DESCRIBE EL PROCESO DE

GESTACIÓN DE LA PINTURA

ABSTRACTA, DISTINGUE LA

VERTIENTE CROMÁTICA Y

GEOMÉTRICA, Y ESPECIFICA

ALGUNAS DE SUS CORRIENTES MÁS SIGNIFICATIVAS,

COMO EL SUPREMATISMO

RUSO O EL NEOPLASTISCISMO

Vasili Kandinsky: Sobre blanco II, 1923

La Abstracción no es un movimiento pictórico, ni una vanguardia, sino una tendencia artística consistente en el alejamiento de lo representado en la obra de arte frente a la realidad.

Se centra en la obra de arte en sí, no en lo que representa, ni en su posible parecido con nada preexistente.

Vasili Kandinsky: Composición 218, Dos óvalos, 1919

Rechaza la copia o la imitación de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

Prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva) y no hace referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la percibida en la naturaleza. Piet Mondrian: Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1921

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

Usa un lenguaje visual de formas, colores y líneas para crear una composición que existe con independencia de referencias visuales del mundo real.

Vasili Kandinsky: Improvisación 26, 1912

Las obras de arte abstracto existen independientemente de los modelos del mundo real y se preocupan solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar diferentes interpretaciones en el espectador.

Vasili Kandinsky: Rojo, azul y amarillo, 1925

El arte abstracto:

• Renuncia al tradicional concepto de arte como mímesis, como imitación de la naturaleza.

• Renuncia al iconismo, al simbolismo de los elementos representados en la obra de arte.

• Renuncia, en algunos casos incluso, al aspecto decorativo de la obra de arte.

Kasimir Malevich: Círculo negro, 1915

Se crea un mundo nuevo, propio, en el que las reglas exteriores no tienen cabida.

Lo único importante es la propia esencia de la pintura.

Se ahonda en la primigenia naturaleza intelectual de la pintura.

El cuadro no tiene que parecerse a nada conocido

Es una nueva realidad que existe por sí misma.

František Kupka: Primavera cósmica I, 1913

Concede primacía a los propios valores plásticos del arte, de modo independiente y sin conexión alguna con ninguna realidad externa a la propia obra de arte.

Abstrae las formas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural y rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

Robert Delaunay: Prismas eléctricos, 1914

Como la música, que es un arte abstracto, pero que combinando sus notas produce sensaciones en el oyente, la combinación de los colores y las formas, sin referencia alguna a la realidad, pueden generar en el espectador sensaciones y sentimientos semejantes.

Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

La abstracción no es un invento del arte moderno occidental.

Ya desde la prehistoria y también en culturas no occidentales se venían practicando y admirando artes visuales de carácter abstracto, como la caligrafía, existiendo también una infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde los orígenes del arte.

En el mundo occidental, por el contrario -y especialmente desde el Renacimiento- el arte estaba sometido a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible, sirviéndose de diferentes ficciones, entre las que destacaban para la imitación de la naturaleza, la perspectiva y el modelado.

Francesco di Giorgio: Vista arquitectónica. Hacia 1490

La aparición de la fotografía supondrá un cambio fundamental:

Registrará todo tipo de sucesos más rápidamente y con mayor precisión de detalles que la pintura, por lo que esta se verá libre de la servidumbre de tener que reproducir la realidad exterior y los artistas podrán dedicarse por entero a explorar su propio lenguaje, basado en las líneas, los colores, las formas, la pincelada, la composición…

Diferentes artistas irán creando obras que se irán alejando poco a poco de la tradición artística y que desembocarán en las vanguardias y en la abstracción.

Nicéphore Niépce: Primera fotografía, 1826

James Clerk Maxwell: Primera fotografía en color, 1861

Los antecedentes más lejanos podemos encontrarlos en las atmósferas nebulosas de William Turner, que sin llegar a la abstracción, desmaterializan los objetos, en una pintura romántica que relaciona color y sensibilidad.

Sin embargo, sigue existiendo una conexión con la realidad exterior.

«Se ha demostrado que el cromatismo produce una impresión particular en el ser humano, lo que significa que

es propio de la mirada y de la sensibilidad conjuntamente.» Goethe, Teoría de los colores, 1810.

William Turner: Puesta de sol sobre un lago, 1840

Desde el último tercio del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiera los cambios tan radicales que se estaban produciendo la sociedad.

Los pintores Impresionistas fueron los primeros en proponerse representar no la realidad, sino su impresión de ella

Ya no es el tema lo que importa, sino plasmar la fugacidad de la luz en los objetos, conduciendo a un alejamiento de la realidad externa.

Claude Monet: Series sobre la Catedral de Ruan, 1891

El interés de Monet por captar la instantaneidad de la luz, a través de su pintura impresionista en una nueva experiencia plástica, y su manera de expresar su experiencia personal por medios meramente pictóricos le llevó a las puertas de la abstracción.

Sus últimas series pintadas en Giverny, en las que tradujo los reflejos cambiantes de la superficie del agua con trazos abocetados, repetitivos, sinuosos, establecen un diálogo visual con la abstracción.

William Turner: Puesta de sol sobre un lago, 1840

http://www2.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2010/Monet-y-la-abstraccion/

Claude Monet: Ninfeas, 1907

Los pintores postimpresionistas de finales del siglo XIX dieron un paso más frente a la visión del arte como mímesis de la realidad, exaltando sus propias visiones personales del arte.

Cézanne Gauguin y los nabis Van Gogh

Reducción de la realidad a formas geométricas.

Visión múltiple de los objetos.

Uso simbólico del color.

Renuncia a la perspectiva.

Deformación expresiva de la realidad.

Uso expresivo del color y de la materia pictórica.

Las diferentes vanguardias de comienzos del siglo XX supusieron las rupturas fundamentales con la tradición pictórica que abrieron paso a la abstracción pictórica.

Fauvismo Expresionismo Cubismo FuturismoLiberación absoluta

del color respecto de la realidad visible.

Simplificación de las formas.

Deformación expresiva de la

realidad.El arte como expresión de sentimientos

interiores más allá de cualquier realidad

externa.

Descomposición del objeto en planos

geométricos.Fusión de figuras y

fondo.Desaparición de la

perspectiva.

Disolución de las formas para reflejar

el dinamismo y el movimiento.

Como tendencia pictórica del arte occidental, la abstracción surge en torno a 1910 ligada a los diferentes movimientos de vanguardia.

Trata de prescindir de todos los elementos figurativos, para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual

Desarrolla un lenguaje visual independiente de la representación de la naturaleza.

Supone la consideración de las artes plásticas en si mismas, la pintura por la pintura

Ya no se valora la obra por lo que imita sino por los elementos que la componen: líneas, color, forma, materia pictórica, pincelada….

Vasili Kandinsky: Improvisación 7, 1910

Fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica que acabaron desembocando en creaciones no figurativas y en la abstracción:

Expresionismo

Cubismo

Fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que acabaron desembocando en creaciones no figurativas y en la abstracción:

Rayonismo

Futurismo

• El deseo de alejamiento de la realidad, al considerar que el figurativismo ya estaba agotado como vía artística, y de crear un arte totalmente nuevo.

• El deseo de evasión de una realidad social e histórica en un mundo sometido a los cambios tecnológicos y en crisis.

• El deseo de alcanzar lo absoluto, de crear un arte esencial basado en un lenguaje visual universal, sometido solo a valores plásticos y liberado de la esclavitud de la realidad.

Kasimir Malevich: Composición suprematista, 1915-16

De acuerdo con algunos autores, la abstracción surgió por:

Si bien se ha considerado tradicionalmente a Vasili Kandinsky como padre de la abstracción, probablemente los primeros cuadros abstractos fueron pintados por la pintora sueca Hilma af Klint en torno a 1906.

Su obra no fue conocida hasta 1986, pues la artista dejó claro en su última voluntad que sus pinturas debían permanecer ocultas del público durante al menos veinte años después de su muerte.

Creó su obra como una forma de plasmar las experiencias supraterrenales que afirmaba sentir en sesiones de espiritismo, en una especie de pintura automática que se anticipó al surrealismo en casi 20 años.

Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

En 1906, Hilma af Klint se embarcó en Las Pinturas para el Templo, trabajo encargado por uno de sus guías espirituales, Amaliel.

Las pinturas manejaban un idioma visual abstracto experimental y único, y fueron las que más tarde decidió no mostrar sino hasta veinte años después de su muerte, pues estaba convencida de que no serían comprendidas hasta entonces.

Tuvieron que pasar más de cuarenta años para que una selección de estas obras se exhibiera por primera vez: en 1986.

Los Diez Mayores, nº 3, Juventud, 1907

Desde comienzos del siglo XX también otros artistas fueron experimentando el alejamiento de la figuración, como Francis Picabia, o Hans Schmithals.

Estas experiencias no tuvieron un sustrato teórico como las que se desarrollaron posteriormente, pero son muestra del interés por desarrollar un lenguaje pictórico nuevo, alejado de la imitación de la realidad.

Francis Picabia: Caoutchut, 1909

Hans Schmithals: Estrella polar y constelación Dragón), 1902

Igualmente otros pintores como los representantes del cubismo órfico (František Kupka, Robert y Sonia Delaunay) o los pintores rayonistas rusos (Larionov y Goncharova) estaban desarrollando contemporáneamente a Kandinsky experiencias que también condujeron a la abstracción en los primeros años de la década de 1910.

František Kupka: Discos de Newton, 1911-12

Mijail Larionov: Composición rayonista. Dominancia del rojo, 1912

• La primera, elaborada a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color, dio lugar a la llamada abstracción lírica o cromática.

• La segunda, basada en la racionalidad, la estructuración y descomposición formal del cubismo y futurismo, dio lugar a la llamada abstracción geométrica.

Las dos principales corrientes que dieron lugar a la abstracción inspiraron sus principales tendencias:

Piet Mondrian: Composición II, 1920 Kazimir Malevich: Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1915

Vasili Kandinsky: Composición VII, 1913

Abstracción lírica o cromática

Enfatiza la expresividad de los colores, las formas y la materia, sin referencias directas con la realidad, con el fin de provocar emociones en el espectador.

Responde al predominio de lo intuitivo, siendo el resultado de la libre expresión de las emociones del artista que las deja fluir sin pretender racionalizarlas.

Su lenguaje se basa en la función expresiva y simbólica de los colores y a través de las manchas de color, pretende plasmar el estado emocional del artista y causar una impresión anímica en el espectador.

Suele emplear formas libres, improvisadas, irregulares.

Vasili Kandinsky: Improvisación 31, 1913

Surge de las experiencias llevadas a cabo por Vasili Kandinsky, fundador del grupo expresionista Der Blaue Reiter.

En su afán por expresar la emoción y el sentimiento fue progresivamente estilizando y depurando las formas, expresándose en un lenguaje basado en el color y en las líneas.

A través de ellos pretendía transmitir la emoción y la verdadera fuerza interior, sin sujeción alguna a la realidad visible.

Pareja a caballo, 1906/07

Murnau, 1908

Murnau con Iglesia I, 1910

Composición IV, 1911

El misticismo, el sentimiento y la espiritualidad estaban muy presentes en su concepción del arte y de la vida, influido por las corrientes teosóficas y esotéricas que estaban de moda a comienzos de siglo.

Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador.

Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos.

Vasili Kandinsky: Pintura nº 201, 1914

“Una mañana, al entrar en mi estudio, advertí la presencia de un cuadro indeciblemente bello y que jamás creía haber visto antes. Me aproximé y vi que no era sino una de mis propias pinturas en el momento en que, recibiendo la luz del sol, se perdía la sustancia del asunto, en tanto los colores obtenían un brillo inédito”.

Vasili Kandinsky Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

Este hecho le hace reflexionar acerca de la validez de las representaciones sin argumento y en 1910 lleva a cabo la Primera acuarela abstracta.

Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas a la realidad.

Sin referencia figurativa alguna crea un universo de manchas de color y líneas nerviosas, que permiten la libre expresión de emociones.

Reduce la pintura a sus elementos esenciales, creando así un mundo propiamente pictórico, ajeno por tanto a la realidad circundante.

Un mundo místico, sólo de sentimientos, provocados por las formas y los colores dispuestos en armonía.

Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

Kandinsky es un profundo teórico y en su obra Lo espiritual en el arte considera que el arte debe ser algo espiritual, alejado de la materialidad.

Compara la pintura abstracta con la música y su capacidad expresiva para transmitir emociones y sentimientos a través de la forma y del color:

• El color es la tecla.

• El ojo el macillo.

• El alma es el piano con muchas cuerdas.

• El artista es la mano que, por ésta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana.

“El color es el medio más poderoso para llevar a cabo el cambio de rumbo espiritual. Los colores aparecen

vinculados a vibraciones musicales; a cada color corresponde un tono espiritual, una vibración interna.”

Tras esa primera experiencia, comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas.

El alejamiento del natural y su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que denominó Impresiones (inspiradas en la naturaleza) e Improvisaciones, que son expresiones espontáneas de carácter espiritual, que no reproducen nada material.

Serán el antecedente directo del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrolló en todo el mundo a partir de 1945.

Vasili Kandinsky: Composición VII, 1913

Jackson Pollock: Convergence, 1952

Tras su regreso a Rusia con la Primera Guerra Mundial, entra en contacto con el Constructivismo y el Neoplasticismo y posteriormente ejercerá como profesor en la Bauhaus; su pintura tenderá a ir incorporando progresivamente las formas geométricas, que complementan el uso expresivo del color.

Vasili Kandinsky: Línea transversal, 1923

En su obra Punto y línea sobre el plano (1926) lleva a cabo un estudio de los elementos geométricos en el plano: trata del valor del punto, de las líneas (la línea horizontal está asociada a lo estático, a lo frío; la vertical es cálida y las diagonales templadas), del plano (posee cuatro campos de fuerza, a cada uno de los cuales le corresponde una sensación, un sentimiento: arriba, sensación de libertad, ligereza; abajo, represión, pesadez, etc.).

Estudia y experimenta sus efectos emotivos, sumados al color, como manifestación del espíritu puro y que genera diferentes efectos (atraen o alejan, el azul crea sensación de movimiento centrífugo, el amarillo centrípeto…).

Las formas geométricas agudizan o retraen el carácter de cada color y señalan direcciones y puntos de tensión en la superficie del cuadro.

Vasili Kandinsky: Distinc t connection, 1925

En esta época y durante su estancia en la Bauhaus realiza numerosas Composiciones, que a diferencia de las impresiones y las improvisaciones son construcciones enormemente calculadas, sobre la base de apuntes previos, cuyas líneas y colores habían sido trazados instintivamente. Sus factores determinantes son la razón, la conciencia, la intención y la finalidad. De un nivel más complicado, sólo se pueden lograr tras largos trabajos preliminares.

Aúnan lo intuitivo con el rigor compositivo.

Vasili Kandinsky: Rojo, azul y amarillo, 1925

Vasili Kandinsky: Composición VIII, 1923

Es un ejemplo de esta nueva forma de expresión de Kandisnky en su época de la Bauhaus, en la que suma los efectos emocionales del color a los propios efectos de las formas geométricas con que compone la pintura.

Es un trabajo de análisis detallado y de rigor y equilibrio compositivo, en el que juega con las diferentes formas (cuadrado, triángulo, círculo) y diferentes colores que se relacionan y superponen, así como con las líneas diagonales, que equilibran la composición.

La combinación de elementos como líneas, puntos, colores, formas geométricas dan una sensación de tensión, armonía, ritmo y tratan de causar o provocar una sensación en el espectador

Pese al empleo de formas geométricas, como los constructivistas y neoplasticistas, Kandinsky nunca renuncia al carácter expresivo de la pintura.

Vasili Kandinsky: Sobre blanco II, 1923

“El encuentro de un círculo y la punta de un triángulo no causa menos efecto que el roce del dedo divino con el de Adán en la obra de Miguel

Ángel".

También suelen considerarse como ejemplos de la abstracción lírica o cromática las obras de Robert Delaunay, que parte del cubismo órfico y se interesa especialmente por los efectos de los contrastes de color y los ritmos de las formas, aunque sus obras tienden a la abstracción geométrica.

Robert Delaunay: Ritmo, alegría de vivir, 1912

Abstracción Geométrica

Trata de desarrollar una pintura abstracta basada en la reflexión, el orden y la racionalidad, aspirando a la máxima objetividad y a la universalidad.

Para ello simplifica al máximo las formas pictóricas, empleando únicamente elementos geométricos, que confieren claridad, precisión y objetividad a la obra.

Kazimir Malevich: Composición suprematista, Avión volando, 1915

Se basa en las leyes de la geometría y en las matemática y busca la simplificación máxima de las formas hasta su presentación más elemental.

Normalmente componen los cuadros mediante líneas y formas geométricas puras, que enmarcan manchas de colores planos.

Los pioneros de la abstracción geométrica son Kazimir Malevich y Piet Mondrian, creadores respectivamente del Suprematismo y del Neoplasticismo.

Kazimir Malevich: Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1913

Piet Mondrian: Composición en rojo, amarillo y azul, 1921

El Rayonismo

Los artistas de la vanguardia rusa deseaban realizar un arte totalmente nuevo, de acuerdo con sus ideas revolucionarias para crear un mundo nuevo.

Los pintores Rayonistas (Mijail Larionov y Natalia Goncharova) proponen descomponer el tema en haces de líneas oblicuas, empleando líneas de fuerza como si fueran rayos de luz, creando secuencias rítmicas, en cierto modo emparentadas con el cubismo y el futurismo.

Mijail Larionov: Rayonismo rojo, 1911

El Suprematismo

Fue desarrollado por el pintor ruso Kazimir Malevich.

Suprematismo significaba una pintura que permitía captar formas y color, pero que no evocaba asociaciones ni sentimientos. Pretendía, de una manera mística, expresar estados "puros" de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.

Trataba de crear un arte nuevo que tenía como objetivo la búsqueda de "la supremacía de la sensibilidad pura" en el arte, desprovista de toda significación simbólica o racional, de un sentimiento de no-objetividad, en el sentido de que pretendía, según sus palabras, "liberar al arte del lastre del mundo de las cosas."

Kazimir Malevich: Composición suprematista: cuadrado rojo y cuadrado negro, 1915

Niega cualquier referencia a la presencia física de los objetos del mundo material y desarrolla un estilo de formas básicas y de colores puros.

Reduce la pintura a sus elementos geométricos más simples, rectángulo, cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.

También practica un uso restrictivo del color, pues este excita la emoción, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro.

Kazimir Malevich: Autorretrato en dos dimensiones 1915

Su pintura fue evolucionando hacia una total simplificación geométrica, convirtiéndose sus lienzos en objetos completamente independientes, que no habían de provocar ningún tipo de emoción en el espectador y eliminando cualquier referente figurativo del mundo exterior al cuadro.

Él mismo consideraba haber llevado la pintura abstracta hasta su esencia más pura.

"La pintura se compone de forma y color, dichas formas no serán la repetición de los objetos que viven en la vida, sino

serán en sí mismas un objeto vivo. La superficie coloreada es la forma viva real"

Kasimir Malevich: Círculo negro, 1915

Kasimir Malevich: Cruz negra, 1915

Kasimir Malevich: Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1915

El suprematismo parte de los elementos geométricos y de sus valores estéticos y no pretende expresar nada que no sea un sentimiento artístico, conseguido con formas geométricas y colores planos, cuya conjunción adquiere valor estético en sí misma.

Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915) fue expuesto y colocado en un lugar muy especial, una esquina de la sala, lugar reservado para los iconos.

Malevich se vale de este simbolismo para romper con el arte anterior y marca lo que él entendía como el punto cero desde el cual se configuraría una nueva estética artística lejos de los convencionalismos y la mímesis más tradicional.

Vista de Última Exhibición Futurista 0.10, con el Cuadrado negro en la esquina, 1915.

“El arte ya no quiere estar al servicio de la religión ni del Estado; no quiere seguir ilustrando la historia de las costumbres; no quiere saber nada del objeto como tal, y cree poder afirmarse en la cosa (por lo tanto, sin la fuente válida y experimentada de la vida), sino en sí y por sí”.

“Cuando en el año 1913, en mi intento desesperado de arte libre del lastre de la objetividad, me refugié en la forma cuadrada y exhibí un cuadro que consistía en nada más que un cuadrado negro sobre un fondo blanco, la crítica y, junto con ellos, el público, suspiró, ‘Todo lo que hemos querido se ha perdido. Estamos en un desierto… ¡Ante nosotros no hay más que un cuadrado negro sobre un fondo blanco!’ (…) Sin embargo, este desierto se llena con el espíritu de la sensibilidad no-objetiva que lo impregna todo.”

“La cara del nuevo arte,

el primer paso hacia la creación

pura.”

Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915)

Dos negros peleando en una cueva

Debajo de la pintura hay un dibujo cubo-futurista y también una broma racista. Las palabras en ruso leen: "Dos negros peleando en una cueva", que aluden a una obra del escritor y humorista francés Alphonse Allais de 1897, perteneciente un grupo de artistas de París llamados Les incohérents. El principio de este movimiento era la risa, no tomarse nada en serio. La incoherencia, la irreverencia, la irracionalidad, la sátira, la estridencia, la parodia y, sobre todo, el sentido del humor, caracterizaban las obras de este grupo.

Recolección del tomate por cardenales apopléjicos a

orillas de un mar rojo

Combate de negros en una cueva durante la noche

Primera comunión de niñas anémicas en la nieve

Rufianes, todavía en plenitud, con el vientre en la hierba, bebiendo absenta

Su obra más radical será Cuadrado blanco sobre fondo blanco (1918):

Un cuadrado blanco suspendido en un fondo blanco con una ligera modificación en la textura y en la intensidad del blanco para distinguir la figura y el fondo.

El cuadrado es la forma más elemental, y al suprimir el color, elimina cualquier residuo de simbolismo cromático.

Resalta el valor simbólico de los dos únicos elementos del cuadro: el cuadrado y el color blanco, llegando a la máxima pureza formal y cromática.

Introduce una sensación de tensión al ubicar el cuadrado pequeño de forma oblicua al cuadrado grande.

La obra de arte se refiere a si misma, no hay en ella ningún tipo de alusión ni de evocación.

El constructivismo ruso

Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y que tuvo especial relevancia tras la Revolución Rusa.

Trataban de romper con el arte tradicional y sustituirlo por un nuevo tipo de arte utilitario, que estuviese al alcance de todos y que contribuyese a construir la nueva sociedad soviética, a través de un arte nuevo que no tuviese que ver con el pasado.

Reivindicaban el carácter revolucionario del arte, renunciando a la idea del arte por el arte en favor del diseño industrial y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.

Vladimir Tatlin: Monumento a la Tercera Internacional, 1919

Muestran su rechazo al arte burgués y se inspiran en la tecnología y la mecánica industriales para el arte nuevo que exigía la nueva sociedad socialista.

Defendían el diseño industrial, frente a la mera creación artística, considerada como estética burguesa, por lo que consideraban que los artistas debían dedicarse a actividades que fueran verdaderamente útiles para la sociedad, integrando las diversas artes, como la arquitectura, la producción industrial, el diseño publicitario, la tipografía, etc.

El Lissitzky: Proun 19 D,

1922

Liuvov Popova: Arquitectura pictórica, 1917

Arte y utilidad van de la mano, concibiendo sus creaciones con “ansias reconstructivas de una nueva sociedad”, con un afán de transformación profunda del entorno social, para lo que se sirvieron, entre otras, de la arquitectura, el diseño y la escenografía.

Serán especialmente conocidos sus diseños de carteles al servicio de la Revolución soviética.

El Lissitzky: Golpead a los blancos con la cuña roja, 1919

En su afán por un nuevo lenguaje artístico que rompiese con el pasado y que fuera comprensible para todos, emplearán las líneas puras, las formas simples, geométricas y abstractas.

Las obras de Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Naum Gabo, Antoine Pevsner, El Lissitzky o Liubov Popova tendrán gran influencia fuera de Rusia y contribuirán a la difusión de la abstracción geométrica.

Naum Gabo: Columna, 1923

La experiencia vanguardista constructivista tendrá su punto final con el estalinismo y la imposición oficial del Realismo Socialista.

Varios de estos artistas marcharon a Europa occidental y otros languidecieron en la URSS.

Isaak Brodsky: Discurso de V.I. Lenin ante los destacamentos del Ejército Rojo que se dirigían al frente occidental el 5 de mayo de 1920, 1933

El Neoplasticismo

Surge en Holanda en 1917 en torno a la revista De Stijl (El Estilo), y sus principales representantes serán Piet Mondrian, Theo van Doesburg y Gerrit Rietveld.

Pretenden un arte puramente racional, que trascienda la realidad material externa, reduciendo la pintura a formas geométricas y colores puros, para hacerla universal.

Buscan un "arte puro", despojado de todo elemento accesorio, de lo particular, para llegar a un nuevo lenguaje objetivo que aspirase a captar lo universal, una nueva plástica, que denominaron Neoplasticismo.

Piet Mondrian: Cuadro 1,

1921

Para ellos, el verdadero arte no debe plasmar imágenes de objetos reales, sino que el objetivo de la pintura debe ser intentar revelar lo que hay más allá de la realidad.

La pintura abstracta era un paso hacia la armonía y el equilibrio universales, desprovista de cualquier sentimiento provocado por la representación de la realidad, pues consideraban que ofuscaban la esencia pura del universo. “Para lograr un enfoque espiritual en el arte, se necesita

apoyarse lo menos posible en la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual”. Piet Mondrian

Piet Mondrian: Cuadro 2, 1922

Aspiraban a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de cualquier carga histórica, cultural o geográfica.

Excluye toda emoción, y se inspira en el rigor matemático y en la simplificación radical de la geometría.

Además, rechazan la línea curva, cualquier tipo de profundidad y de modelado y las texturas, y prescinden de los detalles y de la variedad de la naturaleza, buscando el principio universal bajo la apariencia del mundo.

Piet Mondrian: Composición en rojo, azul y amarillo, 1930

Muy interesado en el movimiento teosófico, Mondrian creía que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado por los medios empíricos.

A través de la abstracción geométrica, Mondrian busca encontrar esa estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y con los planos de colores primarios. Piet Mondrian: Trafalgar Square, 1939-43

Para ello emplearán un lenguaje estrictamente geométrico, reduciendo todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal, que forman ángulos rectos, y todos los colores a los tres primarios (considerados como los colores elementales del universo), además de incorporar la negación del color (el blanco, el negro y el gris) a la composición de la obra.

Sus cuadros se organizan tan sólo a través de planos geométricos simples, principalmente cuadrados y rectángulos, y de colores puros y planos bien delimitados.

Mondrian llegó incluso a rechazar el empleo de líneas diagonales, por entender que con ellas se rompe la pureza de la obra de arte.

"Todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos y no por lo que sean capaces de representar".

Piet Mondrian: Composición A, 1923

• Planteamiento totalmente racionalista.

• El cuadro se convierte en un objeto autónomo de la realidad, que posee sus propias leyes internas.

• Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.

• Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia.

• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, y planos.

• Importancia de los valores de estructura y composición. Piet Mondrian: Composición II, 1920

• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares, verticales y horizontales, formando ángulos rectos.

• Estricta geometría que dispone los planos de una forma regular, haciendo uso de complicadas relaciones matemáticas.

• Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio por la compensación de las formas y los colores.

• Empleo de colores planos, puros (primarios: amarillo, azul, rojo), y los anticolores (blanco, negro y grises).

• Superficie plana de formas y colores. Piet Mondrian: Composición II, 1920

En 1924 Mondrian se separa de Theo van Doesburg cuando éste quiere introducir la diagonal como signo de dinamismo y abandona De Stijl para trasladarse a Londres y, finalmente, a Nueva York.

Theo van Doesburg: Contra-Composición de disonancias XVI, 1925

Estimulado por la vitalidad de la gran ciudad, Mondrian sustituyó las líneas rectas negras por una secuencia de recuadros coloreados.

Además incluyó numerosas teselas amarillas y algunos recuadros grises.

No obstante, se mantienen los mismos principios de geometría y racionalidad.

En el titulo ofreció un homenaje a la verticalidad de los rascacielos de Manhattan y al ritmo de la música de George Gershwin. Piet Mondrian: Broadway Boogie Woogie, 1942-43

Este tipo de abstracción geométrica se extendió a otros campos fuera de la pintura, como la escultura, la arquitectura, las artes gráficas y el diseño industrial.

Gerrit Rietveld: Casa Schroder (1924) y Silla roja y azul (1917)

La influencia del neoplasticismo y del constructivismo se hará sentir en la Bauhaus, en la que fueron profesores artistas como Kandinsky, Paul Klee o van Doesburg, y a lo largo de sus años de existencia, en sus creaciones se apreciará una gran depuración del lenguaje y un creciente predominio de las formas geométricas, vinculado con la abstracción geométrica.

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