOROLLA (Valencia 1863-‐Cercedilla 1923) fue un artista con un don extraordinario, una gran facilidad para la pintura. Era un pintor-‐pintor, nada literario, que dominaba la técnica. Su pintura es pintura en estado puro, con temas muy simples. En ocasiones su pincelada –pastosa y enorme-‐ se acerca al Impresionismo. Ha sido denominado luminista por la fuerza luminosa extraordinaria de sus obras. Es difícil encontrar un pintor que haya reflejado mejor que él, la luz cegadora mediterránea. A este respecto comentaba Pío Baroja, que los paisajes de Sorolla le daban calor. Muy vitalista, vivió como un príncipe ya que desde muy joven alcanzó el éxito y tuvo mucho dinero. Fue un hombre feliz, muy enamorado de su mujer, a la que pintaba continuamente, y muy amoroso con sus hijos, a los que también retrató frecuentemente. Pintor muy prolífico, era un trabajador incansable, un obrero de la pintura.9 Fue fotógrafo amateur.10 John Singer SARGENT (1856-‐1925) fue un pintor estadounidense, aunque nacido en Florencia que alcanzó un enorme éxito en su época. Llegó a realizar más de 900 pinturas al óleo y cerca de 2000 acuarelas. Cosmopolita y viajero, este pintor de extraordinario talento ha sido comparado con el pintor español Joaquín SOROLLA con el que guarda muchas concomitancias. Fueron pintores de lenguaje muy afín, que se conocían personalmente y sentían atracción mutua por sus respectivas obras, pese a ser dos artistas muy diferentes por su nacimiento, educación y personalidad. Los dos admiraban profundamente a Velázquez, referencia ineludible de sus pinturas, y mostraban influencias del Impresionismo a su manera. Sargent también fue luminista, sobre todo en sus acuarelas. Desde su llegada a París en 1874, el joven Sargent asimiló con celeridad el lenguaje artístico moderno y aprendió a admirar, como su maestro Carolus-‐Durand y como Manet, la pintura de Velázquez. Los retratos de entre 1883 y 1885 permiten apreciar la llamativa libertad de encuadre y composición que caracterizó el naturalismo de su primera madurez. En contraste con la precocidad de Sargent, Sorolla, que era siete años más joven, no encontró su propia identidad artística hasta bien avanzada la década de 1890. Sorolla además optó en sus inicios, por la pintura de denuncia social, en cuadros de gran formato con los que cosechó sus primeros éxitos nacionales e internacionales.

8 http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html 9 Se cuenta que cuando estuvo en Estados Unidos, mientras desayunaba, pintaba a la gente del hotel donde estaba hospedado. 10 Al final de su vida, en 1920, tuvo una parálisis en una mano y sufrió tres años de agonía por ello hasta su muerte.

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Las trayectorias de Sargent y Sorolla se aproximan en el momento en el que atendemos a la dedicación explícita del primero al estudio de Velázquez y a temas como el baile flamenco y la Alhambra. El entusiasmo de Sargent por el arte, la música y la idiosincrasia de nuestro país marcaría de manera significativa su obra. Los cuadros dedicados al mar y la playa de la primera década del siglo XX de Sorolla ofrecen los mejores ejemplos de exaltación lumínica y de lirismo exuberante dentro de su pintura. El retrato fue el género que más fama dio a Sargent. Disfrutó de un enorme éxito como retratista entre sus contemporáneos. Sargent puede ser apreciado retrospectivamente como el último gran representante de la tradición clásica del retrato.

La concepción del retrato en Sorolla es menos meditada que en Sargent. Sus retratos se confían más al azar de las circunstancias. Aunque no fue su especialidad característica, Sorolla hizo muchos. Pintaba a su familia y a personalidades de su entorno artístico e intelectual (incluido el rey).

Los propósitos pictóricos y la manera de alcanzarlos cuando Sargent y Sorolla pintaron retratos de grupo estuvieron muy próximos. Tanto Sargent como Sorolla trataron de llevar el retrato burgués a un terreno nuevo. Su propósito fue imbuir al género, si no de solemnidad, sí de la grandeza del retrato barroco de corte. Las etapas finales de ambos artistas muestran la mayor afinidad entre sus trayectorias. Revelan la proximidad de temas y factura en sus obras más personales. Sargent es valorado como uno de los más formidables acuarelistas. El deslumbrante virtuosismo de sus acuarelas nos descubre, más aún que sus lienzos, la manifiesta voluntad luminista de su obra. Habiendo alcanzado el éxito relativamente pronto, Sargent y Sorolla pudieron, con sus recursos y su vocación, dedicarse a la más moderna de las tareas artísticas: pintar para sí mismos. Fue durante los últimos doce o quince años de sus vidas cuando el trabajo de ambos pintores alcanzó la culminación de pasión y excelencia pictóricas que les ha granjeado un lugar incuestionable en la historia del arte moderno. Sorolla, fue sin duda, el pintor español más dotado de su generación.


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El Impresionismo y otras Artes Con frecuencia se aplica –demasiado alegremente-‐ el término impresionista a otras artes. En rigor, el Impresionismo tuvo un desarrollo cronológico muy específico y un carácter esencialmente pictórico. Aún así, podemos señalar que el Impresionismo impactó en la escultura –Rodin, Benlliure-‐, la literatura –sobre todo la prosa descriptiva de paisajes del francés Guy de Maupassant11, del cántabro Pereda en Peñas arriba o del valenciano luminista Blasco Ibáñez en Entre naranjos. Es posible detectar algunos rasgos impresionistas en la producción escultórica de Augusto RODIN (1840-‐1917) que le acercan a la estética de este movimiento artístico. No sólo se trata sólo de una vinculación cronológica, también del acabado rugoso y abocetado y de la preocupación por la fugacidad y lo efímero de buena parte de las esculturas de Rodin. Lo mismo puede decirse de Camille CLAUDEL (1864-‐1943) una de las pocas mujeres escultoras destacadas de esa época, olvidada injustamente hasta fechas muy recientes. Durante unos años mantuvo una tortuosa relación amorosa con Rodin, en cuyo taller trabajó y fue su musa.

Por lo que se refiere a la música se ha denominado al pintor y compositor francés Claude DEBUSSY (1862-‐1918) como impresionista, término que a él le encantaba. Su composición La mer de Debussy parece retrotraernos a las marinas de Monet. Una tarde en Granada también ha sido calificada como impresionista.

Junto con Claude Debussy, el archiconocido compositor y pianista Maurice RAVEL (1875-‐1937) fue la figura más influyente en la música francesa de su época y el principal representante de la corriente del Impresionismo a inicios del siglo XX. Su producción musical, no muy numerosa, es fruto de la confluencia de complejos influjos que proceden de Couperin, Rameau, el ritmo del jazz y la música y el folklore español. Destacan entre sus composiciones el Dafne y Chloé (1909-‐12) y Bolero (1928). En cuanto a la música española y el Impresionismo, el pianista y compositor catalán Isaac ALBÉNIZ (1860-‐1909) ha sido considerado como luminista en su Suite Iberia (1905-‐1909) El Impresionismo no es aplicable a la arquitectura o las artes decorativas. Por lo demás, no debemos olvidar que los impresionistas reflejaron en sus pinturas la moda de la época –tanto masculina como femenina-‐, ya que retrataba a sus contemporáneos en momentos cotidianos de su vida diaria, tanto en la ciudad como en el campo.

11 Según Julián Gállego, el libro “La Educación sentimental” de Flaubert es preimpresionista en sus descripciones.

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La moda se convierte en un requisito de modernidad. Así por ejemplo, en sus cuadros representan el paso de la crinolina al polisón. Representan a la perfección las diferentes texturas: muselinas, sedas, algodón, etc. Sobre el Impresionismo, moda y modernidad 12 se celebró una exposición en el Museo d´Orsay de París en el año 2013 que pudo verse también en Nueva York y Chicago.

12 Véase “Impresionismo: Un elogio de la Moda” http://www.rtve.es/alacarta/videos/documenta2/documenta2-‐impresionismo-‐elogio-‐moda/3641527/ y http://www.metmuseum.org/press/exhibitions/2013/impressionism-‐fashion-‐and-‐modernity

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